Qué vida tan miserable

Dir.: Tom Hooper
Int.: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Barter, Sacha Baron Cohen, Aaron Tveit
¿De qué va?: Jean Valjean es un ex-prisionero que es perseguido durante décadas por el policía Javert después de que rompiera su libertad condicional. Cuando Valjean accede a cuidar a la joven hija de Fantine, Cosette, sus vidas cambian para siempre.

Reseña: Hay películas que desde el papel ya son un caballo ganador. La adaptación cinematográfica del musical de Los Miserables lo es, porque cuenta con el prestigio de venir de una célebre obra teatral, representada en multitud de países, muy premiada y que parte a su vez de la no menos aclamada novela de Victor Hugo. Es una película que lleva innato el espíritu de trascendencia, éxito y estatuillas doradas. Vamos, que buena parte del trabajo ya estaba hecho cuando se le encargó a Tom Hooper llevar el timón del buque. Sin embargo, no creo que el director de El discurso del rey haya sido la opción más adecuada para llevar a cabo tal empresa.

Hooper es consciente del potente reparto de campanillas que tiene a su disposición y de que la fuerte carga dramática implícita en los temas del musical será aún más potente si los actores cantan sin playback, así que ha optado por hacerles primeros planos, a veces incluso sin cortes, y dejarles que se luzcan de lo lindo. Esta fórmula funciona muy bien en momentos como el impresionante I Dreamed a Dream que se marca Anne Hathaway, pero más pronto que tarde se vuelve repetitiva, tan sólo se permite hacer grandes movimientos con la cámara cuando el número se va a terminar. Hay planos marca de la casa, innecesariamente inclinados o a los que les sobra un montón de aire, calcados de El discurso del rey, mientras que los escenarios parecen sacados de una obra teatral, pero los grandes no están aprovechados ante el abuso de los primeros planos y los espacios pequeños son tan minimalistas que no parecen propios de una producción de presupuesto tan holgado como la que nos atañe.

Todos estos inconvenientes de la dirección de Hooper se salvan, y por cuánto, gracias al reparto, empezando por Hugh Jackman, que se hace dueño y señor de la función con facilidad porque el papel de Jean Valjean le sienta como un guante y él sabe aprovecharlo para hacer la mejor interpretación de su irregular carrera. Russell Crowe le da la réplica como su antagonista, el obstinado Javert, desenvolviéndose de forma muy decente en el apartado musical y resultando muy convincente cuando su personaje se ve envuelto en un conflicto moral. Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter aportan el muy necesario contrapunto cómico a la historia, y aunque esta última parece un copia y pega de su papel en Sweeney Todd, ambos están pero que muy bien y consiguen animar el espectáculo.

En cuanto a los más jóvenes del reparto, Amanda Seyfried se lleva la peor parte porque su papel es el que menos goza de oportunidades para lucirse, y aún así ilumina la pantalla cada vez que entra en escena. La novata Samantha Barks está a la altura de los nombres ilustres, aunque también juega con ventaja al haber interpretado el mismo papel en una de las últimas representaciones teatrales. Eddie Redmayne es la revelación de la película porque no sólo canta muy bien sino que su interpretación es estupenda. Incluso los actores más desconocidos, como Aaron Tveit y los niños están geniales. He dejado lo mejor para el final: Anne Hathaway consigue que con su pequeña intervención, que no pasará del 25% del metraje total, nos deje con el corazón en un puño y se convierta en uno de los pilares fundamentales del musical. Su interpretación es simple y llanamente lo más memorable del filme.

Uno acabo de ver Los Miserables exhausto, porque las dos horas y media que dura la película terminan pasando factura. Hay que ser consciente de que se va a ver un musical en su naturaleza más pura, lírico casi al completo aunque escaso de coreografías, pero el problema está en que no siempre alcanza las cotas de emoción que pretende alcanzar por la discutible dirección de Tom Hooper. Por supuesto que estamos ante una película muy grande, que cuenta con un material épico, trágico y revolucionario y con un elenco de actores que no podría ser mejor, pero tengo la impresión de que el director de orquesta, sin ser un desastre, no ha sabido estar a la altura de las circunstancias.

7’5/10

Con alma de píxel

Dir.: Rich Moore
¿De qué va?: Durante décadas, Rompe-Ralph ha vivido a la sombra de Repara-Félix Jr., el chico bueno de su videojuego. Cansado de ser el malo de la historia. Cansado de ser el malo de la historia, Ralph decide emprender un viaje a través de los distintos mundos y generaciones de videojuegos para demostrarle al mundo que él también puede ser un héroe.

Reseña:  Los videojuegos han amenizado tanto nuestras tardes solitarias como con los amigos desde hace décadas y, sin embargo, aún mantienen esa mala imagen de inducir a la violencia a los jóvenes que siempre se pone sobre la palestra cuando se produce una matanza indiscriminada. Por otra parte, su sector se ha convertido en uno de los más rentables del mercado del entretenimiento, y Hollywood ha sabido sacarle partido cediendo las licencias de sus películas a las desarrolladoras de videojuegos, o bien comprando sus derechos para sacar adaptaciones que en la mayor parte de los casos no le hacen justicia a su referente. Disney también ha llenado sus arcas gracias a los videojuegos, por lo que ¡Rompe Ralph! podría ser si manera de agradecérselo y de paso rendirle homenaje.

Aunque al principio parece que la película va a ser un Toy Story que sustituye los juguetes por videojuegos, pronto adquiere personalidad propia con una historia que se desarrolla a un ritmo frenético y sorprendentemente imprevisible, cargada de buen humor y de guiños y referencias a toda la cultura ‘videojueguil’, desde la nostalgia por los salones recreativos, los 8 bits de la Game Boy y pasando por los 16 de la Mega Drive y la Super Nintendo hasta llegar a los videojuegos de última generación, con cameos de personajes tan populares como Sonic, mundos que hacen referencia a juegos míticos, terminología del sector y mucho más.

Los que no sean jugones tampoco tienen de qué preocuparse porque los videojuegos son sólo el (genial) contexto de una historia universal, la de un hombre que aborrece su naturaleza ante el rechazo de los demás, que debe aprender a aceptarse a sí mismo y a sacar partido tanto de sus virtudes como de sus defectos. Aunque el problema no sólo es de él, también lo es de una sociedad que está tan acostumbrada a aceptar el papel que le ha tocado a cada uno en esta vida que es incapaz de ver más allá de la superficie simplemente porque no les conviene. Tal y como en la vida misma.

Imaginativa, divertida, frenética, colorida, cómica, trepidante… Así es ¡Rompe Ralph!, una película que coge los temas habituales de los clásicos de Disney y literalmente los rompe para volver a ensamblarlos de manera diferente. Una historia con continuos giros y un clímax final tremendo y una galería de personajes a cada cual más carismático son los principales ingredientes con los que la compañía de Mickey Mouse ha conseguido ponerse a la altura de su rival directo, Pixar (algunos no harán la distinción), e incluso yo diría que la llega a superarlo si la comparamos con sus últimos trabajos, Cars 2 y Brave. Por cierto, la película viene precedida por el cortometraje Paperman, una delicia que combina las 2 dimensiones con lo digital para contarnos una tierna y mágica historia de amor en blanco y negro. Vamos, que no se pueden perder ¡Rompe Ralph! estas Navidades y ni se les ocurra llegar tarde a la sesión.

8’5/10

A golpes con la vida

Dir.: Jacques Audiard
Int.: Matthias Schoenaerts, Marion Cotillard, Armand Verdure, Corinne Masiero, Céline Sallette, Bouli Lanners
¿De qué va?: De repente, Alí tiene que hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de 5 años al que apenas conoce. Como no tiene casa, ni dinero, ni amigos, se refugia en la casa de su hermana, en Antibes. Tras una pelea en una discoteca, conoce a Stéphanie, una domadora de orcas en Marineland.

Reseña: El ser humano es egoísta por naturaleza. Incluso las acciones más desinteresadas esconden una finalidad ególatra, la de sentirnos bien con nosotros mismos. ¿Acaso no es el amor otra cosa que encontrar a alguien que nos aporte algo de lo que carecemos y que deseamos para poder sentirnos realizados? El director galo Jacques Audiard no tiene una concepción idílica y romántica del amor ni de cualquier otro aspecto de la vida, como ya demostró en sus precedentes y muy recomendables películas, De latir mi corazón se ha parado y Un profeta. Ambas cuentan historias duras y violentas, arraigadas a la cruda realidad pero con un trasfondo poético y esperanzador, aunque sin desprenderse nunca del dolor.

Lo mismo ocurre con De óxido y hueso, una inusual historia de amor en la que se sustituye el romance por la necesidad de tener a la otra persona por lo que ésta le aporta y por el entendimiento mutuo. Ali y Stéphanie son dos animales heridos e imperfectos, él es incapaz de conectar emocionalmente con su hijo y de comprometerse con nada ni nadie, mientras que ella se refugia en sí misma cuando un accidente le da un giro de 180º a su vida. Ambos se necesitan mutuamente para abrirse al mundo aunque no sean conscientes de ello. Por su parte, Audiard equilibra muy bien la balanza entre los momentos más intensos y los livianos para no caer nunca en el tremendismo o en la condescendencia; por suerte, la película no transita por los lugares comunes del drama de lágrima fácil, aunque en algunos momentos llegue a asomarse al precipicio.

Claro que la película no sería ni la mitad de lo que es si no fuera por las tremendas y carnales interpretaciones de su pareja protagonista, Matthias Schoenaerts y Marion Cotillard. Mucho y muy bien se ha hablado de la oscarizada actriz desde que la película se presentó en el Festival de Cannes y no es para menos, puesto que esquiva con facilidad la sobreactuación típica de los personajes que sufren de alguna discapacidad y se muestra serena, naturalmente bella y abatida. A su altura y llevando un mayor peso de la trama se encuentra Schoenaerts, quien consigue algo tan difícil como otorgarle hondura a un personaje de mentalidad más bien simple, mostrando todas sus aristas sin que la evolución que experimenta el personaje resulte forzada.

De óxido y hueso sufre de una contrariedad en su tramo final, pues la resolución de la trama se antoja demasiado precipitada e incluso complaciente, chocando con la aspereza que predomina en el relato. Aún así nos encontramos ante un drama potente e intenso, con tintes sociales y cuyo romanticismo no radica en grandes ni en pequeños gestos románticos sino en unos baños en la playa, encuentros sexuales y en la complicidad entre dos personas que se niegan a compadecerse de sí mismas y que, al fin y al cabo, son las únicas que pueden limpiarse la sangre y cicatrizarse las heridas la una a la otra.

8/10

Compadres y sabuesos

Dir.: David Ayer
Int.: Jake Gyllenhaal, Michael Peña, Anna Kendrick, Natalie Martinez, America Ferrara, Frank Grillo, Cody Horn, David Harbour
¿De qué va?: Taylor y Zavala son dos jóvenes policías de Los Ángeles que se dedican a patrullar en las calles más humildes del sur de la ciudad. Sus vidas se pondrán en peligro después de confiscar un alijo de dinero y armas de un cártel de la droga durante un control de tráfico.

Reseña: Training Day fue hace 11 años un hito dentro del género policiaco que le reportó a Denzel Washington un Oscar por su convincente papel de madero de moralidad difusa. Años más tarde su guionista, David Ayer, dio el salto a la dirección con Vidas al límite, a la que le siguió Dueños de la calle, dos thrillers policiacos ambientados en la ciudad de Los Ángeles que al igual que Training Day mostraban, aunque no con tanto acierto, los claroscuros del departamento de policía en su lucha contra la droga y la delincuencia en las calles.

Sin tregua cierra la trilogía de Ayer al abarcar el mismo tema pero desde un ángulo más cercano y realista. Esto último lo intenta conseguir de dos formas: poniendo especial atención en la relación y el compañerismo de la pareja de policías protagonista y utilizando el estilo de ‘metraje encontrado’ que tan de moda se ha puesto en los últimos años, con los personajes grabando la acción a través de sus propias cámaras. Mientras que lo primero funciona estupendamente y se convierte fácilmente en el motor de la película, lo segundo no acaba de quedar del todo bien porque en muchos momentos Ayer se hace la picha un lío y utiliza planos “artificiales”, resultando ser un recurso estilístico y narrativo cuya utilización no queda del todo implementada ni justificada, además de que provoca confusión durante las secuencias de acción.

Como ya he dicho, Jake Gyllenhaal y Michael Peña son el combustible de la película, no ya porque estén muy convincentes como policías sino porque su relación fraternal se siente muy auténtica, con su camadería y esas conversaciones que mantienen durante su patrulla en las que bromean mientras hablan de mujeres, familia, trabajo, del futuro… cosas normales y corrientes que tampoco llegan a ser aburridas gracias al carisma de ambos actores y a la química que hay entre ellos. Y entre los secundarios conviene destacar a Anna Kendrick, tan entrañable como siempre, y a America Ferrara en un papel muy diferente al de Ugly Betty.

Sin tregua carece de las dobles lecturas, reflexiones morales o críticas al sistema que tenía Training Day. Es una película sobre la lucha entre unos policías muy buenos y dedicados frente a unos traficantes muy chungos, barriobajeros y pertenecientes a una minoría étnica. Lo que hay es lo que ves, y aunque se le pueda acusar de simplista y poco innovadora jamás se podrá decir de ella que es lo mismo de siempre porque pocas películas policiacas le ponen tanto cariño a los personajes, al menos, a los del bando de los buenos. Gustará mucho a los fans del género, pero también a sus novias y a algún que otro forastero.

6’5/10

El tigre y la fe

Dir.: Ang Lee
Int.: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Rafe Spall, Tabu, Adil Hussain, Gérard Depardieu
¿De qué va?: Pi Patel es un muchacho cuyo padre es el dueño de un zoológico de la ciudad de la India en la que viven. Su familia decide marcharse a Canadá, pero una tormenta hace naufragar el barco en el que viajan. Pi consigue salvarse gracias a una barcaza en la que también hay otro pasajero, un tigre de bengala con quien labrará una inesperada relación.

Reseña: Hay libros que por muchos premios que ganen o por muchos ejemplares que vendan son inadaptables para el cine. Que se lo digan a Charlie Kaufman, autor de la adaptación cinematográfica más brillante y original de la historia, El ladrón de orquídeas (Adaptation), donde llevó el metacine a un nuevo nivel donde él y su lucha por escribir un guión adaptado imposible eran el tema principal de la película. La vida de Pi también parecía una de esas historias cuya esencia no podía permanecer intacta en su paso al celuloide. Pero Ang Lee ya ha demostrado que es un director que sirve tanto para elevar el cómic de Hulk a tragedia griega como para orquestar la íntima relación de amor entre dos hombres. Por tanto, él era la opción más lógica a la hora de trasladar la sensibilidad y la grandilocuencia de la novela de Yann Martel a la gran pantalla.

El director chino ha puesto toda la carne en el asador a la hora de confeccionar el apartado visual del filme, empezando por una fotografía impecable que convierte cada plano en una postal tan vívida como hermosa. Si tengo que establecer algún precedente, me viene a la mente Largo domingo de noviazgo, pues al igual que aquella el manejo de la luz le confiere una atmósfera de cuento (el océano cristalino como espejo del cielo). El CGI también es impresionante, siendo el tigre de bengala uno de los seres digitales con más realismo de los que hayamos podido ver en el cine. Y el 3D no se ha utilizado como un simple sacacuartos, sino que enriquece la experiencia de la misma forma que lo hicieron Avatar y La invención de Hugo. Precisamente hay secuencias que han sido creadas para verse en 3 dimensiones, puesto que la profundidad de campo y la posición de los personajes y de los objetos juegan un papel fundamental en la acción.

En lo que respecta a la historia, la presentación del protagonista está un poco estirada pero su segundo acto resulta absorbente, convirtiendo el hándicap de desarrollar la relación entre un hombre y un animal en un único y limitado espacio en una proeza narrativa, muy al estilo de Náufrago, y aquí hay que pararse para admirar la interpretación del debutante Suraj Sharma, quien sale indemne de llevar toda la carga dramática de la película sobre sus hombros. El componente metafórico, espiritual y religioso permanece latente en la historia hasta que se manifiesta por completo en un inesperado giro final que se posiciona a favor de la fe en un ser superior para sobrellevar la vida, pero no resulta ni invasivo ni dictatorial (el propio Pi sigue varias doctrinas), aunque su marcado espíritu New Age evidenciado en ciertas escenas puede irritar un poco.

La vida de Pi es una inspirada fábula sobre la naturaleza del ser humano, su instinto de supervivencia, sus ansias de conocimiento y su lucha interior entre el bien y el mal. En ningún momento resulta empalagosa ni sensiblera al estilo Spielberg y su Caballo de batalla. Conmueve pero tampoco se recrea en la tragedia, algo por lo que muchos espectadores, sobre todo los que hayan vaciado sus conductos lagrimales en Lo imposible, se sentirán defraudados, aunque personalmente yo lo considero un acierto porque hace más llevadero el tema religioso. Ang Lee ha vuelto a demostrar que no hay tema, género, cultura o historia que se le resista; él es el pilar maestro de la película y que no queda duda de que es un auténtico virtuoso del Séptimo Arte.

8’5/10

Alma de best-seller

Dir.: Brian Klugman, Lee Sternthal
Int.: Bradley Cooper, Jeremy Irons, Dennis Quaid, Zoe Saldana, Olivia Wilde, Ben Barnes, Nora Arnezeder
¿De qué va?: El joven escritor Rory Jansen finalmente consigue el tan buscado éxito al publicar la que será considerada la nueva gran novela americana. Sólo hay un problema, no la ha escrito él. Mientras el pasado regresa para perseguirle y su estrella literaria sigue creciendo, Jansen se ve forzado a enfrentarse al alto precio que debe pagar por robar el trabajo de otro hombre y haberse dejado llevar por la ambición.

Reseña: Libros con vocación de película hay muchos, pero películas que beben de las fuentes literarias sin ser una adaptación no tantos. ¿Para qué parecerse a una forma de ocio tan denostada por un gran público que en muchos casos prefiere esperar a la película antes que leer el libro en el que se basa? Pues El ladrón de palabras (mejor su título original, The Words) parece un libro contado en imágenes, y no sólo por su omnipresente voz en off, sino porque la historia y su propia estructura narrativa están hermanadas con los novelas de escritores contemporáneos como Paul Auster.

A través de tres líneas temporales enlazadas por los relatos que cuentan unos personajes a otros, la película va tocando temas interesantes que invitan a la reflexión, como la toma de conciencia de la mediocridad de uno mismo, cómo vivir tras haber cometido un terrible error o si una relación amorosa puede perdurar tras producirse un trágico suceso. La lástima es que la historia va por derroteros muy comunes y previsibles, no aprovecha los límites difusos entre realidad y ficción a los que alude y a la ausencia de sorpresas hay que sumarle una carencia de emoción y profundidad en los conflictos dramáticos que sufren los personajes, tan sólo atisbados en ciertas escenas puntuales.

El reparto al menos cumple su función como vehículo de la historia, encabezado por un Bradley Cooper muy correcto, al igual que Zoe Saldana, Jeremy Irons y Ben Barnes. Por su parte, Olivia Wilde ejerce su particular y seductor magnetismo en un pequeño y poco trascendental papel, mientras que Dennis Quaid resulta la nota discordante del eficiente reparto, no tanto por dotes interpretativas sino porque algo se habrá hecho en la cara que provoca que no podamos aguantar un primer plano suyo sin preguntarnos por qué tantas estrellas de Hollywood no saben envejecer con dignidad… o gastar el dinero en un mejor cirujano plástico.

El ladrón de palabras, debut en la dirección de los guionistas de TRON: Legacy, complacerá a los espectadores menos exigentes, pues no reúne suficientes ingredientes como para considerarse un filme notable ni está realizada de forma tan torpe como para calificarla de bodrio. Es de esas películas que mi madre definiría como ‘bonitas’ pero de la que se habría olvidado al par de días. Al menos cuenta con un reparto atractivo (salvo por Quaid), una buena factura, una historia que se deja ver con facilidad y que toca palos sugerentes y una banda sonora compuesta por Marcelo Zarvos de la que se abusa demasiado pero que resulta algo más que simplemente funcional. Menos da una piedra o un libro de Dan Brown.

6/10

Más extraño que la ciencia ficción

Dir.: Ben Affleck
Int.: Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman, Victor Garber, Tate Donovan, Clea DuVall, Kerry Bishé, Chris Messina
¿De qué va?: Cuando, en 1979, la revolución iraní irrumpió en la embajada estadounidense en Teherán y tomó a 52 prisioneros americanos, seis de ellos lograron escapar y se refugiaron en casa del embajador canadiense. Con el fin de organizar un rescate, un especialista de la CIA llamado Tony Mendez urde un arriesgado plan para sacarlos del país de forma segura. Un plan tan increíble qua sólo podría salir bien en una película.

Reseña: De ser proclamado como el peor actor del mundo a suceder a Clint Eastwood, así ha sido la meteórica evolución que ha experimentado Ben Affleck desde que estrenara su ópera prima Adiós, pequeña, adiós, un debut tras las cámaras que dejaba entrever que nos encontrábamos ante una gran promesa de la dirección. Con su tercera película, Affleck deja de ser una promesa para convertirse en un valor seguro, y si se le compara con Eastwood es porque sabe narrar historias modernas con el pulso de los grandes autores del cine clásico.

De entrada, Argo no es especialmente atractiva, pero Affleck lo solventa en los primeros minutos de película, cuando a través de imágenes de archivo y animaciones nos pone en antecedentes sobre el acto de violencia que vamos a presenciar a continuación. La trama que le sigue es la planificación de un gran golpe, al estilo de Ocean’s Eleven (salvando las distancias), pero en vez de ir tras la banca de un casino aquí lo que se pretende es recatar a un grupo de personas de la misma forma, sin utilizar ni una bala y sin derramamiento de sangre. Y el plan no es otro que hacer que un Hollywood en pleno tránsito entre el cine clásico y el moderno sea cómplice de una artimaña tan surrealista que podría funcionar.

Además de dirigir, Affleck también se reserva el papel protagonista, pero en vez de cargar con todo el peso emocional de la película lo reparte entre un amplio reparto de eficacia más que demostrada. De entre todos ellos destaca Alan Arkin porque las líneas de diálogo más ingeniosas e hilarantes del guión están reservadas a su personaje, un astuto productor de Hollywood pasado de vueltas de todo. La singular pareja que forma con John Goodman es tremenda aunque éste quede algo relegado a un segundo plano. Bryan Cranston también está fabuloso y las pequeñas intervenciones de actores como Chris Messina y Kyle Chandler refuerzan el gran nivel interpretativo al que se encuentra el filme.

Argo alcanza un nivel notable en todos sus aspectos: guión, reparto, fotografía, banda sonora, ambientación… y Affleck se desenvuelve muy bien con la cámara, al igual que sabe manejar tanto los tiempos cómicos del filme como los más dramáticos y tensos. El tercer acto es toda una lección de suspense cinematográfico; teniendo en cuenta que ya sabemos de antemano cómo se va a resolver la historia, que nos mantenga en tensión en todo momento es algo verdaderamente encomiable. En definitiva, Argo es tan admirable como thriller de tintes políticos que como sátira sobre el mundo del cine, aunque a fin de cuentas, nos demuestra algo de lo que todos los cinéfilos somos plenamente conscientes: el Séptimo Arte es capaz de salvar nuestras vidas.

8'5/10

La media naranja adulterada

Dir.: Jonathan Dayton, Valerie Faris
Int.: Paul Dano, Zoe Kazan, Chris Messina, Annette Bening, Antonio Banderas, Steve Coogan, Elliott Gould, Deborah Ann Woll
¿De qué va?: Calvin es un escritor con bloqueo creativo tras su primera y exitosa novela. Finalmente, consigue crear un personaje femenino, Ruby Sparks, que acaba materializándose y compartiendo la vida con él. Además, cada vez que Calvin se sienta ante su máquina de escribir, tiene la facultad de cambiar a Ruby a su antojo. El problema está en lograr que esa relación, perfecta en la teoría, funcione en la vida real.

Reseña: En la mitología griega, la leyenda de Pigmalión habla de un rey que buscó durante mucho tiempo a la mujer perfecta con la que casarse. Al no encontrar ninguna que cumpliera sus altas expectativas, se dedicó a esculpir figuras preciosas hasta que se enamoró de una de ellas, Galatea. La guionista y actriz Zoe Kazan parte de ese mito para crear una historia, a medio camino entre Más extraño que la ficción y (500) días juntos, que sirve de alegoría de uno de los grandes males de las relaciones contemporáneas: el convencimiento de que tenemos que encontrar a nuestra alma gemela para alcanzar la felicidad plena o, en su defecto, moldear a nuestra pareja hasta que sea perfecta para nosotros.

Ruby Sparks no es la mujer cañón soñada por algún quinceañero de hormonas revolucionadas; se trata más bien del ideal de chica moderna o hipster, muy del estilo que ha patentado Zooey Deschanel desde que nos hiciera perder la cabeza por ella en (500) días juntos, y es que la descripción que hace Calvin de Ruby no difiere mucho a la que se hacía de Summer en dicha película. Lo que ocurre es que su sucesora es plenamente consciente de su magnetismo y sus encantadoras rarezas; en una escena incluso llega a decir “Soy tan compleja…”, pero la humildad y el buen hacer de Zoe Kazan y la química que mantiene con Paul Dano (pareja en la vida real) consigue que no odiemos a su personaje pese a lo prefabricado que está.

El buen rollo y la ligereza con la que discurre la trama llega a su punto álgido con la visita a la madre hippie y a su novio fabricador de muebles, unos simpáticos Annette Bening y Antonio Banderas, pero cuando se produce el inevitable giro de guión en el que la situación idílica se tuerce la película sorprende pasando de la comicidad al dramatismo más serio. La escena clave de la trama es una efectiva metáfora sobre las relaciones de pareja enfermizas y de la decepción que se produce cuando la convivencia no está a la altura de las expectativas creadas, además del peligro que se corre cuando la personalidad de unos de los componentes de la pareja queda anulada por el otro.

La pasión, inspiración y frustración que otorga la escritura también es uno de los temas clave de Ruby Sparks, aunque queda un tanto ensombrecido frente a la materia amorosa. Tras Pequeña Miss Sunshine, Jonathan Taylor y Valerie Faris revalidan su condición de directores abanderados del cine indie, aunque no consiguen que la historia de amor de Calvin y Ruby sea tan memorable como la de (500) días juntos, ¡Olvídate de mí! o Beginners, quedándose un escalón por debajo de todas ellas. ¿Y el desenlace? Gustará a unos y defraudará a otros tantos por sus múltiples interpretaciones, pero al menos resulta satisfactorio porque “como en la vida, cada final es un nuevo comienzo”.

7/10

La pasión de Carmencita

Dir.: Pablo Berger
Int.: Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Inma Cuesta, Pere Ponce
¿De qué va?: Carmen es una bella joven con una infancia atormentada por su madrastra, Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de enanos toreros.

Reseña: Hace un par de años se anunció el proyecto de sacar una versión muda, española y en blanco y negro del cuento de Blancanieves, pero esas tres cualidades juntas parecían veneno en la taquilla hasta que llegó The Artist y demostró que la nostalgia puede llegar a ser muy rentable. Por si fuera poco, la película es la tercera versión del cuento que se estrena este año y las anteriores tampoco es que nos dejaran con muy buen recuerdo precisamente. No sé si la Blancanieves de Pablo Berger llega en el momento más oportuno o todo lo contrario, pero si se dejan a un lado los prejuicios que puede haber hacia ella descubrirán que es una película con identidad propia y rodada con mucho esmero y talento.

Blancanieves se nutre de un montón de referentes cinematográficos, culturales y literarios. Seguro que se me escaparon unos cuantos, pero es bastante obvio que en el apartado formal le rinde tributo al cine mundo europeo de la misma forma en la que The Artist lo hacía con el norteamericano, con especial atención a la corriente expresionista, de cuyas fuentes bebe para componer ciertos planos e imágenes de una belleza imponente. Y en cuanto a la narrativa, tiene la esencia tenebrosa y cruel de los cuentos de los hermanos Grimm y se recrea bastante en la parte más tópica del folklore español, con sus sevillanas, corridas de toros y demás, pero lo cierto es que lo hace de una manera nada invasiva ni bochornosa, formando una simbiosis perfecta con la historia.

Los antitaurinos no tienen por qué poner el grito en el cielo puesto que en ningún momento se hace un ensalzamiento del toreo (ni siquiera hieren a ninguno de estos animales, al menos en los planos que aparecen en el montaje final) y es un tema que está supeditado al corazón de la película, que no es otro que una niña que siente devoción por su padre ausente y que sueña con seguir sus pasos y con ser digna sucesora de su difunda madre. Tanto Sofía Oria como Macarena García brillan con luz propia encarnando a Blancanieves en diferentes edades, pero tampoco se queda atrás su antagonista, una espléndidamente malvada Maribel Verdú que además de encarnar la vileza en estado puro representa, junto al giro final de la película, la frivolidad que tanto gusta en la sociedad española.

Una fotografía en blanco y negro soberbia, una banda sonora que sirve como complemento perfecto e indispensable de la narración, un reparto capaz de expresarlo todo sin palabra alguna y una historia que pasa de la comedia al drama con soltura y que enriquece para bien el material del que parte son las principales armas de esta Blancanieves, la mejor de las tres versiones que han llegado este año a los cines y con diferencia. Las comparaciones son odiosas, pero en su contra debo decir que no me llegó a emocionar y entusiasmar tanto como The Artist, pero al menos consiguió cautivarme cuando no sentía ningún interés previo por ella, y ahora siento que algunas de sus imágenes perdurarán por siempre en mi memoria cinéfila.

8/10

Lo que el mar se llevó

Dir.: Juan Antonio Bayona
Int.: Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland, Samuel Joslin, Oaklee Pendergast, Geraldine Chaplin, Marta Etura, Sönke Möhring
¿De qué va?: María, Henry y sus tres hijos pasan las vacaciones de invierno en Tailandia. Una mañana, mientras se encuentran en la piscina, un terrible rugido surge del centro de la tierra. María se queda paralizada por el miedo, al ver cómo un inmenso muro de agua avanza por los jardines del hotel hacia ella.

Reseña: La película española más publicitada del año está basada en una historia real, tal y como lo anuncia la propia cinta en su principio y final, pero si hay que encuadrarla en un género cinematográfico no es otro que el catastrofista, un tipo de película que últimamente se ha centrado más en mostrar las numerosas formas en las que el mundo se puede ir al garete bajo unos efectos especiales abrumadores que en el drama humano que se produce cuando la vida de un grupo de personas da una sacudida y los enfrenta a situaciones al límite. Por fortuna, en el filme de Juan Antonio Bayona se ha cuidado este último aspecto, quizás demasiado.

Lo imposible comienza presentándonos a la familia cuyo punto de vista compartiremos a lo largo de todo el recorrido por el paraíso tropical convertido en auténtico infierno. Una presentación que no se extiende demasiado para dar paso al tsunami, una auténtica bestia que arrasa con todo lo que se encuentra a su paso y tan bien recreada que parece la auténtica. La que se hizo para Más allá de la vida (Hereafter) es una chapuza digital comparada con ésta, que sumada a los planos, los movimientos de cámara y al terror que nos transmite una entregadísima Naomi Watts se convierte en una de las experiencias más viscerales y sobrecogedoras de la cinematografía reciente.

La lucha por sobrevivir y ayudar a los demás de María y su hijo mayor (Tom Holland, una revelación) es impactante y cautivadora. Sin embargo, en determinado momento la película cambia de escenario y se siente un tanto estancada por el ansia de sus responsables de ajustarse lo más fiel posible a la historia real (y aún así me imagino que se habrán tomado alguna licencia para aligerar el desenlace). Pero aún peor resulta la machacona utilización de momentos sentimentales arropados por una banda sonora lacrimógena a más no poder para conseguir tocar la fibra del espectador, cuando, en realidad, consigue mejor su propósito en detalles y gestos sencillos, como cierta caricia encima de un árbol, que por su espontaneidad consiguen que se nos empañen los ojos, y no las escenas creadas especialmente para tal fin, que lo lograrán con la mayor parte del público, pero recurriendo a lo fácil.

Haber escogido a una única familia para mostrar toda la tragedia es un arma de doble filo pues, por un lado, beneficia el componente emocional y evita que la historia se desparrame en múltiples puntos de vista que no interesan, pero por el otro, deja cierta sensación de bienestar engañoso en la platea porque (lo que viene es un tremendo SPOILER si no conocen la historial real) al final todos los componentes de la familia sobreviven y, pese a que la tragedia les dejará una huella imborrable, se van en un avión privado, fueron afortunados. Por tanto, se crea un final feliz, un consuelo, que tapa todo el drama que se siguió viviendo en Tailandia FIN DEL POSIBLE SPOILER.  Concluyendo, Lo imposible tiene una primera hora modélica y una segunda un tanto inferior, y aunque los pros pesan más que los contras, es en última instancia una experiencia arrolladora pero imperfecta.

7/10

Yo, yo mismo y el superyó

Dir.: Rian Johnson
Int.: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Jeff Bridges, Paul Dano, Piper Perabo, Pierce Gagnon, Noah Segan, Garret Dillahunt
¿De qué va?: En el año 2072 las víctimas de asesinatos son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado, al año 2042, donde existe una red de sicarios, conocidos como loopers, que se encargan de acabar con ellos y de deshacerse de los cuerpos. Uno de los mejores loopers es Joe, para quien esta profesión sólo supone un trabajo muy bien pagado. Hasta que recibe un objetivo desde el futuro: él mismo.

Reseña: Los viajes en el tiempo conforman uno de los temas más trillados de la ficción tanto televisiva como cinematográfica. El buen uso de estas paradojas espacio-temporales se puede ver reflejado en producciones recientes como Código fuente, Los cronocrímenes o incluso en Midnight in Paris, donde la ciencia ficción es lo de menos. Perdidos podría ser la otra cara de la moneda, pues cuando la serie se metió en estos berenjenales perdió fuelle, retorciendo la ya enrevesada trama en una de sus temporadas más flojas. Y es que cuando juegas mucho con los saltos temporales resulta casi imposible no caer en la contradicción.

El director y guionista Rian Johnson se adentra con su tercer trabajo en los terrenos de la ciencia ficción, tras su particular y notable ópera prima, Brick, y The Brothers Bloom, que a pesar de contar con gran reparto ni siquiera se ha distribuido en España. La premisa de Looper es muy buena, y compleja, por eso Johnson tiene que recurrir durante los primeros minutos a la narración en off del protagonista para ubicar a los espectadores en este futuro distópico que, como toda buena película de ciencia ficción que se precie, guarda lecturas que la relacionan con la sociedad actual. Lo sorprendente de la película es que llegado a cierto punto corta con todo el tema de los viajes en el tiempo (sin rollos ni explicaciones enrevesadas) y lo convierte en una especie de Macguffin que da pie a una trama que tiene un poco de todo: drama, romance, acción y comedia, y que está cargada de dilemas morales concentrados en el enfrentamiento del protagonista consigo mismo, su ‘yo’ del futuro.

Al estar tan separados en el tiempo, el Joe del presente no es la misma persona que el Joe del futuro, pero los identificamos como el mismo individuo gracias al nexo establecido entre Joseph Gordon-Levitt y Bruce Willis. Levitt es un actor muy versátil y Willis tiene mucho tirón, pero es algo limitado, así que lo normal es que el primero se amolde al segundo y no al revés. A Levitt le basta una sesión de maquillaje y unos cuantos gestos y expresiones faciales para convertirse en Willis, y sin caer nunca en la caricatura. El veterano actor tampoco se duerme en los laureles, pues realiza una estupenda interpretación que, junto con la de Moonrise Kingdom, confirma que el 2012 ha sido un gran año para él. Cerrando el trío protagonista tenemos a la siempre estupenda Emily Blunt en un rol más importante de lo que cabría esperar y muy diferente a lo que ha hecho anteriormente. Atentos también al pequeño Pierce Gagnon, un robaescenas tremendo.

Looper es una película comercial de espíritu indie, no tanto por la pose como por su contenido y estilo: los originales planos y composiciones que se marca Johnson, la carga emocional (que no sentimental) de la historia, la cual transcurre en su mayor parte en el campo y a plena luz del día, la ambigüedad moral de los personajes, la acción supeditada a la trama y no al revés… Ignoro si cuenta con los suficientes ingredientes para convertirse en una obra de culto o si sus cabos están peor atados de lo que yo quiero pensar, pero estoy seguro de dos cosas: Rian Johnson es un valor seguro, no hay que perderle la pista, y Looper es de lo más sugestivo y eficaz que nos ha dejado el cine palomitero de este año.

8/10

Dispara, corre y pasa de nivel

Dir.: Paul W.S. Anderson
Int.: Milla Jovovich, Michelle Rodriguez, Sienna Guillory, Boris Kodjoe, Li Bingbing, Johann Urb, Oded Fehr, Kevin Durand, Shawn Roberts
¿De qué va?: El mortal Virus T de la Corporación Umbrella continúa causando estragos en la Tierra, transformando a la población mundial en legiones de muertos vivientes. La última y única esperanza de la raza humana, Alice, despierta en el corazón de las instalaciones de operaciones más clandestinas de Umbrella, de donde deberá escapar junto a nuevos aliados para salvar al mundo de la destrucción.

Reseña: Quién nos iba a decir hace 1o años, cuando se estrenó una modesta adaptación cinematográfica del videojuego Resident Evil, que sería el comienzo de una muy rentable franquicia cuyos beneficios han ido en aumento con cada nueva entrega y a la que todavía le queda una sexta y, en teoría, última parte (cuando lo vea me lo creo). A estas alturas, a nadie le pilla por sorpresa que no nos encontramos ante la quintaesencia de la ciencia ficción y el terror, pero la diversión que reportan sus dosis de acción desmesurada y ver a Milla Jovovich en su salsa pateando culos y dando piruetas imposibles le merece el visionado a muchos, entre los que me incluyo sin rubor alguno.

Ahora bien, la poca coherencia e hilo argumental que tenía la saga ya se perdió en la cuarta entrega, Ultratumba, y la sensación de que nos encontrábamos ante un capítulo de transición vuelve a repetirse en Venganza. Se apresuraron en infectar con el virus al mundo entero desde la tercera parte y a partir de ahí estirar la historia se ha convertido en un sinsentido, así que a Paul W.S. Anderson se le ha ocurrido la idea de estructurar la película como si de un videojuego clásico se tratase, con sus niveles, diferentes escenarios, enemigos finales… el beat’em up de toda la vida. El problema está en que tanto el desarrollo argumental como la tensión dramática son prácticamente nulos.

Si al menos los personajes fueran interesantes, pero son simples avatares. El personaje de Alice no da más de sí, con sus poderes sobrenaturales de quita y pon. Los heredados del videojuego son sus comparsas; mantiene características básicas reconocibles por los fans (indumentaria, nombre y poco más) pero no se diferencian demasiado de los que están de relleno para morir tarde o temprano. La mejor sin duda es Sienna Guillory, que como ya demostró en Apocalipsis, es la que mejor sabe interpretar un personaje de videojuego. La reaparición de viejos conocidos de la saga es curiosa pero bastante desaprovechada, salvo en el caso de Michelle Rodriguez.

Resident Evil: Venganza arranca donde terminó la anterior con una de las mejores secuencias de la saga, en la que la acción marcha atrás, la cámara lenta y la música forman un conjunto espectacular. Después, la película no consigue superar ni igualar su prólogo aunque introduzca pasajes con un sospechoso parecido a filmes como Aliens. Ni siquiera su final, otro cliffhanger como de costumbre, es tan potente como el de anteriores entregas por haberse mostrado en algún que otro tráiler. En definitiva, más de lo mismo, un episodio de relleno que antecede al desenlace de esta franquicia que, eso sí, ha conseguido sostenerse por sí misma e incluso retroalimentarse con la saga de videojuegos de la que parte. Al rey lo que es del rey.

4’5/10

El fin del romance

Dir.: Terence Davis
Int.: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Russell Beale, Ann Mitchell, Karl Johnson, Harry Hadden-Paton
¿De qué va?: En el Londres de los años 50, Hester lleva una vida privilegiada como esposa de un juez del Tribunal Supremio, sir William Collyer, pero para asombro de todos los que la rodean, deja a su marido para irse a vivir con Freddie Page, un joven ex piloto de la RAF del que se ha enamorado apasionadamente.

Reseña: El cine ha sido uno de los principales impulsores del concepto tan generalizado que tenemos sobre el amor romántico. Por culpa de las películas de Hollywood muchos hemos soñado con un romance de película que supera todas las adversidades y que culmina en un final feliz. Sin embargo, todos sabemos que en la vida real, tal y como dice Angelina Jolie en Sr. y Sra Smith, los finales felices son historias sin acabar. Y es que el amor nos puede traer mucha felicidad, pero el sufrimiento también es algo que va íntimamente ligado a él.

The Deep Blue Sea es el melancólico retrato de una mujer que sufre un tremendo mal de amores. Hester Collyer siente por el joven y altivo Freddie Page un amor que jamás ha sentido por su marido, por lo que decide abandonarlo y vivir con su amante con todo lo que conlleva ser una mujer adúltera en los años 50. Sin embargo, sigue sin alcanzar la felicidad que anhelaba porque se siente avergonzada de su decisión y es plenamente consciente de que el hombre que ama nunca la querrá de la misma forma que ella lo quiere a él. Hester intenta recomponer los pedazos rotos de su vida al tiempo que Inglaterra se lame sus heridas tras la 2ª Guerra Mundial (sutil y apropiado contexto), pero a veces se ve muy superada por el dolor que ha causado a su marido y la aflicción de vivir un romance descompensado.

Terence Davies filma con templanza y se vale de la fotografía natural, exenta de luces artificiales, para iluminar los húmedos y fríos espacios donde transcurre la historia de Hester, interpretada por una formidable Rachel Weisz en una de sus encarnaciones más memorables. Weisz se enamora, sufre, llora, se enfada, grita, se desespera, fuma y se enfrenta a la muerte en carne viva, sin caer en la sobreactuación y consiguiendo que empaticemos con su personaje, que a veces parece una adicta al sufrimiento. Simon Russell Beale y Tom Hiddleston encarnan a los dos hombres de su vida y ambos también están estupendos, sobre todo este último. La última escena que comparten Weisz y Hiddleston, en la que los silencios dicen más que las palabras, es una lección magistral de interpretación.

Se le ha achacado a The Deep Blue Sea que hable de la pasión con frialdad, pero personalmente creo que es algo que le viene muy bien a la historia porque su intención no es ensalzar el amor romántico, todo lo contrario: el amor es un arma de doble filo por el que todo el mundo puede resultar herido. Ahora bien, ¿vale la pena arriesgarse por él? Seguro que Hester lo prefirió así antes que pasar el resto de su vida lamentándose por no haberlo intentado, aunque el amor es algo más que pasión tal y como le enseña la propietaria de su vivienda. En definitiva, una película cocinada a fuego lento que deja poso y crece en el recuerdo.

7’5/10