Pajas mentales, por cortesía de Frank Miller

Dir.: Frank Miller
Int.: Gabriel Macht, Samuel L. Jackson, Eva Mendes, Scarlett Johansson, Sarah Paulson, Paz Vega, Jaime King
¿De qué va?: Danny Colt es un justiciero enmascarado que vigila sin descanso las calles de Central City con el fin de acabar con el crimen y pararle los pies a su archienemigo, el villano Octopus.

Opinión: El intrusismo profesional habría que castigarlo duramente en el cine. Algunos se creen capaces de rodar una película sabiendo manejar una cámara de vídeo o viendo a un colega filmando. Algo parecido le tuvo que pasar a Frank Miller, reputado dibujante de cómics que tras acompañar en la dirección a Robert Rodríguez en la adaptación cinematográfica de su Sin City se creía capaz de alzar el vuelo él solito. Nada más lejos de la realidad.

En un principio, la idea de que Miller se encargara de hacer una película sobre The Spirit, cómic de culto creado por su mentor, Will Eisner, sonaba bastante bien. Era lógico pensar que alguien que ha visto cómo algunas de sus obras han sido perpretadas en el celuloide (caso de Elektra por ejemplo) sería capaz de hacer una adaptación decente. Lamentablemente, Miller tan sólo ha cogido las bases en las que se asentaba el comic para reconvertirlo en un pastiche de película de superhéroe, añadiéndole unas gotas de mitología, un sentido del humor muy bizarro que sólo le hará gracia a él, y una estética que intenta emular a Sin City pero que se queda en algo muy triste, cutre y sin atractivo.

El dibujante metido a director se regodea rodando planos que recuerdan a las viñetas de un cómic, pero no sabe darle cohesión ni ritmo a la ya de por sí desastrosa trama, por no hablar de que la dirección de actores es penosa, quienes no consiguen sacar algo provechoso de sus ya de por sí personajes planos y acartonados. El carisma de Gabriel Macht queda sepultado entre tanto monólogo interior pseudo-profundo, mientras que Samuel L. Jackson da vergüenza ajena con su grotesca interpretación, aunque supongo que se lo habrá pasado genial con tanta chorrada.

En cuanto a las chicas, todas lucen espléndidas, pero para eso ya tenemos sus sesiones de fotos que se publican en las revistas. Scarlett Johansson se lo pasa pipa con su estrambótico personaje, pero está muy desaprovechada. Eva Mendes se gana el sueldo luciendo palmito y trasero, y de Paz Vega mejor no hablar que para lo poco que sale hace bastante el ridículo.

Siento haberme despachado a gusto, pero es que da rabia que con un material tan interesante se haya hecho un producto tan aburrido, absurdo y fallido a todos los niveles: guión, actores, diseño artístico... Esperemos que Frank Miller haya aprendido de sus errores y se ponga las pilas por si lo intenta de nuevo, eso si los estudios se arriesgan con él, porque el fiasco de The Spirit es de los que no se olvidan.

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Hacia rutas australianas

Dir.: Baz Luhrmann

Int.: Nicole Kidman, Hugh Jackman, Brandon Walters, David Wenhan, Bryan Brown

¿De qué va?: Lady Sarah Ashley es una aristócrata británica que viaja a Australia para encontrar a su desaparecido marido y vender unas reses al ejército, para lo que tendrá que contar con la ayuda del tosco ganadero Drover.

Opinión: Siete años han pasado desde que Baz Luhrmann escandilara al mundo con Moulin Rouge. Buena parte de esos años los ha invertido en levantar la superproducción australiana definitiva, que hiciera justicia a la historia y a los bellos paisajes de su país. La producción no estuvo exenta de problemas (actores que se echaron para atrás, diluvios y retoques en el guión), pero finalmente pudo terminarla. ¿Habrá cubierto Luhrman sus propias expectativas?

Australia es una película descomunal, de unas casi tres horas de duración que no se tornan aburridas en ningún momento, aunque no sean capaces de disipar la sensanción de que están hinchadas a base de un viaje por el vasto continente dividido en dos partes muy diferenciadas, que sirven de columna vertebral a la inventiva visual de Baz Luhrmann.

Porque si hay algo que no se le puede reprochar a la película es que no se haya cuidado su estética: fotografía y diseño artístico confluyen en perfecta armonía en unas preciosas escenas que aprovechan todo el pontencial de la geografía australiana; si bien es cierto que alguna parece extraída de los anuncios de antaño de Marlboro, su belleza y calidad son innegables. Aunque a Baz se le nota a veces el plumero y repite recursos ya vistos en sus anteriores películas: el montaje y la acción acelerada del comienzo y el plano utilizado para la escena de la muerte de un personaje tienen parecidos muy razonables con los empleados en Moulin Rouge.

Frente a la excelente calidad visual, el componente narrativo pierde fuelle. Pese a ser una historia interesante y entretenida en ningún momento es original, convirtiéndose en una remezcla de producciones recientes como Pearl Harbor o Cold Mountain y de no tan recientes como Lo que el viento se llevó, de la que hace algunas referencias y pequeños homenajes. Los personajes son muy estereotipados, con evoluciones evidentes y roles muy marcados: la refinada dama que se embrutece, el rudo amansado, el malo malísimo, el tierno niño salvaje... Las actuaciones son ajustadas pero ninguna da la nota. Al principio Nicole Kidman está muy caricaturizada, aunque luego se relaja, y con Hugh Jackman ocurre al revés, al principio se sale y cuando su personaje se redime pierde mucha fuerza.

En conclusión, Australia es una buena película aunque demasiado saturada en el apartado visual y poco explotada en el narrativo, pese a su extensa duración. Tras ella sólo espero dos cosas de su director: que no tarde tanto en estrenar una nueva película y que trabaje sin demasiada presión, para que pueda dar rienda suelta a su creatividad sin desatender a la historia.

***1/2

De marcha por la selva

Dir.: Eric Darnell, Tom McGrath

¿De qué va?: Los animales que se escaparon del zoo de Nueva York, el león Álex, la jirafa Marty, el hipopótamo Gloria y la jirafa Melman, cogen un avión capitaneado por los pigüinos para volver a casa, pero tras un accidente aéreo aterrizarán en África...

Opinión: Si segundas partes nunca fueron buenas, las que son de dibujos animados suelen ser aún peor. Disney con tal de rentabilizar al máximo sus clásicos se dedica a sacar secuelas como churros directos al mercado de dvd que no hacen nada más que mancillar el recuerdo de la original. En Dreamworks hasta ahora sólo habían prologando el tirón de su primer gran éxito, Shrek, y ahora repiten con Madagascar, el que podríamos llamar su segundo gran éxito hasta que llegó Kung Fu Panda.

Madagascar 2 es como salir de fiesta con los amigos una noche cualquiera: te lo puedes pasar genial, pero si no fuera por alguna anécdota graciosa que se pueda recordar en próximas fiestas, no conservarás un gran recuerdo de la noche.

Con esta peli pasa lo mismo: Madagascar 2 repite la fórmula de su antecesora, ni más ni menos. Muchos dicen que es mejor que la anterior, aunque yo creo que es más de lo mismo, salvo quizás el apartado técnico: la sabana africana luce mejor que la frondosidad selvática de la isla de Madagascar. El resto son los mismos aciertos y defectos de la original: una historia simpática con típicos mensajes sobre la amistad, unos animales protagonistas graciosillos pero superados en carisma por los secundarios (pingüinos y lemures varios) y unos gags más acertados que otros que son alargados hasta la extenuación.

Madagascar 2 podría ser la película perfecta para toda la familia de estas Navidades, si no fuera por cierto super perro de Disney que le gana la partida a estos salvajes animales domesticados en todos los aspectos. Sin embargo, la popularidad y el márketing han hecho que Madagascar 2 supere con creces a Bolt en la taquilla. Será por el pegadizo estribillo de I like to move it...

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El ecologista que vino del espacio

Dir.: Scott Derrickson

Int.: Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Jaden Smith, Kathy Bates, John Cleese

¿De qué va?: Una inminente invasión extraterrestre dispara las alarmas del mundo entero. Una científica americana entrará en contacto con uno de esos seres del espacio, quien viene a advertir a los humanos de la peligrosa situación en la que se encuentran...

Opinión: Ultimátum a la Tierra reunía a priori todos los ingredientes para ser una película interesante: una actualización del clásico de Robert Wise de la mano de un director que nos sorprendió con su anterior película (El exorcismo de Emily Rose), un argumento inquietante, un destacado reparto y unos buenos efectos especiales. Lamentablemente la película hace aguas a todos sus niveles.

Aunque la película comienza con interés y buenas dosis de suspense, la expectación creada nunca llega a culminar, pues aunque vemos cientos de bolas luminosas aterrizando en el planeta Tierra nunca sentimos esa sensación de que se acerca el fin del mundo que debe tener toda película apocalíptica. Por no decir que la expresión inalterable de Keanu Reeves no produce ninguna inquietud, en una interpretación que si bien se ajusta a lo que se le pide, es totalmente intercambiable con otras que ha hecho en Matrix o Constantine.

Frente al inexpresivo Keanu tenemos a la gran Jennifer Connelly, lo más salvable de esta película. La actriz intenta por todos los medios dar credibilidad a una película que no lo tiene (aunque se trate de ciencia ficción, debe haber algo de coherencia interna en lo que se cuenta) pero no le ayuda nada ese repulsivo niño de pelo rizado e hijo de Will Smith llamado Jaden Smith, que es una carga en el desarrollo de la película y que da lugar a los momentos más ñoños y desechables de la película.

Unos efectos especiales normalillos que no son nada que no hayamos visto antes, un bonito mensaje ecologista pasado un poco de rosca y mucha publicidad explícita de grandes firmas que habrán financiado la mitad del presupuesto de la película son otras de las características de esta superproducción que aunque tenía buena pinta en el trailer no consigue causar impacto, y a consecuencia de ello es probable que para el año que viene por estas fechas ya la habremos olvidado, por el bien nuestro y por el de la Connelly, que tiene en su haber una filmografía repleta de películas mucho mejores que ésta.

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Madre coraje

Dir.: Clint Eastwood
Int.: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Amy Ryan
¿De qué va?: Christine Collins es una madre soltera que ha perdido a su hijo. Tras una larga investigación la policía dice haberlo encontrado, pero cuando se lo devuelven a Christine, ésta asegura que el crío no es su hijo...

Opinión: El intercambio, basada en un hecho real escalofriante, es una terrorífica versión del cuento del hombre del saco. Un niño desaparecido buscado por su angustiada madre, que al igual que hizo otro padre en busca de respuestas, el personaje de Tommy Lee Jones en la otra gran película del año, En el valle de Elah, destapa una red de corrupción dentro del gobierno y de los que en teoría son los que deben proteger a los inocentes, aunque en muchas ocasiones estén más preocupados en cubrirse sus espaldas.

Clint Eastwood filma una recreación perfecta de la ciudad de Los Angeles en los años 20, en el que el más mínimo detalle es fundamental para sumergirse en la historia y en su contexto histórico. En aquella época, las mujeres aún no se habían desecho de los condicionantes sociales que las reducían a ser inferiores al hombre, consideradas como personas indefensas y temperamentales. Por eso, la historia de Christine Collins cobra tanta importancia. Porque no es sólo una lucha por encontrar a su hijo sino por los derechos de las mujeres a hacerse escuchar y no ser tratadas como unas dementes cuando comienzan a valerse por sí mismas, algo que si bien podría haber sido el tema principal de un típico panfleto feminista o una tvmovie, en las curtidas manos de Clint Eastwood se convierte en algo muy superior.

El director de Million Dollar Baby encuentra a la heroína de su historia en Angelina Jolie, en el que se puede considerar como el papel más importante de su filmografía hasta la fecha. Si ya nos encogió el corazón el año pasado con Un corazón invencible, donde también sufría la pérdida de un ser querido, en esta ocasión Jolie clava una interpretación sublime en la que su aflicción queda perfectamente plasmada en pantalla. Desde el primer momento empatizas con el sufrimiento de su personaje, al que imprime de carácter y fragilidad cuando lo requieren los acontecimientos. Aunque sea la principal protagonista de la película, no sería justo omitir al resto del reparto. Un John Malkovich muy aplicado, Jeffrey Donovan encarnando a un personaje totalmente odioso o Amy Ryan en una pequeña pero destacada intervención. Todos están estupendos.

A pesar de que la película dura dos horas y veinte minutos el ritmo no decrece en ningún momento y cuenta con los suficientes giros de guión como para mantener la atención durante todo el metraje. La única pega que se le podría achacar es que los personajes tienen roles muy rígidos: hay una clara distinción entre los buenos y los malos, en lo que está bien y lo que está mal. Minucias que en ningún momento empaña el resultado final, una de las mejores películas del año, rodada con el pulso y la crudeza que sólo un maestro del cine podría otorgar.

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Arándanos, espejos y el horizonte

Dir.: Wong Kar Wai

Int.: Norah Jones, Jude Law, David Strathairn, Rachel Weisz, Natalie Portman

¿De qué va?: Una joven a la que su novio acaba de dejar emprende un viaje por Norteamérica en el que conocerá a varias personas que le influirán en su modo de ver el amor y la vida.

Opinión: My Blueberry Nights llega a los cines españoles con un año de retraso en comparación con el resto del mundo, cuando muchos ya han conseguido verla por otros medios. En cualquier caso, más vale tarde que nunca. Ya les adelanto que no soy conocedor de la filmografía de Wong Kar Wai, por lo que no puedo establecer una comparación con sus anteriores obras, mi visión va a ser más bien la de un curioso que se acerca a algo que le es desconocido y en cierto modo extraño, pero que se siente irremediablemente atraído a él. Como le ocurre a Elizabeth, la protagonista de esta película, con las diferentes personas que va conociendo en su viaje.

My Blueberry Nights es una historia sobre corazones rotos que intentan cicatrizar sus heridas como pueden, forjándose una nueva vida que aunque lo ignoren no será satisfactoria hasta que resuelvan sus conflictos del pasado, buscando apoyo en las personas con las que se encuentran en el camino. No es una historia muy compleja pero el director lo compensa dotándola de una gran belleza, colocando la cámara detras de cristaleras y ventanas, enfocando a los personajes muy de cerca, filmando planos generales en los que el horizonte se pierde... una fotografía cuanto menos llamativa y una banda sonora cargada de jazz y soul crean esa ambientación entre nostálgica y de ensueño de la que está impregnada la película.

Norah Jones es el nexo de las tres historias que componen la película, supone su debut como actriz y nadie lo diría porque la cantante está francamente bien, aunque el mayor peso dramático lo llevan los secundarios, actores consolidades que en esta ocasión tienen un material con el que poder lucirse a gusto. Todos están geniales pero quien impacta de lleno es Rachel Weisz, más guapa que nunca y marcándose una interpretación sublime, sin menospreciar al resto por supuesto. David Strathairn conmueve como pocos hombres de aspecto tan férreo podrían hacerlo.

Aunque a veces la película se torne un poco lenta y pese a que en algunos momentos la forma supere al contenido, induce a que los desconocedores de la filmografía de Wong Kar Wai nos planteemos echarle un vistazo a su filmografía. My blueberry nights es una de las películas más bellas del año, con imágenes como ese dulce beso entre Jude Law y Norah Jones que permanecerá en nuestra memoria cinematográfica (y romántica) por mucho tiempo.

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El perro, el mejor amigo de Disney (después de Pixar)

Dir.: Chris Williams, Byron Howard

¿De qué va?: Bolt es el perro estrella de una serie de televisión de ciencia ficción, incluso se llega a creer que lo que sucede en la ficción es la realidad. Pero un día es separado de su dueña y acaba tirado en medio de Nueva York. Acompañado de una cínica gata y su mayor fan, un hamster, Bolt recorrerá un largo camino a casa.

Opinión: Bolt es una gran sorpresa para todos aquellos que pensaron que Disney estaría muerta si no fuera por Pixar. Cierto es que se notan las influencias de los responsables de Toy Story, no en vano es John Lasseter quien produce, pero la verdad es que este ingenuo cachorro ha sabido recuperar el espíritu de los clásicos de la Disney adaptándolo a los tiempos que corren y ofreciendo un producto para toda la familia de mucha más calidad que las últimas producciones de Disney ajenas a Pixar como Chicken Little o Salvaje.

La factura visual es impecable, hay situaciones como su prólogo en los que parece que estamos viendo una trepidante película de acción, y los movimientos y acciones de los animales están muy logrados; jamás habremos visto un perro de "dibujos" que parezca tan real como Bolt.

En las películas de animación de la actualidad todos los personajes suelen ser simpáticos, pero siempre hay un secundario que descata por encima del resto, con el que te ríes más. El éxito de Bolt radica en que puede presumir de reunir a un buen número de personajes que derrochan carisma por todos sus píxeles, cada uno en su estilo: las palomas son tronchantes (aunque las similudes con los tres palomos de Animaniacs son evidentes), la gata Mittens no para de soltar perlas sarcásticas a cada momento (una especie de House gatuno) y el hamster Rhino es un homenaje a todos los frikis para los que la ciencia ficción es más que un hobbie, es un estilo de vida.

La película no desaprovecha en absoluto el potencial de sus personajes y los conduce en la clásica historia de "Lassie vuelve a casa", pero lo desarrolla de tal forma que se convierte en "Lassie descubre su razón de ser". Hay cabida tanto para críticas al mundo de la televisión y del espectáculo como para mensajes educativos destinados a los chavales que nunca llegan a ser ñoños y que son tan importantes como la problemática del abandono de mascotas, tema por el que no puedo entender cómo es que no ha salido antes en una película de animación si lo llevamos arrastrando desde hace tanto tiempo. Por suerte tenemos a Bolt para que nos lo recuerde y nos haga pasar uno de los mejores ratos de estas Navidades.

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La Ley del Oeste vuelve a imponerse

Dir.: Ed Harris

Int.: Ed Harris, Viggo Mortensen, Renée Zellweger, Jeremy Irons

¿De qué va?: En 1882, dos amigos pistoleros son contratados para reestablecer el orden en el pueblo de Appaloosa, pero la aparición de una atractiva viuda pondrá en peligro su amistad.

Opinión: El western era un género abandonado desde hace ya un tiempo, pero con el estreno de El tren de las 3:10 y de este Appaloosa, ha recibido unas fuerte palmadita en la espalda. Para su segunda película como director, el actor Ed Harris ha construído él solito una película que en ningún momento se desmarca de las pautas marcadas por los grandes del género, pero que reúne los suficientes alicientes como para gustar a los amantes y curiosos de las historias del Viejo Oeste. Una historia sobre la lealtad en una época en la que las traiciones estaban a la orden del día.

El guión escrito por el propio Harris y basado en la novela homónima de Robert B. Parker, no tiene un desarrollo típico, lo que aumenta el interés a cada giro de guión que se produce. Los diálogos están cargados de ingenio, un sentido del humor muy socarrón y dobles sentidos, lo que acentúa el carácter de unos personajes con más aristas de las que en un principio podría parecer. Ed Harris y Viggo Mortensen bordan sus papeles de leales y rudos compañeros de armas (algunos de sus diálogos son magníficos), enfrentados a un vil Jeremy Irons. Renée Zellweger aporta el feminismo a la historia (la aparición de Ariadna Gil es casi anecdótica) y no lo hace nada mal tratándose de una mujer que no es un simple florero de la historia.

La fotografía y la banda sonora, que captan el espíritu del western más clásico, completan la reconstrucción de un género abandonado por los grandes estudios, pero no olvidado por los espectadores que aún tengan ansias de vivir las fuertes emociones que sólo una película de "indios y vaqueros" podría reportar.

***1/2

El amor se mueve por las Islas Canarias

Ayer tuve la oportunidad de asistir a un pase especial de la película El amor se mueve, ópera prima de Mercedes Afonso, que acudió a la proyección junto a parte del reparto y del equipo técnico de su primer largo. Anteriormente había rodado unos cuantos cortometrajes. El trailer de la peli lo pueden ver pinchando aquí.

La película, que no se estrenará a nivel nacional hasta comienzos del próximo año, fue rodada en localizaciones de La Palma, Gran Canaria, Lanzarote y La Graciosa, y con un reparto coral formado por actores como Silvia Abascal, Pablo Centomo, Carlos Quintana o Marta Solaz cuenta siete historias de amor diferentes como siete islas son las que componen el archipiélago canario. Búsquedas, encuentros, amores a primera vista o heridas del alma que tardan en cicatrizar son algunos de los temas que toca la directora con gran sensibilidad.

Una cuidada fotografía, que capta perfectamente los hermosos paisajes canarios, y una dirección de actores mimada al detalle son los principales fuertes de la película que además contiene un mensaje de lo más optimista. Quizás demasiado. Y es que tras finalizar la proyección he tenido la impresión de que la imagen que transmiten sobre el amor es demasiada ingenua. La gente se enamora en dos días, los corazones rotos encuentran rápidamente un nuevo amor, cada persona tiene su media naranja... Todo es tan idílico y previsible que he reducido el quiz de la cuestión a dos opciones: o bien la película peca de demasiado inocente y dulzona, o mis amigos y yo (que coincidimos en opinión sobre la película) somos unos escépticos respecto al amor.

Otro handicap de la película es el que acumula buena parte de los films que cuentan un gran número de historias: unas son más interesantes que otras y algunas no están del todo desarrolladas o no tienen el peso suficiente dentro del cuadro que compone la película. Si tuviera que destacar alguna sería la del inmigrante y la chica de la Cruz Roja que lo socorre, aunque es demasiado obvia.

Por otra parte, pasa algo parecido a lo que se ha comentado sobre la visión de Barcelona que dio Woody Allen en su último film. Mercedes Afonso tiene tantas ansias de mostrar la belleza de las Islas Canarias que su representación de la realidad resultada fragmentada. Si no, cuando vean la película fíjense en cuantas veces dicen la palabra "mágica" en referencia a La Palma. Con esto no quiero decir que lo que sale en la película no es la realidad, pero no todas las casas son patrimonio histórico ni todos los ciudadanos son tan simpáticos y amables.

De todas formas, El amor se mueve es una película muy bonita y reconfortante pero quizás lo sea tanto que acaba siendo poco creíble. Pero una vez más vuelvo a recalcar la belleza de las imágenes (los atardeceres me fliparon) y el trabajo de los actores. Desde Silvia Abascal en una pequeña pero destacada colaboración hasta actores (semi) desconocidos como Carlos Quintana, que sostiene en primer plano una difícil escena dramática. La película tiene algunos fallos de primeriza, pero es lo suficientemente interesante como para seguirle la pista a Mercedes Afonso en lo que haga de ahora en adelante.

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Los peligros de la banda ancha

Dir.: D.J. Caruso
Int.: Shia LaBeouf, Michelle Monaghan, Billy Bob Thornton, Rosario Dawson, Michael Chiklis

¿De qué va?: Un chico con problemas de dinero y una madre soltera se verán obligados a actuar bajo las órdenes que les da una misteriosa voz femenina a través del móvil, llegando a convertirse en los fugitivos más buscados de los Estados Unidos.

Opinión: La paranoia sobre lo perjudicial que puede resultar dejar nuestras vidas en manos de la tecnología ha dado para muchas películas de tramas conspiratorias. Desde la rebelión de las maquinas de Terminator hasta el ordenador que pronostica crímenes en Minority Report, pasando por la dejadez de los humanos del futuro que nos muestra WALL-E, el cine nos ha dejado bien claro que los avances tecnológicos pueden acarrear serios problemas a la humanidad, pero no sobre las supuestas maldades de la experimentación con células madres, por ahora eso no.

Al caso, La conspiración del pánico no nos enseña nada que no sepamos ya. Además de plantearnos una situación en la que es imposible esconderse, debido a que el mundo entero está invadido por la informática, también deja un espacio para la autocrítica en el que acusan al Gobierno americano de los errores cometidos en los conflictos internacionales. Y es que la sombra del 11-S es alargada. Pero todo eso queda relegado a un segundo plano, pues ante un desarrollo de la historia tan acelerado y vertiginoso, resulta casi imposible pararse a pensar en lo que te están contando. Casi toda la película se basa en persecuciones con un nivel de espectacularidad aceptable aderezado de explosiones y múltiples accidentes de coche. No son de lo más destacado del año en el cine de acción pero tampoco desentonan, aunque personalmente hubiera preferido una conspiración menos ruidosa, ¿o no es más conveniente pasar desapercibido en vez de alertar a todo el mundo cuando preparas un gran golpe?

El reparto está subordinado al espectáculo y cumple de sobra, pues tampoco se les impone ningún reto, salvo poner cara de circunstancia. Shia LaBeouf encara su primer papel de adulto y aprueba con creces, desenvolviéndose perfectamente tanto en las escenas dramáticas del comienzo de la película como en las de acción (Me he prometido no decir la palabra carisma cuando mencione a LaBeouf pero es que el chico tiene mucho de eso, es innegable). Michelle Monaghan hace buena pareja con el actor, con bastante química sin tener que recurrir al factor romántico. Es un punto a favor de ambos que en las escenas de acción se desenvuelvan como lo que son sus personajes, personas normales y corrientes que no saben manejar un arma (aunque luego salgan de un choque automovilístico sin rasguño alguno). Los secundarios están bien, se limitan a serlo.

La segunda colaboración del director D.J. Caruso y de Shia LaBeouf tras el inesperado éxito de Disturbia da lo que pretende: una cinta de intriga con escenas de acción apabullantes. No le den más vueltas, puro cine de entretenimiento. No deja de ser curioso que la idea de la película haya salido del cerebro de Steven Spielberg, quizás si él mismo hubiera desarrollado el guión la película hubiera dado para más. O tal vez no, los genios también tienen sus horas bajas.

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Triángulos amorosos de verano

Dir.: Woody Allen
Int.: Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz, Patricia Clarkson
¿De qué va?: Vicky y Cristina son dos amigas americanas que viajan a Barcelona a pasar el verano. Durante una noche conocen a un seductor pintor, Juan Antonio, que les hará replantearse las convicciones que tenían sobre el amor hasta entonces.

Opinión: Tras su periplo londinense, Woody Allen aterriza en Barcelona y realiza una película que es un canto de amor a la ciudad. Woody no esconde la admiración que tiene hacia ella, por lo que no escatima en secuencias rodadas en muchos lugares de interés turístico de la ciudad, algo que queda justificado por el hecho de que las protagonistas sean turistas. Aunque muchas voces se hayan alzado tachándolo de recurso oportunista yo lo encuentro lógico si la historia se centra en dos chicas haciendo turismo. ¿No es lo que hacemos todos cuando viajamos, visitar los lugares emblemáticos? La fotografía a cargo de Javier Aguirresabore crea un ambiente cálido y luminoso que sabe exprimir toda la belleza de Barcelona y Oviedo, donde también se desarrolla parte de la acción de la película.

Vicky y Cristina son dos amigas que viven el amor de forma completamente opuesta. Rebecca Hall, la gran desconocida del cuarteto protagonista, interpreta a Vicky de forma muy competente, una mujer precavida a la que le gusta tenerlo todo planificado. Scarlett Johansson es Cristina, que al contrario de Vicky no sabe lo que quiere, por lo que siempre está probando cosas nuevas y vive de forma más alocada. Un papel a la medida de la actriz y que recuerda un poco a la Charlotte de Lost In Translation, pero con una actitud más impulsiva.

Durante su estancia en Barcelona las dos amigas se intercambien los papeles sin saberlo y experimentarán el amor como no lo habían hecho antes. Vicky ya no está tan segura de si la felicidad reside en cómo ha estructurado su vida y Cristina cree encontrar al fin lo que buscaba para establecerse. Pero no nos olvidemos de que esta es una película de Woody Allen, y los enredos y desenredos sentimentales están a la orden del día.

Sin embargo, a Vicky Cristina Barcelona le faltan algunos ingredientes como para encaramarse a los altares de las comedias más simbólicas de la filmografía del director neoyorkino. El guión es correcto, pero a veces le falta ese toque Allen tan característico del director. La recurrente voz en off a la que acude para explicar los acontecimientos o los sentimientos de los personajes es en varias ocasiones totalmente prescindible y llegado el momento en el que la película comienza a hacerse anodina justo es cuando hace su aparición Penélope Cruz, con el personaje más magnético e interesante de la película. Las peleas que tiene con Javier Bardem, con el que mantiene una química que hace saltar chispas, son lo más divertido de la cinta. Lástima que el doblaje reste buena parte de esa magia y que no hayan puesto más copias de la película en versión original en los cines para disfrutarla al completo. Pero lo que sí que es insoportable es la canción Barcelona de Giulia y Los Tellarini de la que tanto se abusa a lo largo del metraje y que es horriblemente pegadiza. Aún no se me va de la cabeza...

Pues así ha quedado la incursión catalana de Woody Allen. No es de sus mejores películas pero tampoco de las peores. Con el paso del tiempo lamento que se recuerde más como una anécdota que como una película en sí. El próximo año veremos si Allen vuelve a recuperar su brío volviendo a sus raíces, pues vuelve a rodar en su ciudad, Nueva York.

***1/2

Nunca le abras la puerta a desconocidos

Dir.: Bryan Bertino
Int.: Liv Tyler, Scott Speedman, Gemma Ward, Glenn Howerton, Kip Weeks, Laura Margolis
¿De qué va?: Una pareja que no se encuentra en el mejor momento de su relación pasa la noche en una casa aislada cuando de repente son amenazados por tres extraños con perversas intenciones.

Opinión: El terror en su mínima expresión, despojado de todos los artificios que lo adornan y lo sacan de contexto. Así ha concebido Bryan Bertino su primera película, Los extraños, una cinta que recurre a una premisa sencilla y desarrollada al mínimo pero que resulta el vehículo perfecto para dar rienda suelta a un terror que por carecer de explicación evidente resulta aún más perturbador.

Bertino crea una atmósfera adecuada para el tono del film, jugando eficazmente con las sombras y los efectos sonoros para crear situaciones de tensión sostenida. Algunas de las apariciones de los extraños están muy conseguidas utilizando esos elementos (véase la escena en la que Liv Tyler ignora que la están acechando muy de cerca o la del disco que se raya). Sin embargo, al director se le va un poco la mano utilizando algunos de los clichés más recurrentes del género, como la inutilidad de los móviles en situaciones de crisis, la incapacidad de las víctimas de actuar con inteligencia en muchas situaciones, o la hipervelocidad de los villanos que los hace aparecer y desaparecer de escena en cinco segundos.

La pareja víctima de los extraños comienza la película con problemas sentimentales, algo que ya nos suena de Habitación sin salida, y que al igual que aquella nos importa más bien poco, teniendo en cuenta que no tendrá repercusión en el resto del metraje. Liv Tyler está estupenda pasando miendo, su angustia es absolutamente palpable, en contraposición a un Scott Speedman que está plano casi todo el tiempo.

El aura de misterio que rodea a los asesinos y sus intenciones es un gran acierto del film, algo que no será del gusto de los que siempre esperan una explicación para todo. La ausencia de motivos da mucho más miedo que cualquier pasado traumático. De ahí que el epílogo resulte de lo más escalofriante a pesar de su aparente simpleza.

Hay que señalar que tanto el comienzo del film como el final juegan en contra del resultado final. El primero por ser la típica introducción que recuerda a los espectadores que lo que van a ver está basado en hechos reales, un recurso totalmente manido e innecesario y que encima en este caso es falso. El segundo, un plano final que rompe de golpe y porrazo el ambiente de malestar "tranquilo" que tenía hasta entonces el desenlace.

Con un éxito de taquilla inesperado que le ha asegurado una secuela, Los extraños es una película de terror sencilla a la par de perturbadora. A pesar de no ofrecer nada nuevo y de recoger un poco de Habitación sin salida, Ellos (la francesa) y Funny Games sale bastante bien parada porque Bertino ha demostrado ser un alumno aplicado de John Carpenter y otros directores importantes del género del psycho-killer. Al menos ha conseguido que sus extraños se cuelen dentro de mis pesadillas recurrentes.

***1/2

Círculo de ayuda mutua

Dir.: Jieho Lee
Int.: Forest Whitaker, Brendan Fraser, Sarah Michelle Gellar, Kevin Bacon, Andy Garcia, Julie Delpy, Emile Hirsch
¿De qué va?: Un hombre de negocios que quiere cambiar de vida, un gángster que puede ver el futuro, una cantante víctima de un mafioso y un médico desesperado cruzarán sus caminos, afectando irremediablemente al transcurso de sus vidas.

Opinión: Cuatro vidas (The air I breathe) se basa en un antiguo proverbio chino que divide la vida en cuatro emociones: felicidad, placer, dolor y amor. La película está fragmentada en cuatro historias, cada una protagonizada por un personaje que simboliza una de esas emociones en concreto. Según el proverbio es necesario experimentar las cuatro para tener una vida plena, por lo que la historia de cada personaje se enlaza con las otras tres, formando finalmente un puzzle en el que no falta ni sobra ninguna pieza.

Jieho Lee debuta en la dirección con esta película de guión propio. Su estructura narrativa no es nueva, entra dentro del grupo de films de repartos corales e historias cruzadas que tan de moda se puso con Crash, pero que por aquel entonces ya contaba con excelentes precedentes como Magnolia o Amores perros, y que ya cuentan con una cantidad importante de seguidores, entre los que yo me incluyo. Respecto a Cuatro vidas, su estructura no es tan compleja como puede parecer a priori, la trama es muy fácil de seguir en todo momento. Los encontronazos entre los personajes pueden parecer forzados o muy dejados en las manos del destino. Cuestión de la fe del espectador.

El director ha contado con un reparto llamativo para su primera película, reuniendo a actores consolidados como buenos intérpretes dramáticos y otros que no están tan acostumbrados a este género. Forest Whitaker se esfuerza en hacer creíble un personaje bastante complejo en pocas escenas, Brendan Fraser demuestra que sabe hacer algo más que enfrentarse a momias, igual que Sarah Michelle Gellar respecto a gritar en pelis de terror. Ambos aprovechan la oportunidad que se les ofrece y sacan mucho partido a sus papeles. Andy Garcia está bastante bien como mafioso aunque se exceda a veces, mientras que Emile Hirsch tiene un pequeño y divertido rol. La parte negativa viene con Kevin Bacon y Julie Delpy, que me parecen bastante desaprovechados y su historia es la más simplona de las que conforman la película.

La ópera prima de Jieho Lee no es perfecta, pero se le nota cierta habilidad a la hora de dirigir y escribir historias que bien podría mejorarse en futuras películas. 4 vidas contiene pasajes notables pero no explota el recurso del proverbio en el que basa, ni siquiera lo cita, por lo que los espectadores que no hayan leído con anterioridad la sinopsis lo ignorarán por completo. Sus continuos vericuetos del destino pondrán a prueba tu credulidad. Es mejor dejarse llevar, y es que el mensaje de que personas que ni siquiera conoces pueden dar un giro positivo a tu vida resulta esperanzador entre tanto golpe que da la vida.

***1/2