La resistencia humana en tres retos

Dir.: Angelina Jolie
Int.: Jack O’Connell, Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund, Miyavi, Finn Wittrock, Jai Courtney, Alex Russell
¿De qué va?: Tras participar en los Juegos Olímpicos de 1936, el atleta Louie Zamperini se alistó en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos para luchar en la 2ª Guerra Mundial. Cuando el bombardero donde viajaba se estrelló en el Pacífico, sobrevivió en un bote salvavidas durante más de un mes hasta que fue capturado por los japoneses.

Reseña: Angelina Jolie sorprendió a todos con su ópera prima, la estimable En tierra de sangre y miel, al ser una producción rodada en serbocroata que recreaba la Guerra de los Balcanes a través de una historia de amor entre un serbio y una bosnia. Algo muy poco hollywoodiense, pero que encajaba perfectamente con la labor de embajadora de buena voluntad de la actriz. Con su segundo trabajo detrás de las cámaras, Jolie ha decidido cambiar de aires para hacer una producción mucho más cercana a la Meca del Cine donde ha crecido, con una de esas historias de superación, lucha y honor de las que tanto se ha nutrido el cine americano a lo largo de toda su trayectoria, aunque en realidad, se trate de tres microhistorias cuya suma de ellas debería resultar en la película ‘bigger than life’ definitiva, pero no es el caso.

En primer lugar, tenemos la historia de un chico rebelde que consigue encauzar su vida gracias al deporte. En segundo, la odisea de tres soldados que intentan sobrevivir en un bote salvavidas a la deriva durante semanas, y por último, la crónica de un preso que sufre mil y un torturas en un campo de prisioneros japonés. Estos tres argumentos, vistos en multitud de películas oscarizables, son el hilo conductor de un filme que ensalza la figura de Louie Zamperini (que para colmo, ha muerto meses antes del estreno del filme) como ese héroe y mártir al que es evidente que Jolie profesa una gran admiración. La directora ha rodado en modo clásico, muy al estilo de Clint Eastwood y reforzada por los siempre infalibles Roger Deakins y Alexandre Desplat al mando de la fotografía y la banda sonora respectivamente. El guión, en el que han metido mano los hermanos Coen, tiene alguna que otra frase de trascendencia relamida, pero sólo en la primera parte del filme.

Jolie, que siempre ha afirmado sentirse más afín a la mentalidad masculina que a la femenina, se mueve como pez en el agua dirigiendo una película y a un reparto en el que la presencia de testosterona es absoluta. Jack O’Connell es un fantástico protagonista, pues resulta creíble en todas las fases del calvario por las que pasó Zamperini, y tiene el carácter y el carisma necesarios para no terminar engullido ante una producción tan ambiciosa. El resto del reparto se conforma con jóvenes talentos de la última cantera de Hollywood como Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund y Jai Courtney, estando todos sumamente correctos en su labor de ejercer de apoyo a O’Connell. Destaca Miyavi como el general japonés que se ceba en Zamperini por lo odioso y déspota que resulta, aunque Jolie se reserva un plano final para matizar un poco al personaje y que no resulte demasiado unidimensional.

Invencible termina con una serie de textos que resumen los años posteriores de la vida de Zamperini, y es una pena, porque habría sido interesante ver algunas de las cosas que dice recreadas en la película, aunque parece que Jolie estaba más interesada en mostrar las continuas torturas a las que se vio sometido Zamperini en vez de las secuelas que éstas le dejaron, un tema que por otra parte se trataron en Un largo viaje, filme reciente protagonizado por Colin Firth y Nicole Kidman de argumento muy similar pero bastante prescindible. Angelina Jolie es aún una directora en crecimiento, y le faltan tablas para que una historia tan grande y ambiciosa como ésta alcance todas las notas a las que pretende llegar, pero tiene talento y estoy seguro que este no es más que el comienzo de una trayectoria profesional la mar de interesante.

7/10

En busca de la inspiración

Dir.: Tim Burton
Int.: Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Krysten Ritter, Terence Stamp, Jason Schwartzman, Madeleine Arthur
¿De qué va?: En los años 50 y 60 del siglo pasado, Walter Keane alcanzó una gran notoriedad con sus enigmáticas pinturas de niños con grandes ojos tristes. Sin embargo, la verdad terminaría saliendo a la luz: la obra de Keane no fue creada por él, sino por su esposa, Margaret. Los Keane vivieron una mentira que fue creciendo hasta alcanzar proporciones gigantescas.

Reseña: Big Eyes comienza con una cita de Andy Warhol que dice “Lo que ha hecho Keane es genial. Tiene que ser bueno. Si fuese malo, no gustaría a tanta gente.” Es un poco como el cine de Tim Burton, le gusta a un gran público que, al igual que aquellos que sólo querían los cuadros de niños con ojos grandes de Keane, se pirran por el estilo gótico y estrafalario del director. Sin embargo, los últimos trabajos de Burton mostraron signos de que la fórmula se estaba agotando, o de que los ingredientes estaban un poco caducos. Por eso, celebro que haya decidido rodar una película tan luminosa y alejada de su recargado estilo como ésta, porque necesitaba oxigenar su carrera y demostrar que es capaz de hacer algo diferente.

El toque personal de Tim Burton está presente en Big Eyes, pero de forma discreta. No todos los realizadores se habrían atrevido a rodar este biopic de forma tan kitsch como la propia obra de Margaret Keane, aunque también es verdad que los años 50 se prestan a ello: edificios rosados, saturados cielos azules, chalets modernistas y un ambiente muy ligero en el que hay cabida para lanzar puntillitas al mercadeo del arte, a los vaivenes de las modas o al merchandising, del que nos muestran lo que podría considerarse como su origen. Pero esto es tan sólo secundario al lado de la cuestión central: la suplantación autoral de las obras de Margaret llevada a cabo por su marido Walter, anulándola como artista y como persona.

Amy Adams realiza un estupendo ejercicio de contención dando vida a la apocada Margaret, interiorizando la frustración, la vergüenza y la tristeza que experimentó la pintora cuando se encontraba atrapada en el yugo de su marido, encarnado por un Christoph Waltz en las Antípodas del trabajo de Adams. El actor austriaco realiza una interpretación exageradamente histriónica y pasada de rosca. Al parecer lo ha clavado, pues la Margaret auténtica ha asegurado que sintió miedo viendo la película porque se parecía mucho al que fuese su esposo. Nadie pone en duda que Walter Keane fuese un parásito de la peor especie, pero en el filme está demasiado caricaturizado y resulta unidimensional, cuando habría sido muy interesante explorar un poco más la envidia y la amargura que tuvo que invadirle al no poseer ninguna clase de talento más allá de la verborrea engatusadora.

Big Eyes es buena película. Resulta un tanto convencional y liviana y le falta emotividad y garra, pero está cargada de interesantes lecturas sobre el feminismo y sobre el arte como negocio y como fruto de la expresión personal. Y el tema principal de la película cantado por Lana del Rey no está nada mal. No será una de las películas más memorables de Tim Burton, ni complacerá a los acérrimos de su impronta artística, pero es mucho mejor y más digna que Sombras tenebrosas y Alicia en el país de las maravillas. Ahora es cuestión de lograr el equilibrio entre la parafernalia fantástica y el estudio de personajes, algo que el cineasta ya consiguió de manera magnífica en Big Fish.

7/10

Quien tiene un amigo, tiene un superhéroe a su lado

Dir.: Chris Williams, Don Hall
¿De qué va?: En la metrópolis de San Fransokyo, vive Hiro Hamada, quien aprende a sacar provecho de su don para la tecnología gracias a su brillante hermano y sus también brillantes amigos. Cuando tras un devastador giro de los acontecimientos, se ven envueltos en una peligrosa conspiración, Hiro recurre a Baymax, un robot sanitario creado por su hermano, y transforma al grupo en una banda de héroes de última tecnología y decididos a resolver el misterio.

Reseña: Fruto de la compra de Marvel Entertainment por parte de Disney hace ya un lustro llega Big Hero 6, nuevo filme de un estudio que lleva una estupenda racha en el campo de la animación gracias a los éxitos cosechados con Frozen, ¡Rompe Ralph! y Enredados. En esta ocasión, la casa de Mickey Mouse continúa con su buena suerte adaptando un cómic de Marvel, no muy conocido más allá de los grandes seguidores del sello editorial, pero que demuestra que en estos tiempos que corren la inspiración para contar buenas historias que conecten con toda clase de públicos no sólo se encuentran en los cuentos de los hermanos Grimm y de Hans Christian Andersen.

Big Hero 6 está ambientada en una pintoresca ciudad futurista, fruto de un cruce cultural y arquitectónico entre San Francisco y Tokyo, y como historia marvelita que es nos presenta a un grupo de superhéroes que se enfrenta a un siniestro supervillano, pero con diferentes matices: aquí, los héroes son una panda de empollones cuyo superpoder reside en su ingenio y sus inventos, pero con nula experiencia en el campo de batalla, lo cual brinda las situaciones cómicas que requiere una película apta para toda la familia como ésta. Aun con su espíritu blanco y luminoso, el filme gira en torno a un tema que puede resultar un tanto oscuro y triste para los espectadores más pequeños: el proceso de duelo ante la pérdida y los sentimientos que provoca, como el miedo, la tristeza, la ira y, finalmente, la recuperación.

La forma en la que ese duelo se supera es conducida a través del personaje estrella de la película y desde ya uno de los más entrañables del cine de animación: Baymax. A este robot orondo y lento no le cuesta nada robarnos el corazón con su aspecto achuchable y su tierna e ingenua personalidad. Es lo mejor de una película sumamente divertida y técnicamente impecable a la que quizás le falta un factor sorpresa en la forma en la que se desarrollan los acontecimientos y un toque distintivo cuando en su último tramo pasa a la acción y las explosiones de rigor, sobre todo en el enfrentamiento final con el villano, aunque goza de un momento emotivo que recupera las buenas vibraciones de la primera parte de la película. Por último, no se apresuren a abandonar la sala cuando aparezcan los créditos en pantalla, especialmente los fans de Marvel, pues hay una estupenda sorpresa escondida al final de ellos.

8/10

Los peligros de Internet para dummies

Dir.: Jason Reitman
Int.: Adam Sandler, Rosemarie DeWitt, Jennifer Garner, Dean Norris, Judy Greer, Ansel Elgort, Kaitlyn Dever, Olivia Crocicchia, Travis Tope
¿De qué va?: Un grupo de estudiantes de instituto y sus padres intentan asimilar las maneras en que Internet ha cambiado sus relaciones, sus comunicaciones, la imagen de sí mismos y sus vidas amorosas.

Reseña: A estas alturas del partido, resulta innegable que los avances en la tecnología de la comunicación de los últimos diez años han cambiado nuestra forma de relacionarnos. Nunca hemos estado tan conectados entre nosotros y ensimismados con la imagen que transmitimos al resto del mundo. El otro día presencié horrorizado cómo un grupo de quinceañeros no paraba de sacarse selfies con poses a cada cual más ridícula en un restaurante de comida rápida, y tampoco es raro ver en lugares públicos a parejas o grupos de amigos que en vez de hablar entre ellos están cabizbajos escribiendo compulsivamente en sus móviles. Seguramente, Jason Reitman ha vivido una experiencia similar, y por ello habrá pensado que era una buena idea adaptar al cine la novela Hombres, mujeres y niños de Chad Kultgen.

La película indaga en las vidas de varias familias de clase media-alta norteamericana y cómo las redes sociales, los videojuegos, Internet y demás productos de la tecnología moderna afectan a sus relaciones interpersonales. Así, se nos presenta a un matrimonio que busca en webs de contactos la pasión que ya no existe entre ellos, a una madre sobreprotectora y exagerada que invade la privacidad de su hija, a una cría bulímica que busca comprensión en un foro o a un adolescente adicto a la pornografía virtual. Se trata de casos más o menos reconocibles, con algún que otro apunte interesante, pero abordados de forma esquemática y superficial, dirigidos hacia una conclusión tremendista en algunos casos y estática en los demás, sin apenas avance respecto a lo que la narración aséptica de Emma Thompson (un recurso que no termina de encajar) nos presenta al comienzo de la historia.

Parece que Reitman ve más aspectos negativos que positivos de la era digital y que piensa que ésta nos ha pervertido, cuando a lo mejor sólo ha puesto facilidades a los anhelos que hemos tenido siempre. ¿Acaso la infidelidad no existía antes de la aparición de Internet? Y tampoco profundiza en las causas y los motivos del comportamiento de sus personajes más allá de señalar con el dedo a la tecnología moderna. Con este panorama, poco puede hacer su reparto coral para enseñar la cara B de sus roles. La corrección predomina tanto en el sector adulto del elenco como en el juvenil, incluyendo al infame Adam Sandler, pero disponen de poco margen de maniobra y escaso material para su lucimiento interpretativo.

Hombres, mujeres y niños es una especie de American Beauty de la era digital pero mucho más simple y superficial. Al menos, sus dos horas de metraje resultan muy entretenidas, pero resulta muy inocua y fallida teniendo en cuenta la ambición que evidencia en su prólogo existencialista. Al discurso/sermón de Jason Reitman le falta distancia irónica y resulta casi tan alarmista como esa madre que encarna Jennifer Garner y que parecer estar suscrita a la revista de castigos modernos que tenía Marge en un capítulo de Los Simpsons. Ya es el segundo paso en falso del director tras la también blandita Una vida en tres días. Como no arregle la brújula en su siguiente proyecto, tal vez hayamos perdido al genial director de cuatro grandes películas como fueron Gracias por fumar, Juno, Up in the Air y Young Adult para siempre.

4’5/10

Hola holita vecinito

Dir.: Theodore Melfi
Int.: Bill Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts, Jaeden Lieberher, Chris O’Dowd, Terrence Howard, Kimberly Quinn
¿De qué va?: Maggie es una madre separada que se muda a Brooklyn con su hijo de 11 años, Oliver. Al tener que trabajar muchas horas, no le queda más opción que dejar a Oliver al cuidado de su nuevo vecino, Vincent, un jubilado cascarrabias aficionado al alcohol y las apuestas. Pronto, una peculiar amistad florece entre esta improbable pareja.

Reseña: La figura del viejo cascarrabias con buen fondo ha sido recurrente en la cinematografía y la literatura universal desde que al Señor Scrooge lo visitaran los tres fantasmas navideños para demostrarle que la vida se pasa mejor siendo bueno y considerado con lo demás. Pero la transformación de Scrooge no habría sido completa sin la participación del pequeño Tim, ese niño que moría en el futuro porque su familia no disponía del dinero para tratar su enfermedad. Los niños, esos seres tan puros que pueden ser tan cargantes a su vez, siempre han sido un recurso infalible a la hora de remover conciencias y de atravesar la coraza de los corazones más endurecidos.

La historia que nos trae el debutante Theodore Melfi ya la hemos oído antes: un anciano huraño establece una relación con un candoroso niño de la que ambos aprenden grandes lecciones de vida. Qué pereza, dirán algunos, pero esa apatía desaparece cuando Bill Murray entra en escena, con un personaje hecho como un esmoquin a su medida: políticamente incorrecto, socarrón, irresponsable y muy, muy carismático. El actor no tiene que esforzarse mucho para conseguir que nos resulte impensable que cualquier otro actor pueda interpretar su papel, borda tanto los momentos cómicos como los más dramáticos y el vínculo que establece con el crío resulta totalmente creíble y emotivo, y por suerte, Jaeden Lieberher no es el típico niño-actor repelente que aparece en esta clase de producciones.

Melfi presta especial atención a la dirección de sus actores, porque se trata de una historia pequeña que habla sobre conocer a las personas más allá de su fachada, sustentada en los personajes y en la conexión que se forma entre ellos, y a pesar de que la progresión no sea especialmente imprevisible, los intérpretes están tan bien y las líneas de diálogo son tan frescas que resulta todo un placer ver en acción no sólo a Murray en su salsa, sino también a Melissa McCarthy saliendo airosa de su primera aproximación al drama y a una divertidísima Naomi Watts encarnando a una prostituta rusa embarazada que pide a gritos un spin-off. El profesor religioso de Chris O’Dowd hubiera dado para más y la presencia de Terrence Howard es prácticamente testimonial, pero todos van acorde con la buena sintonía de la producción.

El tercer acto de St. Vincent demuestra algo a lo que no habíamos prestado atención hasta entonces: es una película hecha a partir de un boceto clásico del cine americano. La clave está en que nos lo habíamos pasado tan bien y este clímax final resulta tan enternecedor y sincero (dentro de lo que cabe) que poco nos importa, lo que demuestra que si una historia está contada con cariño, dedicación y respeto al público, de poco importará que nos haya provocado algún que otro ‘déjà vu’ por el camino, sobre todo si cuenta con el magnetismo de un Bill Murray que engatusará a todo el público sin excepción, y que se permite el lujo de canturrear un tema de Bob Dylan durante los créditos finales para que nos los comamos enteritos y sin rechistar.

7’5/10

Esqueletos fuera del armario

Dir.: Craig Johnson
Int.: Bill Hader, Kristen Wiig, Luke Wilson, Ty Burrell, Boyd Holbrook, Joanna Gleason, Kathleen Rose Perkins
¿De qué va?: Después de eludir la muerte el mismo día, los gemelos Milo y Maggie, que llevan diez años sin hablarse, se reúnen para encontrar una explicación razonable del negativo rumbo de sus vidas. Para Maggie, esto significa reanalizar sus tendencias autodestructivas y su matrimonio con su dulce maduro, mientras que Milo debe enfrentarse al dolor que le causó que le rompieran el corazón a una temprana edad.

Reseña: Los hermanos Jay y Mark Duplass son dos de los mayores referentes del cine indie americano del siglo XXI. Ya sea en calidad de directores, guionistas, actores o productores, su influencia dentro del ala independiente de Hollywood es tal que en enero estrenarán su propia serie en la prestigiosa HBO, Togetherness. Pero antes, nos llega The Skeleton Twins, filme dirigido por Craig Johnson que los hermanos Duplass han producido, y por tanto, nos encontramos con una propuesta cuanto menos estimulante, simpática y honesta, pero no especialmente memorable.

The Skeleton Twins gira en torno a dos hermanos gemelos cuyas vidas ha estado marcadas por el suicidio de su padre cuando aún eran pequeños. Tras un enfrentamiento entre ellos, pasan diez años sin hablarse, hasta que por una broma macabra del destino, se produce el reencuentro cuando ambos se encontraban al borde del abismo. La clave para solucionar todos sus problemas, traumas y sinsabores vitales podría residir en restablecer su relación, pero el miedo a que el otro le abra los ojos a una realidad largamente negada se los impide. Lo mejor de la película es su dúo protagonista: Kristen Wiig y Bill Hader poseen una gran complicidad tras muchos años trabajando juntos en Saturday Night Live, algo que se ve reflejado en la pantalla, y los dos poseen una gran capacidad para revertir la carcajada y alternar o aunar comedia y drama con absoluta convicción.

La película también se atreve a abordar temas tan peliagudos como la infidelidad, el suicidio o la pederastia de forma abierta y desprejuiciada, pero el conjunto no va más allá de la suma corrección. No ayuda un desenlace demasiado apresurado y poco emocionante, así como el menosprecio final hacia el personaje de Luke Wilson, y que los personajes y las situaciones nos recuerden a películas previas cortadas por el mismo patrón como Pequeña Miss Sunshine o Jeff y los suyos. The Skeleton Twins es una buena película, pero no será considerada como uno de los grandes referentes del cine con sello de Sundance, ese que suele tener tanto unas cualidades como unos tics que a estas alturas todos conocemos como la palma de nuestra mano.

6’5/10

Fatalidad tripartita

Dir.: Carlos Vermut
Int.: Luis Bermejo, Bárbara Lennie, José Sacristán, Lucía Pollán, Israel Elejalde, Alberto Chaves, Teresa Soria Ruano, Miquel Insúa
¿De qué va?: Alicia, una niña enferma de cáncer terminal, sueña con tener el vestido oficial de su anime japonés favorito. Luis, su padre, hará todo lo posible por conseguírselo. Su destino se cruza con el de Bárbara, una atractiva joven que sufre trastornos mentales, y con el de Damián, un profesor retirado con un tormentoso pasado.

Reseña: Si el fenómeno cinematográfico español del año, taquilleramente hablando, ha sido Ocho apellidos vascos, Magical Girl lo ha sido a nivel crítico. Desde su presentación en el Festival de Toronto y su paso triunfal por San Sebastián, la película ha conquistado a prensa especializada y público por igual, colocando a su director, Carlos Vermut, en el centro del radar, señalándolo como la gran esperanza del cine español. Hasta ahora, en el currículum de Vermut constaban tres cortometrajes y una película, Diamond Flash, que tuvo una acogida positiva pero mucho más minoritaria al estrenarse directamente en la red. A falta de que la Academia Española de Cine se pronuncie, muchos han visto en Magical Girl una obra maestra, incluso el mismísimo Pedro Almodóvar ha caído rendido ante ella. Yo no diría tanto, pero es evidente que estamos ante una película extraña, retorcida y muy inteligente, una rara avis del cine patrio.

Sobre el argumento es mejor saber cuanto menos mejor, ya que uno de los placeres que ofrece es el de sobresaltarse con los resortes narrativos que se encuentran escondidos a lo largo de la historia, cuyos tres personajes principales se van pasando el protagonismo de la acción como si de una carrera de relevos se tratase, hasta culminar en un desenlace que le da un sentido circular al metraje. Vermut prefiere sugerir antes que mostrar los detalles más escabrosos de la trama, lo cual le otorga una fuerza singular al denso ambiente de la película, cuyos acontecimientos se van desarrollando de manera pausada pero firme. Si hay que buscar referentes, el primero que se me viene a la mente son los hermanos Coen, por la presencia de un humor negrísimo y por la irónica fatalidad con la que une los destinos de sus personajes.

El trío protagonista realiza un trabajo de gran calibre: Luis Bermejo, Bárbara Lennie y José Sacristán dan vida a tres personajes complejos que no conocen el límite de la moralidad en sus actos. Tienen su punto de patetismo y a veces actúan de forma incomprensible, pero siendo fieles a su lógica interna y a los que les mueve, ya sea el amor paternal, la lujuria o un sentimiento de venganza. Veo en Magical Girl la astucia de Vermut a la hora de dirigir sus actores, hablar a través de los espacios, de la composición de los planos e incluso del vacío, de crear imágenes que ya son icónicas dentro de la historia del cine español (la herida en la frente, la niña disfrazada), pero no termino de comulgar con él. Lo presencio todo con distancia y aunque me deja satisfecho me quedo un tanto impensable. Eso sí, cuenta con un monólogo sobre la naturaleza de España que es la mejor reflexión, la más original y acertada, que he oído de este país; aquí Vermut lo ha clavado y por ello, me uno al grupo de personas expectantes por ver cuál es su siguiente movimiento.

7’5/10

Lo que las plagas se llevaron

Dir.: Ridley Scott
Int.: Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Ben Kingsley, María Valverde, Sigourney Weaver, John Turturro
¿De qué va?: Tras ser expulsado de Egipto al descubrirse su origen hebreo, Moisés recibe la misión de liberar a su pueblo de la esclavitud a la que está sometido por el faraón Ramsés. Ante la negativa del rey, Egipto es asolada por un terrorífico ciclo de plagas mortíferas.

Reseña: A sus 77 años, Ridley Scott mantiene un ritmo de trabajo envidiable, sin embargo, no se encuentra precisamente en el mejor momento de su carrera. Sus últimos estrenos, El consejero y Prometheus, han sido motivo de discusión entre numerosos detractores y un reducido grupo de admiradores, aunque eso es mejor que la indiferencia que despertó su versión de Robin Hood. Con Exodus: Dioses y reyes vuelve a la revisión de una historia que mezcla historia y leyenda conocida por todos y llevada a la gran pantalla en numerosas ocasiones: la rebelión de los esclavos hebreos liderada por Moisés.

Entonces, ¿por qué volver a contar la misma historia una vez más? Habría que preguntárselo a su director, porque tras ver la película no lo tengo del todo claro. La aproximación que realiza Scott no dista demasiado de lo ya visto, salvo por ciertas reticencias de Moisés a cumplir el mandato de Dios, sin profundizar demasiado, y el plus de espectacularidad que brindan los efectos especiales del cine actual. El desarrollo de los acontecimientos es tan plano que sólo los entusiastas de la historia pueden sentir un gran interés, mientras que para el resto puede resultar inevitable impacientarse por que lleguen los dos momentos álgidos de la trama: las plagas bíblicas y la separación del Mar Rojo. Es entonces cuando Scott se luce realmente al componer imágenes tan imponentes como terroríficas, aunque en algún momento se pase con la brocha gorda (la escena del bebé).

El principal problema de Exodus: Dioses y reyes es que para ser una película que dura dos horas y media no está bien contada. La evolución de los protagonistas, Moisés y Ramsés, va a trompicones, pero al menos hay algo de psicología en ellos porque el resto de personajes prácticamente forma parte del decorado: Aaron Paul, Ben Kingsley, John Turturro… Todos son meros instrumentos argumentales. Sigourney Weaver aparece en cuatro escenas contadas y sólo articula frases en una; ¿víctima de un remontaje quizás?. Un reparto de estrellas desaprovechado como pocas veces se ha visto liderado por un Christian Bale simplemente correcto y un Joel Edgerton fuera de lugar, incómodo.

Técnicamente hablando, la película resulta impecable: fotografía, exteriores, efectos especiales, ambientación, vestuario… la banda sonora de Alberto Iglesias es un poco machacona pero se acepta. El problema es todo lo demás. Si la comparamos con la otra gran epopeya bíblica del año, Noé, me quedaría con esta última sin pensarlo, al ser más arriesgada y disfrutable. Al menos, sus incongruencias tenían gracia, las de Exodus sólo provocan sopor y mirar de vez en cuando el reloj, deseando que Moisés encuentre las tablas de los diez mandamientos  para que todos podamos marcharnos a hacer algo mejor con nuestras vidas, como incumplir alguna que otra.

4’5/10

Cucos y coquetos

Dir.: Simon J. Smith, Eric Darnell
¿De qué va?: El comando de pingüinos formado por Capitán, Kowalski, Rico y Soldado abandona el circo donde sus amigos del zoo de Nueva York se han instalado para embarcarse en una aventura que los llevará a diferentes puntos del planeta, y a aliarse con la sofisticada organización de animales espías conocida como Viento Norte, para impedir que un resentido pulpo lleve a buen puerto su malvado plan.

Reseña: La primera película de Madagascar pudo gustar más o menos, pero todos estuvimos de acuerdo en que el mayor volumen de carisma y comicidad provenía de la cuadrilla de los pingüinos y los lemures, de ahí que unos y otros fueran escogidos para gozar de su propia serie de televisión. La falta de chispa de los protagonistas de la franquicia se solventó bastante con una tercera parte muy alocada y trepidante, pero Dreamworks, a quien la jugada del spin-off ya le funcionó muy bien con El gato con botas de Shrek, no ha querido pasar la oportunidad de sacar una película protagonizada única y exclusivamente por los pingüinos de Madagascar.

Tras un estupendo prólogo que nos descubre el origen del cuarteto y que enlaza con Happy Feet y Locos por el surf, anteriores y estupendas incursiones animadas a la sociedad pingüina, la película arranca con Capitán y sus colegas pirándose del circo para infiltrarse en un complejo de alta seguridad. Podría parecer que buena parte de las bromas estarán enfocadas a parodiar el género de agentes secretos, pero desafortunadamente, pronto quedan reducidas a las intervenciones de Viento Fuerte, la organización de animales espías que lidera un perro con la voz de Benedict Cumberbatch (en su versión original), y sus numerosos gadgets. Al menos, estos personajes que ocupan el hueco secundario dejado por los pingüinos no desentonan y tienen su gracia.

Este spin-off sigue la fórmula de Madagascar 3: De marcha por Europa de no ofrecer descanso al espectador a través de una historia contada a ritmo vertiginoso, con una alocada secuencia de persecución en los canales de Venecia, algunos chistes que son un guiño para los adultos, otros demasiado infantiles, mucho juego de palabras, mucho humor absurdo y una moraleja para toda la familia, sobre la importancia de la familia (sin necesidad de lazos de sangre), de la amistad y de confiar en la capacidad y autosuficiencia de las personas infravaloradas y sobreprotegidas.

El show arranca mucho mejor de como termina, sobre todo porque el enfrentamiento final con el villano se alarga demasiado y satura un poco. Con los spin-off siempre se corre el peligro de que lo que funciona en pequeñas dosis pierda toda su gracia cuando pasa a primer plano. Afortunadamente, esto no pasa con los pingüinos de Madagascar, pero la escasa ambición de la película, que no va más allá de ofrecer un rato de risas para todos los públicos, impide que estos carismáticos pingüinos se luzcan como deberían. Ni imprescindible ni innecesaria, pero eso sí, entrañable y simpática un rato largo.

6/10

Período de reclutamiento

Dir.: Francis Lawrence
Int.: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Julianne Moore, Phillip Seymour Hoffman, Woody Harrelson, Natalie Dormer
¿De qué va?: Tras escapar de la arena de los Juegos del Hambre, Katniss Everdeen se encuentra en el Distrito 13. Bajo el liderazgo de la comandante Coin y el consejo de sus amigos, Katniss debe decidir si acepta personificar el símbolo de Sinsajo y convertirse en la cabeza visible de una rebelión que podría acabar con la tiranía que ejerce el Presidente Snow para siempre.

Reseña: Desde que a Warner se le ocurriera la brillante idea de exprimir esa gallina de huevos de oro que fue (y sigue siendo) Harry Potter en dos películas, rodadas a la vez pero estrenadas con un lapso de un año, toda franquicia basada en una saga literaria juvenil de éxito debe contar con un episodio final dividido en dos partes. ¿El motivo? El poderoso caballero Don Dinero efectivamente, aunque los directivos siempre se escuden tras la excusa de que, puesto que el último libro suele ser el más largo e importante, quieren darle la extensión y el trato adecuados. El principal problema de esta argucia es que la estructura narrativa clásica que tienen los libros adaptados, esto es, “presentación, nudo y desenlace”, queda partida en dos películas, y por tanto la narración se resiente, dando la impresión de que estamos ante una historia incompleta, especialmente en la primera parte.

Toda esta parrafada viene a cuento por el gran problema que arrastra Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 1 desde su propia concepción. La primera tanda de capítulos del libro se podría resumir perfectamente en 30 minutos, puesto que gira prácticamente sobre un único tema: el poder de la propaganda y de la apelación a los sentimientos más primigenios del ser humano para incentivar la rabia, el espíritu de lucha y el miedo en las masas, y las consecuentes dudas de Katniss de si quiere convertirse en ese revulsivo que hará que los habitantes de Panem tomen las armas. Pues de eso trata básicamente una película que se extiende hasta las dos horas, con un par de tramas principales que se cierran antes de los créditos finales pero que se antojan insuficientes para provocar el gran interés y la emoción a la que aspiran.

De poco sirve el magnetismo y el buen hacer de Jennifer Lawrence para animar el cotarro, pese a que la chica esté mejor aprovechada en papeles más cómicos y menos austeros, como los que ha interpretado bajo las órdenes de David O. Russell. Ante la poca chicha que tienen los machos alfa a los que dan vida Josh Hutcherson y Liam Hemsworth y la poca cancha que le dan a Sam Claflin (mucho más interesante que los otros dos), los fichajes de Julianne Moore y Natalie Dormer son tan agradecidos como la presencia de Elizabeth Banks, cuyo personaje, Effie, no aparecía en la novela hasta el desenlace, siendo evidente que se ha introducido para alargar la trama, aunque resulta todo un acierto gracias a que aporta un toque de humor que no le viene nada mal a un ambiente tan grave.

Francis Lawrence demostró en En llamas que tenía mejor pulso que Gary Ross para equilibrar el espectáculo y el drama de la saga de Suzanne Collins, pero poco puede hacer ante el escaso margen de maniobra del que dispone en esta película, demasiado estática y discursiva, con sólo una escena de acción (si somos indulgentes con la definición del género) y con una recta final muy descafeinada. Entretiene, sí, y tiene alguna escena destacable, como la canción de Katniss, pero la sensación que deja es la de ser un prólogo de dos horas, un preámbulo a una batalla final que, entonces sí, podría ser el espectacular y trágico colofón que esta saga necesita para estar a la altura de su éxito.

5’5/10

Los infectados patrios se hunden

Dir.: Jaume Balagueró
Int.: Manuela Velasco, Paco Manzanedo, Hector Colomé, Ismael Fritschi, Críspulo Cabezas, María Alfonsa Rosso, Mariano Venancio
¿De qué va?: Ángela Vidal, la única superviviente de la terrible infección propagada en un edificio de viviendas de Barcelona, es evacuada. Para ser examinada, es llevada a un viejo petrolero. Cuando parece que la situación está por fin controlada, vuelve a desatarse el caos y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas.

Reseña: La cuarta y presumiblemente última parte de [REC] se ha estrenado sin el subtítulo de Apocalipsis con el que se promocionaba hasta hace nada. Quizás se lo estén reservando para entregas venideras, o tal vez sus responsables se dieron cuenta de que esta película, de apocalíptica, tiene muy poco, pues está ambientada única y exclusivamente en un buque y los acontecimientos que allí se desarrollan  no tienen que ver con el fin del mundo, sino con lo que se espera que ocurra en una peli de zombies/poseídos rutinaria y con escasa imaginación.

Uno de los puntos fuertes de la saga [REC] es que cada entrega resulta diferente al resto. La primera jugaba con el terror puro y la telerrealidad, la segunda entraba de lleno en el terreno fantástico, la tercera rompía con el estilo found footage (metraje encontrado) de las dos anteriores para ofrecer una comedia negra  cruel y divertidísima, y ahora esta cuarta parte tira por derroteros de suspense y acción, manteniendo el ambiente claustrofóbico y el gore y añadiendo a la ecuación a una heroína a su pesar rodeada de machos cabríos. ¿Les suena de algo? Pues mejor no pensar en Alien, aunque las referencias sean más que obvias (también a La cosa) porque el filme de Jaume Balagueró saldrá perdiendo, y con dolor. [REC] 4 está exenta del costumbrismo español que compartían las anteriores entregas, y sin eso se reduce a una película de terror del montón, que ni siquiera tiene sustos ni imágenes para el recuerdo (salvo la forma en la que termina el primer ser infectado en el barco) y que encima arrastra los tópicos más sobados del cine hollywoodiense. Algunos nos los intentarán colar como homenajes a la serie B, pero si al menos tuvieran gracia como los de Arrástrame al infierno o los del remake de Posesión infernal hasta me lo podría creer.

Otro aspecto en el que este barco hace aguas es el reparto. Hacía tiempo que no me encontraba con unos actores tan desatinados y sobreactuados. Se pasan la película gritando y recitando frases clásicas del tipo “¡Tenemos que salir aquí!” o “¡No podemos irnos de aquí sin ella!” como si padecieran fuertes dolores estomacales. El protagonista masculino, Paco Manzanedo, se pasa de intenso, es malísimo. Sólo salvaría de la quema a Hector Colomé, por ser el único en saber el significado de la palabra ‘mesura’, a Ismael Fritschi, por ser menos cargante de lo que se espera del personaje de ‘friki a bordo’, y a Manuela Velasco, más que nada por simpatía y por mi debilidad por las ‘scream-queens’, aunque al no tener el margen para la improvisación que se le dio en la primera parte pierde mucho (mucho mejor Leticia Dolera en el filme precedente).

Como conclusión de la saga terrorífica española por excelencia, [REC] 4 es desabrida. Ni resuelve todas las incógnitas abiertas, ni resulta inquietante,  ni da la sensación de que sea un punto y final a la franquicia, dada la presencia de un irrisorio plano final que deja la ventana abierta para una hipotética quinta parte. Que hayan espectadores interesados, eso ya es otro cantar, pues esta entrega ha despertado tan poco interés como el que parece que ha tenido Balagueró a la hora de dirigirla, más como un compromiso laboral insalvable que como una oportunidad de hacer algo diferente y personal, tal y como hizo su compi Paco Plaza en [REC] 3: Génesis. Pues nada, pasemos a otra cosa.

4/10

Un hogar en el fin del universo

Dir.: Christopher Nolan
Int.: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, David Gyasi, Wes Bentley, Mackenzie Foy, Casey Affleck
¿De qué va?: Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores se embarca en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad, emprendendiendo un viaje a través de un agujero de gusano en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

Reseña: Christopher Nolan es pura ambición. No contento con revalorizar a Batman (y por ende, al género de superhéroes) y con bucear en el subconsciente y la mente humana tanto de forma íntima (Memento) como si se tratara de un circo de seis pistas (Origen), ha elegido las estrellas como siguiente destino y desde allá arriba se pregunta cuál es la clave de la supervivencia del ser humano y hasta dónde es capaz de llegar para conseguirla. Interstellar es el blockbuster más personal que ha rodado Nolan hasta la fecha, pero también el más presuntuoso, y quizás por ello a lo largo de las casi 3 horas que dura la película nos topamos tanto con sus grandes fortalezas como con sus grandes debilidades, ambas más manifiestas que nunca.

El futuro que nos presenta Nolan tiene algún que otro avance tecnológico, como robots con nivel de sarcasmo ajustable, pero en líneas generales es pesimista y rudimentario, una época de recesión que coloca de nuevo la labranza y el cultivo como el sector económico fundamental, a pesar de que el planeta se está volviendo cada vez un lugar mucho más hostil en el que vivir. De ahí que un grupo de exploradores se lance al espacio en busca de una esperanza para la humanidad tan remota como la galaxia a la que se dirigen. Interstellar cuenta con dos vertientes, la sentimental y la fantástica, que se entrelazan a través del dilema del protagonista, que en un momento dado debe elegir entre la raza humana y su familia, y que alcanza su punto cumbre a mitad de película, en la escena en la que nuestro héroe intergaláctico es por fin plenamente consciente de las consecuencias de su partida.

Ese momento, tan íntimo como desgarrador y aupado por la fuerza de las interpretaciones de Matthew McConaughey y Jessica Chastain, es la muestra perfecta de lo mucho que puede hacer Nolan con pocos recursos. Hay otras escenas que también demuestran que es todo un hombre orquesta al ejercer un control perfecto de la dirección de actores, los efectos especiales, el montaje y la banda sonora (Hans Zimmer de nuevo dando lo mejor de sí) para elaborar secuencias bellas, espectaculares y técnicamente perfectas. Nolan tiene sus referencias, con Kubrick figurando como primero de la lista, y consigue sumergirnos en un viaje único, atractivo y potente… hasta que llega su último acto, en el que realiza un triple salto mortal con tirabuzón y doble piruleta en el que las explicaciones largas, confusas y excesivamente técnicas (uno de los eternos problemas de Nolan) dadas hasta entonces convergen en un momento propio de La dimensión desconocida en el que es mejor no buscar una explicación lógica y entendible  si uno no quiere terminar con dolor de cabeza.

Lo mejor para resolver las incógnitas es atajar con un “Lo hizo un mago” como en aquel episodio de Halloween de Los Simpsons con Xena, la princesa guerrera, porque  parece que lo que de verdad le importaba a Nolan era cuadrarlo todo para hacerle una concesión al gran público con un desenlace al que le hace falta algo de acritud y que se siente bastante apresurado, lo cual resulta irónico teniendo en cuenta el abultado metraje de la película. En definitiva, Interstellar es un esfuerzo loable, una bella y ambiciosa epopeya que se lanza al espacio sin perder de vista el planeta Tierra, ni su corazón, pero quiere abarcar tanto y quiere llegar tan lejos que termino descolgándome, y pierdo la conexión, la empatía y el estado de asombro perpetuo que sí consiguió en mí una película igual de espectacular o incluso más, y que también hablaba de la supervivencia del ser humano en el espacio, pero de una forma mucho más simple, ajustada y efectiva. No hace falta que les diga el título ¿verdad? Aún así, vale la pena embarcarse en este otro viaje espacial, aunque los mareos terminen haciendo acto de presencia.

7’5/10

Vamos a portarnos mal

Dir.: Damián Szifrón
Int.: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Erica Rivas, Rita Cortese, Óscar Martínez, Dario Grandinetti, Julieta Zylberberg, María Onetto
¿De qué va?: Seis historias protagonizadas por personajes que se ven empujados hacia el abismo y cruzan la delgada línea que separa la civilización de la barbarie: una traición amorosa, el retorno de un pasado reprimido o la violencia contenida en un acto cotidiano son algunos de los detonantes que los impulsan al vértigo de perder los estribos, al innegable placer de perder el control.

Reseña: Desde la guardería se nos enseña a ser educados, a respetar a los demás, a resolver los conflictos de manera civilizada… en definitiva, a ser buenas personas. Pero en muchas ocasiones, actuamos correctamente y el mundo no responde en consecuencia. Hay veces en las que encadenamos una desgracia tras otra, y otras en las que podríamos inmolarnos por la impotencia que sentimos de no poder remediarlo. Ahí es cuando sale el animal primitivo que reside en el interior de cada uno de nosotros, y explotamos, nos volvemos completamente locos. Lo normal es que cuando se nos pase el cabreo nos sintamos avergonzados y pidamos perdón pero… el placer que hemos sentido al descargar toda la rabia que teníamos contenida no nos lo quita nadie.

De eso va Relatos salvajes, película compuesta por seis historias independientes que nos plantean situaciones familiares, ya sea por experiencia propia, cercana o conocida por la literatura, el cine o la televisión, en la que los protagonistas se olvidan del raciocinio y actúan ateniendo a sus instintos más primarios, provocando reacciones al límite y excesivas. De la naturaleza trágica de todas ellas surge un sentido del humor muy negro, que nos provoca sonoras carcajadas al tiempo que nos convierte en cómplices, porque a todos también nos habría gustado actuar de la misma manera, sin pensar en la consecuencias, en algún que otro momento de nuestras vidas.

El mayor hándicap de las películas de historias cruzadas o de microrelatos, como es este caso, es que siempre hay irregularidad en cuanto a la calidad y el interés de las mismas. Afortunadamente, esto no ocurre aquí, pues desde el descacharrante prólogo, toda una declaración de intenciones de lo que está por llegar, hasta el último, y para el que esto escribe, mejor episodio, el de la boda, el nivel se mantiene muy alto gracias al perspicaz libreto de su responsable, Damián Szifrón, quien masca las tragedias de forma lenta pero segura, y de su estupendo y coral elenco, del que destacaría especialmente a Érica Rivas, Leonardo Sbaraglia, Rita Cortese y Ricardo Darín. Si tengo que escoger el relato que menos me ha gustado, ese sería el penúltimo, porque me parece el menos divertido, no así innecesario puesto que aporta al conjunto temas interesantes  sobre la naturaleza humana, como el arte de echar balones fuera o el sacar tajada de la desesperación ajena. Todas las historias gozan de algo en particular que ofrecer.

Tiene mucho sentido que Relatos salvajes se ambiente en Argentina, dado el carácter visceral y exaltado con el que siempre se le ha relacionado a los que son naturales de allí, aunque también podría haberse rodado en España, donde últimamente vivimos un clima de indignación colectiva por el que ya no dejamos pasar ni una, o en cualquier otra parte del mundo, porque todos hemos fantaseado alguna vez con lo que vemos en la pantalla. Por eso, bien podríamos decir que estamos ante la película que ha hecho un retrato más exacto de la sociedad en tiempo de crisis, porque deja claro que ante tanta presión tenemos que estallar por algún lado, y las consecuencias pueden ser tan terribles como hilarantes.

8/10

16 obreros sin piedad

Dir.: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Int.: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Catherine Salée, Batiste Sornin, Pili Groyne, Simon Caudry, Alain Eloy, Myriem Akeddiou
¿De qué va?: Sandra se reincorpora al trabajo tras una baja por enfermedad, pero recibe la noticia de que ha sido despedida. Su única oportunidad de conservar su empleo es hablar con todos sus compañeros a lo largo de un fin de semana para tratar de convencerlos de que renuncien a sus respectivas primas de 1.000 euros para que ella pueda quedarse.

Reseña: La clase obrera es sufridora por definición a lo largo de toda la historia del ser humano, y el siglo XXI no es una excepción. La recesión económica ha sido la excusa perfecta para que la clase política y empresarial pueda hacer y deshacer a su antojo desde su privilegiada posición, mientras los trabajadores se ven obligados a trabajar bajo unas condiciones laborales pésimas. En este clima intranquilo en el que vivimos desde hace ya unos cuantos años, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne han realizado una película que podría haber sido fácilmente un panfleto tan burdo como las primeras líneas de este párrafo (lo siento, lo mío no es comentar política ni economía),pero afortunadamente se han decantado por profundizar en el problema para conseguir algo mucho más complicado: honestidad.

A lo largo de un fin de semana, Sandra debe convencer a sus compañeros de trabajo de que renuncien a 1.000 euros de prima para que ella pueda conservar su puesto de trabajo. Cada uno tiene sus razones para votar a su favor o en su contra, todas son igual de válidas, y en ningún momento se les enjuicia, pese a que algunos respondan con malas maneras. La historia se presta a una narrativa monótona, pero los Dardenne la despliegan de tal manera que nunca cae en la monotonía, gracias a una serie de mecanismos sacados del thriller que encajan perfectamente con el espíritu de drama social del filme. Pero Sandra no sólo tiene que enfrentarse a sus compañeros, sino también a sí misma, pues debe de superar su vergüenza y la sombra de una enfermedad si quiere conservar su puesto de trabajo y poder cuidar así de su familia.

Marion Cotillard se despoja de todo el glamour que conlleva su imagen de “actriz parisina” para dar vida a una mujer normal y corriente que tiene que sacar fuerzas de sus mismas entrañas para seguir adelante, con el inestimable apoyo de su marido (Fabrizio Rongione). A lo largo de su periplo encuentra esperanza, la pierde, se hunde, se repone y suda como una condenada y nos la creemos a pie juntillas porque es una actriz formidable, y generosa, porque se integra perfectamente con sus compañeros de reparto, la mayoría no profesionales, mirándolos de tú a tú, sin las ínfulas propias de la estrella de cine que utiliza la película como vehículo para su lucimiento personal, y eso que la cámara la está enfocando a ella y a su belleza al natural el 97% del tiempo.

Los Dardenne no quieren adornos para su trama, aunque hay algunos recursos de guión, muy pocos, que pueden ser considerados un tanto facilones para acentuar el drama, pero el chantaje emocional nunca asoma, ni siquiera cuando Sandra trata de convencer a sus compañeros de que la apoyen. Más allá de todo el desánimo que se respira en el aire hay cabida para cierto optimismo  en las muestras de solidaridad y compañerismo y ante el convencimiento de que alcanzar la meta no es tan importante como la forma en la que recorremos el camino, siempre con la cabeza bien alta. Eso es lo que prevalece de Dos días, una noche, una fábula moral (no moralista), que podría haber sido tendenciosa, machacona y populista, pero que ha preferido ser sutil, humilde y humana, y eso, amigos, es algo muy raro de ver hoy en día.

8/10