Un zoo donde asentarse

Dir.: Cameron Crowe
Int.: Matt Damon, Scarlett Johansson, Thomas Haden Church, Colin Ford, Elle Fanning, Maggie Elizabeth Jones, Patrick Fugit
¿De qué va?: Meses después de la muerte de su esposa, Benjamin Mee deja su empleo como columnista de prensa y decide comprar una casa rural que viene con el añadido de una reserva de animales de ocho hectáreas que necesita rehabilitación. Con la esperanza de encontrar un nuevo comienzo para él y sus dos hijos, Benjamin se embarca en una odisea para poder reabrir el zoo.

Reseña: Hay ocasiones en las que tenemos muy claro el camino a seguir, pero la vida puede ser muy caprichosa, llevándonos por derroteros inesperados hasta que, ¡oh sorpresa!, hallamos la ansiada felicidad y sin que tuviera nada que ver con lo que teníamos pensado en un principio. No se trata de conformismo, sino de descubrir que no hay una única manera de alcanzar la plenitud. En otras ocasiones, simplemente, necesitamos de un cambio en nuestra rutina o de una segunda oportunidad para cicatrizar heridas y sentirnos vivos de nuevo.

Estados Unidos, tierra de oportunidades, es una fábrica constante de esas historias de superación, nuevos comienzos y grandes hazañas que cada año hacen crecer como personas a mucha gente. Uno de ellos, Benjamin Mee, dejó constancia de su experiencia como dirigente por sorpresa de un zoo de capa caída en un best-seller que ha sido llevado a la gran pantalla por Cameron Crowe. Un lugar para soñar no es tan cursi como se podría esperar de su título en español (mejor sería el más sencillo y directo ‘Hemos comprado un zoo’) pero es probable que su buenrollismo irrite a los más ariscos, aunque no necesariamente, porque Crowe crea un ambiente vivaz y bienintencionado tan eficaz que vale la pena que aparquemos nuestro lado más ‘Scrooge’ por un par de horas para dejarnos llevar por los buenos sentimientos.

Resulta muy difícil resistirse a la cálida fotografía de Rodrigo Pietro, así como a la vibrante banda sonora compuesta por Jónsi (cantante y guitarrista del grupo Sigur Ros) y a un reparto tremendamente simpático. Matt Damon es tan bueno haciendo de espía amnésico como de hombre normal y corriente, un bonachón que, como buen líder de la manada, intenta sacar adelante a su familia y a su nuevo hogar mientras lleva el duelo por su esposa, a la que intenta recordar con cariño sin caer en una desmesurada añoranza.

Scarlett Johansson se desprende de su inherente sex-appeal para componer un personaje más parecido a los que hacía en el comienzo de su carrera, aunque tratándose de una cuidadora de animales a la que no vemos tocar a casi ninguno debería haberse ensuciado un poco más las manos. Tras Somewhere y Super 8, Elle Fanning se consolida como una de las presencias más radiantes y encantadoras del cine americano actual, aunque la pequeña Maggie Elizabeth Jones le come mucho terreno en el filme con sus mohínes y su carita angelical. Un pequeño gran descubrimiento.

Además de un apartado musical especialmente cuidado, las películas de Cameron Crowe suelen tener en común una duración que sobrepasa los 120 minutos. Un lugar para soñar no es la excepción, y aunque su historia se podría haber contado perfectamente en hora y media el director consigue que la narración sea muy amena y sin tiempos muertos, por lo que las dos horas que dura se pasan volando. Su mayor hándicap reside en algunos secundarios desaprovechados y en su exacerbado positivismo pero, sinceramente, prefiero una película así, que aun notándose su (impecable) manufactura tiene corazón y es transparente, que otras películas familiares al estilo de Zooloco que hasta podrían perjudicar nuestra salud mental. Si hay una película por la que debamos crecer como personas, que sea ésta.

7/10

El escorpión y la rana

Dir.: Nicolas Winding Refn
Int.: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Albert Brooks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Ron Perlman, Christina Hendricks
¿De qué va?: Un joven que trabaja como conductor especialista de cine acepta trabajar ocasionalmente de noche como chófer de los principales mafiosos de Los Ángeles para ayudarles a escapar de la policía, pero su mundo y sus prioridades cambian completamente el día que conoce a su vecina, Irene, y a su hijo.

Reseña: Había una vez un escorpión que le pidió a una rana que le ayudara a cruzar el río, prometiendo no hacerle ningún daño. La rana aceptó y lo subió a su espalda, pero cuando iban por la mitad del trayecto el escorpión la picó con su aguijón. La rana, incrédula, le preguntó “¿Por qué has hecho algo así? ¡Ahora moriremos los dos!”, a lo que el escorpión respondió “No he tenido elección, es mi naturaleza”. La pesimista moraleja de esta historia la siente como si fuera propia el kamikaze protagonista de Drive, un filme híbrido entre thriller ochentero, drama intimista y cine noir tan tenso y  brutal que impacta como si de un choque frontal se tratara.

Sobre el papel, Drive es un thriller correcto, pero bastante lineal y corriente. No sé qué tal estará la novela de James Sallis en la que se basa y qué quedará de ella en el guión, pero ese material en otras manos habría producido un engendro con aspiraciones de triunfar entre el público cuya película de referencia es A todo gas. Pero Nicolas Winding Refn no es un realizador de encargo cualquiera. Drive es la primera película que veo de él pero se nota que es de esos directores que se pueden amoldar al gusto comercial sin renunciar a su particular visión del cine. Refn insufla a Drive de influencias y homenajes al cine criminal ochentero sin excederse como lo suele hacer Quentin Tarantino, aunque bien es cierto que desde Kill Bill no habíamos visto una historia de venganza tan sangrienta y poética como ésta.

Refn enriquece la historia de Drive combinando todos los recursos estilísticos de los que dispone. A menudo recurre a la cámara lenta para recrearse en la retorcida belleza de las escenas más violentas, valiéndose del sonido, y de la ausencia de él, para marcar las pautas de la acción. Y no sólo el sonido: la fotografía, la música o el movimiento de los actores son aprovechados al máximo para crear escenas brillantes, como la que se desarrolla dentro de un ascensor; es admirable la forma en la que transforma algo romántico y noble en un acto atroz y violento que define un camino sin retorno.

El director encuentra a su perfecto cómplice en la figura de Ryan Gosling. El actor está sublime, saca petróleo de su personaje, que aun siendo parco en palabras es capaz de decirlo todo por cómo actúa y a través de la expresión de la cara, sin traicionar su aspecto inquebrantable y austero. Es una interpretación más complicada de lo que parece y Gosling sale indemne, con actitud y sin despeinarse. Por su parte, Carey Mulligan ilumina la escena con su mera presencia, mostrándose tan angelical y vulnerable que entendemos perfectamente el sentimiento que provoca en el interior del inalterable Gosling. El reparto al completo está irreprochable, y aunque Albert Brooks haga una gran actuación no comparto las desmesuradas alabanzas que está recibiendo al otro lado del charco, tampoco se trata de un villano memorable.

Eché en falta ver algo más del trabajo del protagonista como especialista de cine, pero en realidad tengo poco que objetar de un thriller realmente modélico, a contracorriente y arriesgado que aúna  con éxito elementos y referencias muy dispares, nada recomendable para los amantes exclusivos del ‘fast-food’, ese cine que se engulle tan rápido como se digiere. Quien tenga experiencia conduciendo con la única compañía de la radio y el sonido del motor sabe que ese tipo de soledad reconfortante que se experimenta al volante nunca se olvida.

9/10

Dioses de cerámica

Dir.: Tarsem Singh
Int.: Henry Cavill, Freida Pinto, Mickey Rourke, Stephen Dorff, Luke Evans, Isabel Lucas, Kellan Lutz, John Hurt
¿De qué va?: El brutal y sangriento rey Hiperión y su despiadado ejército avanzan por Grecia con el objetivo de liberar a los titanes dormidos en el monte Tártaro para desatar el caos en la Tierra y en el Olimpo. Sólo un hombre puede encabezar la rebelión y salvar a los dioses y a su patria: Teseo.

Reseña: Tarsem Singh está llamado a convertirse en un director de culto, no porque sus películas sean de visión obligatoria sino por la especial atención que le presta al diseño artístico de sus obras, consiguiendo imágenes de una belleza surrealista hipnótica aun conteniendo un alto grado de violencia. En La celda nos introdujo en la retorcida mente de un asesino psicópata y en The Fall, su mejor película con diferencia, nos llevó hasta los confines del mundo en un fantástico e imaginativo cuento. Su siguiente parada antes de atreverse con una nueva visión del cuento de Blancanieves y los siete enanitos (que a juzgar por el tráiler da bastante grima) es el péplum fantástico, un género abierto a nuevos horizontes creativos gracias al pelotazo de 300.

Immortals bebe directamente de las fuentes del filme de Zack Snyder, resulta innegable, pero no demos lugar a equívocos: la película es ‘Tarsem’ en estado puro. Las imágenes se perciben como cuadros en movimiento, una sensación acentuada por la cámara lenta en los momentos más épicos y la belleza sobrehumana de los actores (Mickey Rourke no entra dentro de esta ecuación). Cierto es que se pierde realismo y autenticidad porque se nota que los intérpretes actúan rodeados de pantallas verdes, pero una historia de estas características, sobre dioses y series mitológicos, necesita un imaginario visual tan excesivo para hacer disfrutar al personal…

Porque lo que es la historia en sí tiene pero que muy poca chicha. Ofrece todo lo que un péplum fantástico debe tener: batallas sangrientas y espectaculares, el discurso rimbombante que anima a las tropas a dejarse la vida en la batalla, un romance más carnal que intelectual, soldados que luchan a pecho descubierto, un villano cruel y despiadado… y sin embargo todo se antoja carente de vida, superficial y poco emocionante. No se le puede echar la culpa a los actores, sobre todo a Henry Cavill y a Mickey Rourke, que ponen toda la carne en el asador, sino al guión con el que tienen que lidiar, con frases como “Soy ladrón y voy a robarte tu corazón”. Que no se mantenga fiel a la mitología griega es lo de menos.

Así pues, Immortals se muestra más divertida cuando más cafre se pone, en los momentos más sanguinarios y salvajes. De resto nos encontramos con una maravilla visual de una creatividad desbordante que llega a su clímax en el plano que cierra el filme; lástima que el espectáculo termine cuando se pone emocionante de verdad. Habrá que ver si la secuela de la decepcionante Furia de titanes sacia las ansias de épica que tienen los fanáticos del género desde hace años.

5’5/10

La magia del celuloide

Dir.: Michel Hazanavicius
Int.: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle
¿De qué va?: George Valentin es una gran estrella del cine mudo cuya carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido con la llegada del cine sonoro. Todo lo contrario que la joven Peppy Miller, que tras comenzar como extra en una película de Valentín se convierte en una gran estrella del nuevo Hollywood.

Reseña: Hubo otra época en la que el cine era más entendido como una fábrica de sueños que como una máquina de hacer dinero; en la que el público en masa asistía al cine sin saber lo que se iba a encontrar; en la que todo era rudimentario y al mismo tiempo mágico. Poco queda de esa época en el panorama cinematográfico actual, y ni siquiera las nuevas generaciones somos capaces de valorarla como se merece, contrarios a todo lo que sea mudo y en blanco y negro. De repente, irrumpe un tal Michel Hazanavicius, director galo cuyo currículo en cine se reduce a dos parodias de la saga Bond y poco más, y obra el milagro: una película de los años 20 en pleno siglo XXI. Y lo más sorprendente es que funciona, tan preciso como el mecanismo de un reloj.

Y es que The Artist no es sólo un ejercicio de estilo. Podría pasar por una película de hace 80 años si no fuera por los rostros reconocibles y por detalles en el guión, guiños y homenajes que hacen referencia al Hollywood clásico en uno de los momentos más cruciales de su historia: el nacimiento del cine sonoro. Ya se había tratado en otros filmes, como en la indispensable Cantando bajo la lluvia, pero la cinta de Hazanavicius también incide especialmente en el ego de los actores, en su vanidad y la volubilidad de su fama (el cruel star-system), y lo hace de una forma sencilla pero majestuosa y dramática, con planos e imágenes cargados de intención y sentido que dan mucha más información de la historia que la que podrían ofrecer los ausentes diálogos.

Sin embargo, The Artist se fortalece gracias al porte de un hombre: Jean Dujardin. El actor es todo carisma, nos conquista con su sonrisa perfecta cuando saborea las mieles del éxito y sentimos su tristeza y frustración cuando su carrera va cuesta abajo. Fácilmente podemos imaginar a George Valentin compartiendo cartelera con Charles Chaplin, Buster Keaton o Gloria Swanson. Bérénice Bejo tampoco se queda muy atrás encarnando a Peppy Miller, mostrándose tan encantadora y exultante que no nos extraña que haya experimentado un ascenso tan meteórico en la historia porque nosotros también caemos rendidos a sus pies. James Cromwell y John Goodman, los actores más populares del filme, secundan a la pareja protagonista en sintonía con el conjunto.Y tampoco me puedo olvidar del perro, Uggy, un personaje tan simpático como esencial en la trama.

¿Qué pasaría si la película fuera a todo color? ¿Perdería buena parte de su encanto si hubiera sido rodada bajo un método convencional? Seguramente, pero de la misma forma en la que no habría triunfado Avatar sin su factura técnica tridimensional o si los mayas de Apocalypto hubiesen hablado un perfecto inglés. The Artist es tal y como se muestra en su emocionante y redondo final, un homenaje al proceso de creación del cine, a toda su historia, y como tal brilla cual estrella del Hollywood dorado.

9/10

Las perversas hadas de los dientes

 
Dir.: Troy Nixey
Int.: Katie Holmes, Guy Pearce, Bailee Madison, Alan Dale, Julia Blake, Jack Thompson
¿De qué va?: Sally Hurst en una niña solitaria y retraída que se muda con su padre y su nueva novia a una mansión del siglo XIX que ellos se están encargando de restaurar. Explorando la propiedad, Sally encuentra un sótano abandonado en el que oye a través de una rejilla cómo la llaman por su nombre unas extrañas criaturas…

Reseña: Tras el éxito que le reportó Hellboy y especialmente El laberinto del fauno, Guillermo del Toro no ha parado de acumular proyectos, sin embargo, el realizador mexicano ha preferido en muchos casos ceder la dirección a otras manos mientras él se dedica a las labores de producción. Pasó con El Hobbit y también con No tengas miedo a la oscuridad, remake basado en un telefilme de 1973 que del Toro se empeñó en sacar adelante por el terror que le había provocado cuando lo vio de pequeño, dejando al frente de la nueva versión al primerizo Troy Nixey.

 
El director de El espinazo del diablo también es responsable del libreto del filme, y eso se nota en algunos elementos reconocibles en su filmografía: niña que con su curiosidad e imaginación abre una puerta a un mundo desconocido, una historia semejante a un cuento de hadas lúgubre y retorcido y la presencia de unas criaturas crueles y abominables que se esconden en la penumbra. Sin embargo, hay unos pocos fallos de guión garrafales que dificultan la credibilidad en la historia (véase la resolución del ataque en la biblioteca). El prólogo es un arma de doble filo, puesto que si bien es absolutamente perturbador e implacable, de lo mejor del filme, anticipa las claves de lo que va a suceder después, por lo que el desarrollo, además de moverse por los derroteros habituales del género de terror de casas malditas, anda escaso de sorpresas.

 
En eso también tienen que ver las criaturas demoniacas, pues se les nota bastante el acabado por ordenador y en vez de aprovecharlo para jugar con el suspense y mantenerlas en las sombras aparecen de lleno casi desde el principio, por lo que ya hacia la mitad del metraje su presencia no nos inquietará lo más mínimo. Al menos el diseño de producción está muy logrado, tanto en el aspecto de la mansión como en la espeluznante iconografía de las criaturas. Los sustos no abundan y los que hay son atenuados por una banda sonora anticipatoria y básicamente funcional. Fíjense si no en la escena de la sábana, lo bien que quedaba en el tráiler sin música y cómo pierde efecto en la película.

 
La niña protagonista, Bailee Madison hace de cría con las consabidas tonterías de malcriada e inconsciente propias de su edad. Lo hace bien pero también tiene un curioso y expresivo rostro que a veces puede incitar a la risa (ya lo pudimos comprobar en Brothers). Katie Holmes consigue que empaticemos con su personaje, una de estas ‘scream queen’ que prefieren investigar las causas de los sucesos paranormales antes que desgañitarse, al estilo de Naomi Watts en The Ring salvando las distancias, por supuesto. Guy Pearce queda un tanto relegado ante sus dos compañeras femeninas y ni siquiera adquiere demasiada importancia en el desenlace, resolución inesperada y lúgubre que le termina de conferir a No tengas miedo a la oscuridad ese tono de historia para no dormir que se cuenta alrededor de una fogata para asustar a la chiquillada. Podría haber sido mucho más de lo que en realidad es.

5’5/10

Corsé sombrío

Dir.: Cary Fukunaga
Int.: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Judi Dench, Sally Hawkins, Imogen Poots
¿De qué va?: Tras ser educada en un estricto orfanato de Inglaterra, la joven Jane Eyre empieza a trabajar como institutriz en la aislada y sombría mansión victoriana del acomodado Edward Rochester.  La inicial frialdad del dueño de la casa pondrá a prueba la fortaleza de Jane, que poco a poco comenzará a tener sentimientos por él.

Reseña: Hay historias que jamás nos cansamos de escuchar cuando nos las saben contar bien. He de reconocer que no he visto ninguna de las múltiples adaptaciones cinematográficas y televisivas que se han hecho de Jane Eyre, la popular novela de Charlotte Brontë, y es raro porque no le hago ascos a las historias de época ambientadas en la campiña inglesa. Aún así, la historia no me resulta ajena porque no es muy diferente a las obras de Jane Austen, sin embargo, el enfoque con el que la ha encarado el director Cary Fukunaga es tan atractivo e innovador que de buen seguro también agradará a los que conozcan hasta dónde se ubican los puntos y comas de la obra original.

 
Y es que en esta Jane Eyre poco hay de la alegría y el alboroto que abundaban en Orgullo y prejuicio, Emma o Sentido y sensibilidad, así como de la fotografía luminosa y clara que exaltaba los prados verdes de la amada Inglaterra en las diferentes versiones cinematográficas. La triste historia de la solitaria Jane Eyre viene respaldada por nubarrones, niebla, sombras, ambientes grises y opacos que le confieren una atmósfera de cuento de terror, gótica y opresiva. En lo que se refiere a la historia propiamente dicha y sin conocer el texto en el que se basa, la adaptación parece bastante correcta, pues no da la sensación de que hayan agujeros negros en el guión (estructurado en varios flashbacks) como ocurre en otras ocasiones en las que monumentales relatos son mutilados para poder dar el salto a la gran pantalla, y sin sobrepasar las dos horas de duración.

 
Otro de los alicientes de esta versión es el excelente elenco que la interpreta. Mia Wasikowska por fin consigue un papel con el que poder lucirse, su primer  gran protagonista sin estar rodeada de los cromas de Alicia en el país de las maravillas, y realmente consigue demostrar su gran potencial como actriz. La joven encarna a una Jane Eyre fuerte, madura e inteligente, brillando en los momentos más tensos y dramáticos sin resultar excesivamente afectada o sobreactuada. Michael Fassbender exhibe suficiente carisma y porte como para ser algo más que el actor de moda en Hollywood, su Rochester recuerda a la historia de La Bella y la Bestia, pues encarna a un hombre brusco y misterioso que revela poco a poco su fragilidad interior a través del amor, mientras oculta un terrible secreto que alberga en su castillo. Judi Dench como la cándida ama de llaves, Jamie Bell como el inesperado protector de Jane y Sally Hawkins como la malvada (madrastra) tía contribuyen con sus interpretaciones a que esta última versión de la obra de Brönte sea tomada muy en serio.

 
La Jane Eyre de Fukunaga es una adaptación que se siente moderna sin rendirse a las corrientes cinematográficas actuales, manteniendo su esencia intacta pero aportándole nuevos aires con los que consigue esquivar los calificativos de ‘rancia’ e ‘innecesaria’. Gustará tanto a los foráneos como a los versados en la historia, aunque a veces se eche en falta que deje a un lado la contención y frialdad imperante y se deje llevar por una pasión desgarrada, algo que, depende de como se mire, puede ser bueno o malo. Podría convertirse en el drama de época ideal de los detractores del género.

7’5/10

Me parece haber visto a un lindo gatito…

 
Dir.: Chris Miller
¿De qué va?: Mucho antes de conocer a Shrek, el Gato con Botas emprendió una trepidante aventura aliándose con su amigo de la infancia, el huevo Humpty Dumpty, y con la astuta Kitty Zarpas Suaves en busca de las habichuelas mágicas que les conducirían hasta el castillo donde habitaba el legendario ganso que pone huevos de oro macizo.

Reseña: Una de las cosas que más gustó de Shrek 2, la mejor continuación con diferencia de la exitosa película que nos presentó al ogro verde y a su pandilla, fue la introducción del personaje del Gato con Botas. El salero malagueño que le proporcionó la voz de Antonio Banderas y su carácter entre aguerrido y tierno, por no hablar de la archiconocida caída de ojos que nos conquistó a todos, eclipsó a Asno, el personaje cómico de la saga por excelencia hasta ese momento, y por aquel entonces se anunció un spin-off con protagonismo absoluto para el felino. Con el paso de los años, el proyecto ganó ambición, pasando de la idea de lanzarlo directamente al mercado doméstico a estrenarla directamente en cines.

 
El resultado dista mucho de cómo acabó la saga de Shrek, que perdió algo de diversión pero sobre todo frescura en sus planteamientos. El gato con botas es una precuela que nos narra los orígenes del minino, que tampoco tiene nada que ver con el cuento original, puesto que más bien se trata de una mezcla de la fábula de Las habichuelas mágicas y la de La gallina de los huevos de oro. La película no tiene más pretensiones que las de ofrecer un entretenimiento divertido para toda la familia y lo cumple a rajatabla, pero tampoco alcanza más méritos, ni creo que quisiera conseguirlos, porque todos los elementos que la componen son simple y llanamente funcionales: la animación, las referencias al género western, los derroteros previsibles por donde va el guión, la moraleja final, la galería de personajes, los gags…

 
Los compañeros de fatigas, Kitty Zarpas Suaves y Humpty Dumpty, no consiguen hacer sombra al Gato con Botas, que no ha perdido carisma en su salto de secundario a protagonista, algo en lo que tiene mucho que ver el sobresaliente doblaje de Antonio Banderas tanto en la versión original como en la doblada, un doblete al que también se le ha sumado Salma Hayek, lo que siempre es de agradecer. En definitiva, El gato con botas es una divertida y dinámica aventura que sabrán apreciar tanto los niños como los adultos pero a la que le falta inventiva como para destacar por encima de sus congéneres, aunque tiene el mérito de tener al extra más gracioso que recuerdo: el gato sorprendido.

6/10

Fraternidad pingüina

 
Dir.: George Miller
¿De qué va?: Mumble y su amada Gloria tienen un problema con su hijo, Erik, pues tiene fobia al baile. Un día, Erik escapa con sus amigos de la comunidad de los pingüino emperador  y conoce a Sven, un pingüino capaz de volar. El pequeño se queda maravillado de él desatendiendo los consejos de su padre, pero todo cambiará cuando un desastre ecológico pondrá en peligro a la comunidad.

Reseña: En 2006 se estrenó Happy Feet, una sorprendente película que presumía de la animación por ordenador más puntera para contarnos la historia de unos pingüinos que se emparejaban a través de la música. El filme se saldó con un gran éxito de taquilla (casi 400 millones de dólares) y el Oscar a la mejor película de animación. Cinco años después nos llega su secuela y lo hace por la puerta de atrás, con una campaña promocional casi invisible y cierta indiferencia por parte del público: lleva tres semanas en cartel y apenas alcanza los 100 millones a nivel mundial. Tal vez llegue demasiado tarde, o puede que la primera parte no dejara a la gente con ganas de más, pero lo cierto es que pese a que no llegue al nivel de su antecesora, Happy Feet 2 no es tan prescindible como aparenta.

 
Aunque el factor sorpresa ya haya pasado, el filme se esconde un as en la manga: mientras muchas películas destinadas a un público infantil lanzan un mensaje optimista de que todos podemos conseguir lo que pretendamos por muy imposible que sea, Happy Feet 2 nos da una ducha fría de realidad y nos dice que todos tenemos un límite que no podemos superar por simples cuestiones biológicas. Pero no se alarmen, porque este mensaje -desmoralizante, realista, pesimista… llámenlo como quieran-, queda compensado con una denuncia ecológica, más sutil que la de la primera parte y centrada en el calentamiento global, y en una alegoría sobre el individualismo como medio de conseguir que la sociedad reaccione para poder hacer una acción conjunta capaz de cambiar el mundo. Es el 15-M de la fauna de la Antártida.

 
La historia de los pingüinos, cuyo mejor elemento cómico sigue siendo el latin-lover Ramón pero en menor medida, viene arropada por una trama secundaria protagonizada por los krill Will y Bill que subraya la moraleja de la cinta y que se acaba convirtiendo en lo mejor de ella. Estos pequeños crustáceos, que cuentan con las voces de Brad Pitt y Matt Damon en la versión original y con las de sus dobladores habituales en la española, son más expresivos que los pingüinos, tienen mejores diálogos e incluso su amistad va adquiriendo connotaciones homosexuales con evocaciones a Brokeback Mountain. Se merecen una película propia, o por lo menos un cortometraje. 

 
Pese a todo lo dicho y a que la factura técnica vuelve a ser excelente regalándonos momentos soberbios, Happy Feet 2 se queda unos pasos por detrás de la primera parte porque el desarrollo argumental es más bien estático en comparación con la trepidante aventura que vivió Mumble en la ocasión anterior, y porque los números musicales no lucen como deberían. Da igual que no sean tan numerosos, la cuestión es que el repertorio no tiene gancho, salvo por el Under Pleasure que suena en el clímax, y con algún que otro momento “What the Fuck?” con la recuperación del inefable Dragostea Din Tei y la ópera del pequeño pingüino en plan Joselito. Pero reitero lo dicho, es una secuela bastante digna y sus errores podrían ser subsanados en una ya anunciada tercera parte que tal vez no llegue a realizarse nunca por los discretos resultados que está cosechando este regreso de los pingüinos polifacéticos.

7/10

Cada segundo es crucial

 
Dir.: Andrew Niccol
Int.: Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Cillian Murphy, Alex Pettyfer, Vincent Kartheiser, Olivia Wilde, Johnny Galecki, Matt Bomer
¿De qué va?: En una sociedad futura, los humanos dejan de envejecer a los 25 años. Sin embargo, el tiempo se convierte en la única moneda de cambio y mientras que los ricos pueden vivir una eternidad sin problemas los pobres deben sobrevivir a contrarreloj día a día luchando contra unos impuestos cada vez más abusivos. Will Salas, un joven obrero, es perseguido por las autoridades cuando recibe una inmensa cantidad de tiempo por parte de un desconocido.

Reseña: Andrew Niccol debutó en el cine con Gattaca, una cinta de ciencia ficción fascinante que nos mostraba un futuro no tan improbable que se regía por una meritocracia en función de los genes. Se trata de una película que funciona tanto a nivel de entretenimiento como al didáctico, de hecho, la han mencionado en varias clases a las que he asistido tanto en el instituto como en la universidad. Catorce años después y tras dos películas dirigidas y varios guiones entre los que destaca el del premonitorio El show de Truman, Niccol fantasea con otro futuro en el que los avances científicos vuelven a provocar que la sociedad se estratifique aún más: la clase alta puede costearse la inmortalidad a costa de la clase baja, que tiene que dejarse el pellejo si no quiere que su reloj biológico llegue a cero.

 
Durante el primer acto de In Time, descubrimos una curiosa sociedad en la que en vez de billetes y monedas se paga en años, meses, días, horas y minutos. Mientras que en los barrios más marginales se matan unos a otros para robarse el tiempo y los impuestos están en constante subida, en la zona rica se entretienen apostando décadas de vida en el casino. El mensaje de Niccol y la comparativa que establece con la realidad actual no es nada sutil y es una constante a lo largo de la película, lo que confirma que In Time es una película de ciencia ficción que pretende ser más cercana y accesible que, sin ir más lejos, Gattaca. Dicha condición queda subrayada con la inclusión de pasajes de acción, no tan numerosos e innecesarios como un servidor esperaba pero que provocan que la trama se estanque y no explore todas las posibilidades de una premisa tan sugestiva, aunque están bien implementados gracias al recurso de la cuenta atrás de la vida de los personajes .

 
Así que pasada la presentación del contexto la película se convierte en una especie de Bonnie & Clyde del futuro con un Justin Timberlake cuya ficha policial bien podría ser la portada de su siguiente disco y una Amanda Seyfried más muñeca anime que nunca. Ambos funcionan bastante bien como pareja protagonista pero son incapaces de lidiar con un guión que no siempre refleja sus motivaciones y la razón de sus acciones como debería. Cillian Murphy está igual de eficaz que siempre como su incansable perseguidor mientras que las pequeñas intervenciones de Olivia Wilde, Matt Bomer y Johnny Galecki nutren la película de sus buenos haceres. La nota discordante del reparto la pone Alex Pettyfer con su papel de gángster de medio pelo.

 
La pena de In Time es que nunca llega a quemar todos sus cartuchos y ni siquiera es capaz de tomarse en serio a sí misma con un héroe que va de sobrado con frases como “¡Soy jodidamente increíble!” y una serie de incongruencias que harán la delicias de los espectadores a los que les encanta recopilar preguntas sin respuestas a lo largo de la proyección. Como mínimo es muy entretenida y guarda una reflexión que por reiterada o sencilla no resulta menos conveniente y necesaria. Por eso la ciencia ficción siempre me ha parecido mejor que la acción llana, porque se vale de la imaginación para recrear lugares y situaciones fantasiosas que no son tan diferentes de la realidad que conocemos.

6/10

Triángulo psicosexual

 
Dir.: David Cronenberg
Int.: Keira Knightley, Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Sarah Gadon
¿De qué va?: En los albores de la I Guerra Mundial, el psicólogo Carl Jung empieza a tratar a Sabina Spielrein, una joven que padece un trastorno de histeria, basándose en un método experimental inventado por Sigmund Freud. Con el paso del tiempo, Jung y Freud traban una sólida amistad, al tiempo que los sentimientos que el primero siente por Sabina se harán cada vez más fuertes.

Reseña: David Cronenberg es uno de esos directores que tienen un sello muy reconocible, de los que sin tener un estilo tan marcado como el de Tim Burton o Pedro Almodóvar se puede adivinar que un filme es suyo sin saber que lo es.  Incluso haciendo películas de pretensiones más comerciales, como Una historia de violencia o Promesas del este, sigue sin renunciar a los temas que le interesan, enfocados de la forma en la que él los quiere tratar y sin hacer concesiones de ningún tipo. Con su primera película de época, Un método peligroso, Cronenberg consigue reubicar históricamente sus constantes fílmicas sin que le afecten los encorsetamientos del género. Sin embargo, no llega a ser todo lo lúcido que podía haber sido.

 
Las teorías sobre el psicoanálisis de Freud son el sustento de la historia de cómo su discípulo más aventajado, Carl Jung, se debate entre mantener una actitud recta e intachable o dejarse llevar por sus impulsos más primitivos, ejerciendo de catarsis una paciente de tendencias sadomasoquistas que experimentará una evolución opuesta a la de él. Paralelamente, Jung empieza a desarrollar una línea de investigación diferente a la de Freud provocando una desavenencia entre ambos, pero ojo, que un conflicto violento entre estos dos caballeros se traduce en un intercambio de correspondencia de caligrafía intachable y de sutil hostilidad, algo que va acorde con cómo es la película en conjunto: un pausado y poco emocionante tratado excesivamente discursivo que decepcionará a los que busquen una trascendental aproximación al freudianismo, mientras que exasperará a los que esperen un drama de pasiones entrecruzadas y desatadas.

 
Al camaleónico Michael Fassbender no le cuesta meterse en la piel del ambivalente Carl Jung, del mismo modo que Viggo Mortensen consigue que su aplomo y buen hacer no se quede oculto tras la caracterización a la que ha sido sometido.  Con el tercer vértice del triángulo, Keira Knightley, llega la polémica, y es que su interpretación histriónica y descarnada de una enferma de histeria le ha propiciado tantas ovaciones como varapalos, pese a lo documentada que parece estar su conducta. Aunque se nos pueda escapar alguna risa ante la exhibición de mandíbula que realiza la actriz, lo cierto es que denota el compromiso que tiene para y con su personaje, y, pasado el shock de las primeras escenas, su interpretación gana enteros y deja de ser lo incómoda que resulta al principio. Vincent Cassel tiene una pequeña intervención que tan sólo funciona como revulsivo para el carácter de Jung, aunque no habría estado mal que se le diera más cancha en la historia.

 
Tengo la certeza de que Un método peligroso será de esas películas que dividen radicalmente a crítica y público. Unos adorarán sus analíticos diálogos y el subtexto de algunas de sus situaciones, como ese preludio de malestar entre judíos (Freud) y alemanes (Jung), y los otros se aburrirán al no conectar con una historia emocionalmente distante que justo asoma un atisbo de emoción en la última escena. La mayor parte de sus virtudes y defectos son discutibles pero de estos últimos los hay incuestionables, como los bruscos saltos temporales del último tramo o el uso y abuso de la correspondencia para tratar asuntos a los que se les habría sacado mejor partido cara a cara. Es una propuesta interesante presentada de forma impecable, pero, sinceramente, esperaba más.

6/10

Sentido del civismo

Dir.: Roman Polanski
Int.: Christoph Waltz, Kate Winslet, Jodie Foester, John C. Reilly
¿De qué va?: Dos niños se enfrentan con violencia en un parque. Los padres del agredido invitan a su casa a los padres del agresor para resolver el conflicto. Lo que comienza siendo una charla civilizada y cordial adquiere un tinte más violento a medida que los padres van revelando sus contradicciones y prejuicios sociales.

Reseña: Si algo hemos aprendido gracias a Gran Hermano es que juntar a varias personas en un espacio cerrado nunca es buena idea. Muchas parejas terminan su relación cuando se van a vivir juntas porque es entonces cuando descubren quién es su ‘media naranja’ en realidad, la intimidad es la que provoca que salgan a relucir aspectos que desconocíamos tanto de los demás como de nosotros mismos. Roman Polanski, que siempre ha sido un director aficionado a retratar el desmoronamiento del ser humano en espacios cerrados y claustrofóbicos, da un paso más en su particular estudio desde una perspectiva cómica y satírica, y para ser su primera comedia la jugada no le ha salido nada mal.

 
Un dios salvaje es una película puramente teatral, pero en el buen sentido de la palabra. Polanski toma la obra de Yasmina Reza y construye una fábula a tiempo real en la que se vale de un espacio cerrado y de cuatro sustanciosos personajes muy bien definidos para sacar a relucir las miserias e inseguridades no ya de los dos matrimonios protagonistas sino las de todo un estrato social. El filme es una sátira punzante en torno a la burguesía, explorando lo que se esconde detrás de una fachada cordial y civilizada: rencor, prejuicios, esnobismo, crueldad, envidia, apatía y falso altruismo son sólo algunos de los defectos que poseemos los seres humanos y que van saliendo a la superficie a lo largo de la película, que funciona como una olla a presión, empezando a calentar poco a poco el ambiente hasta que la situación estalla. 

 
Sobra decir que para un filme de estas características la selección de un elenco adecuado es fundamental, porque van a ser los responsables de sostener todo el peso de la historia sobre sus hombros. Tampoco creo que nos sorpresa que el cuarteto protagonista de Un dios salvaje está a la altura de lo que se esperaba de ellos, conociendo sus respectivas trayectorias. Los cuatro están a un nivel altísimo y se dan la réplica perfecta, sin que uno destaque por encima del resto porque el guión deja que todos tengan su momento de lucimiento personal. Eso sí, cada cual tendrá su personaje favorito, aunque a mí me cuesta escoger entre la socarronería de Christoph Waltz y su molesto teléfono móvil y la transformación gradual que experimenta Kate Winslet. Pero John C. Reilly también vale su peso en oro cuando saca a relucir cómo es en realidad y Jodie Foster está maravillosamente histriónica. Lo dicho, que me es imposible tener un claro favorito.

Un dios salvaje son unos escasos 80 minutos de maliciosa comedia, una armoniosa unión entre el cine y el teatro. Lástima que la forma en la que se resuelve la trama nos deje con una sensación amarga, no tanto por cómo acaba sino porque nos deja con ganas de más, de ver qué pasa a continuación con esos dos grotescos matrimonios a los que hemos conocido tan bien en tan poco tiempo, pero Polanski se guarda un as bajo la manga que desvela durante los créditos finales, una imagen que lo resume todo: los adultos, con todo su bagaje y experiencia, pueden ser mucho más inmaduros que los niños.

8/10

El inconfundible olor de los bajos fondos

 
Dir.: William Monahan
Int.: Colin Farrell, Keira Knightley, Ray Winstone, Anna Friel, David Thewlis, Ben Chaplin, Eddie Marsan, Stephen Graham
¿De qué va?: Tras salir de la cárcel, Mitchel intenta olvidar su pasado criminal y cambiar de vida. Casualmente, entra en contacto con Charlotte, una estrella de cine que vive aislada ante el acoso de los paparazzis, y se convierte en su particular manitas. Pero el pasado de Mitchel vuelve a llamar a su puerta cuando un mafioso llamado Gant pretende que vuelva a hacer lo que mejor sabe hacer…

Reseña: Con el Oscar por el libreto de Infiltrados como excelente carta de presentación, el guionista William Monahan da el salto a la dirección con un thriller criminal de los de toda la vida. Aunque de primeras podamos creer que su influencia más evidente es Guy Ritchie lo cierto es que London Boulevard carece del estilo acelerado e hipervitaminado del director de Snatch, cerdos y diamantes, optando por un tratamiento más cercano al de los thrillers clásicos. Tanto es así que es probable que tengamos algunos ‘deja vú’ a lo largo de su metraje.

 
London Boulevard presenta todos los ingredientes clásicos del género noir y de gánsteres: antihéroe carismático, redención materializada en una seductora fémina, ambientes urbanos y húmedos, malas compañías, cuentas del pasado pendientes, chantaje, traición, venganza y demás. Todo muy correcto pero nada realmente original o innovador; hasta los actores nos suenan de haber interpretado papeles similares en películas precedentes del mismo palo, lo que, por otra parte, también asegura que vayan a realizar un trabajo de lo más preciso, como es el caso del mafioso Ray Winstone.

 
Por otra parte, parece que la trama romántica goza de un protagonismo que en realidad no tiene, es lo más deslucido del conjunto puesto que se le podía haber sacado mucho más partido, en especial al personaje de Keira Knightley, con el que se establece cierto paralelismo con el acoso que sufre la actriz por parte de la prensa amarillista en la vida real. Desafortunadamente, no se va más allá de establecer un superfluo romance con el protagonista, un más que correcto Colin Farrell, aunque no salten chispas entre ellos por muy atractivos que sean ambos.

 
William Monahan ha jugado sobre seguro realizando un película deudora de referentes clásicos e infalibles pero no ha sabido rematar la faena, quedándose en un entretenimiento ligero que no deja huella. Debería haber empleado un poco del buen ojo que ha tenido para escoger las canciones que componen la banda sonora para perfeccionar el guión con algo más de energía, arrojo e innovación. Pero no debemos olvidar que se trata de su ópera prima y que más vale empezar desde abajo e ir mejorando con el tiempo que hacer el recorrido inverso, así que podemos afirmar que London Boulevard es una buena casilla de salida para la carrera como director de Monahan.

6/10

Pasteles por una buena causa

 
Dir.: Tate Donovan
Int.: Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Allison Janney, Sissy Spacek, Ahna O’Reilly, Anna Camp
¿De qué va?: Mississippi, años 60. Skeeter es una joven  que regresa de la universidad dispuesta a convertirse en escritora. Su llegada altera la vida de la ciudad e incluso la de sus amigos porque se ha propuesto entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida trabajando al servicio de las grandes familias sureñas, sufriendo todas las formas posibles de discriminación racial.

Reseña: El éxito de Criadas y señoras (The Help) es un tema digno de estudio. Que una dramedia protagonizada exclusivamente por mujeres se mantenga nº1 del Box Office americano durante varias semanas, eclipsando a otras producciones más propias del fin del verano, marca un paralelismo con los propios hechos que narra la película, cuando el libro que recoge los testimonios de las criadas negras se convierte en un fenómeno gracias al boca-oreja. Muchos aseguran que la película tiene posibilidades de alzarse triunfadora en la temporada de premios que se avecina de la misma forma que Precious y The Blind Side obtuvieron un reconocimiento sobredimensionado en años anteriores. Yo mismo considero exagerada la repercusión que tuvieron esos filmes pero no me atrevería a incluir a Criadas y señoras en el mismo saco por una sencilla razón: su capacidad de transmitir una inmensa humanidad y emoción más allá de los estereotipos y las buenas intenciones.

 
Las cosas como son, Criadas y señoras es una película hecha con escuadra y cartabón. Los picos dramáticos están perfectamente calculados, el mensaje conciliador y pacifista es políticamente correcto y rotundo, los personajes estereotipados, incluso su diseño de producción y la propia historia son carne de telefilme. Tiene toda la pinta de ser una de esas películas que ponen tanto empeño en que simpatices con ella que provocan el efecto contrario. Pero algo raro ocurre, las más de dos horas de metraje no pesan en ningún momento, nos conmueven las historias sobre esas mujeres que crían a hijos de otros que cuando se hacen mayores pasan a ser sus nuevos mandatarios, los momentos cómicos funcionan tan bien como los dramáticos… En fin, que todo lo que deberían ser fallos se convierten en virtudes.

El mayor acierto de Criadas y señoras es su reparto, eminentemente femenino. Desde las protagonistas hasta las más secundarias, todas consiguen transmitir la emoción latente en el relato. Emma Stone nos desvela que es tan buena actriz dramática como cómica mientras que Viola Davis hace lo mismo que hizo en La duda pero con mucha más presencia escénica: ponernos el vello de punta y encogernos el corazón. La escena en la que habla de su hijo es de las que invocan lluvias de premios. Octavia Spencer abraza sin pudor el prototipo de “mujer dura de buen corazón” convirtiéndolo en algo realmente entrañable. Bryce Dallas Howard está estupenda como insoportable villana (unidimensional, eso sí) y Jessica Chastain, una de las grandes revelaciones del año, hace el camino inverso de Stone, explorando su faceta cómica después de varios trabajos de mucho peso dramático. Ellas serán quienes se lleven todas las alabanzas porque son estrellas y protagonistas de la película, pero incluso las actrices que tienen papeles de “menor importancia” tienen su momento para lucirse. Atentos al flashback en el que se nos cuenta por qué se marchó Constatine (Cicely Tyson), la criada de la familia de Skeeter. Imposible evitar que nos embargue la emoción.

 
Con Criadas y señoras en un momento nos estamos riendo y al siguiente estamos llorando a moco tendido; más les vale estar preparados con un paquete de kleenex si son propensos a ello. Es una película que se puede considerar manipuladora y maniqueísta, pero se salva de la quema porque nos convence a través de la veracidad de sus actrices, sin excesos ni sutilezas. Nos recuerda que la cooperación de todos es la clave para el progreso, aprendiendo de los errores pasados para entender quiénes somos ahora. Una tarta dulzona que no empalaga.

8/10