Confesiones de una fornicadora compulsiva

El mayor fan de Lars Von Trier es el propio Lars Von Trier, pero su egolatría no quita que sea muy buen director y que tenga ideas muy interesantes que no siempre desarrolla de la forma más idónea. Su cine es intimismo pesimista (o pesimismo intimista) contagiado por sus tendencias a generar polémica tanto fuera como dentro de la pantalla. Con ese equilibrio imposible, el amigo Lars se ha ganado una legión de seguidores que disfrutan sufriendo con sus películas y ha generado una gran expectación en torno a su proyecto más ambicioso hasta la fecha: Nymphomanic, que no es otra cosa que la vida y obras de una mujer adicta al sexo, interpretada por su actriz fetiche, Charlotte Gainsbourg, en su vida adulta y por la debutante Stacy Martin en la joven.

Que si hay sexo real, que si son actores porno los que interpretan dichas escenas, que si es tan larga que hay que dividirla en dos partes, que si va a haber una versión censurada y otra íntegra, que si esta última sólo se va a proyectar en festivales… La película ha hecho correr muchos ríos de tinta, y para qué: meses después del estreno de sendas partes queda la sensación de que la controversia generada no era para tanto. Quizás porque La vida de Adèle y El desconocido del lago llegaron antes y abrieron la veda del sexo hiperrealista en el cine, pero dudo que esta versión que nos ha llegado de Nymphomaniac vaya a escandalizar a quien no se sienta incómodo al ver un pene más de cinco segundos en pantalla. Y además resulta que en muy pocas ocasiones, lo que vemos en pantalla nos puede parecer verdaderamente erótico.

La historia está dividida en dos porque estrenar una película de 4 horas es un suicidio comercial, pero en realidad se trata de la misma película, con sus mismos aciertos y fallos. Aquí no hay esa diferencia narrativa y estilo que implantó Quentin Tarantino a los dos volúmenes de Kill Bill, tan sólo la primera parte acaba en una especie de ‘cliffhanger’ seguido de imágenes de lo que está por venir. Hay gente a la que le ha gustado más la primera parte, a otros tantos la segunda, pero yo no puedo decantarme por ninguna puesto que la historia está dividida en capítulos que narran diferentes épocas de la vida de la protagonista, Joe, y mis capítulos favoritos se encuentran en ambas partes. Por ejemplo, uno de los más destacados es el protagonizado por Uma Thurman, dando vida a una mujer desquiciada como consecuencia de una de las aventuras de Joe. La incomodidad y tensión que genera Thurman en esa escena es sublime. De la segunda parte despunta la parte en la que Joe descubre el sadomasoquismo de la mano (y la fusta) de Jamie Bell, dejando totalmente atrás a Billy Elliot. A pesar de que la Gainsbourg esté un poco lánguida, en general todo el reparto cumple, especialmente Shia LaBeouf (lástima de las locuras que le han dado últimamente) y hasta Christian Slater.

A lo largo de Nymphomaniac, Von Trier realiza varias reflexiones controvertidas a la par de interesantes, como la que hace sobre la pederastia en la segunda parte. Pero todo eso queda un tanto ensombrecido cuando la narración de Joe se corta para que su salvador, encarnado por Stellan Skarsgård, realice una compleja metáfora de lo que aquélla le cuenta relacionándolo con pesca, literatura, arte, religión y cualquier otra cosa que lo apasione o que se encuentre en la habitación. De verdad, no es necesario que este hombre filosofe con cada polvo que ha echado la chica en su vida, y si el personaje ya era un tanto cargante de por sí lo que ocurre con él al final es tan previsible como absurdo; en este aspecto Von Trier tira por lo fácil, y un poco antes que eso, se atreve a dar una visión feminista de todo el asunto, como si no supiéramos de que pie cojea desde hace tiempo… Puede que Nymphomaniac sea la película que haya hablado más alto y claro de sexo y con menos tapujos, pero eso no la convierte en la obra definitiva que Von Trier cree haber realizado.

6/10

Qué bello es soñar despierto

Dir.: Ben Stiller
Int.: Ben Stiller, Kristen Wiig, Adam Scott, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn, Patton Oswalt, Sean Penn
¿De qué va?: Walter Mitty es un tímido empleado de una editorial que consigue evadirse de su gris existencia imaginando que es el protagonista de grandes aventuras. Un día, su sueño se hace realidad cuando se embarca en una peligrosa misión para encontrar un negativo perdido.

Reseña: Tras la gamberra Tropic Thunder, Ben Stiller ha decidido que su siguiente película como director sea una fábula optimista y apta para toda la familia. Dada la calurosa acogida del público, La vida secreta de Walter Mitty amenaza con convertirse en el Qué bello es vivir del siglo XXI, puesto que a pesar de que no esté ambientada en Navidad, su estreno por estas fechas y el espíritu de Frank Capra que sobrevuela durante toda la película la convierten en una sucesora… ¿digna? Eso está por ver.

El relato corto original de James Thurber ya fue adaptado para la gran pantalla en 1947, pero no contó con la aprobación del escritor, ya que sus sugerencias fueron ignoradas y se suprimió el carácter más taciturno de la historia en favor de la ligereza y un optimismo exacerbado. Así que todo apunta a que la nueva versión orquestada por Stiller tampoco recibiría el beneplácito de Thurber, y es que a pesar de que la aventura en la que se ve envuelto el bueno de Mitty es completamente nueva, el mensaje tira más por el “lánzate a la aventura y haz que tus sueños se hagan realidad” que por el más incómodo “la evasión es el único modo de escapar de una vida asquerosa”.

Pero mi mayor problema con la película, cuyo visionado no deja de ser bonito y agradable, aupado por la preciosita fotografía, una enérgica banda sonora y la presencia de una encantadora Kristen Wiig, es que todo lo que le pasa a Walter cuando inicia su aventura me parece casi tan surrealista como sus ensoñaciones. No son una o dos cosas las que me hacen arquear la ceja, sino una serie de coincidencias y situaciones poco creíbles que me empujan fuera y que me hacen ver la historia como lo que es: una película de Hollywood. Sus máximos defensores dirán que es realismo mágico, pero de eso nada, porque Stiller nunca se acaba de decantar por una cosa u otra, y podría haberse currado más la forma en la que va encadenando los acontecimientos.

Pero el filme tiene aspectos que sí que me parecen más interesantes que el hilo narrativo principal: situar como escenario el cierre de la edición en papel de la revista Life o la reflexión final del fotógrafo encarnado por Sean Penn tienen que ver con el paso del tiempo, de cómo estamos centrando nuestras vidas en cosas que han dejado de estar en nuestras manos para estar al otro lado de una pantalla y de la obsesión que nos ha inculcado la tecnología moderna de inmortalizar nuestra vida en alta definición. Son esos detalles los que merecen ser rescatados de este Walter Mitty contemporáneo que, no obstante, prefiere irse rápidamente de viaje por el mundo en vez de explorar los sinsabores de una vida gris, que para eso ya están los hermanos Coen ¿no?.

6/10          

Amor tan real que quema

Dir.: Abdellatif Kechiche
Int.: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Aurélien Recoing, Catherine Salée, Benjamin Siksou, Mona Walravens
¿De qué va?: A sus 15 años, Adèle empieza a tener dudas sobre su sexualidad. Así que cuando una noche conoce y se enamora sin esperarlo de Emma, una joven con el pelo azul, sus sentimientos y su identidad se volverán confusos. Así, con el paso de los años Adèle crecerá, se buscará a sí misma, se perderá y se reencontrará…

Reseña: El cine, como imitación de la vida, tiene al amor como uno de sus temas capitales. Todas las películas, de una manera u otra, hablan de este sentimiento universal o de la ausencia de él. ¿Pero cuántas veces lo hemos llegado a sentir en una película? ¿Cuántas veces podemos sentir que los personajes están sintiendo auténtico amor en vez de ver a unos intérpretes fingiendo? ¿Cuántas veces hemos sentimos que lo que vemos en la pantalla es falso, ingenuo y muy alejado de la realidad? Nos hemos acostumbrado tanto a unas historias de amor tan insípidas y semejantes las unas de las otras que cuando una sobresale del resto es como encontrar un oasis en un desierto.  El último remanso lo hemos encontrado en Francia, y se llama La vida de Adèle.

Toda la campaña de publicidad del filme se ha centrado en que es una historia de amor lésbica, pero no queda para nada restringida a este aspecto. En efecto, la película empieza con el despertar sexual de su protagonista, de su primer contacto con el mundo homosexual y de cómo este descubrimiento le afecta respecto a su entorno, pero su relación con Emma, epicentro de la película, resulta tan normal como la de cualquier pareja. Para mí, esta es la auténtica forma de alcanzar la normalización, no centrar tanto la atención en la condición sexual sino tratar la relación como algo normal, sin estereotipos, prejuicios ni dramas exagerados. Por eso, La vida de Adèle se ha alzado tan rápidamente como la mejor película de temática lésbica de la Historia del Cine, porque la homosexualidad masculina siempre ha tenido más presencia que la femenina y porque nunca se ha mostrado de forma tan natural, abierta y libre de connotaciones negativas como aquí.

Naturalidad es la palabra que mejor define la película de Abdellatif Kechiche. Mucho revuelo han levantado las largas escenas de sexo, y quizás sea porque nunca se habían rodado de forma tan realista como aquí. Nada de música, ni de sensualidad forzada, ni de sexo con el sujetador puesto. Aquí vemos dos personas que se quieren follando, excitadas y disfrutando como estaría cualquiera de nosotros. No es pornografía, porque su intención no es la de excitar al personal (aunque pueda ser inevitable), sino la de ver a esta pareja expresando su amor, demostrando la atracción que sienten la una respecto a la otra y, en particular, para mostrar cómo Adèle descubre los placeres del sexo. Si la película resulta tan magnética es gracias a su protagonista, Adèle Exarchopoulos, quien comparte nombre con su personaje. La actriz aguanta una película de 3 horas construida principalmente a base de primeros planos en torno a ella con una fuerza inaudita y una gran franqueza, tanto cuando llora como cuando se enfada, ríe o gime.  Sin duda, una de las grandes revelaciones del año.

Sería injusto menospreciar la labor de Léa Seydoux, pues realiza una transformación completa y no le va a la zaga en naturalidad a su pareja cinematográfica. La escena de su encuentro en el bar, durante la última hora de metraje, es magnífica porque concentra todo el alma de su historia y la naturaleza del primer amor, de la atracción imperecedera, de las consecuencias de los errores y del desamor. Así que si aún no han visto La vida de Adèle, olvídense de las polémicas en torno a ella y ríndanse ante una de las grandes pequeñas historias de amor que nos ha regalado el cine, tres horas que se pasan volando y que nos dejan con las ganas de saber qué pasará en el siguiente capítulo de la vida de Adèle.

9/10

Parque alimentásico

Dir.: Cody Cameron, Kris Pearn
¿De qué va?: Flint descubre que su máquina que convertía agua en alimentos sigue en funcionamiento y ha pasado a crear híbridos de animales y comida. Para salvar a la humanidad, Flint y sus colegas se embarcan en una peligrosa misión, que los llevará a enfrentarse a tacocodrilos, gambancés y otras criaturas igualmente extravagantes.

Reseña: No deja de ser curioso que las distribuidoras españolas sigan empeñadas en creer que pueden vender más entradas para una película de animación contratando a los famosos de turno para que doblen a los personajes. Para Lluvia de albóndigas no se les ocurrió otra cosa que recurrir a Flipy, puesto que era un “científico loco” al igual que el protagonista de la película. Sin embargo, en el 2013 ya nadie se acuerda de dicho personaje televisivo, así que en vez de llamarlo recurren a las cuerdas vocales de los actores Santiago Segura, Carmen Machi, Úrsula Corbelo y del comediante Dani Rovira. Al menos, el trabajo de doblaje de éstos no desentona tanto como lo de Flipy, que fue espantoso.

Líos de doblaje aparte y a pesar de que ya no cuente con la misma dupla de directores al frente (atareados con la película de los LEGO), esta secuela lleva una línea continuista empezando justo donde terminó su antecesora y manteniendo su alocada dinámica y ritmo frenético. La comida gigantesca caída del cielo es reemplazada por híbridos de animal y comida, dando lugar a una expedición a lo Parque Jurásico llena de colorido, imaginación e inventiva. Sin embargo, ya no hay factor sorpresa, y puede que se haya perdido parte de la frescura de la película original y que el nivel medio de gags sea un poco inferior, pero se nota que sus responsables no se han dormido en los laureles y que han querido ofrecer una aventura novedosa sin traicionar el espíritu festivo de la marca. Incluso en sus créditos finales, una fantástica mezcla de diferentes estilos animados, se nota el esfuerzo y el cuidado que ha recibido esta producción.

Por otra parte, Lluvia de albóndigas 2 trae consigo dos importantes mensajes, válidos para un público de todas las edades, de valoración de las amistades, cuya opinión siempre hay que tener en cuenta, y tolerancia a la fauna salvaje, pues incluso las especies más peligrosas deben vivir en libertad para estudiar su comportamiento sin que su vida se vea alterada. Y también hay que apreciar que hayan tenido la valentía de colocar como villano a un equivalente malévolo del santificado Steve Jobs, al tiempo que parodian Apple sin ningún tipo de rubor. Por tanto, no me importaría que Lluvia de albóndigas se convirtiera en la nueva saga de animación por excelencia, puesto que su ágil manejo de la respuesta ocurrente, los juegos de palabras y los gags en diferentes planos aún puede dar para muchas más risas, aunque si le va a pasar como Ice Age y se va a convertir en una sombra de lo que al principio fue, mejor que se quede como está.

7’5/10

¡Descongélate!

Dir.: Chris Buck, Jennifer Lee
¿De qué va?: Cuando una profecía condena a un reino a vivir un invierno eterno, la joven Anna, el temerario montañero Kristoff y el reno Sven emprenden un viaje épico en busca de Elsa, la hermana de Anna, para poner fin al gélido hechizo.

Reseña: Cuando era pequeño, lo que esperaba cada año con más ilusión era, sin contar con mi cumpleaños y los regales de Reyes,  el estreno de la película Disney de turno. Empezó con La bella y la bestia y terminó con Mulán, pero cada película que salía en ese período de tiempo se convertía en mi favorita, y como tal, me hacía con la máxima cantidad de juguetes y merchandising posible. Luego, Disney pasó una época un poco turbulenta y yo me hice mayor y pasé a esperar las películas anuales de Woody Allen como agua de mayo pero, eso sí, disfrutando con cada pequeña joya animada que sacaba la casa de Mickey Mouse ya fuese a través de Pixar o no.

Frozen me ha hecho recordar esta etapa de mi niñez, no sólo porque se ha estrenado en la misma época en la que Disney sacaba sus clásicos instantáneos, sino porque es una película que cuenta con todos los ingredientes que me hacían soñar despierto: magia, personajes carismáticos, canciones pegadizas, mundos fantásticos, humor, tragedia… Todo ello, que ya estaba presente en la también estupenda Enredados, con la que también comparte diseño de escenarios y personajes, está repasado con un barniz que actualiza las viejas ideas de la casa, al tiempo que se ríe un poco de ellas (¡Casarse con un hombre al que acabas de conocer!) y les da un vuelta de tuerca sin perder los valores que se quieren transmitir y sin caer demasiado en la curilería.

Los maleficios que sólo pueden romperse con un valiente acto de amor siguen estando presentes, pero la forma de resolverlos cambia. La protagonista, Anna, es torpemente encantadora y su conflicto principal no reside en encontrar su príncipe azul, es más: la historia de amor central de la película es la de dos hermanas que intentan protegerse la una a la otra pero no saben cómo. Mención especial merece el muñeco de nieve Olaf, el clásico personaje secundario simpático que no resulta tan molesto como nos dejaba entrever el tráiler, el cual por cierto, no le hace ninguna justicia a lo que es la película en realidad.

Frozen es una película perfecta para los más pequeños, pero que también hará las delicias de los adultos que crecieron, al igual que yo, disfrutando de las películas Disney. Incluso las canciones están perfectamente integradas en el ritmo de la cinta, y aunque no vayan a ser tan memorables como ‘Hakuna Matata’ o ‘Bajo del mar’, cumplen perfectamente su función. En definitiva, un clásico Disney como los de antaño adaptado a los tiempos que corren, una combinación perfecta entre tradición y modernidad.

8/10

Hombres, mujeres y PornHub

Dir.: Joseph Gordon-Levitt
Int.: Joseph Gordon-Levitt, Scarlett Johansson, Julianne Moore, Tony Danza, Brie Larson, Glenne Headly, Rob Brown, Jeremy Luke
¿De qué va?: Jon Martello siente adoración por su apartamento, su coche, su familia, su iglesia y, sobre todo, por todas las mujeres “10” que se liga cada fin de semana. Sin embargo, hasta los mejores ligues no se pueden comparar con la felicidad que experimenta Jon cada vez que ve pornografía delante de su ordenador. Lo que no sabe es que acabará aprendiendo grandes lecciones del amor y la vida a través de su relación con dos mujeres muy distintas.

Reseña: Tras trabajar bajo las órdenes de cineastas tan curtidos como Steven Spielberg, Christopher Nolan y Rian Johnson, Joseph Gordon-Levitt se ha lanzado a la dirección con un guión escrito por él mismo para el que también se ha reservado el papel protagonista. No obstante, su ópera prima no tiene la ambición de jugar en la misma liga que las producciones de los directores anteriormente citados, y aunque tampoco tenga la enjundia dramática de Shame, con la que comparte la adicción al porno del protagonista, Gordon-Levitt demuestra que aunque aún está un poco verde tiene madera para colocarse detrás de una cámara y contar historias atractivas y con fondo.

Este Don Juan moderno es universalmente reconocible: un tío que se dedica a cultivar su físico para impresionar a la chica que consiga cada fin de semana. Y aunque también disfrute pasando el tiempo con sus colegas, de las comidas familiares, absolviendo sus pecados semanales en un confesionario y manteniendo impecable su coche y su casa, lo que le da la felicidad plena es sentarse delante del portátil a ver porno, actos sexuales que no pueden compararse a los polvos que echa cada viernes noche. La película nos muestra, con humor y cierta ironía, que hoy en día preferimos una relación aséptica pero completamente satisfactoria con la tecnología que el contacto directo con otras personas. Además, estamos tan embobados con la ficción, con lo que nos venden las películas, la música pop y la televisión, que nos creamos unas expectativas de lo que deben ser nuestras vidas y relaciones que al final no se cumplen.

Los personajes principales de la película están construidos a base de estereotipos, pero se compensa con lo bien dibujados e interpretados que están. El protagonista es un personaje que en otras circunstancias nos caería muy mal, pero Joseph Gordon-Levitt consigue que hasta nos encariñemos con él. Scarlett Johansson está fabulosa y perfectamente caracterizada como una auténtica choni, de esas que no saben masticar chicle con la boca cerrada, y que tiene la cabeza tan comida por las rom-com que su visión de lo que deben ser las relaciones sentimentales está muy distorsionada. Y cerrando el triángulo tenemos a Julianne Moore, enamorándonos en su espléndida madurez sin mucho esfuerzo. El plantel de secundarios está muy bien, especialmente Tony Danza y Glenne Headly como esos padres que creen que toda la vida de su hijo se resolverá cuando encuentre una novia guapa. Pero me hubiera gustado que Brie Larson hubiese estado más aprovechada, puesto que se pasa toda la película pegada al móvil (aunque eso tiene su gracia).

El montaje del filme es bien curioso, introduciendo planos rápidos que simbolizan los pensamientos del protagonista, y su duración de 90 minutos es justa y necesaria. El punto negro de Don Jon radica en que Joseph Gordon-Levitt no consigue rematar la faena, con un tercer acto redentor, complaciente sin abusar de los tópicos, pero resuelto de manera fácil y un tanto superficial, poniéndose seria cuando no le hacía falta. Aún así, se trata de una muy estimable comedia anti-romántica, lo cual siempre es de agradecer, y nos reivindica a Gordon-Levitt como un artista polifacético con mucho que contar y demostrar.

7/10

La vergüenza de una nación

Dir.: Steve McQueen
Int.: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Lupita Nyong’o, Paul Dano, Paul Giamatti, Sarah Paulson, Brad Pitt
¿De qué va?: Solomon Northup fue un culto músico negro que vivía junto a su familia en Nueva York, pero que en 1850 fue secuestrado para ser vendido como esclavo en una plantación de Louisiana. Renunciando a abandonar la esperanza, Solomon decide correr riesgos increíbles y confiar en la gente menos aparente para intentar recuperar su libertad y reunirse con su familia.

Reseña: Si en Shame Steve McQueen indagaba en la vergüenza de un individuo con un problema de adicción al sexo, en 12 años de esclavitud rastrea uno de los episodios más indecorosos de la llamada Tierra de la Libertad: la época del esclavismo. Aun tratándose de una problemática a mayor escala, McQueen mantiene el enfoque intimista al abordar el tema desde el punto de vista de Solomon Northup, un hombre que aun naciendo libre fue separado de su esposa e hijos y vendido como esclavo, sufriendo mil y una calamidades a lo largo de 12 años.

Hace un año, Quentin Tarantino daba a conocer su particular versión del tema en formato de spaguetti-western ultraviolento con Django desencadenado, algo tan lícito como la propuesta de McQueen, mucho más seria, academicista y ambiciosa, puesto que no disimula su intención de convertirse en la película definitiva sobre el esclavismo, y en buena parte lo consigue. A la hora de repartir responsabilidades, McQueen no exculpa a nadie: en una sociedad en la que se permite que seres humanos sean dueños de otros congéneres son tan culpables los tiránicos esclavistas como los que los tratan con amabilidad, así como los que miran para otro lado y los propios subyugados que, siendo presas del miedo, asisten impotentes a la tortura de sus compañeros. En una pesadilla de este calibre, no hay espacio para la solidaridad y el sacrificio. En este sentido, el cineasta demuestra su talento innato a la hora de componer tanto imágenes sumamente poéticas como aterradoras, aprovechando al máximo el escenario, el sonido y el trabajo de los actores (véase el plano secuencia del ahorcamiento).

El corazón de la película está en Chiwetel Ejiofor, que realiza una interpretación sumamente conmovedora sin caer nunca en el sentimentalismo, mientras que el alma reside en Lupita Nyong’o, actriz debutante que en cada escena que aparece ofrece un derroche de visceralidad y emoción genuinas. El lado oscuro está comandado por un genial e inquietante Michael Fassbender y su esposa en la ficción, Sarah Paulson; ambos encarnan a un matrimonio que no ven a los negros como personas, sino como objetos de su propiedad con los que poder descargar sus frustraciones, contradicciones y temores. El elenco se completa con los nombres de actores conocidos y de prestigio en papeles pequeños pero importantes. Ninguno desentona pero no deja de ser curioso que Brad Pitt, también productor de la cinta, se haya reservado el papel más políticamente correcto (y menos exigente) de toda la película.

Gracias al título sabemos que Solomon pasó 12 años como esclavo, porque la película nunca nos ubica temporalmente ni da sensación de avance en el tiempo. Estamos indudablemente ante una muy buena película, y sin embargo, me ha faltado algo por lo que poder considerarla memorable. Puede que sea demasiado formal, que McQueen no haya arriesgado ni la mitad de lo que arriesgó con Shame, o que me faltara implicación emocional más allá de retorcerme ante el chasquido del látigo. Ganará un montón de premios, méritos para ello no le faltan, pero no sé si dentro de unos cuantos años la recordaremos como la película definitiva del esclavismo o sólo como el encumbramiento de un cineasta y unos actores de un talento arrollador.

8/10

Rebelión corregida y aumentada

Dir.: Francis Lawrence
Int.: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Elizabeth Banks, Sam Claflin, Jena Malone
¿De qué va?: Tras ganar los Juegos del Hambre, Katniss y Peeta deben realizar el Tour de la Victoria por los distintos distritos. A lo largo del camino, Katniss se da cuenta de que una rebelión comienza a gestarse, aunque el Capitolio sigue controlando con mano dura a la población, mientras el Presidente Snow prepara los 75º Juegos del Hambre, una competición que cambiará Panem para siempre…

Reseña: La película de Los juegos del hambre fue un enorme éxito para sorpresa de sus próximos responsables. Y es que a pesar de que tras el furor de la saga de Harry Potter parecía que las adaptaciones de sagas literarias adolescentes iban a ser un filón inagotable de ingresos, todas, exceptuando a Crepúsculo y, si acaso, Las Crónicas de Narnia, todas, resultaron ser un fiasco: Eragon, Las brújula dorada, Las crónicas de Spiderwick y la recientes Hermosas criaturas y Cazadores de sombras. Decepción tras decepción. Por eso, Los juegos del hambre se rodó con un presupuesto ajustado y sin mucha convicción, como para ver qué es lo que pasa sin ponerse la soga al cuello. Y la respuesta del público no pudo ser mejor.

Con Los juegos del hambre no sólo se descubrió una saga literaria que enganchaba al público, ya sea fan o no de las novelas, y que conseguía llamar la atención de la crítica, sino que lanzó al estrellato a la que es dos años después la nueva reina de Hollywood: Jennifer Lawrence, un fenómeno sin precedentes. Por tanto, En llamas cumple con lo que el público espera de ella: una adaptación fidedigna de la novela, rodada con unos medios a la altura de las circunstancias y mucho más Lawrence. Francis Lawrence es un director de encargo, pero es mucho más eficiente que su predecesor, Gary Ross, porque tiene mucha más experiencia en el terreno de la ciencia ficción, sabe cómo hacer planos potentes, se maneja muy bien en la acción y no nos marea con la cámara, aunque una vez más, la violencia implícita en la historia es más sugerida que mostrada por la temida calificación por edades.

Los guionistas Simon Beaufoy y Michael Arndt han realizado una adaptación de la novela mucho más compacta que la que se hizo con su antecesora, prestando más atención a la definición y posterior evolución de los personajes. El reparto original está mucho más cómodo en sus respectivos personajes y tiene más espacio de maniobra, véanse los casos de Woody Harrelson, Elizabeh Banks, Stanley Tucci o Donald Sutherland, mientras que las nuevas incorporaciones, entre los que habría que destacar a Philip Seymour Hoffman, Sam Claflin y Jena Malone, son todo un acierto y son clavados a sus referentes literarios. En lo que respecta a Jennifer Lawrence, la mitad del mérito de la película es suyo, ya que este viaje lo realizamos en todo momento junto a ella, y nunca nos mira por encima del hombro. Es una heroína, pero también es una más de nosotros, y toda la evolución que experimenta a lo largo de la película, culminada en un brillante plano final, así lo demuestra.

Los juegos del hambre: En llamas supera a la película original en todos los aspectos: desarrollo de la historia, tensión dramática, secuencias de acción, efectos especiales, montaje… La primera parte era una sátira de la división de clases y la telerrealidad, pero esta continuación centra su mirada en la revolución social y en las artimañas de los que están en el Poder para neutralizarla, un tema de candente actualidad en España. Claro que toda esa crítica social está sujeta al espectáculo, que es al fin y al cabo el que consigue que se vendan las entradas, pero en vez de pedir peras al olmo hay que celebrar que, esta vez sí, Los juegos del hambre se lucen en la gran pantalla, y esperemos que la inevitable (e innecesaria) división de su última parte no empañe un desenlace que podría ser antológico.

8/10

Cautivos del mal

Dir.: Denis Villeneuve
Int.: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Terrence Howard, Viola Davis, Maria Bello, Melissa Leo
¿De qué va?: Keller Dover se enfrenta a la peor pesadilla de cualquier padre: Anna, su hija de 6 años, ha desaparecido con su amiga Joy, y a medida que pasa el tiempo, el pánico lo va dominando. Mientras la policía va siguiendo pistas que parecen no conducir a ninguna parte y el principal sospechoso es puesto en libertad, Keller decide tomar las riendas del asunto para encontrar a su hija, cueste lo que cueste.

Reseña: Hace unos cuatro años que se empezó a gestar Prisoners, cuando su guión, escrito por Aaron Guzikowski, fue rescatado de la Black List de mejores libretos sin producir que rondan por Hollywood. La vendían como un thriller que revolucionaría el género, a la altura de Seven y El silencio de los corderos. Mark Wahlberg, Christian Bale y Leonardo DiCaprio fueron algunos de los actores que se barajaron para protagonizarla, mientras que Bryan Singer y Antoine Fuqua también sonaron para encargarse de su dirección. Cuando ya estaba a punto de caer en el olvido, el proyecto por fin se puso en marcha con la contratación del canadiense Denis Villeneuve, en su primera producción hollywoodiense tras destacar con la nominada al Oscar Incendies. Podríamos decir que la película esperó hasta caer en las manos adecuadas.

Alegar que Prisioneros marca un punto de inflexión en el género del thriller puede ser un tanto prematuro; habrá que ver cómo sobrevive al paso del tiempo, pero sí que podemos afirmar rotundamente que estamos ante una modélica película de suspense que demuestra que aún se puede hacer cine de calidad y adulto en la Meca del Cine. El guión mantiene un ajustado equilibrio entre la investigación policial y el drama humano, montando un puzzle que va cobrando sentido con cada pista, giro y nuevo dato que se va desvelando, al tiempo que nos muestra las devastadoras secuelas que la desaparición de las niñas deja en las dos familias. En su labor como director, Villeneuve crea un ambiente tenso, gélido y descorazonador, dirige a los actores de forma fantástica y dota de ritmo a la historia, con lo que consigue que las dos horas y media que dura el filme no pesen en ningún momento, lo que siempre es muy buena señal.

El reparto, compuesto por actores de calidad contrastada, contribuye a que la tragedia y la tensión estén candentes a lo largo de toda la trama. Las aportaciones secundarias de Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Paul Dano y Melissa Leo son muy valiosas, pero el filme pertenece a Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal, en las que probablemente sean las mejores interpretaciones de sus carreras. El primero resulta muy creíble como padre angustiado y obcecado que cruza la línea ética para proteger a su familia, y tiene una escena en la que se le quiebra la voz en una sala de interrogatorios que es de las que vienen con Oscar incluido. Por su parte, Gyllenhaal está fantástico en una interpretación contenida dando vida a un policía infalible que se enfrenta por primera vez a un caso que le pone contra las cuerdas; un papel difícil y menos agradecido que el de Jackman al que el protagonista de Donnie Darko le saca el máximo partido posible.

Los prisioneros a los que alude el título de la película son todos los protagonistas de la trama, por diferentes motivos: los hay que son prisioneros en espacios cerrados, pero otros son presos de sus convicciones, otros de sus temores, de su temperamento, de sus traumas, de los remordimientos… En resumen, de lo peor que se puede sacar del ser humano. También hay implícita una lectura sobre la actuación de Estados Unidos en la Guerra de Irak a través del comportamiento del personaje de Hugh Jackman y otros tantos mensajes entre líneas, pero para percatarse de todo habría  que visionar una vez más  este filme desasosegante, turbio e impactante que reúne todos los ingredientes para trascender. Que lo haga o no, ya lo veremos dentro de otros cuatro años.

8/10

Carrie, sin amigos en Facebook

Dir.: Kimberly Peirce
Int.: Chloë Grace Moretz, Julianne Moore, Judy Greer, Gabriella Wilde, Portia Doubleday, Ansel Elgort, Alex Russell
¿De qué va?: Carrie White es una tímida adolescente que vive con su madre, una fanática religiosa, y que es objeto de burlas constantes de sus compañeros de instituto. Cuando, en las duchas del gimnasio, la chica sufre un ataque de histeria al tener su primera menstruación, a una de sus compañeras se le ocurre gastarle una broma macabra durante el baile de graduación. Lo que todos ignoran es que Carrie posee poderes telequinéticos…

Reseña: Cuando se anunció el remake de Carrie su directora, Kimberly Peirce, aseguró que no se trataba de una nueva versión del filme de Brian De Palma, sino de una reinterpretación de la que fue la primera novela que se publicó de Stephen King. Perfecto entonces; bien es sabido que en la mayoría de las ocasiones los remakes se limitan a cumplir dos funciones: 1. Hacer caja y 2. Acercar historias a un público mayoritariamente joven que se niega a ver películas con más de tres años de antigüedad y que estén en otro idioma. Pues a pesar de todas las promesas, esta Carrie del siglo XXI es un remake en estado puro, o lo que es lo mismo, ni supera al original ni justifica su existencia.

La principal novedad radica en que, al estar ambientada en la actualidad, Internet y la telefonía móvil juegan un papel importante en la trama, trayendo a colación el grave asunto del acoso escolar y su propagación en las redes sociales. No está mal, pero tampoco se incide mucho en este aspecto. En cambio, sí que se presta especial atención al despertar de los poderes de Carrie y en el uso (y abuso) que hace de ellos. En la película de De Palma no se enfatizaban tanto como aquí, donde los utiliza incluso para coser, y siento empezar ya con las comparaciones pero resulta inevitable, puesto que el filme bebe directamente de la fuente de su antecesora, con diálogos clavados y escenas calcadas, incluso aquellas que no formaban parte de la novela. Así que de reinterpretación… poca cosa.

En cuanto a la protagonista, a pesar de los esfuerzos de Chloë Grace Moretz, me cuesta creérmela como marginada social y objeto de burla del instituto con lo atractiva que es, sobre todo si la comparamos con sus compañeras de clase, que parecen salidas de Jersey Shore. Mucho más miedo da Julianne Moore como su madre fanática, un personaje que ha salido ganando en esta versión al concederle más espacio y una nueva afición a la automutilación. De todas formas, la relación de madre e hija está tratada de la misma manera que en el filme precedente, y el único cambio sustancial en cuanto a personajes reside en la importancia que se le da ahora a Sue, la chica que se compadece de Carrie. Sin embargo, no sólo su presencia resulta molesta sino que, a diferencia de la cinta de De Palma, sus intenciones quedan bastante claras desde el principio, por lo que se pierde gran parte del suspense.

Julianne Moore aparte, el mayor aliciente de esta Carrie es el famoso momento del baile de graduación, pues la venganza de la joven hacia sus compañeros resulta mucho más explícita, sangrienta y cruel que la de la anterior versión. Habrá quien prefiera lo contrario, pero en mi caso, estuve esperando toda la película a ver cómo moría esa panda de insufribles adolescentes, y puedo decir que la espera mereció la pena. En conclusión, Carrie es poco más que una actualización pasable y con escasa inventiva del filme protagonizado por Sissy Spacek, quien por cierto daba mucho más el pego y resultaba más terrorífica que su sucesora en el baño de sangre. 

5/10

Más truenos, martillazos y centellas

Dir.: Alan Taylor
Int.: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, Christopher Eccleston, Idris Elba, Jaimie Alexander
¿De qué va?: Thor se encuentra bastante ocupado intentado restablecer el orden en el Cosmos, pero una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa con la intención de sumir al universo en la oscuridad. Thor se enfrenta un enemigo al que ni siquiera Odín y Asgard pueden hacerle frente, pero contará con una inesperada ayuda y con la de su amada Jane Foster.

Reseña: La estrategia de Marvel de presentar a cada uno de sus superhéroes principales por separado para luego juntarlos en Los Vengadores fue un incuestionable éxito. No sólo porque supo calentar el terreno gracias a las pistas y conexiones que iba dejando en cada filme, sino porque la película dirigida por Joss Whedon consiguió reunir nuevos adeptos que se interesaran por los personajes más allá de Iron Man, pilar maestro de todo lo que ha venido después. Así pues, tras la carta de presentación y la primera reunión superheroica, Thor regresa con su segunda aventura en solitario para consolidar su trono como Dios del Trueno.

Una de las cosas que más eché en falta de la primera parte de Thor fue una mayor presencia de la tierra natal del superhéroe, Asgard, pues aunque se trata de una de sus principales señas de identidad, la acción se centró más en el planeta Tierra. En cambio, en esta secuela se aprovecha más el entorno asgardiano, además de que Londres, donde se ambienta toda la parte de la historia que sucede en nuestro mundo, resulta un escenario mucho más atractivo y singular que Texas. No obstante, el sentido del humor blanco y liviano sigue estando presente, y aunque algunos de los gags funcionen la mayoría de las veces están fuera de tono, ya sea porque no cuadran con los acontecimientos o porque no están tan acordes a la naturaleza del protagonista como sí lo estaban en la trilogía de Iron Man.

Lo que sí se nota es que Chris Hemsworth y Tom Hiddleston están mucho más cómodos con sus personajes, tanto que ya no podemos imaginarnos a otros actores interpretando a Thor y Loki (sin dudar, el mejor personaje de la película). Además, es evidente que se divierten y que sienten entusiasmo por lo que están haciendo, algo que sin embargo no podemos decir de Anthony Hopkins y Natalie Portman, cumplidores pero poco más. La pequeña pero significativa participación de Rene Russo es de agradecer y de lo mejor de la cinta, cuando en el anterior filme parecía formar parte del decorado. El villano encarnado por Christopher Eccleston es fácilmente intercambiable, no tiene nada de singular o atractivo más allá de poner en jaque a los habitantes de Asgard, y sigo echando en falta un mayor protagonismo de los componentes de la cuadrilla de Thor, especialmente de Jaimie Alexander, que pide a gritos una mayor presencia en pantalla. Por su parte, Kat Dennings sigue siendo una pieza cómica que gustará a unos y molestará a otros muchos.

Creo que lo que necesita la saga de Thor es un director con una personalidad que esté en sintonía con el personaje y le saque el mayor partido posible, tal y como hizo Shane Black en Iron Man 3. La labor de Alan Taylor no se diferencia demasiado de lo que hizo Kenneth Branagh, que tampoco fue nada especial. Al menos, Taylor ha realizado mejores y más dinámicas secuencias de acción, entre las que destaca especialmente la batalla final. En definitiva, Thor: El mundo oscuro resulta una leve mejoría respecto a la primera parte aunque es más bien continuista tanto en sus aciertos como en sus puntos débiles, con pocas sorpresas. Si te gustó aquella, ésta también, y si no, ya sabes lo que hay. Por cierto, aunque haya una escena oculta tras los primeros créditos finales, sean pacientes y esperen hasta el final, porque hay otra más y es crucial para saber cómo termina este capítulo.

7/10

Jazmín de flores grises

Dir.: Woody Allen
Int.: Cate Blanchett, Sally Hawkins, Alec Baldwin, Bobby Cannavale, Andrew Dice Clay, Peter Sarsgaard, Michael Stuhlbarg, Louis C.K.
¿De qué va?: Jasmine es una ama de casa rica y glamurosa de la alta sociedad de Nueva York que se queda arruinada cuando su marido ingresa en prisión por desfalco. Por ello se ve obligada a mudarse a San Francisco, a la casa de su hermana Ginger, quien lleva una vida muy diferente a la que Jasmine está acostumbrada.

Reseña: Una de las cosas más criticadas de las películas de Woody Allen es el ambiente pijo en el que se desarrollan sus historias: que si los personajes son todos unos culturetas y no hay ni uno que falte a la ópera ni a su cita con el psicoanalista, que si los neoyorkinos no reconocen su ciudad en las películas, que si esa Barcelona bohemia con conciertos de guitarra española en terrazas es pura ficción, etcétera, etcétera. Otros tantos detractores dicen que Allen se repite más que el ajo y que lo que hace ahora no son más que derivados de sus antiguos y mejores trabajos. Pues resulta que la ineludible cita con él de este año, Blue Jasmine, no es sólo una de sus mejores películas de la última década (junto a Match Point y Midnight in Paris), sino lo de siempre y algo nuevo al mismo tiempo.

La película alterna entre dos espacios temporales distintos para mostrar el contraste de la vida pasada y presente de Jasmine, una mujer arraigada a una buena vida que se ve en la tesitura de tener que aprender a vivir con menos lujos y trabajar, pese a que abandonara sus estudios cuando conoció a un hombre con intenciones de tenerla entre algodones toda la vida. Allen se burla de ese alto standing tan presente en su filmografía, de su superficialidad, de su amor por las falsas apariencias y de lo fácil que puede ser alcanzar la cima y perderlo todo en un momento. Sin embargo, en el filme tampoco se hace exaltación de la vida sencilla y modesta, pues este modo de vida, representado en la hermana de nuestra protagonista, se muestra como algo conformista, carente de emociones más allá que el de sentarse a ver la televisión cada noche, y sin aprender de los errores de las relaciones pasadas.

Vamos, que por muchas diferencias que haya entre dos mundos tan opuestos, todos estamos igual de podridos por dentro. Todos los personajes de la película actúan por razones egoístas, aunque todas las miradas, tanto las de ellos como las de los espectadores, se centren en la magnética Jasmine. De entrada, siempre es muy gracioso presenciar cómo una pija debe amoldarse a una vida más modesta, por su incomodidad manifiesta y porque hay cosas que nunca cambian (como comprar billetes de avión de primera clase), pero según va avanzando el metraje vamos descifrando capas y capas del personaje: sus adicciones, contradicciones, ganas de empezar una nueva vida, ganas de volver a tener la vida que llevaba, sus flaquezas, engaños, los fantasmas que la atormentan… Cate Blanchett realiza una interpretación magnífica porque maneja todas las aristas de Jasmine con suma elegancia y convicción, pasando de la comedia al drama o viceversa en cuestión de segundos y sin despeinarse. Una de las mejores y más fascinantes ‘mujeres Allen’ de todos los tiempos.

Blanchett está arropada por un puñado de notables interpretaciones, especialmente de Sally Hawkins, Bobby Cannavale y Alec Baldwin (al que por primera vez se le nota su reciente bajada de peso), y también conviene destacar la fotografía a cargo de Javier Aguirresarobe, pero por encima de todo se encuentra la actriz australiana y el guión de Woody Allen, una versión libre y actualizada de Un tranvía llamado deseo que además de mantener la brillantez e ingenio habituales en los diálogos, supone una mirada irónica, compleja y amarga del ser humano y de  nuestra innata resistencia al cambio.

8’5/10

El frío e invernal Oeste

Dir.: Stefan Ruzowitzky
Int.: Eric Bana, Olivia Wilde, Charlie Hunnam, Kate Mara, Sissy Spacek, Kris Kristofferson, Treat Williams
¿De qué va?: Dos hermanos, Addison y Liza, se dan a la fuga tras robar un casino, pero un accidente de coche en medio de una tormenta de nieve los obliga a separarse para poder huir de la policía. En su camino, Liza se cruza con Jay, un problemático ex-boxeador que va a cenar a casa de sus padres el día de Acción de Gracias,  lugar donde la fugitiva intentará reencontrarse con su hermano.

Reseña: Alterar las convenciones de los géneros cinematográficos puede dar resultados curiosos y revolucionarios, pero otras veces el experimento sólo se queda en la superficie. Esto último es lo que pasa con La huida (Deadfall), primera película americana del austriaco Stefan Ruzowitzky, ganador del Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Los falsificadores (2007). Su debut en territorio yanqui es un thriller dramático que bebe directamente de las aguas del western, y es que dejando a un lado su contexto invernal, la trama reúne numerosos elementos del género: dos forajidos que huyen de la Ley, un rudo antihéroe que se enamora de la chica problemática, persecuciones y tiroteos, toma de rehenes… incluso hay un enfrentamiento con un indio que tiene revelaciones a través de su difunta esposa (¿?).

Pero a pesar de la interesante premisa y el atractivo reparto, la película no es todo lo buena que podría haber sido porque su argumento está pobremente desarrollado y cargado de clichés: riñas familiares que parecen muy serias y se resuelven en pocos segundos, coincidencias muy extrañas (como que Eric Bana se tope en medio del bosque con una niña que se llama igual que su hermana salvo por una consonante y con un trauma similar), una historia de amor acelerada y poco creíble y personajes desdibujados como el que le ha tocado interpretar a Olivia Wilde, más guapa que nunca, eso sí. Y no hay que olvidar al personaje de Kate Mara, la típica policía inexperta que no es respetada por sus compañeros; una subtrama fuera de tono (casi que parece una comedia) y muy mal resuelta.

Al menos, el filme no se alarga en exceso, la ambientación está muy cuidada y el reparto consigue que mantengamos la atención en la historia pese a que todo nos suene muy trillado y ningún actor esté aprovechado (la mejor, Sissy Spacek) aunque algunos puedan sentir curiosidad por ver al ‘ex Christian Grey’ Charlie Hunnam en acción. La huida no es mala película y puede complacer a los espectadores poco exigentes, pero no hay nada por lo que este western invernal merezca ser recordado.

5/10