Bertie el tartamudo

Dir.: Tom Hooper 
Int.: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Michael Gambon, Timothy Spall, Derek Jacobi
¿De qué va?: El duque de York se convirtió en rey de Gran Bretaña bajo el nombre de Jorge VI tras la abdicación de su hermano mayor Eduardo VIII. El duque arrastraba desde la infancia una tartamudez que le impedía desempeñar sus funciones, así que buscó la ayuda de Lionel Logue, un experto logopeda de prácticas poco ortodoxas.

Reseña: Una característica fundamental en todo individuo autoritario que gobierna un país, ya sea en dictadura o democracia, es la de saber hablar en público y transmitir seguridad y confianza, o lo que es lo mismo, ganarse al pueblo. ¿Pero qué pasa cuando un rey es incapaz de articular palabras con precisión una detrás de otra? Pues que nos encontramos ante la clásica fábula del león que no sabía cazar, o el pajarito que no aprendió a volar, en definitiva, ser incapaz de ejecutar lo que uno está predestinado a hacer.

 
Antes mencioné la palabra ‘clásica’, quédense con ella porque es el adjetivo más indicado para describir El discurso del rey. Todo el conjunto rezuma olor a mueble antiguo, perfectamente pulido y barnizado. Dirección artística, vestuario, fotografía, la banda sonora de Alexandre Desplat, el inequívoco estilo británico y sobretodo la muy estudiada y elaborada composición que realiza en cada escena el director Tom Hooper. Cada plano es una clase magistral de escenografía, se nota que detrás hay un excelente dominio de las claves de composición cinematográficas.

 
Y qué decir del reparto, de pura flema británica, encabezado por un Colin Firth que hace suyo el trastorno de su personaje sin caer nunca en la sobreactuación. Geoffrey Rush está excelente dándole la réplica a Firth en las mejores escenas del filme y Helena Bonham Carter también está muy bien, aunque su actuación se quede en un discreto segundo plano al no estar su personaje tan desarrollado como el de sus dos compañeros de reparto, aunque cumple con su cometido, que es el de servir de apoyo al protagonista en todo momento.

 
El discurso del rey es ante todo una película impoluta en todos sus aspectos formales, pero yo echo de menos algo más de riesgo en la historia, la cual no va más allá de una reconfortante y encorsetada historia de superación; unos simples tacos no me valen para considerarla osada. Desde luego es uno de los ejercicios artísticos más perfeccionistas del cine reciente, pero quizás en su empeño de no caer en el sentimentalismo fácil anda escasa de un poco de emoción, pero son sus logros técnicos e interpretativos los que han conseguido que me incline ante el rey.

7’5/10

Tedioso viaje en góndola

 
Dir.: Florian Henckel-Donnersmarck
Int.: Johnny Depp, Angelina Jolie, Paul Bettany, Timothy Dalton, Rufus Sewell
¿De qué va?: Frank es un turista americano que en un tren destino Venecia conoce a Elise, una misteriosa y atractiva mujer que se interpone deliberadamente en su camino. Conforme su romance se va fraguando, Frank se ve inmerso en un juego mortal de gato y ratón en el que policías y criminales andan implicados.

Reseña: The Tourist se presentó con la actitud y el porte de un gran acontecimiento cinematográfico de masas: el desembarco de un reputado director europeo en América y la unión de dos de las estrellas rutilantes más cotizadas de Hollywood al servicio de una historia “remakeada” con tintes de thriller adulto, clásico y hitchconiano. Todo muy apetecible a primera vista, pero a la hora de la verdad el plato ha quedado poco hecho en todas sus capas.

 
Partimos del error de base: la historia. Empieza con cierto interés pero se va perdiendo en el camino, en ningún momento provoca emoción, ni siquiera en sus pocas escenas de acción consigue que nos preocupemos por lo que le pasa a los personajes. La trama se presenta aparentemente con todas las cartas sobre la mesa, muy al estilo de como Alfred Hitchcock definía el suspense, pero a mitad del metraje empieza a introducir giros inverosímiles, uno detrás de otro, hasta llegar a una sorpresa final que de absurda e ilógica da risa e indignación, tomándonos a los espectadores por tontos. Casualmente, me recordó a otro thriller de Johnny Depp muy tramposo, La ventana secreta.

 
Otro fallo es la pareja protagonista. Simplemente no hay química entre Johnny Depp y Angelina Jolie, da la impresión de que no hay compenetración entre ellos, que cada uno va a su rollo. Si encima tenemos en cuenta que estamos ante una copia venida a menos de sus personajes más característicos (él de torpe héroe romántico y ella de fémina fría y cerebral) pues tampoco encontramos ningún aliciente en sus caracterizaciones. De los secundarios tan solo se libra Timothy Dalton porque Paul Bettany está insoportable y Rufus Sewell está sin estar.

La labor de James Newton Howard con la partitura musical es deficiente, con unas notas demasiado melosas para los ya de por sí poco creíbles momentos íntimos del tándem protagonista. Si hay algo que apruebe con nota es Venecia, cuyos canales, callejones y casas de lujo están bellamente fotografiados en el filme. De resto, poco que salvar en este decepcionante salto al otro lado del charco del director de La vida de los otros, lamentablemente, que sirva como ejemplo de lo que no hay que hacer cuando se quiere hacer una película abiertamente comercial; para hacer buena caja habría que currárselo muchísimo más.

4/10

Fantasías redentoras

  
Dir.: Gerald McMorrow
Int.: Ryan Phillippe, Eva Green, Sam Riley, Bernard Hill, Stephen Walters, Susannah York, James Faulkner, Richard Coyle
¿De qué va?: Jonathan Preest es el vigilante enmascarado de Meanwhile City, una sociedad futurista donde la religión es la única ley y en la que vive ocultándose de los Clérigos mientras sigue la pista de un misterioso hombre conocido como El Individuo. Mientras en el Londres actual, una joven estudiante de arte filma sus intentos de suicido como ejercicio académico, un muchacho al que acaban de plantar en el altar busca a su amor de juventud y un anciano busca a su hijo desaparecido.

Reseña: Cuando una película tiene muy mala prensa lo mejor es enfrentarse a ella libre de prejuicios y con las expectativas muy bajas. De esta forma, lo único que puede pasar es que se cumplan los pronósticos o que te lleves una agradable sorpresa. Franklyn llega a España con dos años de retraso para tener un paso fugaz por la cartelera y llevarse severos palos tanto de la crítica como del escaso público que acudió a verla. Pero la verdad es que a pesar de sus defectos, que los tiene, la película es una propuesta que no me ha parecido en absoluto desdeñable.

 
El principal problema de Franklyn es que no es un filme fácil de vender ni de clasificar. El tráiler no ayuda en absoluto y su director y guionista, el debutante Gerald McMorrow, no se decanta por un género en concreto, jugando con la ciencia ficción, la fantasía, el drama y el thriller. Se trata de un filme de historias que avanzan paralelamente hasta que sus destinos convergen en el desenlace. Al principio cuesta ubicar cada una, pero si se hace un esfuerzo para prestar la atención necesaria se irán descubriendo pistas sobre las conexiones entre los personajes, y la resolución no es tan compleja como podría parecer.

 
La ambientación, de marcado estilo gótico, está muy conseguida, sobretodo la que concierne a esa ciudad ficticia llamada Meanwhile City. El reparto está aceptable aunque tampoco realizan grandes alardes interpretativos. El ritmo, algo lento, puede provocar que la mayor parte de los espectadores pierda el interés a mitad del metraje, sintiéndose tan perdidos como los personajes del relato, pero su duración ajustada es de agradecer. McMorrow habla de penurias humanas como la soledad, el arrepentimiento, la culpabilidad, el fervor religioso o la locura, pero el tratamiento es algo confuso y a ratos superficial pese a sus maneras trascendentalitas, aunque deja muy buenas ideas por el camino.

 
Por tanto, Franklyn es una película a todas luces imperfecta que ni siquiera creo que pueda considerarse de culto, pero que de buen seguro encontrará un reducido grupo de adeptos que valoren su semi-innovador planteamiento, su estética y sus personajes perturbados que escapan a una realidad de fantasía para sanar sus heridas y enmendar sus errores.

6’5/10

Una estrella hecha con plantilla

Dir.: Steve Antin
Int.: Christina Aguilera, Cher, Stanley Tucci, Kristen Bell, Cam Gigandet, Eric Dane, Alan Cumming, Peter Gallagher, Julianne Hough
¿De qué va?: Ali es una chica de provincia que se muda a Los Ángeles para perseguir sus sueños. Allí descubrirá el Burlesque Lounge, donde comenzará a trabajar como camarera, aunque su verdadero propósito sea convencer a la encargada del lugar de que tiene talento para ser una de las chicas del espectáculo.

Reseña: En los últimos años el género musical no se ha prodigado demasiado, pero en alguna que otra ocasión nos llegan películas que reavivan nuestro espíritu armónico, caso de Hairspray, Once, Sweeney Todd o Across the Universe. En el caso de Burlesque, su carta de presentación nos daba a entender que pretendía ser un ‘revival’ del vodevil más clásico con una estética cercana a la multipremiada Chicago, sin embargo, sus intenciones son más simples y mundanas de las que aparentaba.

 
Y es que su trama es tan sencilla que dudo que sus responsables hayan tenido en mente innovar el género. Comienza como la típica historia de la joven entusiasta y ambiciosa que se muda a la gran ciudad para ser una estrella y deriva en la no menos típica historia de salvar los antros que marcan la personalidad de una ciudad. ¿Recuerdan el capítulo de Los Simpsons en el que Bart entraba a trabajar en una casa de variedades? Pues algo así con menos gracia. Tampoco podían faltar a la cita los personajes de siempre: la pueblerina con talento oculto, la hada madrina, el marica consejero, el chico guapo, la mala, el ricachón embaucador… Una historia que no molesta pero que nos conocemos como la palma de nuestra mano.

 
Los números musicales son de lo más destacado del filme pero no están del todo aprovechados: ceñidos a un escenario inmóvil, sin mucha imaginación, acompañados de subtítulos que van y vienen  y a veces metidos con calzador, como el You Haven’t Seen The Last Of Me de Cher, paradójicamente, uno de los mejores temas del repertorio. El elenco tampoco está mal, Christina Aguilera aprueba con corrección un papel facilillo, Cher tiene un personaje a su medida y Stanley Tucci aporta la chispa que le caracteriza. Cam Gigandet insufla carisma al típico rol de chico-objeto y Kristen Bell como villana está tan estupenda como desaprovechada: en la mayoría de sus primeros planos sale con cara enfurruñada y su personaje podría haber dado mucho más juego que el que da.

 
El salto a la actuación de Christina Aguilera es más digno que el de algunas de sus compañeras de profesión, pero el conjunto es tan pueril que no provoca la emoción que nos regalan los grandes musicales de la historia del cine. Su acercamiento al vodevil es superficial, tal es así que su esencia, más allá del vestuario y algún que otro número musical, es más propia de un anuncio de lencería mojigato o de una revista de moda. Y aún así, esta revisión de los lugares comunes que convirtieron a El bar coyote en un éxito tiene su puntillo, aunque no especialmente remarcable.

6/10

Triángulo de amor payaso

 
Dir.: Álex de la Iglesia
Int.: Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura, Sancho Gracia, Gracia Olayo, Manuel Tejada, Manuel Tallafé
¿De qué va?: En los últimos años del franquismo, dos payasos llegan hasta las últimas consecuencias en su lucha por el ambiguo amor de una atractiva trapecista.

Reseña: Cuando finalizó la proyección de Balada triste de trompeta me asaltaron a la mente dos cuestiones: la primera, por qué de unas ocho personas que fuimos a verla todos se debatían entre la incredulidad y el desprecio hacia lo que acababan de ver excepto yo, que me hubiese quedado anclado en la butaca hasta que terminaran los créditos si no fuera porque estaba sentado en el lado más próximo a la salida.

 
La segunda, es que entendí perfectamente por qué Quentin Tarantino flipó con la película durante el pasado festival de Venecia, y es que el último trabajo de Álex de la Iglesia guarda muchas similitudes con el cine de aquel, sobretodo con Malditos bastardos, al encuadrar una historia imaginaria dentro de un reconocible contexto histórico en el que se pasean las figuras más importantes de dicha época, pero sobretodo, por servir como un desahogo festivo de furia y rabia armado hasta los dientes de una de las épocas más oscuras de la Historia de la Humanidad.

Balada triste de trompeta tiene varias lecturas: por un lado, el enfrentamiento de los payasos protagonistas representa el conflicto entre las dos Españas, la franquista y la republicana, y hasta ahí puedo leer porque cuanto menos se sepa más se disfrutará de los enloquecidos y retorcidos giros argumentales de la trama. Por el otro, es la historia de un triángulo amoroso urdido con los efectos más dañinos del romance: los celos, el dolor (físico y mental) y la obsesión. El amor libera, sí, pero también hace sufrir, con placer culpable o sin él, y arrastra a la demencia y la locura a los que lo padecen sin remedio. Los dictados del corazón se mueven entre la brutalidad y la docilidad que acaba por corromperse, y de esta forma queda perfectamente enlazado con el retrato de las dos Españas.

Los vórtices de dicho triángulo lo conforman tres intérpretes que sobrellevan perfectamente la personalidad ‘in extremis’ de sus personajes. Carlos Areces se descubre como un actor que puede encarnar con credibilidad un personaje que no esté fundamentado a base de sketches. Antonio de la Torre construye uno de los mejores villanos que nos ha dado el cine patrio y Carolina Bang es una voluptuosa revelación que nos hace preguntarnos de dónde ha salido esta chica.

 
Los excesos de los que hace gala De la Iglesia le pasarán factura al provocar reacciones radicalmente opuestas respecto a lo que ofrece en su incómodo circo de cuatro pistas. Puede que me haya contagiado de su espíritu esperpéntico y bizarro, pero he disfrutado y sufrido a partes iguales con un filme inédito en la filmoteca española que, afortunadamente, reivindica que el cine español aún puede reinventarse y que se puede abordar un hecho histórico de múltiples formas diferentes, gozando con cada gota de sudor, sangre y lágrima derramada por el camino.

8’5/10

Un pozo de desdicha humana

 
Dir.: Alejandro González Iñárritu
Int.: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Eduard Fernández, Diaryatou, Daff, Rubén Ochandiano, Ana Wagener
¿De qué va?: Uxbal, un hombre con sensibilidad para comunicarse con las almas en pena y que mantiene a sus dos hijos trabajando en negocios al margen de la ley, se entera de que no le queda mucho tiempo de vida y decide poner orden en sus asuntos pendientes mientras descubre el camino a la redención.

Reseña: A nadie debería cogerle por sorpresa que el primer largometraje en el que Alejandro González Iñárritu firma como director y guionista en solitario sea un dramón teniendo en cuenta que a sus anteriores películas se las conoce como ‘trilogía del dolor’. En realidad, salvo por reemplazar las historias cruzadas por una única con un protagonista absoluto el resto sigue más o menos igual, con personajes de diferentes etnias y nacionalidades que no pueden escapar a unos destinos miserables que les ha tejido la vida a raíz de múltiples problemáticas que afectan a las sociedades de hoy en día, o lo que es lo mismo, el sufrimiento derivado del sufrimiento.

 
Con Biutiful, Iñárritu ha alcanzado el súmmum del sufrimiento humano. La esperanza se reduce a un pequeño halo de luz que ni siquiera da garantías de que las cosas puedan ir a mejor. Fíjense en lo trágica que llega a ser la película que sólo he contado una única escena que de por sí muestre algo de felicidad u optimismo. Tanta aflicción no sería un problema si no se notara la mano de Iñárritu a la hora de exacerbar el drama provocando situaciones que cuesta creer por exageradas, como son las turbadores subtramas que tocan el tema de la inmigración; habría que ser muy facha para no sentir nada, pese a lo forzado de algunos momentos.

 
Iñárritu ha querido abarcar demasiado y la jugada no le ha salido del todo mal, para eso ha contado con un metraje demasiado largo que sobrepasa las dos horas, pero hay cosas que podría haberse ahorrado como ese don que tiene el protagonista de comunicarse con los espíritus. Se supone que está justificado en el desenlace, pero a mí me parece fuera de lugar, creo estar viendo otro tipo de película al estilo de La maldición o incluso la serie de televisión Entre fantasmas, y no me aportó nada salvo salirme por momentos de la película.

 
Biutiful tiene sus cosas malas pero otras también muy buenas que compensan. Por ejemplo, un Javier Bardem intachable que conduce el filme con la serenidad y convicción que a veces le falta a la narración (aunque tampoco me parece digno de un Oscar, todo hay que decirlo); un elenco de secundarios verosímiles entre los que destaca Maricel Álvarez y los niños que encarnan a los hijos de Bardem; la “sucia” fotografía que capta los bajos fondos de Barcelona y la banda sonora tan reconocible como potente de Gustavo Santaolalla; y por último, varias escenas que captan a la perfección el sufrimiento, la opresión y el desasosiego de unos personajes a los que les ha tocado la mala suerte de vivir en una película de Iñárritu. Pero no nos llevemos a confusiones: que me guste la forma en la que el director de 21 gramos se acerca al drama humano no significa que quiera doble o triple ración de una sola tajada y con un plus de pretenciosidad.

7/10

Complicidad femenina

Dir.: Atom Egoyan
Int.: Julianne Moore, Liam Neeson, Amanda Seyfried, Max Thieriot
¿De qué va?: Catherine, una ginecóloga de éxito, sospecha que su marido David le puede ser infiel. Tras conocer casualmente a Chloe, una joven y bella prostituta de lujo, decide contratarla para que seduzca a su marido y poner a prueba su fidelidad.

Reseña: No he visto la película en la que se basaron para hacer Chloe, Nathalie X, ni soy un gran conocedor de la filmografía de Atom Egoyan, así que puede que este comentario vaya escaso de referencias. Dicho esto, me comprometo a revisar las películas de Egoyan, pues he atisbado en Chloe ciertos rasgos de autor que me atraen, y eso que tiene toda la pinta de que éste sea su trabajo más comercial, pues deambula entre el drama intimista y el thriller corriente y moliente.

 
Pese a su factura pulcra y elegante, Chloe podría pasar por un telefilme más, ligeramente tramposo, si no fuera por la sutilidad que desprende Egoyan en ciertas escenas y por su trío protagonista. La película gana enteros gracias a una casi omnipresente Julianne Moore que hace verosímil la increíble evolución de su personaje. Los momentos íntimos cargados de tensión sexual a través de las palabras (y el cuerpo) de una sugerente Amanda Seyfried son los mejores minutos de una cinta que presenta una visión pesimista y castrante del matrimonio a largo plazo, en el que las mentiras, los celos y los engaños son el pan de cada día.

 
Asentadas las bases de un conflicto que parece no tener fácil solución, llega un tercer acto en el que en una única escena se da un vuelco a todo lo que habíamos visto, contradiciendo la desmoralización construida en torno a  la figura del matrimonio. Y como traca final, un enfrentamiento que reafirma el hecho de que la película se ha ido por derroteros facilones, previsibles y moralistas. Mejor nos quedamos con lo visto anteriormente, un tête à tête de altura entre Moore y Seyfried frente a un Liam Neeson en estado de convidado de piedra.

6/10

El caso Plame

 
Dir.: Doug Liman
Int.: Naomi Watts, Sean Penn, Michael Kelly, Noah Emmerich, Brooke Smith, Ty Burrell, Bruce McGill, David Denman
¿De qué va?: Valerie Plame fue una agente del FBI cuya identidad fue desvelada por miembros de la Casa Blanca con la intención de desacreditar a su marido, quien escribió un artículo periodístico en el que acusaba a la administración Bush de manipular la información para respaldar la invasión de Irak.

Reseña: Existe una pequeña lista de títulos americanos que ponen en tela de juicio la actuación del gobierno Bush durante la guerra de Irak: En el valle de Elah, Leones por corderos, Expediente Anwar, Redacted, Green Zone… Todas ellas fueron ignoradas por el gran público y llegaron tarde, pero al menos poseen valor como documento gráfico de las barbaridades y mentiras que se produjeron en dicha invasión.

 
Caza a la espía (horrendo título telefilmesco que le han endosado a Fair Game) llega muy tarde, pero a diferencia de las anteriores no parte de una historia ficticia con ecos de realidad sino de un hecho real que se produjo durante la guerra de Irak: la revelación de la identidad de una agente de FBI por parte de sus propios mandatarios. Así pues, los primeros compases de la cinta nos muestran los antecedentes a dicho “destape” con bastante corrección, pero la introducción se torna demasiado alargada y sin excesivo suspense. Llegado el momento de la inflexión narrativa, la película sube puntos al dejar de lado el thriller para centrarse en el drama de un matrimonio que se hunde mientras se encuentra en el punto de mira de la opinión pública.

 
Naomi Watts y Sean Penn ya trabajaron juntos en 21 gramos y El asesinato de Richard Nixon, pero cada colaboración suya ofrece algo distinto al resto. En Caza a la espía cada uno por separado aporta una brillante actuación, él en su salsa revolucionaria y ella entremezclando la fortaleza y la fragilidad de su personaje, pero cuando comparten escena las chispas saltan, la tensión se palpa en el ambiente y terminan por consagrase como una de las parejas cinematográficas más valiosas del cine reciente.

 
El director Doug Liman deja a un lado la acción espectacular de El caso Bourne, Jumper y demás para retratar, cámara en mano, un caso vergonzoso de la historia reciente norteamericana que, aunque llega tarde para sorprendernos acerca de la chapucera actuación del ex-presidente Bush, nos recuerda hasta qué punto los gobiernos son capaces de traicionar los valores de los que alardea para actuar en beneficio propio, y de que a fin de cuentas somos los ciudadanos los que ostentamos el poder de hacer que las cosas cambien siempre y cuando nos hagamos oír.

7/10

La vida en modo arcade

Dir.: Edgar Wright
Int.: Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Kieran Culkin, Ellen Wong, Alison Pill, Mark Webber, Johnny Simmons, Anna Kendrick, Brie Larson, Chris Evans, Brandon Routh, Jason Schwartzman
¿De qué va?: Scott Pilgrim es un joven que conoce a la chica de sus sueños, Ramona Flowers. Pero el camino que conduce a ella no será nada fácil, pues sus siete ex-novios malvados se interponen entre Scott y la felicidad absoluta. ¿Podrá Scott vencerlos y conseguir a la chica?

Reseña: El pasado mes de Marzo se publicó el primer tráiler de Scott Pilgrim contra el mundo. La película me había llamado la atención desde el momento en el que se dio a conocer el proyecto pero no fue hasta entonces cuando me decidí a echarle un vistazo a los cómics en los que se basaba. El resultado fue una adicción desmesurada a seguir las aventuras de Scott Pilgrim hasta el sexto y último volumen de la saga, que acabé, no sin cierta tristeza, semanas antes de que se estrenara al fin el largometraje en España (lo de su distribución es como para dar de comer aparte). Así pues, se cierra el círculo justo donde comenzó, pero con la capacidad de juzgar si se trata de una adaptación fiel y decente. Y que me aspen si no lo es.

 
Edgar Wright ha sabido llevar el particularísimo lenguaje del cómic de Bryan Lee 'O’Malley a la gran pantalla sin perder su identidad por el camino. La narración del tebeo, que combina elementos propios del manga japonés con el de los videojuegos clásicos (Pacman, Super Mario, Sonic y algo de Final Fantasy), mucha música indie rock y múltiples referencias a la cultura popular queda plasmada en la película de forma brillante y original. Además, Wright no se limita a copiar sino que aporta nuevos elementos y gags de cosecha propia. En lo que se refiere al casting no tengo quejas, han clavado cada personaje, si bien es cierto que sigo pensando que otro actor podría haberlo hecho mejor que Michael Cera, aunque el chaval tampoco está nada mal.

 
En lo que atañe a la historia en sí, no podemos obviar el hecho de que comprimir seis novelas gráficas en una película de menos de dos horas acarrea el problema de que se van a suprimir personajes y tramas, porque lo contrario es imposible. Partiendo de eso, la verdad es que se ha hecho un notable trabajo de adaptación, incluso el tercio final que no corresponde con el cómic, puesto que el sexto volumen aún no estaba terminado cuando se escribió el guión, tiene algunos rasgos semejantes, seguramente porque O’Malley mantuvo un contacto directo con Wright durante toda la producción del filme.

 
En cualquier caso, los lectores no podremos evitar sentir un poco de lástima ante una trama tan resumida, pero eso no debería impedir que disfrutemos como enanos de una adaptación que difícilmente podría haberse hecho mejor. Los desconocedores de la fuente original libres de prejuicios también pueden unirse a esta celebración de la cultura friki/geek dejándose llevar por un ritmo frenético y desquiciado que no da respiro. Hay que leerlo, o verlo, pero lo importante es meterse de lleno en el universo de Scott Pilgrim porque es una oportunidad única e irrepetible en la vida de todo friki que se precie.

8’5/10

Todo el mundo necesita amor… y un viaje a Italia

Dir.: Gary Winick
Int.: Amanda Seyfried, Christopher Egan, Gael García Bernal, Vanessa Redgrave, Franco Nero, Oliver Platt
¿De qué va?:  Sophie y Victor son una pareja de prometidos que emprende un viaje de pre-luna de miel a Italia. Mientras Victor se pasa al día buscando proveedores para el restaurante que va a abrir en Nueva York, Sophie descubre una carta de hace 50 años escrita por una mujer que se lamenta de no haberse quedado con el amor de su vida. Es entonces cuando la joven decide hacer todo lo posible para que la pareja de enamorados se reencuentre.

Reseña: No es difícil confundir la filmografía de Gary Winick (Guerra de novias, El sueño de mi vida) con la de Garry Marshall (Mamá a la fuerza, Princesa por sorpresa) pues ambos se han especializado en comedias románticas de marcado color rosa que tienen como protagonista a mujeres modernas, guapas, independientes y con trabajos fabulosos que sin embargo están ancladas a un concepto arcaico del amor verdadero y de las bodas, idealizadas como el sueño femenino por excelencia (“Toda mujer debe tener un anillo de compromiso”, sentencia uno de los personajes de Cartas a Julieta).

 
Así pues, la simplicidad de este filme no debería sorprender a nadie. Desde la presentación los personaje ya nos hacemos una idea clara del papel que va a desempeñar cada uno en la historia y de cómo van a evolucionar a lo largo de ella (no pongo ejemplos por si sigue existiendo gente ingenua), mientras que la búsqueda del amor perdido de una adorable Vanessa Redgrave no encierra tensión dramática ni ningún misterio, basta con ver el tráiler para saber como acaba. Entonces, ¿por qué me ha gustado Cartas a Julieta? Pues porque me ha dado justo lo que buscaba, una comedia romántica muy casta y liviana que ofrece una visión idílica y turística de Italia al son de una historia de amores hallados y reencontrados que ni pincha ni corta.

 
Amanda Seyfried parece sentirse muy cómoda en estos roles de heroína romántica, pero esperemos que no siga la estela de Kate Hudson. Sus dos intereses románticos son Gael García Bernal (demasiado actor para tan poco personaje) y Christopher Egan, una especie de muñeco Ken arisco y de emociones retraídas. Vanessa Redgrave y Franco Nero (pareja en la vida real) aportan la hondura de la veteranía aunque queden relegados a un segundo plano, pero la primera escena que comparten en pantalla es suficiente para que ambos se merezcan el sueldo.

 
Quienes todavía crean en el poder del amor verdadero, de su inmortalidad y del romanticismo clásico y pastoril están de enhorabuena. En cambio, los que tengan una actitud totalmente opuesta corren el riesgo de sufrir hiperglucemia, aunque si son capaces de contener la irritación que puede provocar tanto glaseado, o simplemente tienen una buena tarde, de buen seguro que la disfrutarán, aunque luego no lo quieran reconocer ni delante de sus amigos. Ideal para verla con las abuelas.

6/10

La reina cotilla

Dir.: Will Gluck 
Int.: Emma Stone, Amanda Bynes, Stanley Tucci, Patricia Clarkson, Penn Badgley, Thomas Haden Church, Lisa Kudrow, Cam Gigandet, Alyson Michalka, Dan Byrd, Malcolm McDowell
¿De qué va?: La típica vida en el instituto de Olivia Penderghast da un vuelco cuando empieza a correr un rumor sobre su promiscuidad. Olivia sospecha que puede sacar algún tipo de beneficio de su recién adquirida popularidad, pero las circunstancias se vuelven en su contra.

Reseña: Yo no crecí viendo las películas de John Hughes. En cambio, el inicio de mi pubertad coincidió con una proliferación de comedias americanas de instituto que en cierto modo iniciaron mi andadura cinéfila. Hay algunas que con los años han perdido todo el atractivo, de las que ya casi ni me acuerdo, pero otras han aguantado estoicamente los envites del tiempo, como es el caso de Crueles intenciones, 10 razones para odiarte o Election, aunque ésta última tenía más de sátira política y social que de otra cosa.

 
Aunque Rumores y Mentiras (Easy A) se presente como un homenaje sincero a la herencia de John Hughes lo cierto es que también tiene mucho que ver con esas comedias juveniles de finales de los 90: al igual que Crueles y 10 razones toma un texto clásico (La letra escarlata) para adaptarlo a una historia contemporánea, mientras que se asemeja a Election en recrear los bajos instintos de la sociedad en un típico instituto americano. En el caso de Rumores y mentiras los tiros van por el culto al chismorreo y al sensacionalismo respecto a las conductas poco apropiadas de las personas que consiguen popularidad por armar un poco de revuelo entre las mentes puritanas e hipócritas, sin más logros que el tener una lista de conquistas de conocimiento público.

 
Emma Stone aprueba con honores su primer papel protagonista en una jugada similar a la de Ellen Page en Juno: encarnar un personaje femenino potente de lengua viperina y presencia ‘cool’ y arrolladora. Por ella perdonamos lo poco creíble que resulta que una chica con ese tipazo pueda pasar desapercibida en el instituto y que incluso en algunas escenas se ponga en entredicho su atractivo. Los secundarios, un amplio plantel de actores jóvenes y maduros surgidos del cine y la televisión, cumplen en sintonía con el espíritu festivo del filme, destacando a Stanley Tucci y Patricia Clarkson como los cachondos padres de la protagonista.

 
Una película de estas características se puede rodar perfectamente con el piloto automático, pero Will Gluck le da dosis extras de ritmo y dinamismo con escenas como la de la propagación de los chismes o en la que vemos la evolución vírica de las canciones pegadizas (por cierto, la banda sonora es estupenda). Rumores y mentiras se alza como un divertimento muy sano y recomendable que también guarda dardos envenados para otros ámbitos de la cultura popular: desde Facebook hasta Gossip Girl, pasando por la versión de La letra escarlata que protagonizó Demi Moore y el fanatismo religioso. Atentos al pequeño gag a costa de Crepúsculo, seguramente más atinado que toda la película de Híncame el diente.

7’5/10

Los chicos de Charlestown

 
Dir.: Ben Affleck
Int.: Ben Affleck, Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner, Blake Lively, Peter Postlethwaite, Chris Cooper
¿De qué va?: Un atracador de bancos entabla una relación afectiva con la jefa del último que asaltó mientras prepara el siguiente golpe junto a su banda e intenta esquivar al agente del FBI que les sigue la pista muy de cerca.

Reseña: Con Adiós pequeña, adiós Ben Affleck demostró que poseía unos valores como realizador que al menos le podrían otorgar esa respetada posición dentro de la industria que su carrera interpretativa no le había dado (aunque últimamente ha gozado de una época bastante estable gracias a su correcta participación en películas como Hollywoodland y La sombra del poder). The Town viene a confirmar el gusto de Affleck por retratar las miserias de los bajos fondos y el buen pulso que tiene con la cámara, atreviéndose a rodar esmeradas secuencias de acción que no le salen nada mal.

 
Affleck no se corta al manifestar sus influencias (Martin Scorsese, Michael Mann…) pero sus maneras no son las de un burdo imitador. Las tres secuencias de acción del film, que a su vez funcionan como los tres pilares en los que está estructurada la trama, han sido rodadas con un nervio y una elegancia impecables, siendo la segunda de ellas la mejor por esa trepidante persecución automovilística que me hizo recordar a las partidas que echaba con el juego The Getaway, sufriendo el acoso de los coches policías mientras huía por estrechas avenidas. Paralelamente a la historia policiaca se desarrolla una romántica que no brilla tanto por lo blanda y previsible que luce, aunque nunca llega realmente a incordiar, a pesar de que dicha relación amorosa se va volviendo más simple y unidireccional conforme va avanzando la trama.

 
Otro de los puntos fuertes de la película es el reparto: Affleck aguanta bastante bien el tipo como protagonista; Jeremy Renner borda otro papel al límite como ya hizo en The Hurt Locker; Rebecca Hall bastante correcta pero lastrada por la función que le ha tocado desempeñar en la historia y Jon Hamm convence y mucho como policía de métodos poco ortodoxos. Por su parte, Chris Cooper y Pete Postlethwaite están inmensos en sus breves pero fundamentales roles. Mención aparte merece Blake Lively, pues realiza una interpretación contundente, totalmente opuesta a lo que hace en Gossip Girl y en tan sólo cuatro o cinco escenas donde brilla con luz propia.  Me reafirmo en lo que siempre he dicho, esta chica está bastante infravalorada y el día menos pensado va a dar un pelotazo.

 
The Town no reinventa el género de atracos ni lo pretende. Es un thriller muy disfrutable que si bien no tiene bien compensada la trama criminal con la romántica acierta de lleno cuando se pone tensa y frenética, mientras diluye las fronteras que separan a los buenos de los malos y lanza una mirada funesta y fraternal a esos suburbios en los que la delincuencia se percibe como algo tan natural como el aire que respiramos.

8/10

La piedra en el camino

 
Dir.: John Curran 
Int.: Robert De Niro, Edward Norton, Milla Jovovich, Frances Conroy, Sarab Kamoo, Rachel Loisella
¿De qué va?: Gerald Creeson, conocido como Stone, es un pirómano convicto que, deseoso de salir de prisión, convence a su esposa Lucetta para que manipule a su agente de la condicional, Jack Mabry, quien se enfrente a su último caso antes de jubilarse.

Reseña: Robert De Niro y Edward Norton se reencuentran nueve años después del entretenido thriller The Score en Stone, un drama carcelario que promete un gran duelo interpretativo entre los dos actores. Dirige John Curran, un tipo al que conocimos con Ya no somos dos (We don’t live here anymore), soso remedo de Closer, pero que luego nos sorprendió con El velo pintado, un precioso drama de corte clásico con Norton y Naomi Watts redescubriendo su amor en los tiempos del cólera en China. Un filme que me toca la fibra sensible cada vez que lo veo.

 
Con todos estos ingredientes, sumados a la siempre encantadora Milla Jovovich, las expectativas eran altas, sin embargo, la película es mucho más descafeinada de lo que aparentaba ser. Tras un potente prólogo, la narración sólo engancha en momentos aislados y los discursos de los personajes discurren por dilatados caminos existencialistas que provocan una antítesis (la religión es la salvación de unos y la perdición de otros) tan mal manejada como excesiva. La culpa no es de una campaña de promoción que la tilda de thriller carcelario cuando se trata de un drama, sino de un guión construido a base de anticlímax. La tensión latente parece que va a desembocar en una hecatombe que nunca llega.

 
John Curran intenta compensar la fría y austera ambientación con la interpretación de sus actores, pero ni aún así consigue sacar lo mejor de ellos: Edward Norton se nota sobreactuado, mientas que Robert De Niro está correcto pero por debajo de sus posibilidades. No miento si digo que Milla Jovovich es la mejor de los tres (y de todo el filme). Su presencia es la que le insufla vida al conjunto, pero es una lástima que la importancia de su personaje se vaya diluyendo conforme va llegando el desenlace, desaprovechando el tinglado que se había formado en torno a su seductora figura. Frances Conroy también está muy bien pero tampoco se le saca todo el partido posible.

 
La idea de Stone de reflexionar sobre temas tan trillados como la culpabilidad y la religión a ambos lados de los muros de una cárcel no es mala, pero le faltan mecanismos que consigan seducir al público, lo que provoca un importante desinterés en los personajes y en lo que les ocurre. Curran es incapaz de imprimir ni un poco de tensión en la recta final de una película que es como el propio zumbido que oímos a lo largo de su trama, nos sugiere algo pero no sabemos muy bien el qué.

5/10