El monstruo que hay en cada uno de nosotros

Dir.: Spike Jonze
Int.: Max Records, Catherine Keener, Mark Ruffalo
¿De qué va?: Max es un niño desobediente que tras tener una gran pelea con su madre se escapa de casa y va a parar a una isla donde habitan unos monstruos que lo coronan como su rey, con la esperanza de que pueda restablecer la paz y la armonía entre ellos.

Opinión: En el anterior largometraje de Spike Jonze, Adaptation, el protagonista era el propio guionista de la película, Charlie Kaufman, intentando escribir el guión de una novela inadaptable, El ladrón de orquídeas. Años después fue Jonze quien, sin la colaboración de Kaufman, se enfrentó ante una labor bastante complicada: hacer una película de Donde viven los monstruos, un clásico cuento infantil de escasas páginas y parco en palabras, con ilustraciones preciosas y dado a interpretaciones varias sobre la niñez.

Lo normal hubiera sido crear una historia destinada a los más jóvenes, con un espíritu alegre y optimista, o incluso convertirla en una aventura épica, con monstruos buenos luchando contra otros malos. Pues de eso nada, Jonze y su co-guionista Dave Eggers han optado por el más difícil todavía: una película adulta cimentada en una base infantil, una mirada cercana y sincera a la infancia a través de un niño que se relaciona con monstruos que representan distintas fases de su personalidad. Demasiado complicado para los niños, demasiado infantil para los adultos ¿Para quién va destinada la película entonces? Pues para todos y a la vez para nadie, cada uno es libre de dejarse atrapar o no por la treta ideada por Jonze y Eggers.

Donde viven los monstruos no es una película de grandes acontecimientos, a decir verdad cuenta una historia muy intimista, la del pequeño Max, que sintiéndose como un salvaje en su propia casa huye hasta un lugar donde puede hacer lo que le dé la real gana, pero a lo largo de su viaje vamos descubriendo junto a él aspectos de su personalidad que manifiesta en los melancólicos monstruos que le acompañan, en especial sus temores a la soledad, a la incomprensión, a las discusiones… No voy a desvelar cómo acaba la travesía de Max pero puedo asegurar que el desenlace es conmovedor, sutil y sencillamente perfecto.

El niño protagonista, Max Records, es todo una revelación, alejado de las ñoñerías de otros críos protagonistas su interpretación es auténtica y se muestra muy eficaz en las escenas más dramáticas de la cinta. Catherine Keener está estupenda, como siempre, y lo de Mark Ruffalo se puede considerar más bien un cameo. De los actores que doblan los monstruos (un plantel de calidad formado por James Gandolfini, Chris Cooper, Forest Whitaker, Paul Dano, Lauren Ambrose y Catherine O’Hara) no voy a entrar a hablar porque en la versión doblada se pierde toda su interpretación, pero en lo que se refiere a los monstruos en sí el trabajo de caracterización y animación ha sido excelente, recreando fielmente los seres tal y como fueron dibujados por Maurice Sendak.

La maravillosa banda sonora de Karen O. y la preciosa fotografía acaban por redondear esta rara superproducción destinada a una minoría. En tiempos en los que los estudios cinematográficos van a lo seguro sin arriesgarse lo más mínimo, pocas serán las ocasiones venideras en las que podremos disfrutar de historias insólitas contadas de forma tan… monstruosa como ésta.

****1/2

Un nuevo mundo por explorar

Dir.: James Cameron

Int.: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel Moore
¿De qué va?: En el año 2154, un ex-marine inválido llamado Jake Sully es reclutado para llevar a cabo una misión en el planeta Pandora, donde deberá infiltrarse en la raza que habita el lugar, los Na'vi. Para ello, usará una avanzada tecnología que le permite controlar con su mente un cuerpo alienígena a su imagen y semejanza llamado avatar.

Opinión: Nada mejor para acabar la década que hacerlo con una película que comenzó a fraguarse un poco antes de que ésta comenzara. Doce años de espera, incertidumbre, goteo de información y mucho dinero gastado, todo el esfuerzo necesario con tal de revolucionar el Séptimo Arte. Las intenciones de James Cameron eran ambiciosas, pero la Fox le respaldaba ciegamente tras darles la que sigue siendo la película más taquillera de la historia. Claro que por mucho que se avance tecnológicamente, el público sigue siendo quien dictamine sentencia, por lo que el éxito del juguetito de Cameron dependerá siempre de cómo se comporte la taquilla, y muy bien tiene que irle para poder amortizar la inversión.

 

De todas formas, no creo que exista ningún impedimento para que Avatar se convierta en un rotundo éxito, pues pocas películas se han estrenado este año que tengan un sentido del espectáculo tan desarrollado como lo tiene la cinta de James Cameron; casi tres horas de cine en su acepción más increíble e imaginativa. Pandora es un planeta asombroso, de montañas flotantes, árboles gigantescos, flores que se iluminan como luces de neón y un bestiario que parece sacado de un Final Fantasy. Los Na'vi también han sido creados con mucho mimo hasta en el más mínimo detalle, confeccionando una historia y cultura que se podría enriquecer en las más que probables continuaciones de la película.

 
Tanto los personajes digitales como los reales están perfectamente integrados en el escenario, consiguiendo un gran avance respecto a otras películas en las que los actores se movían en un entorno totalmente digital. Las interpretaciones son muy decentes, con Sam Worthington en cabeza confirmando su talento y carisma, algo que ya sabíamos de la arrolladora Sigourney Weaver. Sin embargo, ninguno llega a lucirse porque los esquemáticos roles que les han tocado interpretar no dan espacio para ello.

Desde la presentación de los personajes sabemos cómo va a evolucionar cada uno de ellos a lo largo de la historia, lo que viene implícito en el gran ‘pero’ que se le puede achacar a la película, y es su argumento. Simplificando un poco, podríamos decir que es una nueva versión de Pocahontas pero en el espacio, con detalles que me recordaron a Matrix y a FernGully, aunque seguro que cada uno podrá buscarle sus propios parecidos. La historia, con mensaje ecológico muy poco sutil, depara pocas sorpresas, pero al menos engancha desde el comienzo y está bien estructurada.

 
Ver Avatar sin el efecto 3D puede considerarse como una experiencia incompleta, pues gran parte de su atractivo reside en esta tecnología que poco a poco se va implantando en el cine comercial. Aquí no está insertado como un mero complemento, forma parte de la película y se nota mucho en la profundidad de campo, al igual que se disfruta en las espectaculares secuencias de acción, de lo mejorcito del año. En definitiva, Avatar es el gran espectáculo que prometía ser, aunque haya ido en detrimento de la historia, y es que si se hubiera invertido en el guión la mitad del tiempo que se empleó para los efectos especiales sería el éxtasis, pero se tiene que conformar con ser la bomba, que no está nada mal.

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Un planeta que ya había sido explorado

Dir.: Jorge Blanco, Javier Abad
¿De qué va?: Un astronauta humano llega a Planet 51 pensando que es el primero en pisarlo, pero para su sorpresa una especie de extraterrestres convive en ese lugar que recuerda a la América de los años 50. Perseguido por los militares, deberá encontrar una forma de regresar a su nave con la ayuda del joven Lem.

Opinión: Nadie puede dudar que el cine español se va abriendo camino cada vez más en el mercado internacional. Este 2009 que va a finalizar ha sido un año muy bueno teniendo en cuenta la cantidad de directores y actores que hemos exportado y el estreno de películas que funcionarán muy bien fuera de nuestras fronteras, como es el caso de Ágora, [REC] 2 o Planet 51, esta última la producción más cara del cine español, que en su versión original cuenta con las voces de actores pertenecientes a la élite de Hollywood como Dwayne Johnson, Jessica Biel, Gary Oldman o Justin Long.

 
La película parte de una curiosa premisa: ¿Y si los humanos fuéramos los alienígenas y no al revés como ha sido siempre? Para más inri, el ser humano cae en una civilización extraterrestre muy similar a la americana en los años 50, cuando la ciencia ficción estaba en auge, por lo que las referencias y guiños a películas de este género no podían faltar, al igual que en la reciente Monstruos contra alienígenas: E.T. El extraterrestre, Terminator, El ataque de la mujer de 50 pies, Star Wars… Hasta hay un robot que se parece sospechosamente a WALL-E, pero prefiero pensar que se trata de una casualidad o un homenaje de tapadillo que de una copia descarada. La recreación de los años 50 pasada por el filtro extraterrestre no tiene ningún desperdicio, colorista y genialmente reconstruida, los animadores españoles pueden sentirse orgullosos de su trabajo.

 
Al que abría que darle un tirón de orejas es a su guionista, el mismo que escribió Shrek, que cree que puede tirar de una historia mil veces vista y luego añadirle un par de gags afortunados (el de la antena es buenísimo) para que parezca una nueva. La premisa no está del todo aprovechada, la moraleja sobre ser fiel a uno mismo y sobre el respeto a los que son diferentes ya nos la conocemos de otras pelis de animación y algunos chistes o no tienen gracia o no se entienden (¿por qué al quitarles el cerebro a los extraterrestres estos hablan con acento argentino?).

 
De Planet 51 se podría decir la horrorosa frase de “¡No parece española!”, pero a pesar de su notable animación no consigue hacerse un hueco entre los grandes del género por su redundante guión, pero como punto de partida de la Ilion Animation Studios tampoco está mal. Un entretenimiento más para los mayores, pero serán los peques los que mayor partido le saquen.

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El Apocalipsis… ¿definitivo?

Dir.: Roland Emmerich
Int.: John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Oliver Platt, Thandie Newton, Thomas McCarthy, Woody Harrelson, Danny Glover
¿De qué va?: Como los mayas predijeron, el mundo dejará de ser tal y como lo conocemos en el 2012, año en el que se producirá un cataclismo global que acabará con la civilización.

Opinión: ¿Quedará alguna otra forma de acabar con la Tierra que no hayamos visto en el cine? Lo dudo, y es que en Hollywood les encanta imaginar formas de destruir nuestro planeta, cuanto más espectaculares y salvajes mejor. A Roland Emmerich se le podría considerar como uno de los abanderados del cine catastrofista, pues parece que disfruta en sus películas atentando contra monumentos emblemáticos edificados por el hombre (El día de mañana, Independence Day, Godzilla…). Asombrosos espectáculos de pirotecnia digital pero vacíos de contenido.

 
Con semejante currículum ¿alguien se podía esperar algo diferente de 2012? No nos llevemos a engaños: la película son casi dos horas y media de pura diversión culpable. Desde que comienzan a agrietarse las calles de California (Estados Unidos, ¿dónde si no?) la acción y la destrucción no decaen hasta el epílogo. Los efectos especiales son alucinantes y captan nuestra atención en todo momento. Sin embargo, la aniquilación de la humanidad no siempre es tan dramática como debería. Hay golpes de humor que a veces sirven para aliviar tensiones, pero en otros momentos parece que los propios personajes no se están tomando en serio lo que está pasando a su alrededor, aunque los actores lo intentan.

 
Para disfrutar de la película sin mantener el ceño fruncido durante todo el metraje hay que hacer un gran esfuerzo de credulidad. El guión está plagado de extrañas coincidencias que sirven para que los protagonistas no acaben aplastados o achicharrados a la primera de cambios. ¿Podían habérselo currado más para que no sonora todo tan trillado? Probablemente, pero no olvidemos con quién estamos tratando. Tampoco debería sorprendernos que el mensaje de ensalzamiento a la familia tradicional unida y a la solidaridad humana en tiempos de crisis huele que apesta, pero ahí sigue, inquebrantable.

 
Que 2012 sea justamente lo que esperábamos, para lo bueno y para lo malo, no quiere decir que tengamos que ser indulgentes. El filme es uno de los espectáculos visuales más impresionantes del año, vale, pero eso no quita que la trama haga aguas por los cuatro costados.  Para ver cómo actuaríamos realmente las personas si el mundo se fuera al garete tendremos que esperar a otra ocasión… quizás dentro de tres años…

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La caja de las pesadillas extrañas

Dir.: Richard Kelly
Int.: Cameron Diaz, James Marsden, Frank Langella, Sam Oz Stone, James Rebhorn, Holmes Osborne, Gillian Jacobs, Celia Weston
¿De qué va?: Un matrimonio recibe en la puerta de su casa una caja con un botón: si lo pulsan provocarán la muerte de una persona desconocida, pero a cambio recibirán un millón de dólares…

Opinión: Todos sabemos que escribir un guión partiendo de una novela es difícil, pero hacerlo en base a un relato corto puede serlo aún más. Aunque no exista el problema de condensar la narración en un libreto de 120 páginas, es complicado alargar una historia sin caer en la monotonía o sin tirar por derroteros que se alejen mucho de la idea original.

Esto último ha sido el gran problema de Richard Kelly al intentar hacer un largo del relato Botón, botón (si les interesa pueden leerlo aquí, es muy breve y no contiene spoilers sobre la película) y de su posterior adaptación televisiva para el programa La dimensión desconocida. La premisa de la película es muy sugestiva e intrigante, pero cuando toca desarrollarla, Kelly resuelve el dilema moral de los protagonistas en un par de segundos y se decanta por intentar buscarle una explicación al origen de la caja con alusiones a la ciencia ficción clásica.

 
Las referencias son buenas, pero Kelly aporta cosas de su propia cosecha que en Donnie Darko funcionaban a las mil maravillas pero en The Box simplemente no encajan y sólo funcionan para confundir aún más al espectador. Para el desenlace, el director vuelve a recuperar el tono del planteamiento, pero de todas las preguntas que deja abiertas por el camino se olvida de dar respuesta a las que son vitales para dar cohesión a la trama (Si alguien ha encontrado alguna lógica a la secuencia de las puertas de la biblioteca que por favor me lo explique).

 
Al menos, Richard Kelly compensa las deficiencias argumentales con oficio técnico. La recreación de la sociedad en los años 70 es impecable, la banda sonora y la fotografía son notables y cuadran perfectamente con el tono de la película, al igual que los actores: Cameron Diaz demuestra que sabe interpretar personajes con empaque, alejados de las complacientes comedias que suele realizar, y Frank Langella aporta con serenidad el toque distinguido al conjunto.

 
The Box supone una pequeña decepción porque nos esperábamos algo más del artífice de Donnie Darko tras el fiasco de Southland Tales (que aún tengo pendiente de ver). Kelly desaprovecha una sugerente premisa para abordar sus inquietudes personales de la misma forma que lo hizo en su ópera prima. Por su bien, esperemos que no se duerma en los laureles o caerá pronto en el olvido, por muy bien que sepa manejar el suspense.

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(500) días inolvidables

  
Dir.: Marc Webb
Int.: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Grace Moretz, Matthew Gray Gubler, Clark Gregg, Patricia Belcher
¿De qué va?: Esta es una historia de “chico conoce a chica”. El chico, Tom, cree haber encontrado al amor de su vida en Summer. Por desgracia para él, ella no cree en el amor…

¿De qué va?: Hay películas que sabes que te van a entusiasmar desde que ves su tráiler, es como el flechazo a primera vista que siente Tom por Summer en esta maravillosa película. A mí me ocurrió exactamente lo mismo cuando vi el primer avance de este (500) días juntos y desde entonces no he hecho más que alimentar unas expectativas que se han cumplido de forma impecable.

 
Pero mejor empecemos por el principio, como bien dice el narrador de la película (por una vez no me pareció que la voz en off sobraba) esta no es una historia de amor, no es la típica comedia romántica con la que se pasa el rato y luego se olvida, si buscas eso te has equivocado de sala. (500) días juntos va más allá del romance hollywoodiense, disecciona el amor, una construcción social al fin y al cabo, de lo que significa para ciertas personas que lo viven hasta tal punto que se hunden en la miseria cuando ya no forma parte de sus vidas. Por tanto, se habla también de las relaciones amorosas de hoy en día con tal precisión y sinceridad que hay numerosas situaciones que nos recordarán a nosotros mismos en algún momento de nuestras vidas.

Para recrear los momentos clave de una relación, el director Marc Webb (habrá que seguirle la pista de ahora en adelante) confronta los puntos álgidos con los más bajos como si de una montaña rusa se tratara, en una estructura narrativa desordenada que nos recuerda a otra gran película, ¡Olvídate de mí!, aunque aquí nos señalan los saltos temporales con un genial calendario estacional. Y eso no es todo, la imaginación se cuela en la película recreando el estado de ánimo y los pensamientos de nuestro protagonista, Tom, con secuencias impagables como el número musical en el parque o la comparación a pantalla partida de sus expectativas y de lo que está ocurriendo en la realidad.

 
El guión de (500) días juntos es excelente: cada palabra, cada frase y cada diálogo está ahí por alguna razón, nada sobra. Sorprende que el libreto esté firmado por los mismos que escribieron el de… ¡La pantera rosa 2!. Por supuesto que es fundamental contar con actores que lleven a la vida ese guión; difícilmente habrían podido encontrar una pareja mejor que la formada por Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel para hacerlo creíble. La química es algo que se nota desde el primer plano donde aparecen juntos, ambos están magníficos. Es muy fácil encariñarse con él y comprendes perfectamente por qué está tan loco por ella.

 
Intento ponerle reparos a la película pero por más que lo piense no los encuentro. Está muy bien realizada, interpretada, escrita y la banda sonora no hace más que ponerle el broche de oro al conjunto, una estupenda y acertada selección de canciones. Algunos podrán achacarle su estilo entre “indie comercial” y videoclipero (no en vano el director proviene de ese mundillo), y que no es tan radical en su mensaje como podría parecer, pero personalmente qué quieren que les diga, me ha cautivado sin remedio, va camino de ocupar un puesto destacado dentro de mis películas de cabecera. El amor, o la ausencia de él, es lo que tiene.

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¡Te quiero Nueva York! Pero… prefiero París

Dir.: Jiang Wen, Mira Nair, Shunji Iwai, Yvan Attal, Brett Ratner, Allen Hughes, Shekhar Kapur, Natalie Portman, Fatih Akin, Joshua Marston
Int.: Hayden Christensen, Rachel Bilson, Andy Garcia, Natalie Portman, Irrfan Khan, Orlando Bloom, Christina Ricci, Ethan Hawke, Maggie Q, Anton Yelchin, James Caan, Olivia Thirlby, Drea de Matteo, Bradley Cooper, Shia LaBeouf, Julie Christie, Carlos Acosta, Ugur Yücel, Shu Qi, Robin Wright Penn, Chris Cooper, Eli Wallach, Cloris Leachman
¿De qué va?: En los diferentes barrios que componen la ciudad de Nueva York se entrecruzan pequeñas historias protagonizadas por neoyorquinos que buscan, encuentran y disfrutan el amor.

Opinión: New York, I love you es la respuesta yanqui a Paris, je t’aime, aquel experimento que funcionó tan bien que consistía en reunir a una gran variedad de directores diferentes para que cada uno plasmara su visión particular sobre el amor parisino en su correspondiente cortometraje. Pese a alguna historia que estaba de más, la valoración general fue muy positiva y animó a sus productores a repetir la experiencia con nuevos directores e intérpretes en diferentes países del mundo. Siguiente parada: Nueva York.

En territorio americano disponemos de un elenco más popular, la mayoría juega en casa, aunque es curioso que con los directores no ocurra lo mismo. Quizás se haya buscado el punto de vista turista, aunque afortunadamente nunca sentimos estar de excursión por la Gran Manzana. Reconozcámoslo, Nueva York no es París, y por tanto ésta no se luce tanto como aquella. Paris, je t’aime tampoco abusaba de los lugares emblemáticos, pero el aroma francés se respiraba en cada fotograma.

El verdadero problema del fascículo americano no reside en el buen o mal uso que se haga de las aceras de Nueva York, sino en la calidad de los cortometrajes que componen el filme. Aunque las comparaciones son odiosas, el nivel de New York, I love you está por debajo del de París, Je t’aime. La buena noticia es que no hay ningún corto tan horrendo como el de la peluquería china (¿tal vez lo fuera el de Scarlett Johansson y por eso lo suprimieron?), la mala es que falta la brillantez de los trabajos que realizaron Tom Twyker o Isabel Coixet en aquella ocasión.

Aquí hay un cortometraje que destaca por encima del resto, el de la pareja de ancianos dirigido por Joshua Marston: compagina con gran destreza el humor con la ternura sin caer nunca en la sensiblería. Otros dejan muy buen sabor de boca (los de Shunji Iwai, Yvan Attal y Brett Ratner) y otros tantos no se mantendrían por sí solos (el que dirige Natalie Portman o el de Faith Akin dejan un total y rotundo sentimiento de indiferencia). En ningún momento la película llega al aburrimiento total, aunque algunas de las pequeñas escenas que sirven de intermedio entre una historia y otra no aportan gran cosa. Como (tímida) declaración de amor a la ciudad de los taxis y los rascacielos aprueba, pero va escaso de la pasión ardiente de los franceses.

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La gran elipse de Amenábar

Dir.: Alejandro Amenábar
Int.: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Homayoun Ershadi
¿De qué va?: En el Egipto del siglo IV las revueltas cristianas están desestabilizando el Imperio Romano. Un esclavo se encuentra en el dilema de ser fiel a su nueva fe o quedarse junto a su ama, la astrónoma Hipatia, quien está obstinada por descubrir el funcionamiento de los planetas.

Opinión: El estreno de una película de Alejandro Amenábar es un verdadero evento social que va más allá de la proyección de un filme en una sala de cine. No deja de ser sorprendente que con tan sólo cinco películas en su haber haya conseguido tanto poder de convocatoria, y más aún tratándose de un español, no olvidemos que aquí somos muy aficionados al dicho “Nadie es profeta en su tierra”. Quizás sea porque pese a que todos sus trabajos hayan sido producidos en España están exentos de los tics habituales de nuestro cine.

 
Ágora se ha convertido en la película de la temporada, la que atrae a los cines a la gente que no va nunca, el must see del momento. Pero no todo ha sido por méritos propios, sino por la cantidad desmesurada de publicidad que se ha hecho sobre la misma en las últimas semanas, en las que no ha habido día en el que no hayamos visto un tráiler, reportaje, entrevista o noticia sobre la misma. ¿Merecía Ágora una cobertura tan excesiva? Pues ni tanto ni tan poco. Es bastante buena  pero tampoco un peliculón como nos han intentado vender, y desde luego no es el mejor trabajo de Amenábar hasta la fecha.

 
Ágora es un relato sobre la búsqueda del ser humano por desentrañar los misterios de la vida a lo largo de la Historia. Unos se aferran a supersticiones y creencias, mientras que otros prefieren buscar en las estrellas. Los peligros que conlleva el fanatismo religioso es un mensaje que se hace evidente a lo largo de la película, y Amenábar ha sabido contar la lucha entre los distintos grupos religiosos con la mayor claridad y concesión posible; por ejemplo, no resulta difícil distinguir entre un bando y otro atendiendo a los diferentes ropajes con los que está ataviado cada uno. La subtrama astrómica está bien llevada y se intercala con la historia principal de manera eficaz sin estorbar en ningún momento.

 
Pese a lo bien que está hilada la historia, nunca llegamos a conectar con ella. Le falta la emoción que rebasaba Mar adentro, aquí llega en el último momento y se la debemos a Rachel Weisz, esa actriz maravillosa que con su mirada entre serena y afligida nos parte el corazón. Su ajustada interpretación choca con la grandilocuencia con la que Amenábar ha intentado empapar una película que no lo necesitaba. El abuso de los planos generales, la banda sonora machacona o las múltiples panorámicas del planeta Tierra desde el espacio son algunos de los subrayados en los que se aferra la película. Vale que los decorados están muy bien y que nunca se abuse del ordenador, pero no es razón como para que en cada secuencia haya un plano general aunque no se requiera (aunque la mayoría son impresionantes, eso sí).

 
Ágora no es una decepción, pero tampoco es una película sobresaliente. Está muy bien planteada y estructurada, se agradece que no se recree en las batallas y que no se concentren al final de la película, pero le falta emoción y achaca una pequeña pérdida de ritmo en el tercer acto. Aún así, tiene los suficientes incentivos como para esperar muchas más grandes cosas de Alejandro Amenábar en el futuro. A ver con qué nos sorprende la próxima vez.

***1/2

Reformulando el terror

Dir.: Jaume Balagueró, Paco Plaza

Int.: Óscar Sánchez Zafra, Ariel Casas, Alejandro Casaseca, Pep Molina, Juli Fàbregas, Andrea Ros, Manuela Velasco

¿De qué va?: Pocos minutos después de que se perdiera el contacto con las personas encerradas en el edificio en cuarentena, un equipo de GEOS entra junto a un enviado de Sanidad para recuperar el control de la situación y saber qué es lo que ha pasado. Pronto serán partícipes de la pesadilla que está ocurriendo en el interior.

Opinión: Después del arrollador éxito cosechado con [REC], sólo era cuestión de tiempo que se produjera una secuela, y más aún si tenemos en cuenta que son pocas las películas españolas que tienen filón y recursos para poder plantear una franquicia cinematográfica. Paco Plaza y Jaume Balagueró vuelven a la carga con una historia que ata los cabos sueltos y responde a las preguntas que no obtuvieron respuesta en la primera parte. El empleo de la cámara subjetiva se enriquece desde varios puntos de vista diferentes que convergen en determinados momentos, otorgándole una mayor complejidad a la estructura del relato.

Técnicamente hablando, [REC] 2 es irreprochable, salvo en que hay situaciones donde la cámara tiembla tanto que nos perdemos toda la acción. La historia ya es otra cosa, y es que los directores han decidido prescindir del tono "realista" de la original para dar rienda suelta al imaginario sobrenatural. Digamos que lo que se intuía al final de [REC] cobra mucha importancia y se desarrolla por unos derroteros fantásticos que no escatiman en referencias a películas como El exorcista, Alien, Darkness e incluso Silent Hill (o al menos a mí me lo pareció).
Por un lado, esta ruptura con el concepto de la película original es un acierto de los directores al intentar ofrecer algo nuevo y sorprendente en vez de caer en la repetición, pero por otro lado muchos espectadores se sentirán decepcionados por esta "traición" a lo que se había construido en [REC].

 
Los personajes dejan bastante que desear, algunos de ellos no son creíbles, al igual que los actores que los interpretan. En concreto me refiero al equipo de GEOS y a su acompañante, demasiado sobreactuados, menos el que lleva la cámara principal que no hace absolutamente nada, casi ni habla (se echa de menos a Pablo, el cámara de la anterior película). Aunque los actores jóvenes también se han llevado su buena ración de tortas a mí me parecieron más verosímiles, con reacciones normales en gente de su edad. Por último, la intervención de Manuela Velasco no hace ni sombra al papelón que se marcó en [REC] 1, pero aún así da gusto verla, su enigmática participación es de lo mejor de la cinta.

 
La primera palabra que me viene a la mente cuando pienso en [REC] 2 es decepción, aunque tampoco me ha disgustado del todo. La ambientación terrorífica y la tensión siguen estando ahí, pero ya no es lo mismo, algo falla, quizás porque a Plaza y Balagueró se les ha ido la mano y con ello han perdido parte de la "gracia" de la primera. El desenlace augura una continuación que sus responsables han negado rotundamente, tal como están las cosas, puede que sea lo mejor, aunque el hecho de que Filmax haya comprado un dominio para [REC] 3 da mucho que pensar.

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Woody Allen y sus obsesiones recurrentes (pues sí, funcionan)

 
Dir.: Woody Allen
Int.: Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Ed Begley Jr., Henry Cavill, Conleth Hill
¿De qué va?: Boris Yellnikoff es un excéntrico e insociable hombre que reside en Manhattan quejándose de todo. Una noche conoce a una joven del sur a la que acoge en su casa  y que dará un vuelco a su vida.

Opinión: Woody Allen vuelve a casa tras tres años de turismo por Inglaterra y España, una temporada que no le ha ido nada mal, a pesar de algunas malas críticas que le reprochaban el haber perdido el espíritu de sus grandes clásicos, en especial durante su aventura catalana. Para toda esa gente y para los fans de Woody en general llega Si la cosa funciona, una película que se mantiene en la línea impuesta por el director en comedias como Todo lo demás y Poderosa Afrodita, en las que la sociedad y el amor son analizados bajos su particularísima mirada.

 
Según ha reconocido el propio Woody, el guión de Si la cosa funciona lo recuperó de un cajón treinta años después de haberlo escrito, tan sólo le hizo algunos retoques para actualizarlo a los tiempos que corren. Aún así, el choque cultural entre la gente del norte con la de sur es una historia que ya nos suena bastante añeja, y aquí tampoco nos la ofrecen desde una perspectiva revolucionaria, aunque bien podría tratarse de una versión cachonda de My fair Lady y otras películas de temática similar. Si se tratara de un director cualquiera, poco habría que destacar, pero siendo quien es, no basta con quedarse en la superficie.

 
El director de Annie Hall vuelve a ser el de siempre, aunque en la pantalla veamos a su álter ego en la estampa del cómico Larry David. Vuelven las disertaciones sobre el ser humano, el amor, la vida y la muerte. Vuelven los largos paseos por Nueva York, las neurosis, los diálogos rápidos e ingeniosos, las situaciones cómicas, las frases dignas de recordar, las confesiones a cámara y un reparto totalmente entregado a su director, en el que destaca Evan Rachel Wood, inocente y encantadora, capaz de enamorar a los personajes de la ficción y al público por igual.

 
Si la cosa funciona es Woody Allen en estado puro, con un buenrollismo disfrazado de desesperanza que desemboca en un optimista mensaje de amor libre: Si con lo mal que está el mundo has encontrado a alguien con el que te encuentras a gusto, disfrútalo, pasa de los prejuicios y las convenciones sociales. Mientras la cosa funcione… y si no ya probarás suerte en otra ocasión. Palabra de Woody.

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La pesadilla de ser adolescente

Dir.: Karyn Kusama
Int.: Megan Fox, Amanda Seyfried, Johnny Simmons, Adam Brody, Kyle Gallner, J.K. Simmons
¿De qué va?: Jennifer es la chica más atractiva del instituto de una pequeña localidad americana. Tras ser víctima de un ritual satánico, la joven se convierte en una zombi que se alimenta de la carne de los chicos que siempre han babeado por ella. La única persona capaz de hacerle frente es Needy, su mejor amiga desde la tierna infancia.

Opinión: El cine de terror y comedia ‘teen’ se ha topado con su rara avis en el cuerpo escultural de Jennifer, una descarada animadora que alberga un demonio con un apetito voraz por la carne de adolescentes con las hormonas alteradas. No se trata ni muchos menos de una premisa revolucionaria en el género de terror, pero es en la particular forma de contarnos la historia donde reside el encanto de esta película no apta para todos los paladares.

 
Jennifer’s Body no es de esas películas en las que el guión pasa desapercibido, más bien todo lo contrario. Quienes hayan visto Juno reconocerán enseguida la labia mordaz y cultivada de Diablo Cody en boca de la verdadera protagonista de la historia, Needy (Amanda Seyfried), en la que vemos reflejada en más de una ocasión a la embarazada sabionda que le valió el Oscar al mejor guión a la ex stripper. Aunque esta vez Cody ha dado rienda suelta a su vocabulario soez y a una larga lista de alusiones culturales pertenecientes al microuniverso de los adolescentes de hoy en día: Wikipedia, Facebook, Hannah Montana… hasta hay un especial ensañamiento con las típicas boy band y su fama producto de los gritos y lloriqueos de muchas quinceañeras.

 
La película tiene sus momentos propios del cine de terror (de serie B más bien) con pinceladas gore y algunas referencias a clásicos del género como Posesión infernal o Carrie, pero siendo conscientes del escaso miedo que puede generar la propuesta, directora y guionista se han liberado de las pretensiones de ofrecer un producto serio y le han dado mayor cancha a la comedia absurda armonizada por un buen repertorio de canciones. El tema de la posesión demoníaca es más bien una metáfora sobre la amistad juvenil y todos los sentimientos contrapuestos que genera: admiración, lealtad, celos, envidias, odio, traición… incluso algo de experimentación sexual.

 
Megan Fox es el (discutible) reclamo de la cinta, pero como ya he dicho la auténtica estrella es Amanda Seyfried, quien hace una estupenda labor como la amiga rarita de la popular que crece ante la adversidad de las situaciones a las que se enfrenta. Seyfried se gana enseguida el afecto del público, a Megan en cambio le ha tocado un papel antipático que explota con creces su sex-appeal y unas dotes para la comedia insospechadas hasta ahora. Para lo que es su personaje tampoco lo hace mal, pero sin duda su compañera de reparto le roba la película.

  
Jennifer’s Body está destinada a ser venerada y defendida por un pequeño reducto de aficionados que gozamos de su socarronería y desparpajo, pero no serán pocos los que la rechacen categóricamente, y es que hay momentos y frases que sonrojarán a más de uno (se darán cuenta de lo que les hablo cuando oigan algunas de las perlitas que suelta la Jenni). Aquí tenemos una nueva incorporación a la lista de películas incomprendidas por el gran público, o dicho de otra forma, peli de culto al canto.

***1/2

El engañabobos

Dir.: Steven Soderbergh

Int.: Matt Damon, Melanie Lynskey, Thomas F. Wilson, Frank Welker, Scott Bakula

¿De qué va?: A principios de los años 90, Mark Whitacre era un ejecutivo que trabajaba en una gran empresa del sector agrícola. El FBI contactó con él para que colaborase en una investigación sobre las actividades comerciales de la empresa, sin embargo, la credibilidad de Whitacre se pondría en entredicho en más de una ocasión.

Opinión: Steven Soderbergh es un director de trayectoria extrema, siempre se ha movido entre el cine abiertamente comercial (la trilogía Ocean) y el más experimental (Full Frontal, Bubble). ¡El soplón! se situaría a medio camino, no se puede considerar una rareza pero tampoco una película destinada a acaparar multisalas. El referente más cercano que podemos encontrar en la filmografía de Soderbergh sería Erin Brockovich, pues al igual que aquella se basa en la historia de una persona anónima que consiguió gran popularidad, aunque por razones muy diferentes.

 

Soderbergh mima la psicología de Mark Whitacre, el soplón que da título a la película encarnado por un gran Matt Damon, hasta el punto de que no paramos de oír sus pensamientos a lo largo de todo el filme, en un intento de desviar la atención de los tejemanejes que se trae con su empresa y el FBI, pero nos va dando una idea de cómo es en realidad el personaje, y aún así no llegamos a conocerlo del todo hasta el desenlace. Damon realiza una labor irreprochable, interpreta a Whitacre con rasgos ambiguos y tragicómicos sin incidir nunca en lo caricaturesco.

 

La trama de la película no es fácil de seguir ni es emocionante, viene a decirnos que el mundo del espionaje no tiene el glamour que nos han vendido en películas como las del agente 007. Si a este desencanto por las operaciones secretas le sumamos un ritmo bastante pausado obtenemos el aburrimiento de la mayor parte del personal. Aunque la película se catalogue dentro del género de la comedia, son pocos los momentos hilarantes, casi todos centrados en la torpeza del protagonista con las prácticas habituales de los espías. El problema es que la mayoría ya los habían enseñado en el tráiler.

 

Por tanto, ¡El Soplón! es el notable estudio de una personalidad insólita, pero ni es un apasionante thriller ni una ávida comedia, aunque tampoco pienso que esa haya sido la intención desde un principio. Destaca el excelente Matt Damon y la impecable factura técnica del filme, mención aparte a la armoniosa banda sonora, propia de los clásicos de la comedia y que aquí funciona estupendamente como contrapunto al aburrido trabajo de oficina, tanto el de una empresa agrícola como el del FBI.

 

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