28/6/15

Orgullo sin prejuicios

Banner Please Like Me

Creador: Josh Thomas
Int.: Josh Thomas, Thomas Ward, Debra Lawrance, David Roberts, Renee Lim, Caitlin Stacey, Nikita Leigh-Pritchard, Keegan Joyce
Emisión: 2013 – Actualidad, ABC2 Australia
2 temporadas

Hoy, día del Orgullo LGTB, hay mucho que celebrar, especialmente la decisión del Tribunal Supremo de Estados Unidos de aprobar el matrimonio homosexual en todos sus estados sin excepción, pero todavía hay mucho por lo que seguir luchando. Ojalá llegue el día en el que un día como hoy deje de tener sentido, porque eso significará que se ha alcanzado la normalización.  El Orgullo es tanto una fiesta que muchos aprovechan para ponerse las botas (perfectamente plausible) como la reivindicación de la visibilidad de algo que durante muchos años nos han intentado (y nos siguen intentando) convencer de que es dañino y vergonzoso cuando en realidad es amor, y es algo real, natural y que no debería ser motivo de exclusión o de privación de derechos humanos.

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Por tanto, qué mejor día que hoy para hablar sobre una serie bastante desconocida pero que va, tal vez sin pretenderlo, de la normalización. Please Like Me es una serie australiana (allá el matrimonio igualitario aún no está reconocido) sobre un veinteañero llamado Josh cuya novia rompe con él porque se ha dado cuenta antes que él mismo de que es gay. Josh empieza entonces la fase de autoaceptación con la respondiente preocupación sobre cómo reaccionará su mejor amigo, sus padres y su entorno, y ya les adelanto que lo hacen de forma completamente natural, sin dramas. Al fin y al cabo, su salida del armario es una nimiedad comparado con la depresión y el intento de suicidio de su madre, con la que se acaba instalando para cuidar de ella.

Plase Like Me

Pero no se lleven a engaños, esto no es un dramón, sino una de esas dramedias en las que los momentos cómicos y los dramáticos se alternan de forma completamente natural, como en la vida misma… y en Girls; Josh Thomas, el creador y protagonista de Please Like Me, podría considerarse el homólogo australiano de Lena Dunham, no sólo por su carácter multifacético y por compartir un estilo narrativo muy similar (ambas son dramedias de 3o minutos y de espíritu hipster) sino porque el personaje de Josh podría ser hermano separado al nacer de Hannah: ambos son carismáticos, ingeniosos, fácilmente inidentificables y dan ganas de darles un par de tortas para que reaccionen ante la realidad; tal vez por eso nos podemos reconocer tanto en ellos.

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De todas formas, lo irritante que puede resultar a veces Josh queda compensado con la ternura que desprenden todos y cada uno de los personajes de la serie. Desde la madre tarumba hasta el amigo distraído, pasando por la novia tailandesa del padre (¡con lo fácil que hubiese sido endosarle el clásico papel negativo de madrastra!) y la tía chapada a la antigua pero pasada de vueltas de todo. Incluso la novia del mejor amigo, un personaje hecho para provocar mofa y del que al final no tienen mucha idea de qué hacer con él, tiene su escena para que le cojamos cariño. La galería de personajes y lo adorables que son es lo que convierte la serie en un ‘happy place’ australiano (el tema de la cabecera ya invita a ello) en el que te lo pasas bien y te preocupas por ellos y esperas que todo les salga bien aunque sepas que no siempre será así. Por cierto, el rodaje de la tercera temporada acaba de concluir así que es de esperar que se emita pronto (ningún canal de habla hispana ha televisado la serie hasta ahora).

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Y terminamos donde empezamos, con el tema de la normalización. Está bien que se hagan series como Looking, centradas en el lobby gay y  en las que todo gire en torno a eso, pero también es importante que se crean historias en las que la condición homosexual del personaje no sea el centro de su trama ni lo que lo defina, sino una parte más de su carácter, como cualquier otra. En Please Like Me, los problemas de la relación de Josh con su madre no tienen nada que ver con su recién descubierta condición sexual, y si bien su primera relación con un chico se resiente porque Josh aún no ha terminado de aceptarse, la siguiente quedará marcada por otras historias. La principal diferencia entre Looking y Please Like Me es que difícilmente la primera pueda interesarle a alguien fuera del colectivo LGTB, pero sí la segunda, porque cualquiera puede sentirse identificado con sus tramas y sus personajes, sin distinción de color de piel, nacionalidad, género o preferencias sexuales. De eso también va la normalización, de no autoexcluirse.

26/6/15

Mormona llena eres de gracia

Poster Electrick ChildrenHabía una vez, una chica de 15 años que vivía feliz en una idílica comunidad mormona fundamentalista del oeste americano donde pasaba los días atendiendo a las enseñanzas de su predicador, que también era su padre, y jugando con sus hermanos y hermanas. Pero una noche, Rachel encuentra una vieja cinta de cassette donde escucha una canción de rock que la cautiva. Semanas después, descubre que algo raro le está ocurriendo: está embarazada, y el responsable sólo puede ser aquel hombre que le canta que “no le deje colgado al teléfono”. Ni corta ni perezosa, Rachel se escapa de la comunidad en su búsqueda, a un lugar totalmente desconocido para ella: Las Vegas.

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Este argumento tan pintoresco pertenece a Electrick Children, ópera prima de la directora y guionista Rebecca Thomas que fue financiada parcialmente a través de una campaña de Crowdfunding, y rodada siguiendo el manual de cine con sello Sundance, esto es, música indie, personajes singulares, factura cuidada y numerosos planos de una gran belleza plástica. Nada sorprendente en la forma pero sí en el contenido. Su premisa daría pie a un siniestro drama a lo Martha Marcy May Marlene o a una comedia disparatada como la serie Unbreakable Kimmy Schmidt (buenísima, ya hablaremos de ella próximamente) pero en vez de eso, Thomas ha optado por realizar una singular e intrigante historia ‘coming-of-age’ de una joven (la angelical Julia Garner) que se cuestiona sus convicciones religiosas y morales cuando se inicia en la cultura pop y conoce a chavales tan diferentes como igual de desorientados que ella, debiendo decidir a qué mundo pertenece, si a su pacífica comunidad familiar o al excitante pero algo decepcionante mundo exterior.

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La película sorprende al no emitir juicios fáciles sobre el modo de vida mormón, dejando que sea el espectador quien saque sus propias conclusiones a través de un devenir de los acontecimientos que no siempre están a la altura de la premisa, pero que desembocan en un desenlace sugerente a la par de enigmático. Aunque puede que la película no deje huella ni sea más que una llamativa curiosidad, da para debate y consigue que nos quedemos tarareando por largo tiempo los versos que dejaron preñada a nuestra heroína. “Don’t leave hanging on the telephone…”

6’5/10

22/6/15

La veda del dino queda reabierta

Poster Jurassic World

Dir.: Colin Trevorrow
Int.: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Nick Robinson, Ty Simpkins, Vincent D’Onofrio, Jake Johnson, Omar Sy, Irrfan Khan, BD Wong
¿De qué va?: 22 años después de los acontecimientos acaecidos en Isla Nublar, el parque temático de dinosaurios con el que soñó John Hammond funciona a pleno rendimiento. En busca de nuevos visitantes y de continuar en el candelabro, los científicos del complejo crean un nuevo dinosaurio de especie desconocida y mucho  más inteligente de lo esperado que empieza a causar estragos en la isla.

Reseña: Hace unos meses estaba en un cine viendo Insurgente cuando de repente me sentí distraído por varias lucecitas. Eran las pantallas de los móviles de todos los adolescentes que había en la sala, hablando por WhatsApp, sin prestarle demasiado atención a una película que habían pagado por ver. Jurassic World, el reboot/secuela de Jurassic Park, parte de la misma problemática: la chavalería de hoy en día no se deja engatusar con facilidad; lejos queda el impacto que causó en el mundo entero el ver en la gran pantalla dinosaurios de un realismo asombroso, así que hay que buscar otra vía para acaparar el interés de la platea: más grande, más dientes, más bestia.

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Así es como comienza la película de Colin Trevorrow (cuya ópera prima, Sin seguridad garantizada, no habrá visto ni el 10% de los espectadores de ésta), con una analogía respecto a lo que está pasando actualmente en los despachos de Hollywood, donde se buscan maneras de conseguir que el público siga acudiendo a los cines tirando por la infalible fórmula de siempre en vez de por la nueva y arriesgada, de tal forma que la propia película acaba asimilando el esquema narrativo de la película original de 1993, pero más tecnológica, espectacular y con más dinosaurios, basándose en la misma idea (el caos desatado cuando el ser humano juega a ser Dios) e intentando ofrecer la misma combinación de acción, comedia, drama familiar y terror. Sin embargo, los cambios de tono no están tan suavizados como en aquel entonces, pasando en cuestión de segundos de un gag cómico a una muerte tremendamente cruel, la más brutal de la saga, para luego continuar con el romance fuera de lugar de su pareja protagonista.

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El espíritu de la guerra de sexos presente en las comedias románticas de los años 40 y 50 revive en los personajes de Chris Pratt y Bryce Dallas Howard. Él, como macho alfa y superviviente nato, y ella como la ambiciosa y testaruda ejecutiva sin tiempo para su familia (de ahí se denota un conservadurismo tan rancio como ‘spielbergiano’). Ambos se pelean y se desean y mientras que Pratt se consolida como el nuevo héroe de acción americano (esta vez sin chascarrillos), Howard se alza como auténtica protagonista de la función, correteando enfundada en sus tacones por toda la isla, un apunte no tan anticuado y surrealista como muchos han creído ver, teniendo en cuenta el resto de la película. Además, la pelirroja le otorga carisma a un personaje que parece diseñado para repeler, y reforzar así la figura del héroe masculino.

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Pasando a los secundarios más reseñables, Nick Robinson y Ty Sympkins, son buenos actores y no resultan tan irritantes como los inevitables críos vistos en películas precedentes. Omar Sy se limita a cubrir el cupo destinado a actores europeos en boga, Vincent D’Onofrio resulta un villano de opereta (nada que ver con el magnífico Kingpin que encarna en la serie de Daredevil) y Jake Johnson consigue despuntar en un personaje gracioso pero no cargante que además ejerce una función muy meta, al representar al fan que revindica la obra original por encima de secuelas y demás remedos.

Jurassic World

Leyendo hasta aquí parece que no me ha gustado demasiado Jurassic World, pero la verdad es que sí, y bastante. Es cine de evasión puro y duro, dos horas que se pasan volando y sin tiempos muertos (a ver quién es el listo que se atreve a mirar su móvil), con unos intérpretes que suplen con carisma la simpleza de sus personajes, y con un factor nostalgia que juega mucho a su favor, puesto que sabe cómo gestionarlo: a través de una mirada cariñosa hacia la cinta original (las secuelas quedan un tanto olvidadas) mediante guiños que adoptan múltiples formas, como la inconfundible partitura musical de John Williams.  Y claro, también están los dinosaurios, que ya no parecen tan auténticos, pero nos siguen cautivando y asombrando por igual. Vamos, que esta visita al parque jurásico puede ser toda una experiencia, siempre y cuando nos atengamos a la suspensión de incredulidad.

7/10

19/6/15

O.C: El placer (1952)

Poster El placer¿De qué va?: Tríptico que gira en torno al placer. El primer episodio empieza con un extraño hombre que asiste a un popular baile de máscaras en País, donde se mueve hasta caer extenuado. El segundo tiene que ver con lo que ocurre en un pueblo cuando el prostíbulo cierra al acudir la madame con sus chicas a la comunión de su sobrina, y el tercero sobre la historia de amor entre un famoso pintor y la modelo de todas sus obras.

Reputación: En plena cima artística de su carrera, el francés Max Ophüls dirigió El placer (Le plaisir), basándose en tres cuentos de su admirado escritor Guy de Maupassant: le Masque, la Maison Tellier y le Modèle. En un principio, el tercer fragmento de la película iba a adaptar La femme du Paul, pero por razones financieras y un cambio de productor a última hora, el cuento fue descartado en favor de le Modèle; sin embargo, el casting de actores permaneció intacto. La película fue nominada al Oscar a mejor dirección artística en blanco y negro en 1952 y fue una de las favoritas de Stanley Kubrick, percibiéndose su influencia en varias de sus películas: existen reminiscencias del primer episodio en Eyes Wide Shut (1999) y en La naranja mecánica (1971) se utiliza un plano subjetivo muy similar al que aparece en la película para filmar un intento de suicidio.

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Comentario: Con El placer, uno queda prendado de entrada ante el brío con el que Ophüls mueve la cámara y coreografía cada escena, inusitadamente complejo para una película de época, y con una elegancia extrema que rara vez se ve en el cine de ayer y hoy; véase el baile de máscaras del primer relato o la forma en la que nos presenta la casa de citas, haciendo un recorrido por las habitaciones tan sólo asomándose a las ventanas, como si de una casa de muñecas se tratase. Su poderío visual es lo que capta nuestra atención, pero luego son los relatos que nos cuenta los que hacen que permanezcamos enganchados a esta oda al placer, o mejor dicho, a la nostalgia que despierta al recordar lo que sentíamos cuando éramos jóvenes, cuando éramos inocentes o cuando estábamos enamorados, encargándose la voz en off de subrayar algo que ya está implícito en las bellas imágenes. Personalmente, me gustó más tanto Carta de una desconocida como La ronda, pero ésta también me ha conmovido, siendo una reproducción fidedigna de lo esclavizados que estamos todos a la efimeridad del placer; a fin de cuentas, si durara para siempre dejaría de serlo.

Próximo visionado: Repulsión (1965)

18/6/15

La elección es de la dama

Poster Lejos del mundanal ruido

Dir.: Thomas Vinterberg
Int.: Carey Mulligan, Matthias Schoenaerts, Michael Sheen, Tom Sturridge, Juno Temple, Jessica Barden, Hilton McRae, Bradley Hall
¿De qué va?: Bathsheba Everdene es una muchacha de mediados del siglo XIX  obstinada e independiente, propietaria de una extensa granja y en posición de elegir entre los tres pretendientes que le rondan: Gabriel Oak, un ganadero dedicado a la cría de ovejas; William Boldwood, un maduro y próspero soltero, y Frank Troy, un apuesto y joven sargento.

Reseña: Si usted, querido lector, se plantea dirigir un drama de época, basado en una novela o una historia previamente adaptada, tiene dos posibilidades para destacar por encima del resto: tirar por un planteamiento radical u original, como la María Antonieta de Sofia Coppola o la Anna Karenina de Joe Wright (tan fallida como arriesgada), o bien trabajar mucho los personajes y la trama amorosa para robarle el corazón al espectador, como el Orgullo y prejuicio del citado Wright. De lo contrario, por muy correcto y clásico que haya sido, corre el peligro de quedarse en tierra de nadie y ser parte del montón.

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No sabemos muy bien las motivaciones que condujeron a Thomas Vintenberg, uno de los padres del cine dogma, a realizar una nueva adaptación del clásico literario Lejos del mundanal ruido de Thomas Hardy. Tal vez quería probar algo diferente. Lo cierto es que, en esta ocasión, la dirección de Vintenberg es generalmente sobria, pero tiene algunos detalles personales, como la proliferación de primeros planos con cámara en mano, ciertas escenas bastante duras que destacan por su sobriedad, sin música ni efectos que realcen el impacto, y sobre todo, un encuentro en un claro del bosque de evidente contenido metafórico, perfecta en su ejecución tanto en el guión como en el montaje, y juguetona con el puritanismo de películas de este género. Probablemente, sea una de las mejores escenas que nos dejará la cosecha cinematográfica de este año.

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A fin de cuentas, la historia gira en torno a una mujer adelantada a su tiempo (perdón por el tópico), orgullosa de su independencia pero que acaba rindiéndose al amor ante tres hombres con algo único que ofrecerle: uno seguridad y estabilidad, otro locura pasional y el tercero comprensión y ternura. Pocas actrices pueden expresar tanto con tan poco ni aguantar tan bien un primer plano como Carey Mulligan, fantástica como de costumbre. Matthias Schoenaerts también es capaz de traspasar el hermetismo de su personaje para exteriorizar sus emociones, y los otros dos pretendientes, Michael Sheen y Tom Sturridge, también realizan buenos trabajos, a pesar de que este último sea el personaje peor representado; su historia se siente atropellada y su evolución de trazo grueso.

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Lejos del mundanal ruido se queda a medio camino entre la luminosidad de Orgullo y prejuicio y la tenebrosidad del Jane Eyre de Cary Fukunaga. Resulta bastante academicista salvo en los momentos en los que Thomas Vinterberg se olvida del corsé, pero lo peor es que a pesar de que se siga con interés y embelesamiento (la fotografía y la banda sonora son preciosas) no emociona ni conmueve. Con todo, es una película notable, irreprochable en casi todos sus aspectos pero que le falta algo, calidez más allá de sus bellos atardeceres, para hacernos vibrar irracionalmente, de la misma forma en la que Bathsheba aparca sus convicciones para rendirse ante los sinsabores y las alegrías del amor.

7/10

16/6/15

Práctica doble

Poster Aprendiendo a conducir

Dir.: Isabel Coixet
Int.: Patricia Arquette, Ben Kingsley, Grace Gummer, Jake Weber, Sarita Choudhury, Samantha Bee, Daniela Lavender
¿De qué va?: Wendy es una escritora neoyorkina que decide sacarse el carnet de conducir al tiempo que su matrimonio se rompe. Para ello toma clases con Darwan, un refugiado sij que se gana la vida trabajando como taxista e instructor en una autoescuela.

Reseña: Isabel Coixet no es santo de mi devoción. La conocí a través de Mi vida de mí, de la que me enamoré, pero nunca conecté de la misma manera con el resto de sus películas (La vida secreta de las palabras, Elegy, Cosas que nunca te dije…) porque, sobre todo, me parecía que forzaba demasiado el drama. Tal vez por eso, su penúltimo trabajo pero primero de encargo (esta mujer tiene un ritmo de trabajo demencial) , me parece un soplo de aire fresco en su carrera, porque tal y como ella dijo en su presentación en el Festival de Málaga, es su primera película con la que “al salir no te quieres cortar las venas”.

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Basada en un artículo de prensa sobre la experiencia personal de su autora, Aprendiendo a conducir se fundamenta sobre un esquema narrativo presente en multitud de comedias: el choque cultural entre dos caracteres opuestos que acaban por encontrar algo que los une. Por un lado, tenemos a una mujer un tanto histérica y de vida acomodada cuya apacible vida matrimonial se derrumba cuando su marido la deja por una mujer más joven, y por el otro, tenemos a un hombre tranquilo y humilde que trabaja de sol y a sol y se prepara para empezar un matrimonio concertado. La primera debe aprender a emanciparse mientras que el segundo debe aprender a vivir en pareja, con las lecciones de conducir como cauce de su ayuda y comprensión mutua y como metáfora de su aprendizaje vital. Mis prácticas no fueron ni la mitad de agradables ni de valiosas.

Aprendiendo a conducir

La película tira de fórmula clásica y funciona tirando de simpatía, sensibilidad y del buen hacer de sus actores. A pesar del rechazo inicial que podamos sentir por  Patricia Clarkson terminamos encariñándonos con ella, que está tan estupenda como de costumbre, mientras que toda la historia de la cultura sij del personaje de Ben Kingsley no está tratada desde el punto de vista occidental, sino desde dentro y sin incidir en el exotismo. El mayor problema que le encuentro a la cinta, más que el que esté hecha con escuadra y cartabón, es cierto machismo soterrado que da a entender que los hombres son infieles por naturaleza, las mujeres maduras unas mojigatas y las jóvenes unas golfas. No molesta del todo pero ahí está, entre líneas. De todas formas, Aprendiendo a conducir es agradable y optimista (puede gustar más a los detractores de Coixet que a los fans) y está rodada con buen oficio. Tal vez sea tan fácil de visionar como de olvidar, pero es la típica película que puedes ver acompañado de mamá. La mía, por cierto, tampoco sabe conducir y mejor que continúe así.

7/10

14/6/15

El crepúsculo de las diosas

Poster Viaje a Sils Maria

Dir.: Olivier Assayas
Int.: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Lars Eidinger, Johnny Flynn, Brady Corbet, Angela Winkler, Hanns Zischler
¿De qué va?: A los 18 años, la carrera como actriz de María Enders despegó al interpretar en el teatro a Sigrid, una joven ambiciosa y encantadora que ocasiona el suicido de Helena, una mujer que se enamora de ella. Veinte años más tarde, a María le ofrecen interpretar nuevamente la pieza, pero esta vez encarnando a Helena. Con la ayuda de su asistenta, Valentine, María intentará comprender y meterse en la piel de un personaje que detesta.

Reseña: Michael Keaton no fue el único actor que interpretó el año pasado una versión análoga de sí mismo en el cine; Olivier Assayas escogió a Juliette Binoche y a Kristen Stewart para la historia de una reputada actriz europea que se muestra escéptica cuando debe compartir escenario con la nueva estrella joven de Hollywood, una chica cuya vida personal está salpicada de escándalos y que ha protagonizado un blockbuster de superhéroes. Cambiamos a los superhéroes por vampiros y hombres lobo y… bueno, el símil salta a la vista.

Viaje a sils maria

No obstante, el papel de la actriz pujante lo encarna Chlöe Grace-Moretz, mientras que Stewart encarna a la asistenta personal de la protagonista, Binoche, con la que mantiene una relación en la que la realidad y la ficción se confunden en paralelo a los ensayos de la obra de teatro de esta última. Viaje a Sils María es una película con ecos de Persona y Eva al desnudo y con múltiples lecturas y capas: aborda las inseguridades de una actriz madura con miedo a convertirse en lo que siempre ha odiado y a pasar al olvido debido a su edad como tantas otras en el mundo del espectáculo, de la relación dependiente (y fácilmente intercambiable) que las estrellas mantienen con sus asistentes personales, del circo que se monta cuando se prioriza la polémica por delante del arte y de cómo la percepción que podemos tener sobre una obra puede cambiar con el tiempo o desde el ángulo en el que la miremos.

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En ese sentido, Assayas realiza un ejercicio metacinematográfico tanto al dejar a disposición del espectador las herramientas necesarias para que éste ordene las piezas y saque sus propias conclusiones sobre la historia como al dejar que la vida real de sus actrices forme parte de la ficción, algo que queda perfectamente ejemplificado en la escena en la que el personaje de Kristen Stewart defiende la complejidad psicológica implícita en los blockbusters ante una atónita Juliette Binoche (quien, por cierto, rechazó dos veces participar en la saga Jurassic Park). Binoche está magnífica, capta a la perfección el conflicto de su personaje y realiza un portentoso ‘tête-à-tête’ con Kristen Stewart, estupendamente natural, magnética y carismática. Normal que los franceses se hayan enamorado de ella otorgándole el César (el primero a una actriz norteamericana); éste debería ser el punto de inflexión de su carrera. Chloë Grace-Moretz queda relegada a un discreto segundo plano, pero cuando gana presencia hacia el final de la película lo aprovecha al máximo.

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Como objeto de análisis, Viaje a Sils María tiene muchísimo jugo a nivel narrativo, representativo, comunicativo, lingüístico… es verdaderamente fascinante. Como película de evasión, resulta bastante fría y distante, pero porque no le interesa jugar en esta liga. El empeño de Assayas por cerrar con fundidos a negro escenas inacabadas y dejar varios cabos sueltos puede resultar muy frustrante, pero lo que no se puede negar es la buena mano que ha tenido para dirigir a su trío de actrices, y con sólo verlas en acción merece la pena ver la película sin necesidad de bucear en su rico interior, aunque sería una lástima quedarse en la superficie.

7’5/10

13/6/15

La república independiente de tus rarezas

Poster Requisitos para ser

Dir.: Leticia Dolera
Int.: Leticia Dolera, Manuel Burque, Alexandra Jiménez, Miki Esparbé, Jordi Llodrá, Silvia Munt, Carmen Machi, David Verdaguer, Núria Gago
¿De qué va?: María de las Montañas es una chica de 30 años que al preguntarle en una entrevista de trabajo qué es para ella una persona normal se da cuenta que está muy lejos de serlo, así que decide ponerle remedio buscando trabajo, casa, vida social, pareja, aficiones y la reconexión con su familia. Sólo así, María confía en que pueda alcanzar la llave de la felicidad.

Reseña: La ópera prima de Leticia Dolera en la que ejerce de directora, protagonista y guionista casa perfectamente con la imagen friki que proyecta la actriz, debido especialmente a su papel habitual de anfitriona e imagen de la Muestra SyFy y a su personaje más icónico hasta la fecha, la novia rabiosa y ensangrentada de [REC] 3 Génesis. Y aunque su película no sea una de terror o de ciencia ficción, habla de toda esa gente a la que le gusta las cosas fuera de lo convencional, de aquellos que son tachados de raritos y extravagantes por tener gustos y aficiones fuera de lo común y, en definitiva, de los que no son considerados “normales” porque no siguen las pautas que marca la sociedad para formar parte del rebaño.

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Para trazar la búsqueda de la felicidad de María de las Montañas, Dolera ha hecho un viaje de ida y vuelta a Sundance, dejándose influenciar por la comedia indie norteamericana más influyente: hay reminiscencias de Beginners, Juno, (500) días juntos o el cine de Wes Aderson en aspectos como el montaje, la fotografía, el sentido del humor (y del romance), la estupenda banda sonora o los personajes, pero afortunadamente, en vez de limitarse a hacer un ‘corta y pega’ los asimila para producir una comedia de tintes románticos diferente a lo que se suele hacer en este país (sin los consabidos chistes sobre lo mal que hablamos inglés lo españoles), y que resulta muy agradable de ver y capaz de provocar carcajadas y sonrisas cómplices, a no ser que su espíritu marcadamente hipster y un tanto naíf te produzca urticaria…. y también si no eres de los que tienen su casa completamente amueblada de Ikea.

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Leticia Dolera ha hecho un papel a su medida y sigue la máxima de la gran Kristen Wiig de que las chicas pueden ser tan payasas como los hombres y tirarse pedos sin jugarse su feminidad. Manuel Burque como prototipo de ‘anti-galán’ es perfecto, muy riquiño, y la relación que se establece entre su personaje y el de Dolera es de ésas que deseas que tengan un final feliz, porque juntos son la definición de “morir de amor”. El plantel de secundarios está escogido con mucho ojo y muy bien dirigido, destacando Jordi Llodrá como el hermano de María, con síndrome de Down, gay y fan de Crepúsculo y que es todo luz y optimismo, Alexandra Jiménez como ese modelo de normalidad al que María quiere aspirar o Silvia Munt, la madre de la protagonista, que tiene una descacharrante escena de colocón con sus amigas, encarnadas por Carmen Machi y Blanca Apilánez, y de las que nos quedamos con ganas de más.

Requisitos para ser una persona normal

Si bien el espíritu hipster de Requisitos para ser una persona normal puede ser un acicate o un inconveniente según el gusto de cada espectador, la previsibilidad en la que desembocan muchas de sus situaciones y algunas resoluciones amaneradas (la escena de los globos) empañan un poco las buenas sensaciones que deja esta primera obra de Leticia Dolera, que realiza una tierna y simpática exaltación de lo raro sin menospreciar la normalidad, porque cada uno puede y debe ser feliz a su propia manera… a no ser que tu concepto de felicidad implique algo como desmembrar cuerpos humanos. Psicopatías las justas.

7/10

10/6/15

Sin pecado concebido

Poster Horns

Dir.: Alexandre Aja
Int.: Daniel Radcliffe, Juno Temple, Joe Anderson, Max Minghella, Kelli Garner, Heather Graham, James Remar, David Morse
¿De qué va?: La novia de Ignatus ‘Ig’ Perrish ha sido brutalmente asesinada y todo el pueblo cree que él ha sido el responsable. En el primer aniversario de su muerte y tras despertar con una terrible resaca, Ig descubre que le están saliendo dos cuernos de la cabeza que conllevan un poder que le ayudará a descubrir la identidad del asesino.

Reseña: En la última edición del festival Nocturna de Madrid, Alexandre Aja recogió el premio Visionary Award por su carrera dedicada exclusivamente al género fantástico y de terror. Con seis largometrajes en su haber, el director galo ha demostrado su habilidad para manejarse entre el terror, el gore y la comedia negra, dando como resultado obras tan reivindicables y bestias como Alta tensión y el remake de Las colinas tienen ojos o serie B lúdica como Piraña 3D.

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Su último trabajo, Horns, basado en una novela de Joe Hill, hijo de Stephen ‘It’ King, es al mismo tiempo una película de suspense, una comedia negra, una de aventuras juveniles, un drama romántico, una historia de venganza y una de fantasía sobrenatural, todo ello con la hipocresía y el oportunismo de la sociedad ante la tragedia como telón de fondo. La película va saltando de una cosa a otra, descolocando al espectador, aunque el buen hacer de Aja suaviza el golpe. Sin embargo, existe irregularidad entre los pasajes de la película, siendo los mejores momentos cuando los personajes confiesan sus más ocultos pensamientos ante el protagonista, como si de un sacerdote demoníaco se tratase, y el peor durante la recta final, cuando empiezan a pesar las dos horas de metraje que dura el filme y el despiporre de efectos sobrenaturales acapara toda la atención.

Horns

Daniel Radcliffe resulta muy competente como el endemoniado protagonista, demostrando que tendrá una saludable carrera artística más allá de Harry Potter. Como novia cadáver, Juno Temple es encantadora, enamorándonos a través de los flashbacks y provocando que nos interesemos más por su destino fatal. Por el contrario, Max Minghella parece que está ahí sin creerse lo que está ocurriendo a su alrededor (tampoco lo culpo), pero Joe Anderson sí que realiza una más que correcta labor y Heather Graham realiza un cameo muy divertido. Tampoco hay mucho más que se le pueda sacar a Horns, una mezcolanza de géneros y tonos curiosa, bastante digna, pero cuyo destino natural es ser programada por una cadena de televisión para una sesión de media tarde… o de madrugada. Tanto sirve para un roto como para un descosido.

6/10

8/6/15

O.C: Carretera asfaltada en dos direcciones (1971)

Poster Carretera asfaltada¿De qué va?: Dos jóvenes recorren las carreteras de Estados Unidos en un Chevrolet del 55, parando en cualquier pueblo donde puedan participar en carreras ilegales. Al tomar la ruta 66 en dirección a California, se cruzan con una atractiva autoestopista que se sube a su coche, y con un peculiar conductor al que retan con una carrera hasta Washington DC.

Reputación: A raíz del éxito de Easy Rider (1969), la Universal decidió producir esta road movie de carácter rebelde y existencialista a pesar de que no entraba dentro de los cánones del cine comercial, siendo la única película para un gran estudio que ha rodado su director, Monte Hellman, quien hoy en día, a sus 85 años, compagina su carrera como realizador (aunque lleva cinco años sin estrenar nada) con la de su labor como profesor en dos universidades de California. De los cuatro actores que protagonizan el filme, sólo Warren Oates (Grupo salvaje) era profesional; tanto James Taylor, famoso cantautor y guitarrista, como Dennis Wilson, baterista de The Beach Boys, actuaron únicamente en esta película (el primero ha aparecido en otras cintas y series encarnándose a sí mismo). En lo que respecta a la chica, Laurie Bird, era una modelo que volvió a colaborar con Hellman en su siguiente proyecto, Gallos de pelea (1974), y tuvo un pequeño papel en Annie Hall (1977) antes de quitarse la vida en Nueva York en 1979. Carretera asfaltada en dos direcciones (Two-Lane Blacktop) fue tal fracaso en taquilla que no estuvo disponible en formato doméstico durante años porque no era prioritaria para Universal. A la hora de lanzarla en DVD, también tuvo problemas por los derechos de las canciones de Jim Morrison que suenan en el filme.

Carretera asfaltada

Comentario: Si Easy Rider era la respuesta contracultural, libre e inconformista del Hollywood tradicional, Carretera asfaltada en dos direcciones es la versión arte y ensayo de esta última. Un tipo que se inventa una historia diferente de su vida cada vez que recoge a un autoestopista, dos colegas que no tienen tema de conversación que no sea sobre coches y carreras y una joven sin rumbo fijo que ejerce de catalizador para que los hombres recapaciten (o no) sobre qué están haciendo con sus vidas. Apenas conocemos nada de ellos, ni su pasado, ni sus objetivos y ni siquiera sus nombres, pero a través de ciertas pinceladas descubrimos lo que se esconde detrás: toda una generación inmersa en una huida hacia delante con el acelerador pisado a fondo. La película de Hellman es generalmente monótona y algo aburrida, pero tiene varios escenas, planos y recursos (la improvisación, el plano final…) que la convierten en un visionado interesante para cinéfilos.

Próximo visionado: El placer (1952)

7/6/15

Sangre enterrada bajo la nieve

Banner Fargo

Creador: Noah Hawley
Int.: Billy Bob Thornton, Martin Freeman, Allison Tolman, Colin Hanks, Bob Odenkirk, Oliver Platt, Adam Goldberg, Joey King, Keith Carradine
Emisión: 2014 – ¿?, FX
1 temporada

En la pasada temporada de premios televisivos, True Detective se creía con todas las papeletas para triunfar, pero finalmente quedó eclipsada ante una avalancha llamada Fargo, producción de la cadena FX basada en la película homónima de los hermanos Coen del año 96. Todos aquellos que fueron escépticos ante el proyecto cuando se anunció cayeron rendidos a lo largo de su emisión, al ver no sólo que la serie conservaba la esencia cinematográfica de los hermanos, sino que también era algo diferente y único capaz de funcionar por sí sólo.

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Fargo, la serie, toma elementos de Fargo, la película, como personajes, aspectos argumentales y escenarios, para crear una historia muy diferente a la original, pero sustentada en los dos mismos pilares: un hombre mediocre cuya oscuridad se revela al tantear la vida criminal y una policía cuyas dotes detectivescas están muy por encima del lugar donde trabaja. A partir de ahí, se desarrolla una trama estructurada en diez episodios que vuelve a ser una crónica negra de la codicia y la agresividad de la América profunda que emerge con rascar un poco la superficie, conservando asimismo los rasgos fundamentales de los Coen: humor negro, personajes excéntricos, puntuales estallidos de violencia y ese particular ritmo lento(que no aburrido, hay que saber diferenciar) que va colocando sin prisa pero sin pausa las piezas del puzzle, hipnotizándonos en el proceso.

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Claro que la serie no engancharía ni la mitad si no fuera por sus personajes y los actores que los interpretan: Billy Bob Thornton da la campanada al dar vida a un asesino taimado, misterioso, encantador e imprevisto; nunca sabes cómo va a reaccionar a cada situación, disparando la tensión. Martin Freeman da vida al cretino más afortunado del mundo, un tipo que recuerda a Walter White, alias Heisenberg, porque no sólo es alguien mundano que disfruta sacando al cabrón que permanecía latente dentro de él, sino que consigue librarse siempre aunque esté continuamente acorralado. La diferencia es que Heisenberg tenía agallas y este es un cobarde demasiado astuto. Y la tercera protagonista en discordia es Allison Tolman, recuperando el personaje por el que Frances McDormand ganó un Oscar. Ella representa la esperanza de una sociedad mejor entre tanta ineptitud y corrupción moral, luchando para descubrir la verdad a pesar de la incredulidad de sus compañeros de trabajo (no tiene nada que demostrarles, sólo hacer bien su trabajo) y creando a su vez un vínculo muy especial con el personaje de Colin Hanks, un perdedor en busca de su sitio y de redención.

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Si la película tenía sus momentazos, como el famoso de la trituradora de madera, la serie tiene los suyos propios, como el que cierra el primer episodio, uno que se produce en un ascensor hacia el final, o el más interesante, un travelling horizontal en el que sólo oyendo lo que ocurre se crea una imagen perfectamente nítida en nuestra cabeza. Yo en particular esperaba un final más contundente, aunque el que tiene no está nada mal, porque lleva la ironía de la serie hasta las últimas consecuencias. El éxito de la serie ha sido tal que ya se está rodando una segunda temporada, protagonizada por Kirsten Dunst (¡bien!), Ted Danson y Patrick Wilson, en una trama completamente nueva ambientada en el año 1979, una jugada similar a la realizada por True Detective, que en breve estrena su segunda temporada. ¿Quién ganará el segundo asalto?

P.D: Aunque las dos me gustaron de forma similar, si tengo que elegir me quedo con True Detective.

6/6/15

Inocencia interrumpida

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Dir.: David Robert Mitchell
Int.: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zotatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe, Linda Boston, Caitlin Burt, Heather Fairbanks
¿De qué va?: Jay, una joven de 18 años, empieza a tener horribles visiones tras mantener un encuentro sexual con un chico, teniendo la sensación de que algo o alguien la acecha y persigue. A medida que la amenaza crece, Jay buscará la manera de librarse de esta extraña maldición con la ayuda de su hermana pequeña y sus amigos.

Reseña: Cuando somos niños, soñamos con lo que queremos ser de mayores al tiempo que miramos con desdén el aburrido mundo de los adultos, prometiéndonos a nosotros mismos que nunca seremos como ellos y jamás nos cansaremos de nuestros juegos. Pero con la llegada de la pubertad, ansiamos probar los juegos de los adultos, sufrimos numerosos cambios corporales, los traumas familiares y las decepciones empiezan a pesar, y los sueños de niñez son sustituidos por la pesimista realidad: que somos nosotros quienes debemos adaptarnos al mundo y no al revés.

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Del fin de niñez es de lo que versa It Follows, obra de culto instantánea que, al igual que Babadook, se aprovecha de los mecanismos del terror para contar algo que va más allá de una excusa para asustar al espectador. No obstante, si Babadook andaba muy justa como película de terror per se, It Follows es una gozada para los amantes del género, bebiendo directamente de La noche de Halloween de John Carpenter y del terror de los 80: desolados barrios residenciales americanos, una estupenda banda sonora electrónica a cargo del grupo Disasterpeace y una planificación que juega mucho con la profundidad y el fuera de campo, con lo que no se ve pero se presiente, con la tensión de saber que algo va a pasar que los personajes aún ignoran, y el desconocimiento total del origen de la maldición. El director David Robert Mitchell sólo utiliza en contadas ocasiones trucos fáciles para asustar, valiéndose de un exquisito montaje y de un inteligente uso de la cámara, del travelling circular y el plano secuencia para entrar y sacar al espectador de la mente de la protagonista cuando la película lo requiere, y encadenando planos bellísimos uno tras otro.

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Si afrontamos It Follows con la idea de que vamos a ver una película de terror convencional probablemente salgamos defraudados, porque a pesar de los genuinos momentos de pánico que genera, caso de su rotundo prólogo, toda su historia se puede entender como una metáfora, tan preciosa como terrorífica, de la pérdida de la inocencia con el acto sexual como moneda de cambio y salvación: cuando empiezas ya no puedes volver atrás. La creciente paranoia y pesadumbre de Jay, interpretada por la impecable Maika Monroe, toda una revelación, puede ser vista tanto como el efecto de ser perseguida por ese misterioso ente que la acecha continuamente, como el precio que paga cualquier adolescente cuando empieza a sufrir las consecuencias de entrar en el mundo de los adultos, donde ya no hay cabida para la ingenuidad pubescente.

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Al ser una película sobre el microcosmos juvenil, no hay prácticamente presencia de los adultos, siempre de espaldas o fuera de foco. Ellos no pueden entender por lo que está pasando Jay porque hace tiempo que ya no viven en ese mundo y están a otras cosas. También es curioso que, salvo por la presencia de un ebook en forma de concha, no haya presencia de ningún producto de la tecnología moderna, siendo todos los objetos, e incluso los automóviles, de hace 20, 30 o 40 años, y que las películas que aparecen sean clásicos del terror y de la ciencia ficción en blanco y negro ¿Búsqueda de una estética retro/atemporal o simple postureo hipster? En cualquiera de los casos, It Follows es una película plagada de detalles, metáforas y lecturas que la convierten no sólo en un sugestivo objeto de análisis, sino en una aterradora, bella y melancólica película sobre los fantasmas que nos siguen a todos y cada uno de nosotros cuando nos vamos haciendo mayores.

8’5/10

2/6/15

Itinerario de estrenos de junio 2015

Estrenos_Junio

El descenso de la participación en la Fiesta del Cine (un 27% menos que la edición anterior) corrobora tanto que no se escogió una buena fecha, por fútbol y cartelera poco interesante, como el escaso interés de los españoles por acudir al cine; algo tiene que cambiar, no sólo el descenso del IVA cultural, para que los españoles valoren el cine como una de las principales opciones de ocio al nivel de países como Francia. Junio tampoco será un mes de grandes estrenos, de hecho, sólo destaco tres y se estrenan el mismo día, pero al menos uno de ellos podría maquillar los malos datos que tendrá el mes. Aparte de los que podrán ver a continuación, hay dos más a tener en cuenta: la comedia negra Horns con Daniel Radcliffe (Amigos de más) y Requisitos para ser una persona normal, el debut en la dirección de Leticia Dolera (Kamikaze).

Jurassic World: Catorce años después del estreno de la última y decepcionante entrega, vuelve la saga jurásica por excelencia iniciada por Steven Spielberg, quien esta vez se queda en la producción y cede en el puesto de dirección al joven Colin Trevorrow (Seguridad no garantizada), quien también ha colaborado en la redacción de un guión que nos lleva de vuelta a Isla Nublar, con el Jurassic Park por fin en funcionamiento y cosechando un gran éxito. Sin embargo, la creación de un nuevo dinosaurio, tan inteligente como peligroso, provocará el caos en el parque. Chris Pratt (Guardianes de la galaxia), Bryce Dallas Howard (Criadas y señoras), Omar Sy (Samba), Jake Johnson (Colegas de copas), Vincent D’Onofrio (Daredevil), Nick Robinson (The Kings of Summer) y Ty Simpkins (Insidious 2) conforman el reparto de uno de los blockbusters más esperados del verano (se pronostican 100 millones de dólares en recaudación durante su primer fin de semana en la taquilla americana).
Estreno: 12 de junio


Lejos del mundanal ruido:
Adaptación cinematográfica de la novela clásica de Thomas Hardy llevada a cabo por Thomas Vinterberg (La caza) con Carey Mulligan (El gran Gatsby), Matthias Schoenaerts (Suite francesa), Michael Sheen (Masters of Sex), Tom Sturridge (On the Road) y Juno Temple (Maléfica) como protagonistas. La historia gira en torno a Bathsheba, una joven independiente propietaria de una granja con tres pretendientes rondándole: un ganadero, un atractivo sargento y un maduro y adinerado soltero. A la crítica americana le ha gustado bastante.
Estreno: 12 de junio


Viaje a Sils María: Olivier Assayas (Después de mayo) es director y guionista de este filme presentado en el Festival de Cannes del año pasado sobre María Enders, una actriz que se hizo famosa a los 18 años interpretando a Sigrid, una chica ambiciosa y encantadora que acaba ocasionando el suicidio de una mujer madura, Helena. Veinte años más tarde, en la cima de su carrera profesional, le ofrecen participar en una nueva versión de la obra, pero encarnando esta vez a Helena, lo cual traerá consecuencias en su relación tanto con la joven actriz que interpreta a Sigrid como con su asistenta personal. Juliette Binoche (Lecciones de amor) , Chloë Grace Moretz (Si decido quedarme) y Kristen Stewart (Siempre Alice), que ganó el César a mejor actriz de reparto por este papel, conforman el trío protagonista de esta película con buenas críticas.
Estreno: 12 de junio

1/6/15

Actriz del mes: Kristen Stewart


Nombre completo: Kristen Jaymes Stewart

Fecha de nacimiento: 9 de abril de 1990

Lugar de nacimiento: Los Ángeles, California (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Personal Shopper (2016)
Untitled Woody Allen Project (2016)
Untitled Kelly Reichardt Project (2016)
Barry Lynn’s Long Halftime Walk (2016)
Equals (2015)
American Ultra (2015)
Anesthesia (2015)

Viaje a Sils María (2014)
Siempre Alice (2014)
Camp X-Ray (2014)
La saga Crepúsculo: Amanecer – Parte 2 (2012)
Blancanieves y la leyenda del cazador (2012)
En la carretera (2012)
La saga Crepúsculo: Amanecer – Parte 1 (2011)
La saga Crepúsculo: Eclipse (2010)
The Runaways (2010)
Welcome to the Rileys (2010)
La saga Crepúsculo: Luna nueva (2009)
Adventureland (2009)
Crepúsculo (2008)
Algo pasa en Hollywood (2008)
Hacia rutas salvajes (2007)
Entre mujeres (2007)
The Messengers (2007)
Zathura (2005)
Gente poco corriente (2005)
Undertow (2004)
Misión sin permiso (2004)
La habitación del pánico (2002)
La seguridad de los objetos (2001)


Méritos: Si alguien me hubiese dicho hace tres años que coronaría a Kristen Stewart como actriz del mes de este blog, me habría partido de risa. Yo era uno más del numeroso grupo de haters que arrastra la actriz desde que alcanzó la fama mundial protagonizando la saga Crepúsculo, convirtiéndose asimismo en la 'ídola' de quinceañeras que soñaban con ser disputadas por un vampiro emo y un hombre lobo metrosexual. La lánguida interpretación de la Stewart y su sempiterna boca abierta se convirtieron en blanco de numerosos memes y parodias. Su interpretación de Blancanieves, cortada por el mismo patrón, no deparaba un futuro prometedor para K-Stew. 

Pero al concluir Crepúsculo, algo inesperado pasó, y no me refiero a su ruptura con su 'partenaire', Robert Pattinson: tanto él como Stewart escogieron proyectos alejados del ámbito teen en el que saltaron a la fama, más cercanos a las películas que había rodado antes, como Adventureland y Hacia rutas salvajes en el caso de ella. Mientras Pattinson se convertía en el actor fetiche de David Cronenberg, Stewart probó suerte en filmes independientes como el que llega este mes a España, Viaje a Sils María, gracias al cual ganó el César (el Goya francés) a la mejor actriz de reparto, siendo la primera actriz americana galardonada en estos premios. Su colaboración con Oliver Assayas ha sido tan productiva que volverán a repetir en Personal Shopper, un rodaje que afrontará tras trabajar a las órdenes de cineastas tan reputados como Kelly Reichardt, Ang Lee y Woody Allen, conformando una de las canteras de proyectos más interesantes del panorama actual.

Y así he pasado de detestar a Kristen Stewart a considerarla necesaria. Por sus críticas abiertas al sexismo de Hollywood, por su gusto a la hora de escoger proyectos y porque se aleja del prototipo de estrellas emprendido por Jennifer Lawrence y Emma Stone, demostrando que se puede triunfar en Hollywood sin tener que ser la más maja de la alfombra roja, sino simplemente, una persona normal y corriente. Sólo falta que se quite el tic de morderse el labio.



Extras:

Tráiler de Viaje a Sils María

Tráiler de American Ultra

Tráiler de X-Camp Ray

Ganando el César a mejor actriz de reparto por Viaje a Sils María

Jenny Lewis – Just One Of The Guys

Los comienzos de Kristen Stewart