30/9/13

O.C: La jauría humana (1966)

Poster La jauria humana¿De qué va?: Un hombre que se ha escapado de la cárcel vuelve a su pueblo, pero sus vecinos emprenden contra él una auténtica cacería como si se tratara de una diversión más. Sólo el sheriff, un hombre íntegro y cabal, tratará de evitar el linchamiento.

Reputación: El reputado productor Sam Spiegel adquirió los derechos cinematográficos de la novela The Chase de Horton Foote en los años 50 (en un principio pertenecieron a Gary Cooper, pero éste no logró reunir el dinero para rodarla), con la intención de que Marlon Brando encarnase al fugitivo y Marilyn Monroe a su esposa. Sin embargo, cuando la producción arrancó finalmente en 1965, Brando era demasiado mayor para el papel, por lo que pasó a interpretar al sheriff del pueblo, trabajo por el que percibió 750.000 dólares. Sin embargo, a Brando no le gustaba el personaje y se quejó durante todo el rodaje de que lo único que tenía que hacer era deambular por el escenario. Esta es una de las primeras películas que rodó Robert Redford, y aunque su interpretación fue masacrada por la crítica empezó a destacar en la industria. El rodaje no fue nada fácil dadas las continuas disputas entre el director, Arthur Penn, la guionista, Lillian Hellman y el productor, Spiegel. Para empezar, éste ordenó una reescritura del libreto de Hellman y prohibió que ella viera la película antes del estreno. Tampoco permitió que Penn realizara el montaje final, por lo cual el director se quejó de que había arruinado el ritmo de la cinta, carente de la histeria que debía provocar. A pesar de todos los talentos reunidos, el filme fue en su momento un fracaso de crítica y taquilla y marcó el principio del fin del éxito de Spiegel como productor.

La jauria humana

Comentario: Nunca sabremos cómo habría sido la película si Arthur Penn se hubiese encargado de su edición, pues ese es uno de los grandes peros que le achaco a la película, que a pesar de la omnipresente intranquilidad el montaje no cobra fuerza y nervio hasta la última parte. Pero a pesar de todo, La jauría humana es una gran película, antecedente directo de la actual e igual de recomendable La caza, y es lógico que en su día haya sido un fracaso porque la autocrítica no es placentera, sobre todo si es tan amarga como la que se realiza aquí. El filme presenta una sociedad americana carente de moralidad, cateta, tozuda y superficial, y lo peor de todo es que estos comportamientos tan radicales se siguen llevando a cabo en la actualidad, y no sólo en el país de las barras y estrellas. El desenlace es tan seco, desmoralizante y sin concesiones como necesario para que nos percatemos de lo podrida que puede estar la sociedad.

Próximo visionado: Siete novias para siete hermanos (1954)

29/9/13

Complejo de Edipo

Poster Dos madres perfectas
Dir.: Anne Fontaine
Int.: Naomi Watts, Robin Wright, Xavier Samuel, James Frecheville, Ben Mendelsohn, Jessica Tovey, Sophie Lowe
¿De qué va?: Lil y Roz son dos amigas y vecinas que se conocen desde el colegio cuya relación se ve afectada cuando se enamoran del hijo adolescente de la otra.

Reseña: Las relaciones incestuosas y prohibidas han sido siempre un filón en la literatura y la cinematografía. No son sólo el espejo de una sociedad que esconde una vida privada que contradice a la pública, sino que sirven para descubrir si tenemos una mente abierta o si en cambio tenemos más prejuicios de lo que pensábamos. La historia de Dos madres perfectas, que gira en torno a la relación sexual y sentimental de dos mujeres maduras con el hijo de la otra, no es de las más escandalosas, pero sí de las más curiosas y atractivas.

Dos madres perfectas3

Y es que no estamos hablando de dos ancianas rechonchas precisamente, sino de Naomi Watts y Robin Wright en su espléndida y natural madurez. Además, sus respectivos hijos son dos esculturales australianos de veintitantos, por lo que no se trata de un filme que se recree en la repulsión a lo John Waters. Sin cargar demasiado las tintas en el aspecto sexual, los tiros van más por la crisis de las mujeres maduras cuando han fracasado en el amor y se sienten demasiado mayores y cansadas para comenzar de cero otra vez. Aquí es donde entran esos dos jóvenes dioses de ébano que las hacen sentir queridas y jóvenes de nuevo, sin grandes complicaciones más allá de lo que supone acostarse con una persona a la que conoces desde que era un bebé y al que consideras casi como tu propio hijo.

Dos madres perfectas

Sin embargo, la directora Anne Fontaine nunca llega a profundizar demasiado en el conflicto moral en el que se encuentran estas dos señoras y en todo lo que eso acarrea en su longeva amistad. El momento en el que se debaten si lo que están haciendo es correcto o no se resuelve muy rápido, y eso que toda la película está impregnada de un dramatismo que sólo llega a culminar en momentos puntuales, especialmente cuando se centra en la fragilidad de una estupenda Naomi Watts. Tanto ella como Robin Wright realizan una gran interpretación, lo mejor de la película, mientras que sus hijos en la ficción no están tan bien: mientras que Xavier Samuel está simplemente correcto, James Frencheville se muestra demasiado inexpresivo.

Dos madres perfectas2

La idílica playa en la que las protagonistas se pasan la mayor parte del tiempo es como una burbuja en la que están aisladas del resto del mundo, y por tanto, pueden dar rienda suelta a su particular relación a cuatro bandas sin que nadie interfiera en su felicidad. Dos madres perfectas es un filme interesante que plantea cuestiones incómodas, dejando algunas en el aire para que cada uno piense en sus propias respuestas, pero si ahondara más en los claroscuros del conflicto que presenta sería mucho más sugestiva.

6/10

Estreno en España: 15 de noviembre

27/9/13

Perdedores con ilusión

Poster La gran familia española

Dir.: Daniel Sánchez Arévalo
Int.: Quim Gutiérrez, Antonio de la Torre, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Miquel Fernández, Patrick Criado, Sandra Martín, Arantxa Martí
¿De qué va?: Una boda transcurre el mismo día en el que España se jugaba la final del mundial de fútbol de Sudáfrica. Ese día de catarsis colectiva, mientras todo el país se paralizaba, cinco hermanos con nombres bíblicos (Adán, Benjamín, Caleb, Daniel y Efraín)  también se van a enfrentar al partido más importante de sus vidas.

Reseña: Con cuatro películas en su haber, Daniel Sánchez Arévalo ya ha establecido sus señas de identidad, y parece que no tiene intención de renovarse, aunque tampoco le hace falta. Todos sus trabajos son una combinación muy ajustada de drama y comedia, ligeras sin caer en la intrascendencia, giran en torno a la minusvalía emocional del género masculino, representada principalmente por sus tres actores fetiche (Gutiérrez, de la Torre, Arévalo) y no se avergüenza de evidenciar que sus referencias están al otro lado del charco, en cineastas como Alexander Payne y Wes Anderson y películas como (500) días juntos o Garden State. La gran familia española no es su mejor trabajo, pero mantiene la estabilidad de una carrera que hasta ahora no ha sufrido ningún altibajo.

La gran familia española3

Aunque los primeros minutos de la cinta apuntan a que el resultado no estará la altura de las expectativas, dada una presentación de personajes un poco torpe y una ceremonia matrimonial que se pasa de moderna (zapatillas Converse de colores para todos, el flashmob camino del altar), pasado el momento clave que se produce durante el enlace, las tramas de los diferentes hermanos se asientan y empiezan a fermentar, y aunque hay algunos elementos que huelen a cliché, el cariño que siente Sanchez Arévalo por los personajes y por los actores que los encarnan, así como un guión divertido pero en el fondo muy agridulce, compensan la película y la convierten en algo muy cálido y familiar.

La gran familia española2

La victoria de España en el mundial de fútbol funcionó como sedante y consuelo de un país cuya situación económica y laboral continúa, tres años después, en un estado grave, y en la película, la esperanza de ganar se contagia a los cinco hermanos, que intentarán poner orden a sus vidas al tiempo que todas las miradas estaban puestas en el partido. Sanchez Arévalo es un estupendo director de actores y sabe sacar el máximo provecho tanto de viejos conocidos de su cine como Quim Gutiérrez y Antonio de la Torre como de las nuevas incorporaciones a su familia (fantástica Verónica Echegui) y de las jóvenes revelaciones, el triángulo amoroso compuesto por Patrick Criado, Arantxa Martí y Sandra Martí que desprende una gran naturalidad y desparpajo.

La gran familia española

La secuencia de la confesión de los novios a sus respectivas familias es un portento de montaje, ritmo, diálogos y humor, el auténtico momento cumbre de un filme que se termina de redondear con una fotografía de postal y la banda sonora compuesta por Josh Rouse, acordes con la candidez que desprende el conjunto y que, sin embargo, deja espacio para la aflicción, pues en última instancia no sabemos si se trata de un auténtico final feliz o si, como la euforia que produjo la victoria de España, es tan sólo sentimiento pasajero.

8/10

25/9/13

Amor, familia y saltos temporales

Poster Una cuestion de tiempo

Dir.: Richard Curtis
Int.: Domhnall Gleeson, Rachel McAdams, Bill Nighy, Margot Robbie, Lydia Wilson, Tom Hollander, Will Merrick, Joshua McGuire
¿De qué va?: Tim es un joven que al cumplir 21 años descubre que los varones de su familia tienen el don de viajar atrás en el tiempo para revisar cualquier momento de su vida e intentar mejorarlo. Tim decide entonces usar su nuevo poder especial para ganarse el corazón de Mary,  aunque pronto descubre que la senda del amor puede ser más complicada de lo que parece.

Reseña: Como dirían los andaluces, Richard Curtis tiene duende. Mientras que a otros cineastas afincados en el género romántico no les pasamos ni una, Curtis, que también se pasa de cursi, siempre nos acaba conquistando. Puede que se deba al buen uso que hace de la flema británica, a las siempre acertadas elecciones de casting o a que sabe perfectamente qué teclas tocar para emocionarnos, pero todas sus películas, tanto las que sólo escribe como las que también dirige, son una cita ineludible para cualquier fan de la rom-com que se precie. Y Cuestión de tiempo, su regreso al género tras la divertida y musical Radio encubierta, no iba a ser menos.

About Time2

Su nuevo trabajo vuelve a girar en torno al romance entre un torpe británico y una hermosa americana, pero esta vez con un añadido especial: los viajes en el tiempo. Quienes estén hartos de este recurso tan manido en la ciencia ficción no deben preocuparse, puesto que lo que menos le interesa a Curtis son las parábolas temporales. Por supuesto que hay efecto mariposa de por medio, pero estos viajes son sólo una excusa para desarrollar la doble temática en la que está orquestada el filme. En primer lugar, una comedia romántica de las de toda la vida, pero muy divertida, ocurrente y, por qué no, tierna y dulce como un algodón de azúcar. Domhnall Gleeson es adorable y Rachel McAdams está más encantadora que nunca, por lo que presenciar cómo se enamoran (ese primer encuentro a oscuras…) y el progreso de su relación es todo un placer.

About Time

Sin embargo, llegado a determinado punto de la historia, el romance queda relegado a un segundo plano y cobra importancia la relación del personaje de Gleeson con su padre, encarnado por el siempre carismático Bill Nighy, y aunque esta parte está tan cuidada como la otra se torna demasiado ñoña conforme se acerca el desenlace, momento que tarda en aparecer puesto que el filme dura unas dos horas un tanto excesivas, sobre todo cuando Curtis se pone serio y quiere aleccionarnos sobre las cosas que realmente importan en la vida. Sus intenciones son honestas, pero subraya demasiado su mensaje, de contenido un tanto conservador.

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Sin embargo, en Cuestión de tiempo los pros superan holgadamente a los contras por los siguientes argumentos de peso:  reparto perfecto (no hay ni un sólo personaje incapaz de ganarse nuestro cariño, incluso los antipáticos), un guión ingenioso con gags efectivos, suficientes momentos para llorar y abrazar al que esté sentado a nuestro lado, música pastelosa pero soportable y un escenario idílico: Londres y la región costera de Cornwall. Y si encima la moralina de Curtis nos sirve para replantearnos ciertas cuestiones sobre la forma en la que aprovechamos (o desperdiciamos) nuestras vidas, sinceramente no sé qué más le podemos pedir.

7’5/10

23/9/13

O.C: El gabinete del doctor Caligari (1920)

Poster El gabinete del Doctor Caligari¿De qué va?: Francis y su amigo Alan acuden a Holstenwall, una ciudad al norte de Alemania, para ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Éste tiene en su posesión a un sonámbulo llamado Cesare que puede responder a cualquier pregunta que se le cuestione. Cuando Alan pregunta cuánto tiempo le queda de vida, Cesare le dice que morirá en el próximo amanecer.

Reputación: Filme que abrió la veda del expresionismo alemán en la historia del cine. En un principio iba a ser dirigida por Fritz Lang, pero como se encontraba en pleno rodaje de Las arañas, el productor Erich Pommer le ofreció el proyecto a Robert Wiene, un director teatral sin experiencia cinematográfica. La característica más importante del expresionismo es que intenta dotar al cine de un concepto artístico que vaya más allá de la simple representación de la realidad. Los famosos decorados de la película, construidos en telas y papel pintado con modelos abstractos, se debe a un simple malentendido: el guionista Hans Janowitz solicitó diseños escénicos inspirados en el trabajo del pintor e ilustrador Alfred Kubin, pero su mala letra provocó que se entendiera ‘cubist’ (cubista) y contrataron en su lugar a los artistas Hermann Warm, Walter Röhig y Walter Reimann. El filme cuenta con dos remakes americanos, uno de 1962 con guión de Robert Bloch (Psicosis) y otro del año 2005. Ambos pasaron muy desapercibidos. Varios estudiosos afirman que la película es una metáfora de la Alemania derrotada tras la 1ª Guerra Mundial, siendo el doctor Caligari el deseo colectivo de un líder fuerte para el país y Cesare el sonámbulo el símbolo de una sociedad alemana ciega que obedece a la autoridad.

El gabinete del Doctor Caligari

Comentario: El gabinete del Doctor Caligari es una película de terror exenta de sustos pero muy inquietante por su  atmósfera de pesadilla, lograda a través de los retorcidos escenarios, un banda sonora agobiante y el escalofriante personaje de Cesare. Goza de un valor incuestionable por su calidad artística y por su influencia en numerosos directores (Hitchcock, Burton, Gilliam…) y en la cinematografía mundial; no obstante, resulta complicado conectar emocionalmente con ella, especialmente por su a veces confuso guión. Su visionado es de sumo interés para todo cinéfilo que se precie, aunque sólo sea como objeto de estudio.

Próximo visionado: La jauría humana (1966)

22/9/13

Perdices que se atragantan

Poster I Give It a Year

Casi todos los cuentos clásicos terminan en boda, seguida de la reconfortante cita que reza “Y fueron felices para siempre”. Pero… ¿cómo podemos estar al 100% seguros de que se cumple? Desde niños nos cuentan estos cuentos y nos creemos a pie juntillas que el matrimonio es la meta y que a partir de ahí todo va como la seda, pero siendo adultos, nos cuesta imaginar que Blancanieves, Aurora, Ariel y demás princesas Disney no hayan tenido problemas conyugales con sus respectivos príncipes azules, porque sabemos, ya sea por experiencia propia o ajena, que en la vida real el matrimonio no es garantía de nada.

I give it a year

I Give It a Year arranca precisamente desde el punto y final de los cuentos de hadas, en la celebración de la boda de Nat y Josh, pero justo a continuación da un salto temporal de un año para mostrarnos a la pareja en una sesión de terapia, pensando en si deben poner fin a su matrimonio. A lo largo de la película descubrimos los problemas que han tenido a lo largo de ese tiempo, desde los típicos conflictos de convivencia hasta las terceras personas que se interponen en su relación. Aunque todo esto pueda sonar muy dramático en realidad no lo es, pues se trata de una comedia (¿romántica?) de Working Title, la productora británica de Cuatro bodas y un funeral, El diario de Bridget Jones, Love Actually y demás. Para adaptarse a los nuevos tiempos, han contado con un guión escrito por el responsable de Borat, Dan Mazer, quien también se ha encargado de la dirección.

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Por tanto, no es de extrañar que la película cuente con un buen arsenal de gags sexuales y groseros que son el resultado de mezclar el estilo Judd Apatow con el típico humor inglés. Afortunadamente, la gran mayoría de los chistes funcionan, pero parece que Mazer no estaba del todo convencido de que fuera a ser así porque ha sobrecargado la historia con una galería de secundarios a cada cual más excéntrico y pasado de rosca. No hay ninguno que tenga un comportamiento normal, salvo quizás el de Anna Faris (¡quién nos lo iba a decir!). Al menos, escoger a Rose Byrne y Rafe Spall como pareja protagonista resulta un soplo de aire fresco, porque son nuevos en el género y ambos despliegan una gran vis cómica. Ciertamente, los prefiero mil veces antes que ver a Hugh Grant en su enésimo papel de seductor tartamudo.

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I Give it a Year es una estimable adición al género cómico-romántico porque juega con las convenciones sobre el amor, el romanticismo y el matrimonio que sus antecesoras han cimentado en nuestras mentes, dando lugar a situaciones muy divertidas. Sin embargo, a pesar de sus intenciones de romper con el tradicionalismo, el desenlace resulta más convencional de lo que pretende ser, pero al menos es una muestra de que algo está cambiando en un género que empezaba a oler a rancio. Por cierto que la película ya se ha estrenado en todo el mundo salvo en España; a pesar de que tenía fecha para mayo bajo el título Yo les doy un año, se pospuso indefinidamente y desde entonces no se ha vuelto a saber más. ¿Le damos un año o la damos por perdida?

6’5/10

21/9/13

La actriz porno que nunca estuvo allí

Poster Lovelace

Hay personas cuyas vidas son carne de biopic, y no sólo personajes históricos o realizadores de grandes hazañas. Aunque bueno, Linda Lovelace podría entrar perfectamente en ambas categorías, pues la película porno que protagonizó, Garganta profunda, fue un icono de la revolución sexual de los 70, y en cuanto a la hazaña… en fin, se puede ver en el propio filme. Sin embargo, años después acusó a su marido de por aquel entonces, Chuck Traynor, de haberla obligado a rodarla a punto de pistola y se convirtió en una activista feminista en contra de la industria pornográfica.

Lovelace

El tándem de documentalistas integrado por Rob Epstein y Jeffrey Friedman ha llevado a la gran pantalla la vida de Linda Susan Boreman, adelantándose a un proyecto similar, Inferno, del que lo último que supimos, hace años, fue que iba a estar protagonizado por Malin Akerman en sustitución de la problemática Lindsay Lohan. Lo más seguro es que se haya cancelado tras la indiferente acogida de Lovelace tanto por parte de la crítica como del público. La estructura narrativa del biopic no es nada del otro mundo pero acierta al separar la imagen pública del éxito de Garganta profunda con la pesadilla que estaba viviendo Linda en la intimidad por los abusos de su marido y proxeneta.

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Sin dejar de ser un biopic correcto, resulta demasiado convencional para el material que tiene entre manos. Esperaba más arrojo de los directores, los mismos que realizaron Howl, un arriesgado e innovador filme en torno a la figura del poeta Allen Ginsberg y su obra más conocida, Aullido. Me da la impresión de que han enfocado la figura de Lovelace con demasiada condescendencia y compasión, reduciendo un personaje tan atractivo al concepto de “chica que se enamora del hombre inadecuado que la lleva por el mal camino”. Seguramente, habría contado con la aprobación de la auténtica Linda, al igual que la audaz interpretación de Amanda Seyfried, que si bien no la llevará a los Oscar es una muestra de su talento y de que tiene un amplio número de registros por explotar.

Lovelace2

La galería de secundarios está repleta de caras conocidas, aunque las interpretaciones más estimables son la de Peter Sarsgaard como Traynor y la de una irreconocible Sharon Stone como la madre de Linda, capaz de poner sus valores morales por delante de su hija. Resulta gracioso ver por unos pocos minutos a James Franco dando vida a Hugh Hefner (él iba a interpretar a Traynor pero por problemas de agenda se quedó con este cameo) pero poco más hay que rascar del atractivo reparto en el que figuran Juno Temple, Bobby Cannavale, Adam Brody y Chris Noth. En definitiva, Lovelace es un biopic que centra sus esfuerzos en mostrar una imagen redentora y conservadora de Linda Lovelace. Gustará especialmente a los fans de la Seyfried, pero si estás más interesado en todo el fenómeno que suscitó la película porno más famosa de la historia mejor que veas el documental Dentro de garganta profunda.

6/10

17/9/13

O.C: Crimen perfecto (1954)

Poster Crimen perfecto

¿De qué va?: Tom Wendice, un frío y calculador ex tenista profesional, quiere asesinar a su bella y rica esposa Margot porque le es infiel, aunque lo que más le interesa es quedarse con su fortuna. Para llevar a cabo su plan, chantajea a un antiguo camarada del ejército para que entre en la casa en su ausencia y asesine a Margot.

Comentario: Dial M for Murder (conocida en España como Crimen perfecto y en México como M de Muerte) es una de las películas más aclamadas de Alfred Hitchcock y está basada en la obra teatral homónima del dramaturgo inglés Frederick Knott. La obra fue estrenada en la BBC en 1952 y posteriormente en los escenarios londinenses y neoyorkinos, antes de la realización del filme, dos años después, con un guión escrito por el propio Knott. La película fue rodada usando la cámara de “visión natural” de M.L. Gunzberg, que tenía la misma tecnología que otras cintas que iniciaron el boom del 3D como Los crímenes del museo de cera. Inicialmente se planteó estrenarla tanto en 3D como en 2D, pero finalmente se lanzó únicamente en este último formato debido a la pérdida de la popularidad de las 3 dimensiones en el momento de su lanzamiento. Sin embargo, en 1980 la película fue reestrenada en su versión 3D en el Teatro York de San Francisco. Hitchcock no estaba demasiado orgulloso de Crimen perfecto, la dirigió simplemente para cumplir con el contrato que mantenía con la Warner. En el año 1998 se realizó un remake protagonizado por Michael Douglas, Gwyneth Paltrow y Viggo Mortensen.

Crimen perfecto

Comentario: Crimen perfecto cuenta con un guión magnífico y minucioso que, al igual que numerosas películas de Hitchcock, se vale de pequeños detalles y objetos de poca importancia, sólo en apariencia, para construir una intriga en la que a pesar de que los espectadores posean toda la información se las arregla para mantenerlos en vilo. Pero a pesar de que el desarrollo de la trama se siga con interés y nunca baje de intensidad, eché en falta la complejidad psicológica y emocional de otras obras del Maestro del Suspense como Rebeca, Psicosis o Vértigo. Nunca me impliqué en la historia porque los personajes se pasan todo el tiempo elucubrando y elaborando pesquisas, quizás por ello no me parece uno de los trabajos más destacados de Hitchock pese a su innegable calidad.

Próximo visionado: El gabinete del doctor Caligari (1920)

15/9/13

Duck Faces

Poster The Bling Ring

Dir.: Sofia Coppola
Int.: Katie Chang, Israel Broussard, Emma Watson, Taissa Farmiga, Claire Julien, Leslie Mann, Georgia Rock, Carlos Miranda
¿De qué va?: Durante 2008 y 2009, un grupo de adolescentes apodado por los medios como los Bling Ring, asaltaron las casas de numerosas celebridades de Los Ángeles, recaudando hasta más de 3 millones de dólares en efectivo y pertenencias de víctimas entre las que se encontraban Paris Hilton, Lindsay Lohan y Orlando Bloom.

Reseña: Sofia Coppola sabe lo que es el materialismo. Probablemente haya sido una hija mimada por su padre, el mítico Francis Ford Coppola, a la que no le ha faltado de nada, y por ello está tan interesada en contar historias en las que puede recrearse en la belleza de los objetos y en el exceso del consumismo, pero en las que también puede dar rienda al vacío emocional que deja el desenfreno y el lujo como medio de vida. La Coppola ya quiso expresar con ese comentado plano de unas zapatillas Converse en María Antonieta que la fiebre materialista de Versalles no es muy diferente a la actual, y ha encontrado un material perfecto en la historia real de The Bling Ring para desarrollar el tema.

The Bling Ring2

Resulta muy interesante buscar conexiones entre este filme y los anteriores de la filmografía de Sofia Coppola, sobre todo con su ópera prima, Las vírgenes suicidas. Si en aquella unas pobres adolescentes sufrían las consecuencias de una educación severa y estricta, a los chavales de The Bling Ring les sucede todo lo contrario: son el producto de una sociedad obsesionada con las celebrities, la moda, la belleza, el dinero y los chismorreos, educados entre algodones (genial Leslie Mann como madre New Age) y cuya mayor preocupación es la cantidad de amigos que tienen en Facebook. Coppola filma las fechorías de estos chavales y la ostentación de sus objetos robados como si fueran unos Robin Hood de la edad moderna (irónicamente acaban convertidos en estrellas mediáticas), pero mantiene la suficiente distancia irónica para que los podamos ver como son: unos niñatos engreídos y malcriados.

The Bling Ring

Muchos le han achacado a la película que no se indague en el fondo de los personajes, pero… ¿acaso lo tienen? Estamos hablando de unos jóvenes obsesionados con el famoseo, la fiesta y las marcas caras, de haber intentado justificar sus acciones habría sido forzado, y basta con ver los fugaces retazos de sus vidas familiares y mirar a nuestro alrededor para descubrir dónde está el problema. Es imposible sentir empatía por esta panda, pero al menos llegamos a saber lo que es ser uno de ellos. Todos los jóvenes intérpretes cumplen, pero Emma Watson se lleva la palma por lo cómica que resulta su personaje, una pija superficial y sin remedio que acapara los momentos más impagables de la película.

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Sería interesante programar una sesión doble compuesta por Spring Breakers y The Bling Ring, dos historias, una con un fuerte componente surrealista y otra sorprendentemente real, rodadas con brío y gran sentido de lo ‘cool’, que giran en torno a la nadería en la que está ahogada gran parte de la juventud americana y mundial. La última escena del filme de Sofia Coppola contiene una fuerte carga irónica y hasta puede parecer forzada, pero al recordar que hay chicas que lloran de la emoción cuando Justin Bieber les escupe desde un balcón no sólo resulta creíble sino que aflora el miedo de lo que le depara al mundo con las nuevas generaciones.

8/10

14/9/13

El fin de la inocencia

Poster Mud

Dir.: Jeff Nichols
Int.: Matthew McConaughey, Tye Sheridan, Sam Shepard, Reese Witherspoon, Jacob Lofland, Sarah Paulson, Michael Shannon
¿De qué va?: En una isla del Mississippi, dos chavales de 14 años descubren a un fugitivo llamado Mud, el cual se está ocultando de unos hombres que le persiguen y que pretende reflotar una barca para poder escapar y reencontrase con el amor de su vida, Juniper. Los chicos deciden ayudarlo, pero con el tiempo empiezan a desconfiar de sus palabras.

Reseña: ¿Cuándo dejamos de ser niños para convertirnos en adultos? Es una transición que para muchos es imperceptible, pero, para otros, puede estar determinada por diferentes factores: la graduación del instituto, el primer trabajo, la independización, el descubrimiento del amor… o de la mentira que lo rodea. En Mud, el tercer trabajo del muy interesante cineasta Jeff Nichols, dos pre-adolescentes, versiones modernas de Huckleberry Finn y Tom Sawyer, dejan atrás su niñez y su visión ingenua del mundo a través de un catalizador con forma de misterioso y magnético extraño: Mud, que como el pirata John Silver hiciera con el joven Jim Hawkins, introduce a los chicos en una aventura que les cambiará la vida.

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Estos referentes literarios no son mera casualidad, pues el filme respira aire clásico y aventurero por los cuatro costados, muy en la línea de Cuenta conmigo. Demuestra que una película protagonizada por niños no tiene por qué ser pueril y blanda, aunque tampoco podamos decir que esté enfocada a un público infantil, dada la oscuridad y la amargura con la que aborda la historia y a sus personajes. Los chavales irrumpen en la vida adulta a golpes, cuando descubren que el amor, un sentimiento que están empezando a experimentar y que parecía tan puro, idílico y seguro, no lo es tal, al tiempo que se sienten atraídos por un hombre con un intenso aurea de peligro pero que supone un relevo de la figura paterna de la que ambos se encuentran un tanto desencantados.

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Matthew McConaughey reafirma el estado de gracia en el que se encuentra su carrera con una de sus mejores encarnaciones: un lobo solitario con marcado acento sureño, ambiguo pero soñador y romántico, llevado a la perdición por una Reese Witherspoon felizmente despojada de todo su glamour, y demostrando que a veces es necesario que las grandes estrellas bajen de su nube para participar en películas en las que el conjunto sea más importante que su estatus. Los jóvenes Tye Sheridan y Jacob Lofland también están sensacionales, sobre todo el primero, auténtico protagonista de la historia que clava el viaje emocional de su personaje. El filme también se nutre de las intervenciones secundarios de los siempre infalibles Sam Shepard, Michael Shannon y Sarah Paulson.

Mud

Jeff Nichols es tan buen director como guionista, sin embargo, en Mud le ha pasado lo mismo que en Take Shelter, y es que aún tiene que aprender a pulir los desenlaces de sus historias. En aquélla porque daba un efectista giro final y aquí porque le puede enseñar el destino de sus personajes antes que dejar el misterio en el aire. Nada que no sea fácilmente perdonable, puesto que se trata de una muy buena película, inteligente, emocionante y triste, pero con un pequeño halo de esperanza, y con un excelente trabajo de fotografía que realza la humedad y el aire caliente de los alrededores del Mississippi, lugar donde trascurre este cuento sobre lo desmoralizante que es madurar.

8’5/10

10/9/13

Dioses, monstruos y semidioses

Poster Cruce de caminos
Dir.: Derek Cianfrance
Int.: Ryan Gosling, Bradley Cooper, Eva Mendes, Dane DeHaan, Rose Byrne, Ray Liotta, Bruce Greenwood, Emory Cohen
¿De qué va?: Luke, un experto motorista que trabaja en un carnaval viajando de ciudad en ciudad, descubre que un viejo amor, Romina, ha dado a luz un bebé que es suyo. Es entonces cuando Luke decide dejar su vida errante para hacer todo lo posible por conseguir dinero para la manutención de su hijo. Todo se complica cuando su vida de cruza con la de Avery, un policía que busca ascender en un departamento corrupto.

Reseña: En Blue Valentine, Derek Cianfrance nos sorprendió desarmando el idealismo romántico a través de una historia de amor condenada al fracaso y armado de unas buenas dosis de realismo y crudeza. De aquélla ha rescatado a Ryan Gosling para que sea la pieza central de Cruce de caminos (traducción burda del lírico The Place Beyond the Pines), un ambicioso drama coral que pasa el testigo de un personaje a otro y que gira en torno al peso que tienen nuestras acciones y pecados en las personas que nos rodean y que son heredados de una generación a la siguiente.

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Dividida en tres actos muy diferenciados, la historia ideada por Cianfrance goza de una gran habilidad para sorprender al espectador que no sabe nada de su trama y para saltar de un tema a otro sin brusquedad: la búsqueda de la identidad propia, el sentimiento de culpabilidad, la ambición profesional o la impotencia ante la pérdida de lo más querido son algunos de los sentimientos que salen a flote en esta historia con ecos de tragedia griega en la que el destino (o la casualidad) le juega una mala pasada a los hombres que juegan a ser dioses. Su cuidada factura y su banda sonora refuerzan el carácter oscuro y trascendental de la obra, aunque no siempre alcance las cotas dramáticas a las que aspira.

Cruce de caminos1

Puede que Ryan Gosling ya esté totalmente encasillado en papeles de tipo duro con corazón tierno, pero la verdad es que lo borda cada vez que tiene que dejar entrever la flaqueza que se esconde tras su hierático rostro (no hay más que ver su escena en la iglesia) y consigue establecer una gran diferencia entre este motorista y el conductor parco en palabras de Drive. Aunque sea él el quien realice la interpretación más memorable de la película no hay que menospreciar el trabajo del resto del reparto, con unos muy esforzados Bradley Cooper y Eva Mendes y con Dane DeHaan empezando a despuntar como un actor al que tener muy en cuenta. Se trata de una historia muy testosterónica, por lo que el apartado femenino queda un tanto descompensado y desdibujado (el personaje de Mendes, pero sobre todo el de Rose Byrne).

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El mayor problema que acarrea Cruce de caminos es que el segundo y tercer acto no consiguen mantener el magnetismo que desprende el primero, algo que resulta aún más evidente dada su larga duración, dos horas y veinte minutos. Con todo, se trata de una película que consigue aunar la grandilocuencia de sus pretensiones con el intimismo de los dramas humanos que aborda, muy interesante en el camino que recorre a pesar de los baches.

7/10

9/9/13

O.C: Fahrenheit 451 (1966)

Poster Fahrenheit 451¿De qué va?: Gug Montag, un disciplinado bombero encargado de quemar los libros prohibidos por el gobierno, conoce a una revolucionaria maestra que se atreve a leer. De pronto, se encuentra transformado en un fugitivo, obligado a escoger no sólo entre dos mujeres, sino entre su seguridad personal y su libertad intelectual.

Reputación: Fahrenheit 451 fue la primera película de François Truffaut rodada en color y la única en lengua inglesa, hecho insólito considerando que, por entonces, el joven Truffaut apenas farfullaba cuatro cosas en la lengua de Shakespeare. Por ese motivo, tuvo que dar todas las instrucciones en francés, algo que ya había pactado con el productor Lewis M. Allen. Éste ya lo había previsto y por ese motivo se contrató al austriaco Oskar Werner para el papel principal, puesto que hablaba y entendía francés, aunque también se bajaron otros actores como Paul Newman, Peter O’Toole o Terence Stamp. Sin embargo, Werner se llevó fatal con Truffaut en el rodaje, hasta el punto de dejar de hablarse entre ellos en las últimas semanas. La película es una adaptación de la novela homónima de Ray Bradbury que atacaba directamente a la caza de brujas del Macarthismo. Un gran acierto de Truffaut fue leer los títulos de crédito en lugar de escribirlos con letras, en la línea de la idea central del filme en el que el material destruido no puede leerse.

Fahrenheit 451

Comentario: Fahrenheit 451 ha quedado un tanto desfasada con el paso de los años por la estética de su diseño de producción (esos policías que vuelan al estilo del Inspector Gadget…) pero es tan sólo el envoltorio kitsch de una idea que, en cambio, no ha perdido ni un ápice de vigencia: la cultura es la llave para obtener la libertad de pensamiento. La idea de que un gobierno prefiera que sus ciudadanos sean analfabetos para así poder ejercer un mayor control sobre ellos, así como el uso que se puede hacer de los medios de comunicación como propaganda política y instrumento de aborregamiento no es nueva y tristemente sigue siendo una realidad. Curiosa elección de Truffaut la de utilizar a la misma actriz (notable Julie Christie) para encarnar a las dos protagonistas femeninas de la historia: dos caras de una misma moneda, diferentes no sólo por su aspecto sino por sus convicciones morales.

Próximo visionado: Crimen perfecto (1954)

6/9/13

Itinerario de estrenos de septiembre 2013

Estrenos_Septiembre

Tenía que irme de España para que se estrenaran las dos películas españolas del año que más me interesaba ver (sin contar con el flop que resultó ser Los amantes pasajeros). Este mes no hay muchos estrenos interesantes, pero está bien para coger energías y prepararnos para lo que se nos viene encima con la temporada pre-Oscars de los próximos meses. Es una lástima que este año no vaya a ver Fiesta del Cine, pero eso demuestra la mala situación por la que está atravesando la distribución cinematográfica española.


Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines):
Con algo de retraso llega a España el segundo trabajo del prometedor director Derek Cianfrance (Blue Valentine), para el que ha vuelto a contar con el protagonismo de Ryan Gosling. Bradley Cooper (R3sacón), Eva Mendes (Holy Motors), Dane DeHaan (Chronicle), Ray Liotta (Mátalos suavemente) y Rose Byrne (La boda de mi mejor amiga) completan el reparto de esta historia sobre el enfrentamiento entre un motorista y un oficial de policía cuando el primero empieza a atracar bancos para mantener a su bebé, del cual desconocía su existencia. Críticas generalmente positivas pero por debajo de las que consiguió Blue Valentine.
Estreno: 6 de septiembre


La gran familia española: El nuevo trabajo del cineasta Daniel Sánchez Arévalo (Primos) es una comedia que vuelve a girar en torno a la inmadurez masculina, en esta ocasión la de cinco hermanos que se encuentran en una boda que se celebra el mismo día que la final del Mundial de fútbol en la que España se proclamó vencedora. Quim Gutiérrez (Los últimos días), Verónica Echegui (Seis puntos sobre Emma), Antonio de la Torre (Los amantes pasajeros) y Roberto Álamo (La piel que habito) encabezan el elenco. La cinta ha tenido una cálida acogida en los pases de prensa.
Estreno: 13 de septiembre


La espuma de los días:
Tras el patinazo de The Green Hornet, Michel Gondry vuelve a sus derroteros fantásticos e imaginativos con La espuma de los días, adaptación cinematográfica de la novela L’ecume des jours de Boris Vian. Romain Duris (Populaire), Audrey Tatou (La delicadeza), Omar Sy (Incompatibles) y Gad Elmaleh (La felicidad nunca viene sola) protagonizan esta trágica historia de amor sobre una pareja que intenta sobrellevar la extraña enfermedad que padece ella: le crece un nenúfar en el pulmón. De momento no hay muchas referencias pero las que hay son algo tibias.
Estreno: 27 de septiembre


Las brujas de Zugarramurdi: Tras los palos recibidos por sus últimos trabajos, Álex de la Iglesia (La chispa de la vida) regresa con una comedia negra que promete ser una vuelta a su esencia original. La trama se centra en los personajes de Hugo Silva (Los amantes pasajeros) y Mario Casas (La mula), unos ladrones que acaban por accidente en un bosque de la Navarra profunda donde se verán atrapados en las garras de tres generaciones de brujas capitaneadas por Carmen Maura (Paulette), Terele Pávez (Balada triste de trompeta) y Carolina Bang (La daga de Rasputín). Se proyectará por primera vez en el Festival de Cine de San Sebastián.
Estreno: 27 de septiembre


ACTUALIZACIÓN: Habrá fiesta del cine en octubre, pero las entradas pasan de costar 2 € a 2’90. Cómo se nota que España está saliendo de la crisis…

1/9/13

Actor del mes Bradley Cooper

Bradley Cooper10

Méritos: Hace 4 años, cuando Bradley Cooper fue nombrado por primera vez actor del mes, afirmé que el 2009 estaba siendo su año: Había conseguido el primer gran éxito de su carrera, Resacón en Las Vegas y estrenaba varias películas más. Por aquel entonces presagiaba un gran futuro para el actor, pero no podía imaginarme que en el 2013 estaría en la posición en la que se encuentra: nominado al Oscar a mejor actor protagonista (una de las categorías más reñidas), estrenando la tercera parte de su película trampolín y cobrando mucho más de lo que ganó por aquella (ver el apartado de ‘Sabías que’) y convertido en uno de los actores más cotizados de Hollywood.

Esta semana se pasará por España para promocionar Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines), en la que se bate en duelo con Ryan Gosling, pero lo mejor aún está por llegar: los estrenos de su segunda colaboración con David O. Russell, American Hustle y de Serena, en las que se ha vuelto a reunir con Jennifer Lawrence, los rodajes de la nueva comedia de Cameron Crowe junto a Emma Stone y de American Sniper bajo las órdenes del mismísimo Clint Eastwood, y prestarle su voz a Rocket Raccoon, uno de los personajes más carismáticos de Guardians of the Galaxy, un equipo de superhéroes espaciales de la casa Marvel. Por no hablar de la multitud de proyectos por determinar que tiene en su agenda, como el biopic de Lance Amstrong. ¿Le estaremos dando demasiado crédito a Bradley Cooper? Con todo lo que se nos viene encima, seguro que no tardaremos en averiguarlo.

Cruce de caminos1


El camino al estrellato de Bradley Cooper

Evolución_Bradley_Cooper
De izq. a der. y de arriba a abajo: Su primer papel en el cine fue en Wet Hot American Summer (2001); de sus numerosos trabajos en televisión destaca su papel en las primeras temporadas de Alias (2001-2006); fue el villano en De boda en boda (2005), el primero de varios papeles secundarios en comedias románticas; Resacón en Las Vegas (2009), su primer gran éxito comercial y punto de inflexión en su carrera; sobrevivió con dignidad a Sandra Bullock y al desastre de Loca obsesión (2009); El equipo A (2010) lo validó como héroe de acción; Sin límites (2011) fue su primer éxito en taquilla como protagonista absoluto; El ladrón de palabras (2012), primer papel dramático de peso; con El lado bueno de las cosas (2012) le llegó el beneplácito de la crítica y la nominación al Oscar; en Serena (2013) será un empresario maderero casado con una trastornada Jennifer Lawrence; en American Hustle (2013) tendrá el look más estrafalario de su carrera; lo último, prestar sus cuerdas vocales al mapache espacial de Guardians of the Galaxy (2014).


¿Sabías que…?

- Habla francés de manera fluida gracias a un año que pasó de intercambio en una universidad de Francia. Por eso, ha concedido varias entrevistas hablando un francés perfecto.

- Su primer papel fue el de una de las conquistas de Carrie Bradshaw en Sexo en Nueva York, en un capítulo de la primera temporada (1999). Hasta el 2009 participó en varias series de televisión, siendo las más destacadas Alias y Nip/Tuck, a golpe de bisturí.

- Sus películas favoritas son Historias de Nueva York (segmento Life Lessons), La conversación, Celebración y La escafandra y la mariposa.

- En un programa de televisión le preguntaron con qué actriz había protagonizado su beso cinematográfico favorito, a lo cual respondió que el mejor había sido con el actor Michael Ian Black en Wet Hot American Summer (2001), su debut en la gran pantalla.

- Fue contratado para interpretar a Lucifer en la adaptación de Paradise Lost que iba a dirigir Alex Proyas, pero la película fue cancelada 4 meses antes del comienzo de rodaje por conflictos presupuestarios.

- Por su participación en Resacón en Las Vegas cobró 600.00 dólares; por Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! su sueldo se incrementó hasta los 5 millones de dólares y el de R3sacón ha alcanzado los 15 millones.


Extras:

Tráiler de Cruce de caminos

Tráiler de American Hustle

Entrevista sobre R3sacón

Recogiendo el Critic’s Choice a mejor actor de comedia

Spot de Häagen-Dazs de 2013

Spot de Amena de 1998