Oscars 2014: Predicciones y favoritos

Quedan dos días para que se celebre la 86 Edición de los Oscar y se resuelva uno de los mayores duelos que se han vivido al menos en el tiempo que he seguido de cerca los premios, 12 años (que se dice pronto), lo cual curiosamente coincide con el título de una de las contendientes de este año. El año pasado dije que nos encontrábamos con una de las ediciones más reñidas, pero ahora mirando desde la distancia veo que el triunfo de Argo era algo más que evidente porque había ganado todos los grandes premios de la carrera. Sin embargo, este año las entregas de premios que asientan el camino al Oscar se han dividido entre 12 años de esclavitud y Gravity. La película de Steve McQueen tiene una ligera ventaja pero no demasiada, porque siempre ha ganado por los pelos, con pocos galardones de apoyo que la puedan fortalecer, pero Argo triunfó con tan sólo 3 Oscar, así que todo puede pasar.

Aquí les traigo mi quiniela particular con los que creo que van a ganar y los que me gustaría a mí que ganasen. Este año no voy a ser yo el que se queje del nivel de las nominadas porque, salvo una, todas me han gustado a un gran nivel. La media general sería un notable. Como siempre, el lunes publicaré una pequeña crónica sobre lo que ha dado de sí la gala, siempre y cuando mi inestable conexión wi-fi me permita ver los premios en directo (cruzo dedos y toco madera). También comentaré través del Twitter (@Jorgeblanch), así que si alguien quiere acompañarme será bien recibido. Estas son mis apuestas:

Mejor película
Predicción: 12 años de esclavitud
Favorito: Her

Tengo la teoría de que la rama de la Academia más conservadora y políticamente correcta preferirá apoyar una historia de supervivencia en tiempos de esclavitud que una historia de supervivencia en el espacio exterior. El mensaje conciliador por encima del ‘mainstream’. Sin embargo, si de mí dependiera le daría el Oscar a Her, por todas las cosas que enumeré en mi reseña. Además, creo que Her y Gravity son las dos películas de este año que mejor van a envejecer y que darán más que hablar en un futuro a largo plazo. Mi papeleta de académico quedaría tal que así:

1. Her / 2. Gravity / 3. Philomena / 4. El lobo de Wall Street / 5. Nebraska / 6. Dallas Buyers Club / 7. 12 años de esclavitud / 8. Capitán Phillips / 9. La gran estafa americana (American Hustle)

Mejor director
P y F: Alfonso Cuarón por Gravity

Va a pasar lo mismo que el año pasado con La vida de Pi: la película de mayor logro técnico va a ser recompensada con los galardones “menores” (sonido, efectos especiales, fotografía…) y con el de mejor dirección, mientras que el premio gordo se lo llevará otra. El virtuosismo que ha desplegado Alfonso Cuarón en Gravity merece ser recompensado, y si se lo lleva otro estaríamos ante la que podría ser la mayor injusticia de esta edición.

Mejor actor protagonista
P y F: Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club

Al principio de la carrera la cosa estaba entre Chiwetel Ejiofor y McConaughey, pero las sucesivas entregas de premios han equilibrado la balanza a favor de este último. Ejiofor aún podría dar la sorpresa, pero lo veo muy poco probable porque el actor texano tiene a Hollywood y al público rendido a sus pies con el giro de 180º que ha dado su carrera en los últimos años, y su interpretación en Dallas Buyers Club es sencillamente brutal.

Mejor actriz protagonista
P y F: Cate Blanchett por Blue Jasmine

El Oscar más cantado de la noche. Y aunque en parte sea una pena, porque este año el nivel en esta categoría es altísimo, nadie pone en duda que Cate Blanchett se lo merece por el formidable ‘tour de force’ que realiza en Blue Jasmine. No te preocupes Amy Adams, si sigues así tu momento llegará pronto.

Mejor actor de reparto
P y F: Jared Leto por Dallas Buyers Club

Otro Oscar que se ve venir de lejos y no por ello menos justo. Vale que sobre el papel el personaje de transexual drogadicto y enfermo de VIH ya huela a Oscar, pero la transformación racial que realiza Jared Leto sigue siendo impresionante. Combina desparpajo y vulnerabilidad a la perfección y no se le notan las ansias de Oscar como sí se le notaban a Anne Hathaway sin ir más lejos. Que la estatuilla sirva para que Leto continúe haciendo películas, por favor.

Mejor actriz de reparto
P: Lupita Nyong’o por 12 años de esclavitud
F: Jennifer Lawrence por La gran estafa americana

Estoy seguro de que si el año pasado Jessica Chastain o Emmanuelle Riva hubiesen ganado el Oscar en vez de Jennifer Lawrence (como debía ser), ésta lo ganaría este año de calle. Pero por el bien de JLaw, que con tanta atención vamos a conseguir que explote, se lo va a llevar la revelación de 12 años de esclavitud, que refleja el sufrimiento de su personaje muy bien y hay que reforzar el triunfo de la película que se va a proclamar como la gran vencedora de la noche.

Mejor guión original
P y F: Spike Jonze por Her

Mejor guión adaptado
P: 12 años de esclavitud
F: Antes del anochecer

Mejor película de habla no inglesa
P: La gran belleza
F: La caza

Mejor montaje
P: Capitán Phillips
F: Gravity

Mejor dirección de fotografía
P y F: Gravity

Mejor banda sonora original
P: Philomena
F: Her

Mejor canción original
P y F: ‘Let It Go’ de Frozen: El reino del hielo

Mejor dirección artística
P y F: El gran Gatsby

Mejor diseño de vestuario
P: 12 años de esclavitud
F: El gran Gatsby

Mejor maquillaje y peluquería
P y F: Dallas Buyers Club

Mejor sonido
P y F: Gravity

Mejores efectos sonoros
P y F: Gravity

Mejores efectos visuales
P y F: Gravity

Mejor película de animación
P y F: Frozen: El reino del hielo

Mejor documental
P: The Act of Killing

O.C: Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo (1954)

¿De qué va?: Las misteriosas destrucciones de barcos en el Pacífico provocan el caos. Los nativos de una isla afirman que el culpable es una criatura legendaria, Godzilla, un monstruo prehistórico que despertó de su largo letargo en lo más profundo del océano debido a las explosiones de las bombas atómicas.  Ahora, Godzilla está furioso y se dispone a atacar las principales ciudades de Japón.

Reputación: Godzilla es la referencia más popular de la cultura japonesa del siglo XX. Tal fue su éxito en Japón (152 millones de yenes recaudados) que inauguró un nuevo género de películas sobre monstruos gigantes, conocidas como kaiju, 28 de las cuales han sido protagonizadas por Godzilla, el cual ha pasado de amenazar al país nipón a defenderlo de la amenaza de otras criaturas gigantescas. Su nombre original, Gojira, viene de la combinación de dos palabras: ‘gorira’ (gorila) y ‘kujira’ (ballena). Su traducción americana, Godzilla, es una cruda traducción fonética de la palabra Gojira, acuñada por Tōhō, la productora de la película. El monstruo cobró vida gracias al actor Haruo Nakajima, disfrazado con un pesado traje de látex, puesto que utilizar la técnica del stop-motion con la que se había rodado King Kong (1933) habría salido demasiado caro y no había nadie en Japón con la habilidad y la experiencia para llevarla a cabo. Al llegar a los cines de los Estados Unidos, se eliminaron escenas para cambiar la historia y así poder evitar la mala imagen que se da de las armas nucleares; no fue hasta el 2004 hasta que se pudo ver en cines la versión íntegra de la mano de Rialto Pictures. En 1998 se produjo un remake americano dirigido por Roland Emmerich que fue vapuleado especialmente por los fans acérrimos de la saga al desvirtuar totalmente al personaje. Este año se estrenará una nueva versión dirigida por Gareth Edwards (Monsters) que no tiene absolutamente nada que ver con aquélla.

Comentario: El éxito masivo provocó que la naturaleza del Godzilla original se desvirtuara hasta convertirlo en un bicharraco proveniente del espacio y con más poderes que Superman, sin otra pretensión que entretener al personal más nerd, pero eso no quita que su primera aparición sea una afilada crítica a la utilización de armas nucleares y una gran metáfora de las secuelas que dejó la 2ª Guerra Mundial en Japón, representada tanto en los humanos, aterrizados pero con cierta resignación, quizás porque sienten que también son en parte responsables de lo ocurrido, y en el propio bicharraco, un estallido de ira y rabia tras el ataque nuclear. Desde luego que la clásica solemnidad japonesa da para varios momentos de comicidad involuntaria (ese reportero despidiéndose de los radioyentes ante su muerte inminente) pero me quito el sombrero ante un desenlace que, gracias especialmente a la música de Akira Ifukube, me dejó hipnotizado y me hizo sentir lástima por el pobre Godzilla, otra víctima más de la radioactividad.

Próximo visionado: All That Jazz (1979)

Esplendor en la arena

Dir.: Alain Guiraudie
Int.: Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick d’Assumçao, Jérôme Chappatte, Mathieu Vervisch
¿De qué va?: Verano. Un lago de aguas azul turquesa en torno al cual se congrega un grupo de bañistas. Hombres que buscan la forma de pasarlo bien juntos en la orilla o en el bosque contiguo. Frank pasa el tiempo entre la amistad (o amor platónico) con el orondo Henri y los escarceos con Michel, adonis oscuro y peligroso.

Reseña: Puede que se esté produciendo un cambio en la industria cinematográfica, un paso adelante en la manera en la que se aborda el sexo. Al menos en Europa, porque ya sabemos que en Estados Unidos el censor no pone muchas objeciones ante sangrientas matanzas, pero como se vea un pezón o se oiga un taco poco les falta para calificar la película como X. La vida de Adèle y Nymphomaniac se han atrevido, sin estar exentas de polémica, a mostrar el sexo de manera explícita y naturalmente carnal, aunque algunos escépticos lo vean más como una estrategia de marketing que como “una exigencia de guión”.

El desconocido del lago, filme que ha pasado triunfalmente por festivales como el de Cannes y Sevilla, tan sólo cuenta con dos planos explícitos (para los que recurrieron a dobles) que podrían abrir el debate de si son realmente necesarios o simplemente gratuitos. De una forma u otra, lo cierto es que el director Alain Guiraudie ha enfocado un tema tan poco explorado en la ficción como el ‘cruising’ de una forma realista y ciertamente tragicómica. El lago es un oasis en el desierto para aquellos que buscan saciar sus ganas de sexo y no conocen mejor forma de hacerlo pero que también acuden allí cada día, de forma rutinaria, porque se encuentran solos y anhelan lo que todos queremos: un poco de afecto, aunque sea a través de una persona anónima a la que tal vez no vuelvan a ver jamás.

La película tiene imágenes poderosas y muy curiosas, como ese bosque en el que los hombres deambulan de un lado a otro, como muertos vivientes en busca de carne humana con la que alimentarse, o el inmenso lago donde los bañistas sofocan el calor y exhiben sus cuerpos desnudos. La fotografía realza la belleza natural del lago y nos transmite a la perfección la sensación de un verano caluroso, mientras que la ausencia de banda sonora confiere a la historia una sensación de aislamiento, tranquilidad, soledad e inquietud. El problema está en el contraste que hay entre la veracidad del escenario y de los personajes que lo pueblan, tan patéticos como desdichados, y la historia personal del protagonista (el muy correcto Pierre Deladonchamps), que toma derroteros que no me acabo de creer.

Entiendo lo que quiere decir el director sobre que la pasión y el amor pueden nublar la razón incluso cuando nuestra vida corre peligro, algo que queda bastante claro en un desenlace abrupto que me hizo recordar al de Martha, Marcy, May, Marlene, pero me siguen chirriando cosas, como el personaje del detective, al borde del ridículo, y todo lo que rodea su investigación. Con todo, El desconocido del lago es una película que interesa y seduce gracias a su retrato de una práctica oculta que saca a relucir la represión que a día de hoy sigue existiendo en torno a la homosexualidad y la soledad e incluso desesperación de aquellos que la padecen.

6’5/10

Brujas al borde de un ataque de nervios

Creador: Brad Falchuck, Ryan Murphy
Int.: Jessica Lange, Sara Paulson, Taissa Farmiga, Emma Roberts, Gabourey Sidibe, Kathy Bates, Angela Bassett, Lily Rabe, Frances Conroy
Emisión: 2013 – 2014, FX y FOX
3ª temporada

Tras explorar los recovecos de una casa maldita y de un centro psiquiátrico, ambos lugares de encuentro de multitud de miedos y criaturas del imaginario de terror colectivo, la tercera historia de horror americana que nos traen Brad Falchuck y Ryan Murphy se ambienta en una escuela de jóvenes brujas de Nueva Orleans. Las referencias y los elementos que han tomado “prestado” no son tan dispersos y variados como en las dos anteriores temporadas (en las que mezclaban sin pudor alguno nazis con extraterrestres por ejemplo), pero siguen estando presentes y están más centrados en el tema de la brujería y de las personas con poderes especiales: X-Men, Las brujas de Eastwick, Jóvenes y brujas, Frankenstein, Harry Potter…  e incluso reality shows.

El primer capítulo es un tanto descafeinado si se compara con los potentes arranques de las temporadas previas, pues está centrado en la llegada a la escuela de brujas de Taissa Farmiga, tan sosa como en su anterior aparición en la serie. Aunque parezca que ella va a hacer la gran protagonista, en los capítulos posteriores otros personajes ganan mucho más peso en la trama, dejando a Taissa a un lado con su historia de amor necrofílica con un Evan Peters que no pinta gran cosa en esta temporada, y es que si en algo se distingue Coven es que es una historia de mujeres, poderosas, competitivas y ambiciosas. Los hombres, incapaces de plantarles cara, son sirvientes o víctimas, pues no tienen nada que hacer frente a ellas, que harán lo que sea con tal de conseguir sus pérfidos propósitos. ¿Es machista AHS: Coven? En absoluto. A pesar de que la mayoría de personajes femeninos sean unas auténticas zorras y que no haya demasiado espacio para la camarería femenina, estas brujas son fuertes e independientes y no necesitan de un hombre que las salve cuando están en apuros.

Gran parte de la diversión de Coven radica en ver cómo evolucionan y cambian las relaciones y alianzas entre las brujas, divididas en dos clanes enfrentados liderados por dos mujeres de armas tomar como son Jessica Lange y Angela Bassett. Lange consigue algo que parecía imposible: interpretar al personaje más malévolo de sus encarnaciones en American Horror Story, y aunque Fiona Goode no tenga tantos matices como la hermana Jude ni sea tan enigmática como Constance Langdon, vuelve a dar una clase más de elegancia, mala leche y de cómo ser sensual con… ¡64 años! Su anunciada marcha de la serie tras la próxima temporada dejará un enorme vacío que tal vez podría cubrir Angela Bassett, quien se ha alzado como la mayor revelación de la temporada. Tras ser rescatada del olvido, la Bassett ha aprovechado la ocasión para hacer una encarnación desmadrada de la bruja vudú Marie Laveau, y sus gestos, respuestas sentenciosas y ese marcado acento sureño y afroamericano la convierten en el elemento más divertido de Coven, por encima de una Kathy Bates que tampoco tiene desperdicio en el rol que le ha tocado de racista sádica.

Sarah Paulson y Lily Rabe no tienen tanto margen de lucimiento como en Asylum, mientras que Frances Conroy y su look imposible se han convertido en una de las imágenes inolvidables de la serie (Su ¡Balenciagaaaaa! ya es el grito de guerra del año en la red), pero si tengo que escoger a una favorita en el Aquelarre esa sería Emma Roberts, quien como ya demostró en Scream 4 está mucho mejor aprovechada en papeles de cabrona que en los de ingenua bobita. La sobrina de Julia Roberts se come a la hermana pequeña de Vera Farmiga en cada escena que comparten, y sus líneas de diálogo son deslenguadas y tan mezquinas como las de la Bassett. En cualquier caso, el reparto femenino de esta temporada es una auténtica gozada.

Puede que AHS: Coven no sea mejor que Asylum, mucho más lúgubre y oscura, pero sí que es la más divertida y adictiva de las entregas que nos ha dejado la serie hasta la fecha. Su mayor problema está en que abusa de ciertos recursos narrativos, como el de las resurrecciones, en que se ha centrado más en ser gore que inquietante y  en lo apresurado de su desenlace, cerrando tramas de forma abrupta para desembocar en una suerte de X-Factor para brujas. Pero como ya he dicho a lo largo de esta entrada, todo es tan desmadrado, sorprendente, atractivo y enormemente entretenido que sólo te percatas de esos defectos durante la resaca, cuando empiezas a echar en falta un capítulo más tras su final. Tras su tercer año en antena, American Horror Story se ha terminado de afianzar en nuestros corazones seriéfilos, los cuales están ansiosos por saber en qué pesadilla rocambolesca nos sumergirá en la próxima temporada.

Rozando las teclas vitales

El director Drake Doremus despuntó en el Festival de Sundance de 2011 con Como locos (Like Crazy), una película que abordaba de forma tan bella como realista el romance de dos jóvenes cuyo amor se va resquebrajando por todos los problemas que acarrea la distancia. Un año después, Doremus volvió a Sundance para presentar Breathe In, para la que volvió a contar con la la gran revelación de Como locos, Felicity Jones, en un rol similar: una estudiante británica que llega a Estados Unidos. Solo que esta vez, va a parar a la casa de una familia que va a sufrir un terremoto con su llegada.

El patriarca, Keith, es profesor de música a su pesar. Escogió este trabajo debido a la seguridad y estabilidad que le ofrecía a su familia, pero su auténtico sueño es tocar el chelo en una orquesta sinfónica. Su vida está atascada en la rutina y no hay nada ni nadie que le aporte algo nuevo aparte de la audición que está preparando para conseguir un puesto en la sinfónica. De repente, la estudiante de intercambio que está viviendo en su casa toca el piano, y algo cambia en su entorno gris (notable trabajo de fotografía). Se establece una conexión emocional a través de la música que le seduce, la represión familiar es más evidente que nunca y ya no hay vuelta atrás. Breathe In es una historia sobre infelicidad e infidelidad filmada con muy buen gusto, belleza y tacto, algo perfectamente reflejado en ese primer contacto físico a través de una caricia en la mano cuando están sentados al piano.

La pareja protagonista desprende una química brutal y ambos están realmente bien. Felicity Jones seduce sin tener que ponerse nunca en modo Lolita, mientras que de Guy Pearce me atrevería a decir que es su mejor trabajo desde Memento, porque está alejado de los personajes al límite que suele interpretar, físicamente la madurez le sienta bien y expresa muchas emociones sin necesidad de traducirlas en palabras, un mérito que también hay que atribuir al guión, que contiene muchas escenas en silencio que lo dicen todo con la inestimable ayuda del acompañamiento musical de Dustin O’Halloran, autor de la también magnífica banda sonora de Como locos.

Lo único que chirría en el conjunto son, por un lado, lo insoportable que resulta el personaje de la hija, interpretada por Mackenzie Davis, y por el otro algunas soluciones de guión para que la trama y el conflicto avance un tanto facilonas, pues están resueltas con demasiadas coincidencias y restan verosimilitud a una historia tan íntima como ésta. Con Breathe In se confirma que hay que seguirle muy de cerca la pista a Drake Doremus, a pesar de que ya se ha anunciado que para su próximo proyecto, una incursión en la ciencia ficción, va a cambiar a Felicity Jones por la mucho menos interesante en todos los aspectos Kristen Stewart. Le daremos un voto de confianza de igual forma.

7’5/10

Obra y milagros de un bala perdida

Dir.: Jean-Marc Vallée
Int.: Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Steve Zahn, Dallas Roberts, Griffin Dunne, Denis O’Hare, Bradford Cox
¿De qué va?: Ron Woodroof es un electricista y cowboy de rodeo de Texas que en 1985 es diagnosticado como seropositivo y se le dan 30 días de vida. Reacio a aceptar esa sentencia de muerte, Ron se introduce en el mundo de los fármacos clandestinos y acaba convirtiéndose en el mayor promotor de un tratamiento no aprobado legalmente que no solo le alivia de la enfermedad sino que le prolonga su vida.

Reseña: Siempre ha existido una tendencia en los biopics de santificar tanto a las figuras célebres como a las anónimas en las que se centran. Películas como Ray pasan de puntillas por los aspectos más oscuros de su figura central, mientras que otras como la reciente Fruitvale Station (pendiente de estreno en España) exageran sus bondades para realzar su estatus de víctima, hasta el punto en el que resulta más que evidente la artificialidad del guión. Por eso, y a pesar de su condición de “vehículo para el lucimiento de actores”, Dallas Buyers Club destaca por encima del resto de sus congéneres, porque presenta a su homenajeado tal y como es: un cabrón homófobo, exaltado y sin escrúpulos.

En cierta manera, Dallas Buyers Club tiene mucho que ver con Erin Brokovovich: ambas son biopics que reproducen la lucha de una persona normal y corriente contra el sistema y una gran corporación. Ambos personajes son impetuosos, malhablados y algo catetos, pero también son capaces de construirse a sí mismos para luchar por una buena causa. Evolucionan, pero manteniendo intacto el carácter y la personalidad que los hace únicos. Si en la película de Steven Sodelbergh los malos eran una compañía eléctrica, aquí lo son el sistema sanitario y las empresas farmacéuticas con los tejemanejes que se traen para ganar dinero a costa del sufrimiento de los enfermos. La crítica es dura pero deja espacio para que cada uno se forme su propia opinión sobre hasta qué punto es moral arriesgar las vidas de los afectados para hacer que la medicina avance y llenar las arcas de las grandes corporaciones. Además, la alternativa que ofrece Woodroof tampoco está libre de reparos…

Pero más allá de las acusaciones y el desolador retrato de los primeros estragos que causó el VIH, la película se eleva gracias a dos huracanes en forma de las grandes interpretaciones de Matthew McConaughey y Jared Leto. Sus personajes llevan la impronta de Oscar desde el papel, pero eso no quita que ambos hayan puesto toda la poca carne que tenían durante el rodaje en el asador. McConaughey borda el temperamental y agrio carácter de Woodroof, y gracias a su soltura y fuerte presencia llegamos a simpatizar con él y consigue desaparecer en el personaje al igual que lo hace Leto, que está sencillamente brutal como el transexual Rayon, tan carismático como vulnerable. La alianza e improbable amistad que se forma entre ambos personajes resulta el pilar fundamental de todo el filme. No hay que olvidarse de la labor de Jennifer Garner, quien a pesar de tener un rol con el que no puede lucirse al nivel de sus compañeros de reparto, cumple con mucho oficio la parte que le toca.

Puede que Dallas Buyers Club no goce del mismo calado emocional que la mayoría de sus competidoras en los Oscar, pero es un drama biográfico más que digno gracias a la sobria dirección de Jean-Marc-Vallée, a las inmensas interpretaciones de sus actores, al interés que despierta su historia y a la desmitificación de su figura central, de la misma forma que no resulta manipuladora, edulcorada ni aleccionadora, y únicamente efectista cuando la tensión dramática lo requiere. Más que suficiente para celebrar la vida de Ron Woodroof, aunque nunca acabe convirtiéndose en santo de nuestra devoción.

8/10

O.C: Imitación a la vida (1959)

¿De qué va?: Lora Meredith, una actriz viuda en paro, vive con su hija adolescente en un humilde apartamento de Nueva York. Un día, conoce por casualidad a Annie, una mujer negra, y a su hija, que es mulata. Annie acaba trabajando para ella el mismo día en el que Lora también conoce a Steve, un fotógrafo que se enamora de ella.

Reputación: Segunda adaptación cinematográfica de la novela homónima de Fannie Hurst. La primera versión se estrenó en 1934 dirigida por John M. Stahl y con Claudette Colbert en el papel principal. En la historia original, el personaje de Lora se convierte en una afamada cocinera gracias a las recetas de Annie, y como resultado se convierte en una poderosa mujer de negocios, mientras que su sirvienta es desplazada de todo su éxito culinario. Pero el director, Douglas Sirk, y los guionistas Eleanore Griffin y Allan Scott pensaron que no sería aprobada por el movimiento afroamericano que por aquel entonces se encontraba en plena lucha por el caso Montgomery, sobre un hombre negro que se había sentado en el autobús en las plazas reservadas a los blancos. Así que decidieron que Lora fuera una estrella de Broadway y Annie fuese tan solo su criada y niñera. El vestuario de la película de Lara Turner costó un millón de dólares, lo que supuso uno de los vestuarios más caros de la historia del cine hasta entonces. Sin embargo, la estrella cobró menos de su salario habitual a cambio de un 50% de los beneficios del filme, lo que le hizo ganar 2 millones de dólares, marcando un récord para una actriz de su tiempo. Juanita Moore, fallecida el pasado mes de enero, y Susan Kohner, quienes encarnan a Annie y su hija respectivamente, fueron nominadas al Oscar de mejor actriz reparto. Ninguna consiguió la estatuilla dorada pero Kohner sí que se llevó el Globo de Oro.

Comentario: Imitación a la vida es un melodrama de tomo y lomo, de los que ya no se hacen. Con una trama que abarca muchos años y plagada de desdichas, realzadas por una atronadora banda sonora, e interpretaciones teatrales con las que los actores dominan el espacio escénico y se baten en duelo a cada momento para ver quién es el que mejor expresa el sufrimiento. Aquí los hombres son meros secundarios, pues son ellas las que cargan con todo el peso de la historia y lidian con los numerosos temas que toca la película: la ambición, el racismo, el deseo de aparentar ser alguien que no se es (esas luchas contra el espejo) pero, sobre todo, el amor incondicional que sólo puede dar una madre a pesar de los muchos quebraderos de cabeza que provocan los hijos.

Próximo visionado: Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo (1954)