O.C: Danzad, danzad malditos (1969)

¿De qué va?: En la Estados Unidos de la Gran Depresión se organiza un maratón de baile al que se apunta una gran multitud desesperada que sueña con conseguir el premio de 1500 dólares que se le entrega a la última pareja que se mantenga en pie. Mientras los concursantes fuerzan los límites de su resistencia física y psíquica, un público morboso se divierte contemplando su sufrimiento durante días.

Reputación: Una de las primeras películas dirigidas por Sidney Pollack, basada en la novela ¿Acaso no matan a los caballos? de Horace McCoy. Este autor, que había escrito numerosas historias pulp en revistas populares, se inspiró para sus novelas en su propia vida como ciudadano americano en medio de la Gran Depresión. Poco apreciado en su país, no obstante fue muy bien recibido en Francia, a través de las reivindicaciones de Jean-Paul Sartre y de Simone de Beauvoir, que resaltaron la actitud existencialista de los personajes de sus novelas, especialmente de ésta. Pollack decidió adaptar su novela al cine porque, aunque estaba ambientada en los años 30, su contenido crítico hacia la sociedad cuadraba perfectamente con la situación de Estados Unidos en aquel momento, con la Guerra de Vietnam en pleno auge. El filme sigue teniendo a día de hoy el dudoso honor de ser la película con más nominaciones a los Oscar, nueve, sin que la categoría de mejor película sea una de ellas. Al final ganó sólo uno, el de mejor actor de reparto para Gig Young por su formidable interpretación del presentador del concurso. Las otras nominaciones fueron mejor director, actriz protagonista y de reparto para Jane Fonda y Susannah York respectivamente, guión adaptado, dirección artística, montaje, música y vestuario.

Comentario: El título original de la cinta, ¿Acaso no matan a los caballos?, parece extraño en un principio pero cobra todo el sentido tras el visionado de la película. Aún así, Danzad, danzad malditos no es una mala traducción porque engloba toda su esencia: una contundente crítica al capitalismo cuyas víctimas no son otras que los pobres desgraciados a los que les ha tocado pertenecer a los estratos más bajos de la pirámide social. El inhumano maratón de baile de esta película tampoco difiere demasiado de los reality shows de hoy en día en los que todo es válido con tal de mantener la atención del espectador. Pollack consigue transmitir el abatimiento y la claustrofobia que se respira en ese pabellón donde los concursantes se juegan su futuro sufriendo y bailando para las masas. En definitiva, una película durísima por su pesimista visión de cómo está montado el mundo pero muy necesaria y oportuna ayer, hoy y seguro que mañana también.

Próximo visionado: La sombra de una duda (1943)

La flor del mal

Dir.: Park Chan-wook
Int.: Mia Wasikowska, Matthew Goode, Nicole Kidman, Dermot Mulroney, Jacki Weaver, Alden Ehrenreich, Phyllis Somerville
¿De qué va?: El día en el que India Stoker cumple 18 años su padre muere en un trágico accidente de tráfico. En su funeral, India conoce a Charlie, el hermano de su padre cuya existencia desconocía y que decide hacerse cargo de ella y de su inestable madre. A medida que va conociendo a Charlie, India se empieza a dar cuenta de que su llegada no es fruto de la casualidad.

Reseña: Hollywood siempre anda a la caza de talentos internacionales de prestigio para levantar algunos de sus proyectos. El problema llega cuando los estudios quieren interferir en la visión de los cineastas, provocando que el resultado se asemeje más a un trabajo de encargo que a una película que lleve un auténtico sello personal. Párense un momento a pensar cuántos directores extranjeros que han trabajado en Estados Unidos vuelven a repetir la experiencia. Muy pocos. Park Chan-wook es el último talento importado desde el cada vez más influyente mercado asiático y aun sin saber si ha quedado satisfecho con su aventura americana, al menos el resultado es tan digno que eleva los estándares del cine de suspense contemporáneo.

Stoker también es conocida por partir de un guión del actor Wenworth Miller, el protagonista de Prison Break, y aunque no figure en los créditos conviene tener en cuenta que el librero fue pulido por Erin Cressida Wilson, autora de Chloe, Retrato de una obsesión y Secretary. Desconociendo hasta qué punto se ha mantenido intacta la historia ideada por Miller, lo cierto es que Stoker bebe de las fuentes de Hitchcock (premisa casi idéntica a La sombra de una duda) y, aunque guarda apuntes similares sobre la obsesión y los mecanismos de seducción a los vistos en los filmes de la segunda guionista, la película es ante todo el retorcido paso de la infancia a la madurez de una chica que se descubre a sí misma  gracias a la influencia de un individuo tan enigmático como cautivador. Sin embargo, si no fuera por la atípica evolución de su personaje protagonista, el filme no pasaría de ser un thriller del montón de desarrollo evidente y con ciertas lagunas narrativas.

Y ahí es donde interviene el director para que la cinta suba de categoría. Park Chan-wook se muestra como un virtuoso del lenguaje fílmico al utilizar todos los recursos que tiene a su disposición para convertir la película en un sombrío poema sobre la belleza de la violencia. Nunca repite un plano, todos son diferentes: angulados, subjetivos, picados, contrapicados, travellings… La composición de la imagen es digna de estudio y el juego de luces, la fotografía y el sonido también son exprimidos al máximo para recrear el ambiente turbador que posee la historia, la cual también sale beneficiada de un trabajo de edición magnífico, sobre todo a la hora de usar flashbacks y acciones paralelas. La película cuenta con secuencias memorables, como el prólogo/epílogo, la sesión de piano a cuatro manos o la escena de la ducha.

Mia Wasikowska entiende a la perfección la complejidad y la psique de India y por ello realiza una interpretación sobresaliente que sin duda será una de las más recordadas de su aún incipiente carrera. Matthew Goode también se muestra muy solvente moviéndose entre el encanto y la inquietud que transmite su personaje, y aunque por cuestiones de guión Nicole Kidman no pueda lucirse tanto como sus dos compañeros de reparto, aprovecha cualquier oportunidad para demostrar que sigue siendo muy grande (además de ser una una actriz muy generosa). En definitiva, aunque en algunos momentos Stoker transite por los caminos trillados del telefilme de sobremesa consigue erigirse como una de las propuestas más sugestivas de lo que va de año gracias a la maestría de su comandante, capaz de convertir el bronce en oro.

7’5/10

Muerte y pollo frito

En tiempos pasados, cuando una película se estrenaba directamente en el mercado doméstico era síntoma de que la distribuidora no tenía la suficiente confianza en su calidad como para estrenarla en cines, pero dada la situación precaria por la que está atravesando el cine, especialmente en España, las compañías no pueden permitirse demasiados descalabros en taquilla, por lo que actualmente cada vez son más los títulos que aunque se estrenen en cines de todo el mundo a España llegan directos a DVD, plataformas streaming y televisiones de pago.

Este mes se editará por fin Rabbit Hole en España (con tres años de retraso nada menos) y hace unas semanas lo hizo Killer Joe, protagonizada por el mediático Matthew McConaughey y dirigida por William Friedklin, realizador de El exorcista y The French Connection, si bien su carrera en los últimos años no ha sido muy exitosa. El cineasta adapta una pieza teatral de Tracy Letts, algo que ya hizo en su anterior trabajo, Bug, inédito en España. La historia versa sobre Chris, un joven que planea junto a su padre, Ansel, el asesinato de su madre para poder cobrar el dinero de su seguro y así poder pagar la enorme deuda que le debe a un mafioso. Para ello, contratan los servicios de Killer Joe, un policía que trabaja como asesino a sueldo clandestino y que se queda prendado de la hermana pequeña de Chris, Dottie.

Por su herencia teatral, el filme cuenta con un reducido número de personajes. A los cuatro mencionados en el anterior párrafo hay que sumar a Sharla, la actual esposa del padre de Chris y Dottie. Cinco personajes que difícilmente se podrían ganar la simpatía de los espectadores, puesto que sacan a relucir lo peor de lo que puede ser capaz un ser humano y de forma muy extrema. Killer Joe es una mezcla de cine neo-noir con comedia negrísima cuyos “gags” sólo podrán ser apreciados por aquellos que toleren y disfruten de un humor muy macabro, no apto para todos los paladares. La violencia viene implícita en todo el relato pero no se hace patente hasta que estalla en un acto final muy tenso e incómodo. Después de esto, no volverás a ver el pollo frito de la misma manera.

Pero la solvente dirección de William Friedkin (haciendo un uso muy inteligente de las elipsis) y el notable guión de Tracy Letts se quedarían a medio gas si no fuera por la estupenda labor de su reparto. McConaughey demuestra que está en un momento álgido de su carrera con una de sus mejores interpretaciones, en las Antípodas de sus papeles en las comedias románticas que engrosaron sus cuentas bancarias durante varios años. El actor hace gala de su carisma innato pero lo emplea para suscitar inquietud y temor en el personal, con un matiz diferente cuando se relaciona con el personaje de Juno Temple, quien también está en estado de gracia al transmitir igual de bien la inocencia y la rabia latente de Dottie.

Emile Hirsch, Thomas Haden Church y Gina Gershon también cumplen con creces en sus respectivos papeles; atentos a ella en el último tramo del filme, el cual desemboca en uno de esos desenlaces que cabrearán a más de uno por quedar abierto, aunque a mi parecer el director da una pista de lo que pasará a continuación en uno de los últimos planos. En definitiva, Killer Joe es atípica, amoral y sugestiva, recomendada a aquellos interesados en el lado oscuro y perverso del ser humano.

7’5/10

Teaser de Gravity: Perdidos en el espacio

Se ha hecho de rogar pero por fin tenemos ante nosotros el primer anticipo de Gravity, la largamente esperada odisea espacial de Alfonso Cuarón. Y digo largamente esperada por dos razones: una, porque Cuarón no estrenaba película desde la magnífica Hijos de los hombres, y eso fue en el año 2006. Y segundo, porque el proyecto ha sufrido varios contratiempos desde su concepción, como la larga búsqueda de los actores que la protagonizaran, la complicada posproducción y un retraso en su estreno de casi un año por una fría recepción en los ‘test screenings’.

Finalmente, Gravity ya está lista para su estreno y parece que Warner ha quedado muy satisfecha con el resultado. El guión del filme lo escribió el cineasta junto a su hijo, Jonás Cuarón, y versa sobre dos astronautas que sufren una catástrofe durante un rutinario paseo espacial que provoca que el transbordador en el que viajaban se destruya y ambos queden completamente solos en el espacio y con una limitada reserva de oxígeno. Sandra Bullock (Tan fuerte, tan cerca) y George Clooney (Los idus de marzo) son los protagonistas del relato, aunque muchos otros sonaron para sus papeles antes que ellos. En el caso de ella se mencionaron los nombres de Angelina Jolie, Marion Cotillard, Blake Lively o Scarlett Johansson, mientras que Robert Downey Jr. fue el primer actor en el que se pensó para el personaje masculino. A mí no me terminó de convencer la elección de Bullock, pero quizás nos sorprenda.

La película dura 2 horas y sólo está compuesta de 156 tomas, pero muchas de ellas duran 6, 8 o 10 minutos, incluso se dijo que la película empezaría con un plano secuencia de casi 20 minutos. Vamos, que tiene pinta de ser uno de los prodigios técnicos y visuales del año. Aún hay que esperar hasta el 4 de octubre, fecha de su estreno mundial en muchos países incluido Estados Unidos y España, para afianzar las buenas sensaciones que nos deja su primer tráiler, que por bueno, breve y espectacular resulta el doble de bueno:

Nadie quedará impune

Creador: Mike Kelley
Int.: Emily VanCamp, Madeleine Stowe, Gabriel Mann, Nick Wechsler, Joshua Bowman, Henry Czerny, Christa B. Allen, Connor Paolo, Ashley Madekwe
Emisión: 2011 – Actualidad, FOX y Divinity
2 temporadas

Cuando era pequeño, a falta de series a las que engancharme más allá de los dibujos animados del fin de semana, veía telenovelas latinoamericanas. No sé si fue algo inculcado por mi madre y mi abuela, que se las pegaban todas, pero vi muchas, demasiadas: La usurpadora, Rosalinda, Cosas del amor, Esmeralda, Agujetas de color de rosa… hasta que mi afición concluyó con Betty la fea, ya sea por empacho o porque ya me sentía demasiado mayor, qué se yo. No las eché de menos, peso se da el caso de que hay una serie que ha vuelto a despertar en mí las genuinas emociones que sentía con esos culebrones llenos de pasiones, odios hasta la muerte y giros alocados: Revenge.

Cuando empezó a emitirse la primera temporada de Revenge no me llamó la atención. Pensé que sería una de esas series que son canceladas a las primeras de cambio. Sin embargo, la serie fue un éxito de audiencia y muchos amigos seriéfilos, de gusto contrastado, empezaron a recomendármela. El pasado verano tuve un hueco para engancharme a una serie nueva y decidí darle una oportunidad porque me apetecía un placer culpable, algo ligero que me entretuviera y enganchara. Y así fue como conocí a Emily Thorne (uno de los nombres con más gancho que ha parido la ficción televisiva) y su cruzada personal contra la familia Grayson y demás individuos que contribuyeron a que su padre fuera acusado de un atentado que no cometió cuando ella era una cría.

Emily, cuyo verdadero nombre es Amanda Clarke, llega a Los Hamptons, la zona costera pija de América por excelencia, con una nueva identidad y como una más de la élite, pero su verdadera intención es poner en práctica un elaborado plan de venganza que destruya las vidas de aquellos que destrozaron la suya. En los primeros capítulos se cobra sus primeras víctimas, meros peones del Final Boss, el matrimonio formado por Conrad y Victoria Grayson. Pero derrocar a los reyes de Los Hamptons no será tarea fácil, y como buen culebrón que se precie es necesario enrevesar la trama con sorprendentes revelaciones, nuevos personajes, asesinatos, planes que se tuercen y mucho más para mantener la intriga y la atención del espectador.

No me malinterpreten, Revenge no es un culebrón barato de sobremesa cualquiera. Su principal aliciente radica en que coge todos los ingredientes característicos de las telenovelas y los retuerce y amplifica a través de unos personajes que no tienen nada de santos. Éstos no son de los que cometen fechorías y aprenden la lección al final del capítulo; todos, incluso los buenos, tienen una vena cínica muy desarrollada, entran al trapo y hacen lo que sea con tal de conseguir sus objetivos, incluso aliarse con su peor enemigo. Revenge es, al fin y al cabo, una partida de ajedrez entre el bando liderado por Emily Thorne, beneficiada por la mirada ambigua de Emily VanCamp, y el capitaneado por la abeja reina del lugar, Victoria Grayson, una villana experta en miradas de cobra y en clavar puñales por la espalda. Una arpía que es más divertida cuanto más oscura se muestra interpretada con suma convicción por una felizmente recuperada Madeleine Stowe que luce sus inyecciones de botox con una elegancia exquisita.

El problema de Revenge es que su trama no puede estirarse demasiado en el tiempo. Esto ya se ha notado en una segunda temporada en la que han tenido que enredar aún más la trama con nuevos villanos para que la cruzada de Emily Thorne no termine demasiado pronto, pero ha provocado que la serie pierda buena parte de su encanto. Al menos, parece que la trama ha conseguido remontar tras un capítulo clave, el 2x14, y aunque la serie ha renovado por una tercera temporada, su creador, Mike Kelley, no será de la partida por diferencias creativas con la cadena. Entre otras cosas, Kelly quería que las temporadas de la serie fueran de 12 capítulos, como las del cable (algo más acorde con la estructura de la ficción), pero FOX prefiere temporadas largas para que le dure todo el año. Yo terminaría la serie con la tercera temporada, no porque ya esté harto de ella sino porque quiero que la vendetta de Emily Thorne tenga un desenlace digno en vez de que se estire como un chicle, como aquellas telenovelas en las que ya no sabían qué inventar para separar a la pareja protagonista. Los placeres culpables acaban perdiendo su sabor cuando se abusa de ellos.

O.C: Besos robados (1968)

¿De qué va?: Tras ser expulsado del ejército por insubordinación, Antoine Doinel visita a su antigua novia, Christine Darbon. El padre de ésta le encuentra trabajo como vigilante nocturno en un hotel, pero tras sufrir un engaño por parte de un detective privado, Antoine es despedido. Sintiéndose culpable, el detective le ofrece trabajo en su agencia, donde el joven intenta demostrar su valía aceptando encargos menores.

Reputación: Visto el rotundo éxito de Los 400 golpes y tras varios trabajos de diferente factura, el productor Pierre Roustang le propuso a François Truffaut el rodaje de un episodio dentro de una película, junto con otros cuatro directores, que se llamaría El amor a los veinte años. En su cortometraje, Antoine y Colette, Truffaut recuperó el personaje protagonista de Los 400 golpes, Antoine Doinel, interpretado por el mismo actor, Jean-Pierre Léaud. El filme resultó un considerable fracaso, pero contribuyó a que posteriormente Truffaut retomara las andanzas de Doinel en otras tres películas: Besos robados, Domicilio conyugal y El amor en fuga. Besos robados posee un tono cómico, radicalmente opuesto al dramatismo de Los 400 golpes y al sentimentalismo adolescente de Antoine y Colette. El filme surgió durante las revueltas juveniles contra el general Charles De Gaulle en mayo de 1968 y hay una dedicatoria a Henri Langlois, destituido por el gobierno de su puesto en la cinemateca francesa, que se puede ver en pantalla tras unas puertas cerradas del Musée du cinéma de París. Besos robados fue un inesperado éxito tanto dentro como fuera de las fronteras de Francia, éxito desconocido para el cineasta desde Los 400 golpes. Fue nominada tanto al Globo de Oro como al Oscar a mejor película de habla no inglesa.

Comentario: Besos robados demuestra que hacer comedia ligera no implica ser superficial. La película bucea por diferentes clases de amor (el natural, el platónico, el obsesivo…) a través de la mezcla de cotidianeidad y fantasía que envuelve a las aventuras de Antoine Doinel, quien afronta sus relaciones con las mujeres con la torpeza, la picardía y la ingenuidad que le caracterizan. No creo que sea la película sobre el amor  juvenil definitiva como he llegado a leer por ahí, pero sí que se ha ganado a pulso mi simpatía por su encantadora historia ambientada en un marco tan incomparablemente romántico como París.

Próximo visionado: Danzad, danzad, malditos (1969)

Un joven prodigioso

El domingo pasado se entregaron los Blogger Awards, unos premios que concedemos la comunidad bloguera y cinéfila hispanoparlante desde hace varios años cuyo palmarés pueden consultar en su web.  Una de las grandes triunfadoras de este año fue En la casa, que ganó los galardones a la mejor película de habla no inglesa y al de mejor guión adaptado. El filme del francés François Ozon también ganó la Concha de Plata a la mejor película en el pasado Festival de San Sebastián. Si no consiguió más reconocimiento internacional fue porque las más mediáticas Intocable y De óxido y hueso la eclipsaron.

En la casa versa sobre un profesor de literatura hastiado del escaso talento que tienen sus alumnos para la literatura, hasta que un día le llama la atención la redacción de uno de ellos, pues habla de la familia de un amigo suyo con un agudo sentido de la observación. Intrigado por la historia inconclusa y sin saber realmente qué es verdad y qué inventado, el profesor alienta a su alumno de que siga escribiendo, hasta que se acaba involucrando demasiado en la vida del estudiante y en la de la familia de la que éste escribe. El filme de Ozon es difícil de clasificar porque va mutando de una escena para otra: cuando parece  ser una versión menos edulcorada de Descubriendo a Forrester se convierte en una mirada crítica de la clase media (a lo American Beauty, pero ‘French’) y una mofa al arte moderno, pero luego vuelve a mudar de piel y resulta ser una comedia ácida y un drama con toques de thriller sobre la obsesión.

Normalmente, cuando una película toca tantos palos acaba resultando irregular y confusa, pero en este caso todo fluye con naturalidad, de forma creíble e inesperada. No tardamos en contagiarnos de la fascinación que siente el profesor por su alumno, un ególatra de cuidado que conquista a cualquiera que se le ponga por delante, y no digo más para no estropearles las numerosas sorpresas que esconde En la casa, una película con numerosas habitaciones digas de explorar. ¡Ah! Y sale Kristin Scott Thomas en su espléndida madurez, tanto física como interpretativa, lo cual siempre es un aliciente para cualquier película en la que participe.

8/10