Itinerario de estrenos de octubre 2014

Tras el enorme éxito cosechado el año pasado, vuelve la Fiesta del Cine, que se celebrará los próximos 27, 28 y 29 de octubre. Lejos quedan las primeras ediciones en las que las películas sólo costaban 2 euros, ahora son 2,90, y, en realidad, hay que pensarse bien si vale la pena la conglomeración en las salas y las larguísimas colas en la taquilla para disfrutar de la promoción, y es que, por ejemplo, al cine al que suelo ir la entrada sólo cuesta un euro más todos los miércoles. Con fiesta o sin ella, lo cierto es que se nos presenta un mes muy interesante, con estrenos muy potentes como lo nuevo de David Fincher y de los hermanos Dardenne. Además, tiene pinta de que será un gran mes para el cine español por la cantidad de títulos patrios con gran poder de convocatoria que coincidirán en cartelera, con Torrente en cabeza. Aquí les dejo mi selección:

La desaparición de Eleanor Rigby: Hace un año, el director y guionista Ned Bedson presentó en Toronto The Disappearance of Eleanor Rigby: Him y The Disappearance of Eleanor Rigby: Her, un díptico que cuenta una historia de amor desde dos puntos de vista diferentes, el de él y el de ella. Harvey Weinstein compró los derechos de las películas pero instó al director a que realizara un nuevo montaje que fusionara las dos cintas en una, que es la versión que se verá tanto en España como en el resto del mundo. El díptico original se podrá ver en algunos cines norteamericanos y se espera que se edite para el mercado doméstico. James McAvoy (X-Men: Días del futuro pasado) y Jessica Chastain (Mamá) conforman la pareja protagonista, secundados por Isabelle Huppert (Dead Man Down), William Hurt (La huésped), Viola Davis (El juego de Ender) y Jess Weixler (La mirada del amor) entre otros. La película ha obtenido críticas decentes, pero peores que las que recibió el proyecto como fue concebido originalmente.
Estreno: 3 de octubre

Perdida (Gone Girl): David Fincher (Los hombres que no amaban a las mujeres) vuelve a los cines con la adaptación cinematográfica de la exitosa novela homónima de Gillian Flynn, que también se ha encargado de escribir el guión. La historia arranca con la desaparición de Amy Dunne en el día del quinto aniversario de su boda. Su marido, Nick, tiene una extraña conducta que lo convierte en el principal sospechoso para la policía y los medios. Ben Affleck (Runner, runner), Rosamund Pike (Mejor otro día), Neil Patrick Harris (Mil maneras de morder el polvo), Tyler Perry (En la mente del asesino) y Patrick Fugit (Amor sin control) encabezan el reparto de este thriller que, a tenor de las críticas, es una inmejorable adaptación de la sorprendente, perturbadora y recomendadísima novela en la que se basa.
Estreno: 10 de octubre

El viaje de tu vida (Tracks): Horroroso título que parece sacado de un reality show el que le ha endosado su distribuidora española a esta película basada en las memorias de Robyn Davidson, quien en 1977 se empeñó en cruzar cerca de 3.000 km del desierto australiano en la única compañía de su perro y de tres camellos. Un reportero del National Geographic se encargó de dar con ella de vez en cuando para retratar su odisea. John Curran (Stone) dirige y Mia Wasikowska (Sólo los amantes sobreviven) y Adam Driver (Amigos de más) protagonizan esta hermosa película que tuve la ocasión de disfrutar hace unos meses en un cine de Eslovenia.
Estreno: 17 de octubre (simultáneo en salas y DVD)
Reseña

Dos días, una noche: Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (El niño de la bicicleta) dirigen este drama social sobre una muchacha que dispone de sólo un fin de semana para ir a ver a sus compañeros de trabajo y convencerlos de que renuncien a su paga extraordinaria para que ella pueda conservar su puesto. El filme, protagonizado por Marion Cotillard (El sueño de Ellis) y Fabrizio Rongione (Diaz: No limpiéis la sangre), obtuvo críticas excelentes en su presentación en el Festival de Cannes (aunque se fue de vacío), y ha sido la elegida para representar a Bélgica en la próxima edición de los Oscar.
Estreno: 24 de octubre

Filth, el sucio: Adaptación cinematográfica de la novela Filth de Irvine Welsh (Trainspotting), editada en España bajo el título Escoria. Gira en torno al detective de policía más maleducado, pervertido, misántropo y adicto a las drogas y al alcohol de Edimburgo, en su particular guerra por alcanzar su ascenso soñado aunque tenga que pisar las cabezas de sus compañeros de trabajo por el camino. James McAvoy protagoniza el filme acompañado por Imogen Poots (Mejor otro día), Jamie Bell (Snowpiercer), Eddie Marsan (Bienvenidos al fin del mundo) y Jim Broadbent (La Week-End). Ha obtenido críticas generalmente positivas, que ensalzan especialmente la interpretación de su protagonista. En breve, reseña.
Estreno: 31 de octubre

[REC] 4: Apocalipsis: Último capítulo de la saga española de terror por excelencia iniciada hace ya 7 años por Paco Plaza y Jaume Balagueró. Este último se ha encargado en solitario de cerrar la franquicia después de que su compañero rodase la tercera parte, Génesis, y ha vuelto a contar con la protagonista de la cinta original, Manuela Velasco. La reportera Ángela Vidal es la única superviviente de la terrible infección que se propagó en un edificio de viviendas en Barcelona, y es evacuada a un barco para ser sometida a observación. Aunque parece que la situación está por fin controlada, el caos vuelve a desatarse y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas. La cinta se presentó en el Festival de Toronto recibiendo críticas dispares.
Estreno: 31 de octubre

Actor del mes: James McAvoy

Méritos: Cuando nombramos por primera vez a James McAvoy como actor del mes, hace ya seis años, se encontraba realizando su bautismo en el cine hollywoodiense con Wanted. Se busca, tras haber llamado la atención de la crítica con Expiación. Por aquel entonces decíamos que el escocés prometía, y lo cierto es que no nos ha defraudado. En este tiempo ha trabajado tanto en Reino Unido como en Nortemérica, alternando producciones pequeñas con propuestas más comerciales, entre las que destaca su participación protagonista en una de las franquicias más taquilleras de la historia, X-Men.

Tras romper las taquillas el pasado verano con X-Men: Días del futuro pasado, este mes lo tenemos por partida doble en la cartelera española. El próximo viernes se estrenará La desaparición de Eleanor Rigby, un drama romántico co-protagonizado por Jessica Chastain que en realidad es una mezcla de dos películas, una desde el punto de vista de él y otro desde el de ella, fusionadas por orden de su distribuidor, Harvey Weinstein. Unas semanas más tarde, y con bastante retraso respecto al resto del mundo, nos llegará Filth, en la que McAvoy encarna a un policía escocés putero, drogadicto, manipulador, pervertido, misántropo y grosero. Una joyita de personaje que le ha valido varios premios británicos y que nos descubre la faceta más oscura del actor, al que también vimos este año fugazmente en una película de tono diametralmente opuesto,  El tour de Los Muppets. ¿Qué podemos decir de James McAvoy? Pues que progresa adecuadamente y que esperaremos con entusiasmo su próxima evaluación, dentro de otros seis años.

La evolución de James McAvoy en 12 películas

De izq. a der. y de arriba a abajo: Uno de sus primeros papeles fue en la miniserie bélica Hermanos de sangre (2001); empezó a caernos bien como el rebelde tetrapléjico al que dio vida en Bailo por dentro (2004); comenzó a darse conocer entre el gran público como el fauno de Las Crónicas de Narnia: El león, la bruja, y el armario (2005); en El último rey de Escocia (2006) no salió bien parado de trabajar para el sanguinario presidente de Uganda Idi Amin; sirvió de inspiración romántica para La joven Jane Austen (2007) antes de protagonizar la película que lo consagraría como joven revelación, Expiación (2007); en Wanted. Se busca (2008) se zambulló de cabeza en el género de acción; defendió a una de las acusadas del asesinato de Abraham Lincoln en el drama histórico La conspiración (2010); ha prestado su voz a los protagonistas de las cintas de animación Gnomeo y Julieta (2011) y Arthur Christmas: Operación regalo (2011); en Filth (2013) da vida a su personaje más extremo hasta la fecha; encarna a Charles Xavier, alias Profesor X, en X-Men: Primera generación (2011), Días del futuro pasado (2014) y lo volverá a hacer en Apocalypse (2016); lo próximo, dar vida al doctor Victor Von Frankenstein en Frankenstein (2015), nueva versión del mítico relato de Mary Shelley.

¿Sabías que…?

- Está casado desde el año 2006 con la actriz Anne-Marie Duff, a la que conoció en el rodaje de la serie Shameless (UK) y con la que tiene un hijo.

- Su director favorito es Ken Loach, con el que nunca ha colaborado.

- Sus películas favoritas son Los Goonies, Regreso al futuro, La gran evasión, Breve encuentro, Kes y Mi nombre es Joe.

- Es un gran admirador del Celtic Football Club y ha manifestado que uno de sus sueños sería interpretar a Jimmy Johnstone, una de las leyendas futbolísticas del equipo.

- Dijo que era “desesperadamente alérgico” a los caballos y que sufrió terriblemente rodando escenas para La conspiración.

- Tras ganar el Rising Start Award en 2006, ha estado nominado a los BAFTA en dos ocasiones, por El último rey de Escocia y Expiación. Por esta última posee su única nominación a los Globos de Oro. Ha recibido mucho más cariño de las asociaciones de premios británicas que de las americanas.

- Sus fans se denominan a sí mismos “McAvoyeurs”.


Extras

Tráiler de La desaparición de Eleanor Rigby: Ellos

Tráiler de Filth, el sucio

Entrevista a McAvoy y Fassbender sobre X-Men: Días del futuro pasado

Recogiendo el Jameson Empire Award a mejor actor por Filth

Ice Bucket Challenge

O.C: Vidas rebeldes (1961)

¿De qué va?: Una joven, que llega a Reno a divorciarse, conoce a un viejo vaquero y a su amigo y decide quedarse unos días en la cabaña que posee este último. Poco después, descubren en la montaña una manada de caballos salvajes. Con la colaboración de un vaquero especialista en rodeos, los hombres deciden capturarlos para vender la carne.

Reputación: Escrita por Arthur Miller mientras esperaba su propio divorcio para casarse con Marilyn Monroe, Vidas rebeldes (The Misfits) está considerada como una de las películas malditas de Hollywood. Para empezar, tuvo un rodaje bastante complicado, mayormente ocasionado por el clima desértico de Nevada y por los problemas personales del director, John Huston, y de dos de sus estrellas, Marilyn Monroe y Montgomery Clift. Huston bebía continuamente, algo habitual en él, así que solía quedarse dormido en el plató. Por otra parte, un doctor estaba disponible las 24 horas de cada día de rodaje para Monroe y Clift, porque ambos tenían problemas de salud por ingesta de alcohol y antidepresivos. Ella solía llegar con mucho retraso al set, así que para no aburrirse, Clark Gable optó por realizar la mayor parte de sus escenas de riesgo, como en la que es arrastrado por un camión a 50 km/h. En el último día de rodaje, Gable afirmó estar aliviado de que se hubiera terminado porque Monroe casi le provoca un ataque al corazón. El actor murió así 10 días después. También fue la última película para Marilyn, pues cuando murió de sobredosis, el 2 de agosto de 1962, no había completado el que está considerado como su último trabajo, la comedia Something’s Got to Give, ya que fue despedida para ser recontratada poco antes de su muerte. Supuestamente, la noche en la que murió Montgomery Clift por complicaciones de salud debidas a su adicción a las drogas y el alcohol, su asistente le preguntó si quería ver la película, ya que la estaban emitiendo por televisión, a lo que él respondió, “No, en absoluto”, siendo las últimas palabras que pronunció en vida. El pasado 24 de junio murió Eli Wallach, el cuarto en discordia del elenco pese a que el nombre de Thelma Ritter, cuya presencia es mucho más reducida, fuera por delante del suyo en el cartel promocional.

Comentario: Probablemente no sea de las mejores películas de ninguno de sus implicados, pero Vidas rebeldes tiene algo de drama crepuscular que enlaza las trágicas historias y destinos de la vida real de sus estrellas con los personajes que interpretan, convirtiéndola en algo verdaderamente especial: Clark Gable como un hombre de acción, a la vez que paternalista, que se resiste a envejecer; Marilyn Monroe como la pizpireta y presumida bomba sexual que sin embargo oculta numerosas inseguridades y una gran tristeza; y Montgomery Clift, un hombre herido física y emocionalmente en plena espiral de autodestrucción. Es, a través de unos personajes cuyo espíritu no andaba muy lejos del de los actores que les daban vida, lo que aporta resonancia a una película sobre un grupo de personas solitarias en busca de un rumbo y un poco de cariño.

Próximo visionado: Easy Rider (1969)

Música que marca la diferencia

Dir.: Lenny Abrahamson
Int.: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Scoot McNairy, François Civil, Carla Azar
¿De qué va?: Jon, un joven aspirando a músico, se une por pura casualidad a una banda de excéntricos músicos liderada por el enigmático Frank, un hombre que esconde su rostro dentro de una enorme cabeza de papel maché.

Reseña: No deja de ser curioso que uno de los actores más admirados y atractivos de la actualidad, tras mostrarse como su madre lo trajo al mundo sin ningún tipo de rubor (tampoco lo necesita), haya ido en contra de la máxima hollywoodiense de “chupa toda la cámara que puedas, pero sólo desde tu mejor ángulo”, aceptando un papel en el que ocurre justamente lo contrario. Hablamos de, quién si no, Michael Fassbender, y de su último estreno, Frank, una comedia negra en la que el actor se enfunda un simpático cabezón y se atreve a cantar para servir como epicentro de esta fábula musical extraña, un tanto contradictora pero sorprendentemente conmovedora, que entrelaza enfermedades mentales con la música y la fama.

El protagonista es un chaval, interpretado por el muy eficiente Domhnall Gleeson, que se enrola en una banda poco conocida que toca música experimental, no muy alejada de lo que hace Yoko Ono. Al descubrir las creativas y extravagantes formas que posee el grupo de componer y tocar su música, liderados por el tan misterioso como carismático cabezudo al que da vida Fassbender, el joven decide darlos a conocer a través de las redes sociales en busca de la ansiada popularidad. La película utiliza esta premisa para reflexionar sobre la difícil digestión de la fama, la necesidad universal de ser queridos y la libertad creativa, en un adecuado tono de humor absurdo. En ocasiones funciona como parodia de las bandas musicales basadas en el ‘postureo’ y en otras resulta un alegato a favor de las mismas. Entre medias, se pregunta si el nadar a contracorriente resulta tan perjudicial (si la cosa funciona…), y si eso de que necesitamos el amor y la aceptación de los demás es algo natural del ser humano o si por el contrario es una creencia popular autoimpuesta por la sociedad.

Aunque Maggie Gyllenhaal resulte divertida en su sempiterno hastío y mala leche y Scott McNairy muy enternecedor, todas las miradas se centran, obviamente, en Michael Fassbender, quien consigue gracias a su voz y su lenguaje corporal que esa cabeza de papel maché sea plenamente expresiva en cualquier situación. Frank es una película que en realidad no es tan alienada como aparenta por lo familiar que resultan los temas que aborda. Su originalidad casa perfectamente con la forma en la que se ha estrenado en nuestro país, exclusivamente de forma online, siendo la primera película de renombre (por su estrella protagonista) en hacerlo. Eso sí, los problemas que me ha dado su visionado, principalmente por no estar lo suficientemente bien equipado, no hacen más que reafirmar mi opinión de que para disfrutar de una película, ningún sitio mejor que el cine.

7/10

Si la tele te da limones…

Creador: Tina Fey
Int.: Tina Fey, Alec Baldwin, Tracy Morgan, Jane Krakowski, Jack McBrayer, Scott Adsit, Judah Friedlander, Keith Powell
Emisión: 2006 – 2013, NBC
7 temporadas

Hace un año y medio finalizó 30 Rock (Rockefeller Plaza), tras siete años de emisión en la cadena NBC. Nunca tuvo grandes audiencias, en realidad eran bastante regulares, pero consiguió sobrevivir por ser una de las grandes favoritas de la crítica especializada (236 nominaciones en premios varios y un buen puñado de Emmys y Globos de Oro) y por emitirse precisamente en NBC, pues en otra cadena no habría pasado de dos temporadas con índices tan bajos. En España no goza de mucha popularidad, se emitió de tapadillo en laSexta, Neox, Nova y Paramount Comedy, pero ni siquiera me consta que la hayan emitido en su totalidad. Una pena, pero tampoco me sorprende, porque su sentido del humor es tan brillante como poco dado al gran público.

Tina Fey es la creadora de la serie, quien se inspiró en la época en la que trabajó para Saturday Night Live, donde se hizo popular gracias a su divertidísima parodia de Sarah Palin. Ella también da vida a la protagonista, Liz Lemon, la principal guionista de un programa de sketches cómicos, The Girlie Show, cuya vida da un vuelco con la llegada de un nuevo directivo a la cadena, Jack Donaghy, quien impone a una nueva estrella en el show, el impredecible Tracy Jordan, lo que provocará los celos de la que era la absoluta protagonista hasta entonces, Jenna Maroney. Como muchas series memorables como Friends, 30 Rock no arrancó especialmente bien: correcta, pero sin mucha gracia ni personalidad. No fue hasta que la relación entre Liz y Jack pasó del choque inicial a una amistad cómplice en la que él asume la función de mentor de ella que la serie comenzó a relajarse, desarrollar su vis cómica y tomar una velocidad de crucero que no abandonaría hasta su final.

30 Rock no es una serie para aquellos que creen que The Big Bang Theory es el súmmum de la comedia televisiva. Ojo, que a mí me gusta, pero reconozco en ella una simpleza y unas limitaciones que la creación de Tina Fey nunca tuvo, porque cogió el concepto de sitcom y lo elevó a las altares a través de un humor que es absurdo, inteligente, cultural, friki, surrealista, autorreferencial, autocrítico, político, meta y mucho más, todo en uno. Cuando otros se conforman con tocar dos palos, 30 Rock lo abarcaba todo y se marcaba capitulazos en los que el ritmo de gags es tan rápido que hay que estar completamente atento para no perder detalle, y sin ser nunca condescendiente con el espectador. Nada ni nadie se escapa de su objetivo, ni siquiera su propia cadena, NBC, cuya precaria situación fue objeto de mofa a lo largo de toda la serie. Tal fue su prestigio que numerosas estrellas intervinieron en la serie, tanto en pequeños cameos como en apariciones que abarcaban varios capítulos: Julianne Moore, Matt Damon, Jennifer Aniston, James Marsden, Salma Hayek, James Franco, Elizabeth Banks, Jon Hamm, Steve Buscemi, Chloë Grace Moretz… La lista da vértigo, y tiene tanto mérito que se pirraran por aparecer en la serie como el ponerlos a hacer el ganso con toda su complicidad; no hay más que ver el episodio en el que Denise Richards se interpreta a sí misma liderando un grupo que revindica los derechos de los idiotas.

Toda esa gracia que contenía 30 Rock no funcionaría ni la mitad de bien si no fuera por los personajes principales y recurrentes y los actores que los interpretaban. Tina Fey utilizó la serie como vehículo para su lucimiento, sí, pero a diferencia de Sarah Jessica Parker (Sexo en Nueva York) o Alyssa Mylano (Embrujadas) que aprovecharon su poder como productoras para recalcar lo estupendas que eran, la Liz Lemon de Fey es un completo desastre y para nada glamurosa; nerd y adicta a la comida basura, no hay capítulo en el que se rían de su pelo, su vestuario o de cualquier otro aspecto de su vida y personalidad. Fey forma un estupendo tándem con Alec Baldwin, quien revitalizó su carrera gracias a la serie, y se agradece que nunca haya existido la consabida tensión romántica entre ambos.

Al principio Tracy Morgan resultaba muy cansino, pero fue a mejor cuando aprovecharon su estupidez y lo utilizaron para parodiar a Eddie Murphy, al fenómeno Precious y al star-system. Jack McBrayer es la mejor caricatura de la facción ultrareligiosa americana jamás vista en televisión (e incluso en el cine), y he dejado para el final a mi favorita, junto a Liz Lemon: Jenna Maroney. La encarnación que realiza Jane Krakowski de esta actriz nefasta, impopular, promiscua, alcohólica, egoísta, egocéntrica y todos los ‘egos’ posibles es una de esas intervenciones secundarias capaces de robar el show. Tal vez un spin-off no sería apropiado porque la sobreexposición podría ir en su contra, pero su aportación a la serie la convierte sin duda en uno de los mejores personajes cómicos de la televisión americana.

30 Rock no tendrá la legión de seguidores que tienen Friends, The Big Bang Theory o Modern Family, pero su importancia y legado para la comedia televisiva es incuestionable; sin ir más lejos, estoy seguro que sin 30 Rock no habría Community. A través de las numerosas parodias y chistes que realiza la serie a costa del mundo de la televisión (impagable el capítulo Queen of Jordan recreando un reality show), se vislumbra un cariño auténtico por la caja tonta, sus entresijos y la adicción que genera. Un amor que queda patente en los dos episodios en vivo que rodaron, en los que también queda reflejado todo el talento implicado en su realización. Tras más de dos años viendo episodios cada semana, he terminado 30 Rock y sin duda voy a notar su ausencia. La televisión española sería un lugar mucho más acogedor si tan sólo tuviera una mínima parte de su esencia.

Back to Basics

Dir.: John Carney
Int.: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Adam Levine, Hailee Steinfeld, James Corden, Catherine Keener, CeeLo Green, Mos Def
¿De qué va?: Gretta y Dave son una pareja de músicos enamorados que llegan a Nueva York cuando él firma un contrato con un importante sello discográfico, pero su recién adquirida fama pronto tienta a Dave y deja de lado a Gretta, cuyo mundo se viene abajo. Cuando Dan, un ejecutivo musical en horas bajas, descubre a Gretta durante una actuación en un bar, queda cautivado al instante por su talento, por lo que se ofrece para producirle un álbum.

Reseña: El éxito de Once pilló desprevenidos tanto a su director, John Carney, como a sus protagonistas, Glen Hansard y Markéta Irglová, que se enamoraron durante el rodaje. Una pequeña película irlandesa, rodada con cuatro duros, con poca ambición pero mucho corazón, que llegó al Kodak Theatre para ganarle el Oscar a mejor canción a una superproducción Disney, Encantada. Lo que vino después para los protagonistas de la película está recogido en el documental The Swell Season; la pareja inició una gira de conciertos que puso en evidencia las diferencias entre ellos: él saboreaba las mieles del éxito que había ansiado toda su vida, mientras que ella se sentía incómoda con la fama y el efecto fan. La relación terminó poco antes de que finalizara el tour.

Es probable que Carney se inspirase en aquella historia de (des)amor musical para su segundo y esperado largometraje, Begin Again, pues el que haya visionado The Swell Season reconocerá ciertos momentos del documental en la relación de la protagonista, una discreta compositora, y su novio, una estrella musical en ciernes. No obstante, la película no es un pozo de melancolía como lo era tanto el docu como Once, puesto que para su primera incursión americana, Carney ha optado por centrarse en la energía terapéutica de la música a través de la alianza entre una chica con el corazón roto y un desencantado productor musical en horas bajas. El conflicto dramático es sólo el detonante de una historia que no tarda demasiado en pasar al buen rollo, a las sonrisas y a un repertorio musical que venera la ciudad de Nueva York y se encuentra en perfecta sintonía con el espíritu pseudo-hipster del filme.

Keira Knightley se muestra realmente encantadora y convence como cantante (por mucho Auto-Tune que pueda haber detrás), al tiempo que Mark Ruffalo da rienda suelta a su carisma, que no es poco. La amistad y complicidad que se genera entre sus personajes es uno de los platos fuertes de la película, pero es ponerlos a relacionarse con el resto de personajes de la historia y la cosa se tambalea. La trama de ella se salva con Adam Levine, consciente o no de que se está criticando aquello que él mismo representa, y el simpático James Corden, pero la historia de Ruffalo con su ex y su hija de la ficción, Catherine Keener y Hailee Steinfeld respectivamente, es tan superficial y manida (¿Relación distante entre padre e hijo? ¿Otra vez?) que sobra tanto como la aportación de la joven con su guitarra en una de las canciones que interpreta Knightley.

Begin Again también tiene espacio para hacer una crítica a la industria musical, a la forma en la que moldean a sus estrellas y al desequilibrio en el reparto de las ganancias que generan. Aunque guarde ciertas similitudes con Once carece de su personalidad y naturalidad, pero sí que conserva su mantra sobre el poder de la música como fuerza creativa, rehabilitadora y vigorizante, y además se revela como la ‘feel-good movie’ del año, con algunas canciones como Lost Stars o Tell Me If You Wanna Go Home que, tal vez no las recordaremos el año que viene, pero sin duda las tararearemos y nos cargarán de energía positiva durante un buen tiempo.

7’5/10

Vivir para crecer

Dir.: Richard Linklater
Int.: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Marco Perella, Jamie Howard, Nick Krause, Zoe Graham, Jordan Howard
¿De qué va?: Mason es un niño de 6 años que se enfrenta a la primera convulsión de su vida: su madre ha decidido mudarse con él y su hermana a Houston, justo cuando el padre de los niños acaba de regresar de Alaska. Es el comienzo de una década llena de cambios en la que Mason no parará de buscar su propio camino.

Reseña: No contento con crear el tríptico definitivo sobre el paso del tiempo y el amor en diferentes edades con las películas de Antes de…, Richard Linklater ha hecho el más difícil todavía rodando una película a lo largo de 12 años, para retratar la madurez y el envejecimiento como no se ha hecho nunca en el cine. Una propuesta arriesgada, como dirían algunos, por los imprevistos que podrían haber acontecido a lo largo de algo más de una década, como el fallecimiento de alguno de los intérpretes, pero lo cierto es que Linklater no contaba con un guión escrito de antemano sino que lo ha ido creando e improvisando cada año, no sólo teniendo en cuenta el crecimiento de sus actores sino los movimientos y tendencias culturales más representativos.

Así, la película comienza al ritmo de Yellow, uno de los primeros éxitos de Coldplay y llega al final con Hero de Family of the Year, que ya sonaba en el tráiler. Entre una canción y otra pasan Britney Spears, la Xbox, Lady Gaga, Bush, Obama, Harry Potter, Crepúsculo y un gran número de referentes culturales y sociales que parecen forzados sólo porque estamos acostumbrados a asimilarlos a través de la publicidad subliminal, pero están ahí, al igual que en todas y cada una de nuestras mundanas vidas. Eso es lo que ha querido captar Linklater en su película, lo que significa vivir una realidad reconocible, poco dada a lo cinematográfico, que está más emparentado con lo especial, lo fantástico, y lo hace construyendo una película como si fuera un recuerdo global de la infancia. Si cada uno de nosotros se pone a pensar en nuestra niñez, recordaremos tanto momentos cruciales (no todos) como otros que son más corrientes, pero que de alguna forma, se han quedado grabados en nuestra memoria. Así es Boyhood.

La principal atracción del filme reside en ver en un corto intervalo de tiempo cómo envejecen sus personajes sin necesidad de maquillaje, efectos digitales o cambio de actores, en especial, su protagonista, Ellar Coltrane, quien es el que cambia de forma más evidente. El problema de Coltrane es que su personaje, Mason, introvertido pero curioso y reflexivo, es un chico tan corriente, tan hijo de vecino, que cuesta sentir una especial simpatía por él. En cambio, sí que resultan más sugestivas las encarnaciones de Patricia Arquette y Ethan Hawke; ambos, al igual que Mason, están buscando su camino pero en plena vida adulta, y es que la búsqueda no termina necesariamente al llegar a la universidad. Cerrando el núcleo familiar tenemos a Lorelei Linklater, hermana de Coltrane en la ficción e hija del director en la vida real. La chica resulta muy graciosa cuando es pequeña pero con el paso del tiempo se va volviendo más desabrida.

Dadas las críticas superlativas, muchos espectadores esperan de Boyhood algo trascendental; nada que ver con las pretensiones de Linklater. Su intención no va más allá de la de hacer un retrato de la infancia y el proceso de madurez lo más pegado a nuestra realidad posible y eso, para desgracia de muchos de nosotros, no implica necesariamente hechos remarcables para el resto de mortales o frases para la posteridad. Linklater crea diálogos bien construidos, naturales y con chispa, en la línea de la trilogía de Antes de… pero a medida que Mason se hace mayor el interés de la historia se torna un tanto irregular, sensación acentuada por las 3 horas que dura la película. Tal vez ésa haya sido la intención, asemejarse a la vida real en lo que respecta a que cuando uno es niño todo es nuevo, mágico y divertido, pero cuando pasan los años todo se vuelve más serio, real y desilusionante. Intencionado o no, lo cierto es que pocos han sabido capturar la imperfecta esencia del mundo real como lo ha hecho Linklater.

8/10