Obra y milagros de un bala perdida

Dir.: Jean-Marc Vallée
Int.: Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Steve Zahn, Dallas Roberts, Griffin Dunne, Denis O’Hare, Bradford Cox
¿De qué va?: Ron Woodroof es un electricista y cowboy de rodeo de Texas que en 1985 es diagnosticado como seropositivo y se le dan 30 días de vida. Reacio a aceptar esa sentencia de muerte, Ron se introduce en el mundo de los fármacos clandestinos y acaba convirtiéndose en el mayor promotor de un tratamiento no aprobado legalmente que no solo le alivia de la enfermedad sino que le prolonga su vida.

Reseña: Siempre ha existido una tendencia en los biopics de santificar tanto a las figuras célebres como a las anónimas en las que se centran. Películas como Ray pasan de puntillas por los aspectos más oscuros de su figura central, mientras que otras como la reciente Fruitvale Station (pendiente de estreno en España) exageran sus bondades para realzar su estatus de víctima, hasta el punto en el que resulta más que evidente la artificialidad del guión. Por eso, y a pesar de su condición de “vehículo para el lucimiento de actores”, Dallas Buyers Club destaca por encima del resto de sus congéneres, porque presenta a su homenajeado tal y como es: un cabrón homófobo, exaltado y sin escrúpulos.

En cierta manera, Dallas Buyers Club tiene mucho que ver con Erin Brokovovich: ambas son biopics que reproducen la lucha de una persona normal y corriente contra el sistema y una gran corporación. Ambos personajes son impetuosos, malhablados y algo catetos, pero también son capaces de construirse a sí mismos para luchar por una buena causa. Evolucionan, pero manteniendo intacto el carácter y la personalidad que los hace únicos. Si en la película de Steven Sodelbergh los malos eran una compañía eléctrica, aquí lo son el sistema sanitario y las empresas farmacéuticas con los tejemanejes que se traen para ganar dinero a costa del sufrimiento de los enfermos. La crítica es dura pero deja espacio para que cada uno se forme su propia opinión sobre hasta qué punto es moral arriesgar las vidas de los afectados para hacer que la medicina avance y llenar las arcas de las grandes corporaciones. Además, la alternativa que ofrece Woodroof tampoco está libre de reparos…

Pero más allá de las acusaciones y el desolador retrato de los primeros estragos que causó el VIH, la película se eleva gracias a dos huracanes en forma de las grandes interpretaciones de Matthew McConaughey y Jared Leto. Sus personajes llevan la impronta de Oscar desde el papel, pero eso no quita que ambos hayan puesto toda la poca carne que tenían durante el rodaje en el asador. McConaughey borda el temperamental y agrio carácter de Woodroof, y gracias a su soltura y fuerte presencia llegamos a simpatizar con él y consigue desaparecer en el personaje al igual que lo hace Leto, que está sencillamente brutal como el transexual Rayon, tan carismático como vulnerable. La alianza e improbable amistad que se forma entre ambos personajes resulta el pilar fundamental de todo el filme. No hay que olvidarse de la labor de Jennifer Garner, quien a pesar de tener un rol con el que no puede lucirse al nivel de sus compañeros de reparto, cumple con mucho oficio la parte que le toca.

Puede que Dallas Buyers Club no goce del mismo calado emocional que la mayoría de sus competidoras en los Oscar, pero es un drama biográfico más que digno gracias a la sobria dirección de Jean-Marc-Vallée, a las inmensas interpretaciones de sus actores, al interés que despierta su historia y a la desmitificación de su figura central, de la misma forma que no resulta manipuladora, edulcorada ni aleccionadora, y únicamente efectista cuando la tensión dramática lo requiere. Más que suficiente para celebrar la vida de Ron Woodroof, aunque nunca acabe convirtiéndose en santo de nuestra devoción.

8/10

O.C: Imitación a la vida (1959)

¿De qué va?: Lora Meredith, una actriz viuda en paro, vive con su hija adolescente en un humilde apartamento de Nueva York. Un día, conoce por casualidad a Annie, una mujer negra, y a su hija, que es mulata. Annie acaba trabajando para ella el mismo día en el que Lora también conoce a Steve, un fotógrafo que se enamora de ella.

Reputación: Segunda adaptación cinematográfica de la novela homónima de Fannie Hurst. La primera versión se estrenó en 1934 dirigida por John M. Stahl y con Claudette Colbert en el papel principal. En la historia original, el personaje de Lora se convierte en una afamada cocinera gracias a las recetas de Annie, y como resultado se convierte en una poderosa mujer de negocios, mientras que su sirvienta es desplazada de todo su éxito culinario. Pero el director, Douglas Sirk, y los guionistas Eleanore Griffin y Allan Scott pensaron que no sería aprobada por el movimiento afroamericano que por aquel entonces se encontraba en plena lucha por el caso Montgomery, sobre un hombre negro que se había sentado en el autobús en las plazas reservadas a los blancos. Así que decidieron que Lora fuera una estrella de Broadway y Annie fuese tan solo su criada y niñera. El vestuario de la película de Lara Turner costó un millón de dólares, lo que supuso uno de los vestuarios más caros de la historia del cine hasta entonces. Sin embargo, la estrella cobró menos de su salario habitual a cambio de un 50% de los beneficios del filme, lo que le hizo ganar 2 millones de dólares, marcando un récord para una actriz de su tiempo. Juanita Moore, fallecida el pasado mes de enero, y Susan Kohner, quienes encarnan a Annie y su hija respectivamente, fueron nominadas al Oscar de mejor actriz reparto. Ninguna consiguió la estatuilla dorada pero Kohner sí que se llevó el Globo de Oro.

Comentario: Imitación a la vida es un melodrama de tomo y lomo, de los que ya no se hacen. Con una trama que abarca muchos años y plagada de desdichas, realzadas por una atronadora banda sonora, e interpretaciones teatrales con las que los actores dominan el espacio escénico y se baten en duelo a cada momento para ver quién es el que mejor expresa el sufrimiento. Aquí los hombres son meros secundarios, pues son ellas las que cargan con todo el peso de la historia y lidian con los numerosos temas que toca la película: la ambición, el racismo, el deseo de aparentar ser alguien que no se es (esas luchas contra el espejo) pero, sobre todo, el amor incondicional que sólo puede dar una madre a pesar de los muchos quebraderos de cabeza que provocan los hijos.

Próximo visionado: Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo (1954)

La República Independiente de los LEGO

Dir.: Philip Lord, Chris Miller, Chris McKay
¿De qué va?: Emmet es una figurita LEGO absolutamente normal y fiel a a las normas que es identificada por error como la persona más extraordinaria y la clave para salvar el mundo. Se ve entonces inmerso en una búsqueda épica para detener a un malvado tirano junto a un grupo de desconocidos, una aventura para la que Emmet no está preparado en absoluto.

Reseña: De todo el material del que Hollywood ha cogido ideas para evitar su sempiterna crisis creativa, las líneas de juguetes no han sido de las más celebradas. Tal vez nunca sabremos cómo habría sido ese Monopoly que iba a dirigir Ridley Scott, pero el salto al cine de los Transformers, Hundir la flota (Battleship) y los G.I. Joe no nos ha traído nada bueno para los que no somos fans de las explosiones de Michael Bay. Por eso, es normal que esta LEGO película se vea como un intento de exprimir una mundialmente famosa marca de juguetes que ya ha dado muy buenos frutos en el campo de los videojuegos. Tal vez esa haya sido la intención desde un primer momento, pero eso no debería restarle mérito a una de las películas más frescas, divertidas y geniales, no ya del campo de la animación, sino del cine americano reciente en general.

Philip Lord y Chris Miller confirman lo que ya se vio en la siempre reivindicable Lluvia de albóndigas, que tienen una gran talento tanto en el campo de la animación como en el de la comedia rápida, absurda y paródica. La LEGO película tiene una estructura clásica de blockbuster (tipo corriente llamado a ser el salvador del mundo) pero se burla de ella en cada lugar común que recorre, pero no con las maneras del que se cree el más listo de la clase, sino con gracia y ganas de ofrecer un espectáculo dinámico e hilarante. Los niños se quedarán prendados de los muñecos LEGO (realmente son una monada) y de la acción desenfrenada, y los adultos de la mayoría de los gags, las referencias a multitud de personajes y sagas famosas y a los mismos juguetes, porque como demuestra la película en un delirante giro de guión, disfrutar jugando no conoce límite de edades, y además, dispara nuestra creatividad cuando nos dejamos llevar por el niño que llevamos dentro.

También merece ser elogiado el muy bien escogido repertorio de voces, que cuenta con nombres de excepción como los de Morgan Freeman y Liam Neeson pero que en su mayoría está compuesto por intérpretes curtidos en la comedia televisiva americana, como es el caso del protagonista, Chris Pratt (Parks and Recreation), y es algo que enriquece cada línea de diálogo y cada gag. Cabe destacar el trabajo de Alison Brie modulando la voz para encarnar a un adorable y súper positivo unicornio y a Will Arnett prestando su voz a Batman, el cual se alza como el secundario roba-escenas de la película. Nunca el caballero oscuro se había mostrado tan divertido y autoconsciente de sus puntos débiles, de los cuales se ríen a gusto de la misma forma que lo hacen con todos los personajes célebres que hacen su cameo en la película en forma de LEGO (atentos a los desencuentros entre Superman y Linterna Verde).

Lo peor que le puede pasar a La LEGO película es que los prejuicios impidan que muchos espectadores se acerquen a ella, pero espero que el fenómeno boca-oreja que ya está teniendo le sirva para ser reconocida como lo que es: una brillante comedia que funciona a todos los niveles: como entretenimiento para todos los públicos, como ‘spoof movie’ y como reclamo para incrementar la venta de juguetes de la marca, de la cual los directores han sabido extraer toda su esencia y aplicarla a una película que a pesar de su espectacularidad (hay movimiento en todos los campos de la imagen) se siente como algo artesanal, lo más parecido que tendremos en Hollywood a las películas suecadas de Rebobine, por favor.
Everything is Awesome!

8’5/10

Temporada de caza humana

Siempre decimos que el género de terror es el que aglutina una mayor cantidad de basura, pero si echamos un vistazo al año 2013 podemos decir que tuvimos una cosecha terrorífica bastante mejor de lo habitual: The Conjuring, el remake de Posesión infernal, La cabaña en el bosque, Insidious 2 y Tú eres el siguiente dan fe de ello. De esta última vamos a hablar, una producción que se vio por primera vez en el Fantastic Fest de 2011, llevándose tres premios incluyendo el de mejor película, pero que por los incomprensibles avatares de la distribución no llegó a los cines hasta dos años después, un caso similar al de La cabaña en el bosque.

Tú eres el siguiente está dirigida por Adam Wingard, uno de los abanderados del ‘mumblegore’, adaptación al terror de una nueva corriente de cine indie americano conocida como ‘mumblecore’ que se caracteriza por un nuevo naturalismo, actores no profesionales y presupuestos minúsculos. Como la genial La cabaña en el bosque, la película cuenta con una premisa nada original: una familia es atacada por un grupo de asesinos sádicos en una casa alejada de la civilización. Un argumento muy visto que si en Los extraños se resolvía de forma efectiva pero mecánica y poco sorprendente, aquí se desarrolla dándole la vuelta a las convenciones del género y jugueteando con ellas, dando como resultado un filme sumamente divertido, gore en su justa medida y cargado de un humor autoconsciente y negrísimo.

La aniquilación de la familia burguesa protagonista, cuyos integrantes no dejan de discutir ni cuando los asesinos entran en escena, no presenta miramientos de ningún tipo, pero lo más celebrado resulta el giro que le dan al clásico personaje de “Scream Queen”, recaído en la actriz Sharni Vinson, que hasta puede resultar inverosímil, pero era algo que estábamos pidiendo a gritos los fans del género desde hace mucho tiempo. Dos flashbacks de escenas que ya habíamos visto y de cuya razón de existencia se escapa a mi entendimiento es el único gran ‘pero’ que encuentro en esta película que, como revolución del ‘slasher’ que es, no debería perderse ningún fan de Leatherface, Freddy Krueger, Ghostface y todos los asesinos en serie del celuloide que nos han divertido y asustado a partes iguales. Es hora de la revancha.

7’5/10

El amor en la nube

Dir.: Spike Jonze
Int.: Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Scarlett Johansson, Chris Pratt
¿De qué va?: En un futuro cercano, Theodore, un escritor solitario, adquiere un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial y diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para
sorpresa de Theodore, se crea una relación romántica entre él y la voz femenina del sistema operativo.

Reseña: En el gran mediometraje I’m Here, Spike Jonze contaba una historia de amor entre dos robots, dejando entrever que se trata de un sentimiento universal, no exclusivo de los seres humanos. Dicho romance, a medio camino entre la realidad y la fantasía, y entre la ciencia ficción y el drama romántico, es el cimiento en el que se erige Her, que va mucho más allá y nos plantea si una relación amorosa entre un hombre y el sistema operativo que controla todos sus dispositivos electrónicos puede ser posible. De entrada sonará disparatado, pero si miramos a nuestro alrededor, podría ser el siguiente paso natural en nuestra escalada de dependencia a la tecnología.

Personas que van caminado por la calle con la cabeza agachada, mirando a su móvil, y hablando por un auricular como las que aparecen en la película ya vemos hoy en día en cualquier ciudad del primer mundo. Y un trabajo como el del protagonista, escritor por encargo de cartas personales a mano, tampoco resulta muy descabellado en un mundo en el que tenemos demasiadas cosas que hacer como para perder tiempo escribiendo cartas de amor o de agradecimiento con tinta y papel. Pero ese servicio es viable, porque nos gusta la sensación de autenticidad, aquello que apela a nuestros sentimientos primarios, aunque no sea real. Spike Jonze no hace una oda del uso y abuso de la tecnología ni una crítica de la misma, sino que opta por el más difícil todavía: hacer una reflexión sobre el amor y las relaciones, lo que hace que nos enamoremos, las causas de que una relación no funcione, la dependencia afectiva, la felicidad que produce, la infelicidad… En fin, todo lo que acarrea compartir la vida con alguien… incluso cuando ese alguien sea un programa de ordenador.

Que una relación tan inverosímil resulte creíble e incluso manifiesta es gracias no sólo al magnífico guión de Spike Jonze, sino al trabajo interpretativo de Joaquin Phoenix y Scarlett Johansson. Él está en un registro radicalmente opuesto al que nos tiene acostumbrados en los últimos años: cercano, dulce, tierno, con la mirada taciturna de alguien que ha sufrido mucho y que ha encontrado la forma de volver a experimentar la felicidad y el amor. Y la labor de Johansson es sumamente encomiable, porque valiéndose tan sólo de su personalísima voz compone un personaje que se siente como si estuviera presente en la habitación, que experimenta por primera vez un gran abanico de sentimientos sin abandonar nunca su naturaleza artificial. Es una pena que su trabajo desaparezca en las versiones dobladas. Como apoyo y espejo de Theodore tenemos a una encantadora Amy Adams, mientras que Olivia Wilde protagoniza un pequeño pero muy significativo capítulo de la película que nos ayuda a conocer mejor al protagonista y el mundo en el que vive. Por último, Rooney Mara ejerce como el fantasma del amor malogrado, aquel que nos atormenta con lo que fue, con lo que podía haber sido y con el por qué finalmente no lo fue.

Her debería erigirse como la gran historia de amor del siglo XXI, porque habla de nosotros, de cómo somos e interactuamos y hacia dónde vamos, en un tono cálido (maravilloso trabajo de fotografía) y moderno, pero también melancólico, descorazonador y optimista, todo al mismo tiempo. Todos los elementos de la película están sumamente cuidados para aportar numerosas lecturas que enriquecen el mensaje, mientras que la banda sonora de Arcade Fire supone un inmejorable acompañamiento de una historia que plantea muchas cuestiones y nos deja momentos de una gran belleza, como esa despedida en clave de metáfora narrativa. Una película trascendental que supone un enorme placer para la vista, el oído y el corazón.

9’5/10

Itinerario de estrenos de febrero 2014

Empezamos febrero con la sorprendente y lamentable noticia del fallecimiento de Philip Seymour Hoffman, uno de los mejores actores de su generación, y que nos ha dejado con una serie de personajes e interpretaciones ciertamente memorables en películas como Magnolia, La última noche, The Master, La duda, Truman Capote e incluso … Y entonces llegó ella. En lo que respecta a los estrenos de este mes, nos llegan muchas de las películas que optan este año a estatuilla dorada (dos en particular me parecen auténticos peliculones) y alguna que otra propuesta ajena a los premios más que interesante.

La LEGO película: Los simpáticos muñecos de LEGO dan el salto a la gran pantalla de la mano de los directores Philip Lord, Chris Miller (Lluvia de albóndigas) y Chris McKay (Robot Chicken). La historia gira en torno a Emmet, una figura LEGO normal y corriente que es identificada por error como la persona clave para salvar el mundo, por lo que se verá inmerso en una búsqueda épica para la que no está preparado en absoluto. Chris Pratt (¡Menudo fenómeno!) , Elizabeth Banks (Los juegos del hambre: En llamas), Alison Brie (Eternamente comprometidos), Will Ferrell (En campaña todo vale) y Morgan Freeman (Plan Las Vegas) son algunos de los actores que han prestado sus voces al filme, que cuenta con la participación de personajes tan famosos como Batman, Superman y Gandalf.
Estreno: 7 de febrero

Nebraska: Nuevo trabajo de Alexander Payne (Los descendientes) que ha recibido 6 nominaciones a los Oscar: mejor película, director, actor protagonista, actriz de reparto, guión original y fotografía. Es la historia de Woody Grant, un anciano alcohólico y con síntomas de demencia que obliga a su distante hijo David a emprender un viaje por carretera para recoger un supuesto premio de un millón de dólares. Bruce Dern (Django desencadenado), Will Forte (Los amos del barrio), June Squibb (El gran año), Bob Odenkirk (Breaking Bad) y Stacy Keach (El legado de Bourne) encabezan el reparto de este notable melodrama rodado en blanco y negro que ganó el premio a mejor actor para Dern en el pasado Festival de Cannes.
Estreno: 7 de febrero
Reseña

Her: Primera película de Spike Jonze (Donde viven los monstruos) que cuenta con un libreto propio sin partir de ningún material previo. Ambientada en un futuro cercano, sigue los pasos de Theodore, un hombre solitario y recién separado que compra un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial y diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para sorpresa de Theodore, acaba manteniendo una relación romántica con la voz femenina de dicho sistema operativo. Joaquin Phoenix (The Master), Amy Adams (La gran estafa americana), Rooney Mara (Efectos secundarios), Olivia Wilde (Rush) y la voz de Scarlett Johansson (Don Jon) protagonizan esta fábula romántica nominada a 5 Oscars: mejor película, guión original, banda sonora, canción y dirección artística. En mi opinión, es una completa y absoluta maravilla, en breve habrá reseña.
Estreno: 21 de febrero

Monuments Men: El nuevo trabajo como director de George Clooney (Los idus de marzo) debía haberse estrenado las pasadas Navidades a tiempo de participar en los Oscar, pero por falta de tiempo en la postproducción, su lanzamiento se tuvo que retrasar hasta el presente mes. El filme se basa en un libro de no ficción de Robert Edsel que da cuenta de un insólito batallón formado por expertos en arte británicos y norteamericanos que durante la 2ª Guerra Mundial se dedicaron a salvar las obras de arte que los nazis robaron con el fin de destruirlas. El propio Clooney protagoniza el filme junto a Matt Damon (Elysium), Bill Murray (Moonrise Kingdom), John Goodman (A propósito de Llewyn Davis), Cate Blanchett (Blue Jasmine), Jean Dujardin (El lobo de Wall Street) y Hugh Bonneville (Downton Abbey). A pesar de su atractivo reparto, las primeras críticas publicadas no soy especialmente positivas…
Estreno: 21 de febrero

Philomena: Stephen Frears (Tamara Drewe) dirige este melodrama que cuenta la historia real de Philomena Lee, una señora irlandesa que acudió a un periodista de la BBC caído en desgracia para que le ayudase a encontrar a su hijo, al que se vio obligada a dar en adopción cuando era una adolescente y al que ha buscado desde entonces en vano. Judi Dench (Skyfall) y Steve Coogan (Ruby Sparks), también co-autor del libreto, protagonizan esta película nominada a 4 Oscars (mejor película, actriz protagonista, guión y banda sonora) que para el que esto escribe es una emotiva y emocionante historia con la que se puede reír y llorar a partes iguales ,y con una de las interpretaciones más memorables de la Gran Dama que es Judi Dench.
Estreno: 28 de febrero
Reseña

¡Atención! El tráiler tiene más spoilers de lo estrictamente necesario.

Actriz del mes: Scarlett Johansson

Nombre completo: Scarlett Ingrid Elena Johansson

Fecha de nacimiento: 22 de noviembre de 1984

Lugar de nacimiento: New York City (EE.UU.)

Filmografía destacada:

The Avengers: Age of Ultron (2015)
Lucy (2014)
Chef (2014)
Captain America: The Winter Soldier (2014)
Under the Skin (2013)

Her (sólo voz) (2013)
Don Jon (2013)
Hitchcock (2012)
Los Vengadores (2012)
Un lugar para soñar (2011)
Iron Man 2 (2010)
Qué les pasa a los hombres (2009)
The Spirit (2008)
Vicky Cristina Barcelona (2008)
Las hermanas Bolena (2008)
Dario de una niñera (2007)
El truco final: El prestigio (2006)
La dalia negra (2006)
Scoop (2006)
La isla (2005)
Match Point (2005)
Algo más que un jefe (2004)
A Good Woman (2004)
Una canción del pasado (2004)
The Perfect Score (2004)
La joven de la perla (2003)
Lost in Translation (2003)
Arac Attack (2002)
Ghost World (2001)
El hombre que no estuvo allí (2001)
El hombre que susurraba a los caballos (1998)


Méritos: ¡Quién le iba a decir a Scarlett Johansson que su interpretación más laureada desde tiempos de Lost in Translation y Match Point sería una en la que no se vería ni un centímetro de su voluptuosa figura! Su trabajo vocal como el sistema operativo del que se enamora Joaquin Phoenix en Her, la nueva película de Spike Jonze, le ha valido el premio a mejor actriz del Festival de Cine de Roma y un puñado de reconocimientos y nominaciones que la actriz no recibía desde que abandonó el cine indie con el que empezó su carrera para instalarse cómodamente en el mainstream, el cual no le ha dado demasiadas alegrías exceptuando el rol de Viuda Negra en las películas de Marvel.

Tal vez debido a eso, Johansson ha decidido mantener un equilibrio entre cine comercial e independiente, un movimiento que empezará a dar sus frutos este año. Tras oírla en Her, la veremos de nuevo como la espía Natasha Romanoff en Capitán America: El soldado de invierno, donde tendrá más minutos en pantalla que en las anteriores películas. Por las mismas fechas estrenará Under the Skin, filme de Jonathan Glazer (Reencarnación) en el que encarna a una extraterrestre que utiliza una sexy apariencia humana para devorar hombres y que contó con unas críticas muy polarizadas en el Festival de Venecia. Para la época veraniega, se dejará ver en Chef, una comedia de Jon Favreau, y ejercerá una vez más de heroína de acción en Lucy de Luc Besson. Para alegría de todos sus fans, la tendremos de cuerpo presente en todas esas películas. Mientras tanto, no dejen pasar la oportunidad de enamorarse de su sensual y cálida voz en Her… siempre y cuando sea en versión original, evidentemente.

Extras:

Tráiler de Her

Tráiler de Under the Skin

Tráiler de Captain America: Winter Soldier

Entrevista sobre Don Jon

Spot de SodaStream prohibido por la Superbowl

Pete Yorn & Scarlett Johansson – Relator

Hollywood Dish con Scarlett Johansson (Saturday Night Live)