O.C: La jauría humana (1966)

¿De qué va?: Un hombre que se ha escapado de la cárcel vuelve a su pueblo, pero sus vecinos emprenden contra él una auténtica cacería como si se tratara de una diversión más. Sólo el sheriff, un hombre íntegro y cabal, tratará de evitar el linchamiento.

Reputación: El reputado productor Sam Spiegel adquirió los derechos cinematográficos de la novela The Chase de Horton Foote en los años 50 (en un principio pertenecieron a Gary Cooper, pero éste no logró reunir el dinero para rodarla), con la intención de que Marlon Brando encarnase al fugitivo y Marilyn Monroe a su esposa. Sin embargo, cuando la producción arrancó finalmente en 1965, Brando era demasiado mayor para el papel, por lo que pasó a interpretar al sheriff del pueblo, trabajo por el que percibió 750.000 dólares. Sin embargo, a Brando no le gustaba el personaje y se quejó durante todo el rodaje de que lo único que tenía que hacer era deambular por el escenario. Esta es una de las primeras películas que rodó Robert Redford, y aunque su interpretación fue masacrada por la crítica empezó a destacar en la industria. El rodaje no fue nada fácil dadas las continuas disputas entre el director, Arthur Penn, la guionista, Lillian Hellman y el productor, Spiegel. Para empezar, éste ordenó una reescritura del libreto de Hellman y prohibió que ella viera la película antes del estreno. Tampoco permitió que Penn realizara el montaje final, por lo cual el director se quejó de que había arruinado el ritmo de la cinta, carente de la histeria que debía provocar. A pesar de todos los talentos reunidos, el filme fue en su momento un fracaso de crítica y taquilla y marcó el principio del fin del éxito de Spiegel como productor.

Comentario: Nunca sabremos cómo habría sido la película si Arthur Penn se hubiese encargado de su edición, pues ese es uno de los grandes peros que le achaco a la película, que a pesar de la omnipresente intranquilidad el montaje no cobra fuerza y nervio hasta la última parte. Pero a pesar de todo, La jauría humana es una gran película, antecedente directo de la actual e igual de recomendable La caza, y es lógico que en su día haya sido un fracaso porque la autocrítica no es placentera, sobre todo si es tan amarga como la que se realiza aquí. El filme presenta una sociedad americana carente de moralidad, cateta, tozuda y superficial, y lo peor de todo es que estos comportamientos tan radicales se siguen llevando a cabo en la actualidad, y no sólo en el país de las barras y estrellas. El desenlace es tan seco, desmoralizante y sin concesiones como necesario para que nos percatemos de lo podrida que puede estar la sociedad.

Próximo visionado: Siete novias para siete hermanos (1954)

Complejo de Edipo

Dir.: Anne Fontaine
Int.: Naomi Watts, Robin Wright, Xavier Samuel, James Frecheville, Ben Mendelsohn, Jessica Tovey, Sophie Lowe
¿De qué va?: Lil y Roz son dos amigas y vecinas que se conocen desde el colegio cuya relación se ve afectada cuando se enamoran del hijo adolescente de la otra.

Reseña: Las relaciones incestuosas y prohibidas han sido siempre un filón en la literatura y la cinematografía. No son sólo el espejo de una sociedad que esconde una vida privada que contradice a la pública, sino que sirven para descubrir si tenemos una mente abierta o si en cambio tenemos más prejuicios de lo que pensábamos. La historia de Dos madres perfectas, que gira en torno a la relación sexual y sentimental de dos mujeres maduras con el hijo de la otra, no es de las más escandalosas, pero sí de las más curiosas y atractivas.

Y es que no estamos hablando de dos ancianas rechonchas precisamente, sino de Naomi Watts y Robin Wright en su espléndida y natural madurez. Además, sus respectivos hijos son dos esculturales australianos de veintitantos, por lo que no se trata de un filme que se recree en la repulsión a lo John Waters. Sin cargar demasiado las tintas en el aspecto sexual, los tiros van más por la crisis de las mujeres maduras cuando han fracasado en el amor y se sienten demasiado mayores y cansadas para comenzar de cero otra vez. Aquí es donde entran esos dos jóvenes dioses de ébano que las hacen sentir queridas y jóvenes de nuevo, sin grandes complicaciones más allá de lo que supone acostarse con una persona a la que conoces desde que era un bebé y al que consideras casi como tu propio hijo.

Sin embargo, la directora Anne Fontaine nunca llega a profundizar demasiado en el conflicto moral en el que se encuentran estas dos señoras y en todo lo que eso acarrea en su longeva amistad. El momento en el que se debaten si lo que están haciendo es correcto o no se resuelve muy rápido, y eso que toda la película está impregnada de un dramatismo que sólo llega a culminar en momentos puntuales, especialmente cuando se centra en la fragilidad de una estupenda Naomi Watts. Tanto ella como Robin Wright realizan una gran interpretación, lo mejor de la película, mientras que sus hijos en la ficción no están tan bien: mientras que Xavier Samuel está simplemente correcto, James Frencheville se muestra demasiado inexpresivo.

La idílica playa en la que las protagonistas se pasan la mayor parte del tiempo es como una burbuja en la que están aisladas del resto del mundo, y por tanto, pueden dar rienda suelta a su particular relación a cuatro bandas sin que nadie interfiera en su felicidad. Dos madres perfectas es un filme interesante que plantea cuestiones incómodas, dejando algunas en el aire para que cada uno piense en sus propias respuestas, pero si ahondara más en los claroscuros del conflicto que presenta sería mucho más sugestiva.

6/10

Estreno en España: 15 de noviembre

Perdedores con ilusión

Dir.: Daniel Sánchez Arévalo
Int.: Quim Gutiérrez, Antonio de la Torre, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Miquel Fernández, Patrick Criado, Sandra Martín, Arantxa Martí
¿De qué va?: Una boda transcurre el mismo día en el que España se jugaba la final del mundial de fútbol de Sudáfrica. Ese día de catarsis colectiva, mientras todo el país se paralizaba, cinco hermanos con nombres bíblicos (Adán, Benjamín, Caleb, Daniel y Efraín)  también se van a enfrentar al partido más importante de sus vidas.

Reseña: Con cuatro películas en su haber, Daniel Sánchez Arévalo ya ha establecido sus señas de identidad, y parece que no tiene intención de renovarse, aunque tampoco le hace falta. Todos sus trabajos son una combinación muy ajustada de drama y comedia, ligeras sin caer en la intrascendencia, giran en torno a la minusvalía emocional del género masculino, representada principalmente por sus tres actores fetiche (Gutiérrez, de la Torre, Arévalo) y no se avergüenza de evidenciar que sus referencias están al otro lado del charco, en cineastas como Alexander Payne y Wes Anderson y películas como (500) días juntos o Garden State. La gran familia española no es su mejor trabajo, pero mantiene la estabilidad de una carrera que hasta ahora no ha sufrido ningún altibajo.

Aunque los primeros minutos de la cinta apuntan a que el resultado no estará la altura de las expectativas, dada una presentación de personajes un poco torpe y una ceremonia matrimonial que se pasa de moderna (zapatillas Converse de colores para todos, el flashmob camino del altar), pasado el momento clave que se produce durante el enlace, las tramas de los diferentes hermanos se asientan y empiezan a fermentar, y aunque hay algunos elementos que huelen a cliché, el cariño que siente Sanchez Arévalo por los personajes y por los actores que los encarnan, así como un guión divertido pero en el fondo muy agridulce, compensan la película y la convierten en algo muy cálido y familiar.

La victoria de España en el mundial de fútbol funcionó como sedante y consuelo de un país cuya situación económica y laboral continúa, tres años después, en un estado grave, y en la película, la esperanza de ganar se contagia a los cinco hermanos, que intentarán poner orden a sus vidas al tiempo que todas las miradas estaban puestas en el partido. Sanchez Arévalo es un estupendo director de actores y sabe sacar el máximo provecho tanto de viejos conocidos de su cine como Quim Gutiérrez y Antonio de la Torre como de las nuevas incorporaciones a su familia (fantástica Verónica Echegui) y de las jóvenes revelaciones, el triángulo amoroso compuesto por Patrick Criado, Arantxa Martí y Sandra Martí que desprende una gran naturalidad y desparpajo.

La secuencia de la confesión de los novios a sus respectivas familias es un portento de montaje, ritmo, diálogos y humor, el auténtico momento cumbre de un filme que se termina de redondear con una fotografía de postal y la banda sonora compuesta por Josh Rouse, acordes con la candidez que desprende el conjunto y que, sin embargo, deja espacio para la aflicción, pues en última instancia no sabemos si se trata de un auténtico final feliz o si, como la euforia que produjo la victoria de España, es tan sólo sentimiento pasajero.

8/10

Amor, familia y saltos temporales

Dir.: Richard Curtis
Int.: Domhnall Gleeson, Rachel McAdams, Bill Nighy, Margot Robbie, Lydia Wilson, Tom Hollander, Will Merrick, Joshua McGuire
¿De qué va?: Tim es un joven que al cumplir 21 años descubre que los varones de su familia tienen el don de viajar atrás en el tiempo para revisar cualquier momento de su vida e intentar mejorarlo. Tim decide entonces usar su nuevo poder especial para ganarse el corazón de Mary,  aunque pronto descubre que la senda del amor puede ser más complicada de lo que parece.

Reseña: Como dirían los andaluces, Richard Curtis tiene duende. Mientras que a otros cineastas afincados en el género romántico no les pasamos ni una, Curtis, que también se pasa de cursi, siempre nos acaba conquistando. Puede que se deba al buen uso que hace de la flema británica, a las siempre acertadas elecciones de casting o a que sabe perfectamente qué teclas tocar para emocionarnos, pero todas sus películas, tanto las que sólo escribe como las que también dirige, son una cita ineludible para cualquier fan de la rom-com que se precie. Y Cuestión de tiempo, su regreso al género tras la divertida y musical Radio encubierta, no iba a ser menos.

Su nuevo trabajo vuelve a girar en torno al romance entre un torpe británico y una hermosa americana, pero esta vez con un añadido especial: los viajes en el tiempo. Quienes estén hartos de este recurso tan manido en la ciencia ficción no deben preocuparse, puesto que lo que menos le interesa a Curtis son las parábolas temporales. Por supuesto que hay efecto mariposa de por medio, pero estos viajes son sólo una excusa para desarrollar la doble temática en la que está orquestada el filme. En primer lugar, una comedia romántica de las de toda la vida, pero muy divertida, ocurrente y, por qué no, tierna y dulce como un algodón de azúcar. Domhnall Gleeson es adorable y Rachel McAdams está más encantadora que nunca, por lo que presenciar cómo se enamoran (ese primer encuentro a oscuras…) y el progreso de su relación es todo un placer.

Sin embargo, llegado a determinado punto de la historia, el romance queda relegado a un segundo plano y cobra importancia la relación del personaje de Gleeson con su padre, encarnado por el siempre carismático Bill Nighy, y aunque esta parte está tan cuidada como la otra se torna demasiado ñoña conforme se acerca el desenlace, momento que tarda en aparecer puesto que el filme dura unas dos horas un tanto excesivas, sobre todo cuando Curtis se pone serio y quiere aleccionarnos sobre las cosas que realmente importan en la vida. Sus intenciones son honestas, pero subraya demasiado su mensaje, de contenido un tanto conservador.

Sin embargo, en Cuestión de tiempo los pros superan holgadamente a los contras por los siguientes argumentos de peso:  reparto perfecto (no hay ni un sólo personaje incapaz de ganarse nuestro cariño, incluso los antipáticos), un guión ingenioso con gags efectivos, suficientes momentos para llorar y abrazar al que esté sentado a nuestro lado, música pastelosa pero soportable y un escenario idílico: Londres y la región costera de Cornwall. Y si encima la moralina de Curtis nos sirve para replantearnos ciertas cuestiones sobre la forma en la que aprovechamos (o desperdiciamos) nuestras vidas, sinceramente no sé qué más le podemos pedir.

7’5/10

O.C: El gabinete del doctor Caligari (1920)

¿De qué va?: Francis y su amigo Alan acuden a Holstenwall, una ciudad al norte de Alemania, para ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Éste tiene en su posesión a un sonámbulo llamado Cesare que puede responder a cualquier pregunta que se le cuestione. Cuando Alan pregunta cuánto tiempo le queda de vida, Cesare le dice que morirá en el próximo amanecer.

Reputación: Filme que abrió la veda del expresionismo alemán en la historia del cine. En un principio iba a ser dirigida por Fritz Lang, pero como se encontraba en pleno rodaje de Las arañas, el productor Erich Pommer le ofreció el proyecto a Robert Wiene, un director teatral sin experiencia cinematográfica. La característica más importante del expresionismo es que intenta dotar al cine de un concepto artístico que vaya más allá de la simple representación de la realidad. Los famosos decorados de la película, construidos en telas y papel pintado con modelos abstractos, se debe a un simple malentendido: el guionista Hans Janowitz solicitó diseños escénicos inspirados en el trabajo del pintor e ilustrador Alfred Kubin, pero su mala letra provocó que se entendiera ‘cubist’ (cubista) y contrataron en su lugar a los artistas Hermann Warm, Walter Röhig y Walter Reimann. El filme cuenta con dos remakes americanos, uno de 1962 con guión de Robert Bloch (Psicosis) y otro del año 2005. Ambos pasaron muy desapercibidos. Varios estudiosos afirman que la película es una metáfora de la Alemania derrotada tras la 1ª Guerra Mundial, siendo el doctor Caligari el deseo colectivo de un líder fuerte para el país y Cesare el sonámbulo el símbolo de una sociedad alemana ciega que obedece a la autoridad.

Comentario: El gabinete del Doctor Caligari es una película de terror exenta de sustos pero muy inquietante por su  atmósfera de pesadilla, lograda a través de los retorcidos escenarios, un banda sonora agobiante y el escalofriante personaje de Cesare. Goza de un valor incuestionable por su calidad artística y por su influencia en numerosos directores (Hitchcock, Burton, Gilliam…) y en la cinematografía mundial; no obstante, resulta complicado conectar emocionalmente con ella, especialmente por su a veces confuso guión. Su visionado es de sumo interés para todo cinéfilo que se precie, aunque sólo sea como objeto de estudio.

Próximo visionado: La jauría humana (1966)

Perdices que se atragantan

Casi todos los cuentos clásicos terminan en boda, seguida de la reconfortante cita que reza “Y fueron felices para siempre”. Pero… ¿cómo podemos estar al 100% seguros de que se cumple? Desde niños nos cuentan estos cuentos y nos creemos a pie juntillas que el matrimonio es la meta y que a partir de ahí todo va como la seda, pero siendo adultos, nos cuesta imaginar que Blancanieves, Aurora, Ariel y demás princesas Disney no hayan tenido problemas conyugales con sus respectivos príncipes azules, porque sabemos, ya sea por experiencia propia o ajena, que en la vida real el matrimonio no es garantía de nada.

I Give It a Year arranca precisamente desde el punto y final de los cuentos de hadas, en la celebración de la boda de Nat y Josh, pero justo a continuación da un salto temporal de un año para mostrarnos a la pareja en una sesión de terapia, pensando en si deben poner fin a su matrimonio. A lo largo de la película descubrimos los problemas que han tenido a lo largo de ese tiempo, desde los típicos conflictos de convivencia hasta las terceras personas que se interponen en su relación. Aunque todo esto pueda sonar muy dramático en realidad no lo es, pues se trata de una comedia (¿romántica?) de Working Title, la productora británica de Cuatro bodas y un funeral, El diario de Bridget Jones, Love Actually y demás. Para adaptarse a los nuevos tiempos, han contado con un guión escrito por el responsable de Borat, Dan Mazer, quien también se ha encargado de la dirección.

Por tanto, no es de extrañar que la película cuente con un buen arsenal de gags sexuales y groseros que son el resultado de mezclar el estilo Judd Apatow con el típico humor inglés. Afortunadamente, la gran mayoría de los chistes funcionan, pero parece que Mazer no estaba del todo convencido de que fuera a ser así porque ha sobrecargado la historia con una galería de secundarios a cada cual más excéntrico y pasado de rosca. No hay ninguno que tenga un comportamiento normal, salvo quizás el de Anna Faris (¡quién nos lo iba a decir!). Al menos, escoger a Rose Byrne y Rafe Spall como pareja protagonista resulta un soplo de aire fresco, porque son nuevos en el género y ambos despliegan una gran vis cómica. Ciertamente, los prefiero mil veces antes que ver a Hugh Grant en su enésimo papel de seductor tartamudo.

I Give it a Year es una estimable adición al género cómico-romántico porque juega con las convenciones sobre el amor, el romanticismo y el matrimonio que sus antecesoras han cimentado en nuestras mentes, dando lugar a situaciones muy divertidas. Sin embargo, a pesar de sus intenciones de romper con el tradicionalismo, el desenlace resulta más convencional de lo que pretende ser, pero al menos es una muestra de que algo está cambiando en un género que empezaba a oler a rancio. Por cierto que la película ya se ha estrenado en todo el mundo salvo en España; a pesar de que tenía fecha para mayo bajo el título Yo les doy un año, se pospuso indefinidamente y desde entonces no se ha vuelto a saber más. ¿Le damos un año o la damos por perdida?

6’5/10

La actriz porno que nunca estuvo allí

Hay personas cuyas vidas son carne de biopic, y no sólo personajes históricos o realizadores de grandes hazañas. Aunque bueno, Linda Lovelace podría entrar perfectamente en ambas categorías, pues la película porno que protagonizó, Garganta profunda, fue un icono de la revolución sexual de los 70, y en cuanto a la hazaña… en fin, se puede ver en el propio filme. Sin embargo, años después acusó a su marido de por aquel entonces, Chuck Traynor, de haberla obligado a rodarla a punto de pistola y se convirtió en una activista feminista en contra de la industria pornográfica.

El tándem de documentalistas integrado por Rob Epstein y Jeffrey Friedman ha llevado a la gran pantalla la vida de Linda Susan Boreman, adelantándose a un proyecto similar, Inferno, del que lo último que supimos, hace años, fue que iba a estar protagonizado por Malin Akerman en sustitución de la problemática Lindsay Lohan. Lo más seguro es que se haya cancelado tras la indiferente acogida de Lovelace tanto por parte de la crítica como del público. La estructura narrativa del biopic no es nada del otro mundo pero acierta al separar la imagen pública del éxito de Garganta profunda con la pesadilla que estaba viviendo Linda en la intimidad por los abusos de su marido y proxeneta.

Sin dejar de ser un biopic correcto, resulta demasiado convencional para el material que tiene entre manos. Esperaba más arrojo de los directores, los mismos que realizaron Howl, un arriesgado e innovador filme en torno a la figura del poeta Allen Ginsberg y su obra más conocida, Aullido. Me da la impresión de que han enfocado la figura de Lovelace con demasiada condescendencia y compasión, reduciendo un personaje tan atractivo al concepto de “chica que se enamora del hombre inadecuado que la lleva por el mal camino”. Seguramente, habría contado con la aprobación de la auténtica Linda, al igual que la audaz interpretación de Amanda Seyfried, que si bien no la llevará a los Oscar es una muestra de su talento y de que tiene un amplio número de registros por explotar.

La galería de secundarios está repleta de caras conocidas, aunque las interpretaciones más estimables son la de Peter Sarsgaard como Traynor y la de una irreconocible Sharon Stone como la madre de Linda, capaz de poner sus valores morales por delante de su hija. Resulta gracioso ver por unos pocos minutos a James Franco dando vida a Hugh Hefner (él iba a interpretar a Traynor pero por problemas de agenda se quedó con este cameo) pero poco más hay que rascar del atractivo reparto en el que figuran Juno Temple, Bobby Cannavale, Adam Brody y Chris Noth. En definitiva, Lovelace es un biopic que centra sus esfuerzos en mostrar una imagen redentora y conservadora de Linda Lovelace. Gustará especialmente a los fans de la Seyfried, pero si estás más interesado en todo el fenómeno que suscitó la película porno más famosa de la historia mejor que veas el documental Dentro de garganta profunda.

6/10