Revolución sexual a bordo

Dir.: Pedro Almodóvar
Int.: Javier Cámara, Raúl Arévalo, Carlos Areces, Antonio de la Torre, Lola Dueñas, Cecilia Roth, Hugo Silva, Guillermo Toledo, Miguel Ángel Silvestre, José María Yazpik, Blanca Suárez, José Luis Torrijo
¿De qué va?: Un grupo de personajes variopintos vive una situación de riesgo a bordo de un avión que se dirige a México D.F. La indefensión ante el peligro provoca una catarsis generalizada que ayuda a que sus pasajeros olviden la angustia del momento y se enfrenten al mayor de los peligros, el que cada uno lleva dentro de sí mismo.

Reseña: Tras una larga temporada de tensión melodramática, Pedro Almodóvar ha querido tomarse unas vacaciones para volver a sus orígenes, al terreno de la comedia desenfadada, de personajes cercanos a la vez que extremos y de diálogos ágiles y espontáneos. Algo de esa morriña la dejó entrever con Chicas y maletas, la película ficticia que se rodaba en Los abrazos rotos, pero después de eso firmó La piel que habito, con la que se lanzó a rodar un thriller con el que también provocó alguna que otra risa involuntaria. Así que la llegada de Los amantes pasajeros parecía suponer viento fresco para sus seguidores y para aquellos que dejaron de ser almodovarianos hace tiempo pero… ¡ay! Creo que esta película no va a dejar plenamente satisfechos ni a los unos ni a los otros.

El filme comienza con un aviso de que lo que se va a mostrar a continuación es pura ficción y que no tiene que ver nada con la realidad. Dicho mensaje adquiere una gran carga de ironía cuando vamos conociendo a los pasajeros de 1ª clase del avión: un estafador, una vidente con sensibilidad a la muerte, una actriz reconvertida en Dominátrix… Todos ellos son fruto de una sociedad española sumida en una crisis desde hace mucho tiempo, personajillos ascendidos a un nivel privilegiado mientras la plebe viaja narcotizada en clase turista y sin enterarse de que se está jugando con su porvenir. Sin embargo, una metáfora tan jugosa queda un tanto escondida cuando Almodóvar prefiere centrarse en los líos amorosos y sexuales de los tripulantes y pasajeros del avión, llevando los chistes escatológicos como bandera de unas subtramas muy irregulares.

No tiene nada de malo hacer chistes sobre gays, hetero-creistes, vírgenes, alcohólicos y demás fauna, pero cuando la mayoría de los gags tan sólo producen una media sonrisa y muy pocos una auténtica carcajada… mala cosa, porque el mal gusto se hace más patente de lo que debería. Poco pueden hacer actores de demostrada solvencia como Cecilia Roth, Lola Dueñas o Antonio de la Torre para levantar un guión al que le falta mucha de la chispa que caracterizaron a las comedias de antaño del director, mientras que el alocado trío de azafatos encarnados por Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces está bastante desaprovechado, al igual que los publicitados y poco sustanciosos cameos de Penélope Cruz, Antonio Banderas, Paz Vega y Carmen Machi.

Que Los amantes pasajeros es una película muy entretenida resulta indiscutible, sin embargo, también resulta una ocasión desperdiciada para que Almodóvar recupere las buenas vibraciones de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Al igual que en aquélla, aquí hay mucha locura, personajes excéntricos, mala baba y demás, pero no resulta ser tan redonda ni de lejos. Quizás porque al mismo tiempo que Almodóvar ha crecido como director también lo ha hecho su ego, por lo que le falta un poco de perspectiva para percatarse de que una de sus pistas de aterrizaje falla y poder así recuperar el vuelo.

5/10

En busca de un compañero de viaje

En el año 1997, los encargados de la sección de clasificados de la revista de bricolaje Blackwoods Home Magazine gastaron una broma publicando un aviso en el que el hipotético anunciante buscaba un compañero para realizar un viaje temporal al pasado, algo que acabó convirtiéndose en un fenómeno viral de Internet. Pues bien, el guionista Derek Connolly utilizó esta curiosidad como premisa de un guión titulado Safety Not Guaranteed, en el que un periodista y dos becarios van tras la pista del hombre que ha escrito ese anuncio.

El debutante Colin Trevorrow es el director de esta ‘dramedia’ de corte independiente que se alzó con el premio a mejor guión en el Festival de Sundance del año pasado y con el de mejor guión novel en los últimos Independent Spirit Awards. El filme se emitirá este mes en España en Canal+ Extra, por lo que no llegará ni a los cines ni al mercado doméstico, una práctica que está empezando a ser habitual con títulos que en otros tiempos habrían tenido una carrera comercial tradicional (50/50, Warrior).

Y es una lástima, porque estos tres títulos tienen una calidad muy superior a la media de lo que sí consigue llegar a las carteleras. Safety Not Guaranteed cuenta una peculiar historia centrada en un excéntrico personaje sin insistir en los comportamientos rarunos, clásicos del cine indie americano, para hablarnos desde la ternura que desprende el encuentro de dos inadaptados (estupendos Mark Duplass y Aubrey Plaza) que descubren en el otro a una persona que, a diferencia de todas las demás, no les mira arqueando la ceja y con la que se produce un entendimiento mutuo insólito, aceptándose y mostrándose tal y como son.

La película incita a dejarse llevar por la locura y la fantasía que brinda la ciencia ficción para mandar a la mierda un mundo triste e insatisfactorio de rituales sociales incómodos y relaciones que funcionan en una burbuja pero no en la vida real (estupenda subtrama paralela protagonizada por Jake Johnson). Sin entrar en detalles sobre el final para evitar spoilers, creo que gustará o no dependiendo de la visión que tenga cada espectador sobre la vida, por lo que esta pequeña película no sólo te hará pasar un rato muy ameno y agradable, sino que también provocará que te replantees la necesidad de construir una máquina del tiempo para encontrarle un nuevo enfoque a tu existencia. No la dejen escapar.

8/10

P.D: Big Machine, el precioso tema central de la película interpretado por Mark Duplass.

Teaser de The Bling Ring y The Conjuring: Ladrones cool y espíritus juguetones

Recién salido del horno les traigo el primer avance de The Bling Ring, el último trabajo de la siempre interesante Sofia Coppola (Somewhere). La película cuenta la historia de los conocidos como Bling Ring, un grupo de jóvenes que se dedicó a robar en las casas de famosas celebridades durante 2008 y 2009 como Paris Hilton, Orlando Bloom o Lindsay Lohan. Su botín ascendió a los 3 millones de dólares en efectivo y a pertenencias de hasta 50 casas, sin contar con que entraron en algunas de ellas más de una vez.

Emma Watson (Las ventajas de ser un marginado), Taissa Farmiga (American Horror Story), Leslie Mann (Si fuera fácil) y Israel Broussard (Flipped) encabezan el reparto de esta película que se estrenará en Estados Unidos el próximo 14 de junio, aunque es bastante probable que se presente antes en el Festival de Cine de Cannes. El avance, muy parecido al estilo de María Antonieta, lo tienen a continuación:

 

Otro teaser sin desperdicio es el de The Conjuring, la penúltima película de terror de James Wan, pues el director ya se encuentra enfrascado en el rodaje de la segunda parte de Insidious. Curiosamente, esta última se estrenará en España el 27 de septiembre, un par de semanas antes que The Conjuring, que lo hará el 11 de octubre. El filme que nos atañe está inspirado en los sucesos sobrenaturales que se produjeron en la casa de la familia Perron en Rhode Island y que fueron investigados por un matrimonio de expertos en fenómenos paranormales, Ed y Lorraine Warren.

¿Típico verdad? Pues échenle un vistazo al avance para que vean la habilidad que tiene Wan para meternos el miedo en el cuerpo, cada vez mejor. The Conjuring está protagonizada por Vera Farmiga (El invitado), Patrick Wilson (Young Adult), Ron Livingston (La extraña vida de Timothy Green) y Lili Taylor (Enemigos públicos), esta última protagonista del espeluznante tráiler. Aunque a España llegará en octubre, se podrá ver en los cines de Estados Unidos a partir del próximo 19 de julio:

Océano cósmico

Dir.: Andy Wachowski, Lana Wachowski, Tom Tykwer
Int.: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Sturgess, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Doona Bae, Hugh Grant, Ben Wishaw, James D’Arcy
¿De qué va?: Seis historias desarrolladas en el pasado, el presente y el futuro son conectadas entre sí a través de que cada una es leída o vista por el protagonista de la que sucede a continuación y por un mismo concepto y mensaje final.

Reseña: Tras el pelotazo que dieron con Matrix, los hermanos Andy y Lana Wachowski están condenados a la incomprensión. Casi nadie entendió la hiperbólica y colorida Speed Racer y lo mismo les ha pasado, injustamente, con El atlas de las nubes, una obra co-dirigida con Tom Tywker que desde su propia concepción parecía estar condenada al fracaso: la adaptación cinematográfica de la novela de David Mitchell requería un gran esfuerzo y un gran presupuesto, pues se trata de seis historias independientes, ambientadas desde el siglo XIX hasta un futuro lejano, pero interconectadas entre sí por acciones, personajes y detalles que repercutirán en las tramas venideras hasta formar un conjunto cíclico y retroalimentado.

Para más inri, la película no cuenta cada historia por separado, sino que las mezcla hasta crear un enorme rompecabezas que se beneficia de un trabajo de edición sobresaliente: hay tantas escenas largas y centradas en un único espacio temporal como otras en las que se va saltando de uno a otro en pocos segundos, manteniendo un ritmo siempre constante, lo cual resulta bastante complicado para una película que dura casi 3 horas, pero si eres capaz de sumergirte en la acción el metraje no se resentirá en absoluto. Además, las tramas están muy diferenciadas y tocan diversos géneros (acción, comedia, suspense, romance…), por lo que es imposible perderse, aunque si bien es verdad que las ambientadas en el futuro son un tanto confusas por un contexto y terminologías que no quedan del todo claras. Mi historia favorita es la protagonizada por Jim Broadbent en la época actual, la más humorística e imprevisible de todas.

Los actores del filme interpretan hasta cinco o seis personajes diferentes, lo cual establece una idea sobre la reencarnación y las almas que evolucionan de una vida a otra que se queda en segundo plano. Todos los actores hacen una gran labor, destacando las de unos felizmente recuperados Tom Hanks y Halle Berry y las de Jim Sturgess, Hugo Weaving, Jim Broadbent, Doona Bae, James D’Arcy y demás. El trabajo de maquillaje y peluquería también es muy esforzado, aunque hay ciertas caracterizaciones que dan bastante grima, como cuando ponen a la asiática Doona Bae de occidental pelirroja o cuando cambian de sexo a los actores. La banda sonora compuesta por Tom Tykwer, Reinhold Heil y Johnny Klimek es fabulosa, de las mejores partituras del cine reciente, y la dirección artística y técnica también es impecable, ofreciendo ciertas escenas espectaculares.

El atlas de las nubes nos viene a decir que nuestras buenas acciones no sólo pueden repercutir en los que nos rodean, sino también en los que aún están por llegar, además, todas sus historias están dirigidas hacia la exaltación del individuo y a su libertad y rebelión frente a las fuerzas opresoras, incluyendo críticas a la vanidad del capitalismo. Entonces, ¿qué tiene de malo para despertar tantos odios? Pues su excesiva ambición le pasa factura al no encajar las historias de forma perfecta (a veces es difícil establecer la conexión), a querer abarcar demasiado y a que sus momentos dramáticos no tengan toda la fuerza que deberían porque al ser una obra tan inmensa no se profundiza en ciertos personajes y aspectos.

A lo mejor, habría sido mejor adaptar el libro de Mitchell al formato de miniserie de televisión, pero por todos los hallazgos y el riesgo asumidos por el triplete de directores considero El atlas de las nubes como una película fascinantemente imperfecta que desde luego no merece los varapalos que ha recibido. Quién sabe si en un futuro no muy lejano acaba convirtiéndose en una obra de referencia imitando la propia filosofía que promulga.

7’5/10

O.C: Hiroshima mon amour (1959)

¿De qué va?: Después de rodar una película en Hiroshima, una joven actriz francesa pasa su última noche en un hotel, en compañía de un japonés. Lo que podría haber sido una fugaz aventura se convierte en un intenso idilio que hace que ella rememore un amor imposible vivido en Nevers, Francia, años atrás.

Reputación: Hiroshima mon amour fue en principio un encargo que se le hizo al director Alain Resnais para realizar un documental que hablase de las atrocidades de la guerra y de la bomba atómica. Resnais, que se había especializado en documentales al llevar una década trabajando en ellos, pasó varios meses indeciso sobre cómo proceder, ya que no quería recrear su documental Noche y Niebla. Luego fue a su productor y le dijo que la película no podía realizarse a menos que Marguerite Duras estuviera implicada en la escritura del guión, y así fue como se optó por una historia de amor entre una mujer europea y un hombre asiático (algo transgresor para la época) y que además reflejara la situación de Hiroshima tras la guerra. La película fue un importante catalizador para la posterior Nouvelle Vague por su innovador uso de la voz en off, de los largos travellings y de los breves flashbacks con el fin de crear una historia no lineal. El filme fue nominado al Oscar a mejor guión original y supuso el debut en el cine de la actriz Emmanuelle Riva, quien aspiró al Oscar en la última edición de estos premios por su interpretación en Amor.

Comentario: Hiroshima mon amour cuenta con ingredientes muy jugosos: una historia no tanto de amor sino de pasión, construida en una ciudad en proceso de reconstrucción tras quedar devastada por la guerra y que sirve de detonante para que la mujer recuerde la trágica relación que mantuvo con un soldado alemán durante la 2ª Guerra Mundial. Una premisa muy sugerente que sin embargo se ve lastrada por el ritmo excesivamente lento de la narración (dura poco menos de 90 minutos pero parecen dos horas) y la excesiva carga intelectual del guión. No considero necesarios unos diálogos tan crípticos y reiterativos para formular poesía cinematográfica, algo que posee la película pero que no será apreciado por muchos espectadores que como yo perderán el interés por la historia tras los primeros 30 minutos.

Próximo visionado: Network (Un mundo implacable) (1976)

Felices 40 primaveras

Dir.: Judd Apatow
Int.: Paul Rudd, Leslie Mann, Maude Apatow, Iris Apatow, Chris O’Dowd, Megan Fox, Albert Brooks, John Lithgow, Jason Segel
¿De qué va?: Después de varios años de matrimonio, Pete está rodeado de mujeres: su esposa Debbie y sus dos hijas, Charlotte y Sadie. Mientras que lucha para que su discográfica no se hunda, deberá aprender con Debbie a perdonar, olvidar y disfrutar del resto de sus vidas… antes de que se maten entre ellos.

Reseña: Hoy, mientras comía con una amiga, nos dimos cuenta de que estábamos casi más cerca de los 30 años que de los 20, y claro, ahí es cuando uno se para a hacer balance de su vida, de si estamos en el punto en el que pensábamos estar hace 5 años e intentar imaginar dónde estaremos dentro de otros 5, cuando empecemos a experimentar la crisis de los 30. Aunque la crisis más sonada es la de los 40, cuando en teoría tu vida está totalmente asentada y a un nivel de madurez superior. ¿Pero y si no lo estás? ¿Y si te sientes igual de perdido que cuando tenías 30 pero empezando a padecer los estragos de la edad? ¿Y si sigues sin entenderte del todo con la persona con la que se supone que vas a pasar el resto de tu vida?

Judd Apatow, especialista en retratar a Peter Panes que se dan de bruces con la responsabilidad de la vida adulta, da un paso más allá al abordar los problemas que surgen después de haber asumido los deberes y compromisos propios de la madurez, y lo hace centrándose en el matrimonio encarnado por Paul Rudd y Leslie Mann en Lío embarazoso, quienes sirvieron como oráculo de la pareja por accidente formada por Seth Rogen y Katherine Heigl en aquella película. En realidad, Rudd es el álter ego de Apatow, puesto que Mann es la esposa en la vida real de éste y las dos hijas del matrimonio ficticio también lo son del de la vida real. En vez de hacer un reality show, el director y guionista ha realizado una película en la que presuponemos que habrá bastante de ficción, pero en la que también se nota que su responsable sabe de primera mano de lo que está hablando.

Lo complicado que resulta mantener la pasión en el matrimonio tras tantos años, la pérdida de la intimidad personal, el intentar educar a los hijos de la mejor forma posible sin provocar su odio, llevar una vida saludable, no acabar en la ruina… Todas estas complicaciones que padecen muchas parejas en la vida real son retratadas en Si fuera fácil (mucho mejor el título original, This is 40) con el sentido del humor grueso, malsonante y plagado de referencias culturales (chistes a costa de Perdidos por doquier) típico de Apatow, que vuelve a recuperar el norte tras la desacertada Hazme reír (Funny People). Si disfrutaste con Virgen a los 40 y Lío embarazoso te lo pasarás igual de bien con esta película, si no, mejor que pases de largo.

Paul Rudd y Leslie Mann despliegan una gran química y demuestran que son unos jabatos en el arte de la comedia. Sin embargo, quedan un tanto eclipsados con la breve aparición de la gran Melissa McCarthy, que protagoniza una de las mejores escenas del filme. Incluso Megan Fox está bastante graciosa pese a que su personaje haga poco más que engrosar el abultado metraje de la película, uno de los errores habituales de Apatow. Si fuera fácil no tiene por qué durar 130 minutos, y aunque su metraje no resulte tan pesado como el de Hazme reír, que incluso duraba diez minutos más, no le habría venido nada mal un par de tijeretazos. Apatow también comete otro de sus errores de siempre, y es que más allá de los chistes escatológicos y sexuales se esconde un corazón más conservador y tradicional de lo que aparenta. Con todo, se trata de un honesto y cachondo dictamen sobre como sobrellevar la edad con buen humor, y eso nunca está de más.

7/10

Un fin de semana para recordar

Dir.: Andrew Haigh
Int.: Tom Cullen, Chris New, Jonathan Race, Laura Freeman
¿De qué va?: Un viernes noche, tras una fiesta en casa de unos amigos, Russell visita un club gay con intenciones de ligar. Justo antes del cine conoce a Glenn y es entonces cuando empiezan a conocerse a lo largo del fin de semana.

Reseña: Los románticos cinéfilos de pro están esperando como agua de mayo el estreno de Before Midnight, el ¿fin? del periplo amoroso vivido por Ethan Hawke y Julie Delpy a lo largo de varias décadas. Sus encuentros previos, paseando por hermosas ciudades europeas mientras conversan sobre miles de cosas, pero sobre todo sobre el amor y la vida, han cautivado a miles de personas que saben que las relaciones no son como nos las pintan la mayoría de comedias americanas pero que aún así siguen creyendo en el romanticismo. Para todos aquellos que quieran amenizar la espera, les recomiendo que le echen un vistazo a Weekend, pequeña película cortada con el mismo patrón pero centrada en una pareja homosexual.

Tal y como avanza el título, la película abarca el fin de semana que pasan los protagonistas, Russell y Glenn, juntos. Al principio lo que hay entre ellos es únicamente sexo casual, pero conforme se van conociendo irá surgiendo algo más. Las conversaciones entre ellos no comprenden tanta variedad de temas como las de Jesse y Celine, pero a través de ellas sí que descubrimos datos muy importantes, como que Russell está más acomplejado por su condición sexual que Glenn, y averiguamos entre otras cosas qué es lo que le ha pasado a este último para que se comporte de forma tan condescendiente. Los diálogos se desarrollan de forma tan natural y los actores están tan bien que parece que, o bien los están improvisando, o que son así de verdad y que los estamos viendo a través de una cámara oculta.

Weekend también sirve para romper tabúes y prejuicios sobre la homosexualidad, aunque se permita reincidir en el tópico del consumo de drogas por parte de los gays. Por supuesto que habrá quien se drogue, pero es un aspecto que se utiliza mucho en el cine queer y al menos en este caso ni siquiera es fundamental para la trama. Es el único ‘pero’ que le pongo a esta triste y románticamente realista película que aunque de entrada llamará más la atención del público gay va más allá de la condición sexual, puesto que toca tan temas universales como la intimidad, el amor, el sexo o la irónica incapacidad que tenemos de relacionarnos en un mundo tan comunicado como el que vivimos, con los que se sentirán identificados hasta los más homofóbicos del lugar.

8/10