En la última década, Canarias en general y Tenerife en particular se han convertido en uno de los platós de cine predilectos de muchas producciones internacionales. Por ello, recibimos a Luis Adrián (ladrian_86) para enumerar las razones de este fenómeno cinematográfico y hacer un repaso por algunas de las películas más importantes que se han rodado en Tenerife, con estrellas de cine tan variopintas como Raquel Welch, Vin Diesel, Penélope Cruz y Matt Damon.
Dir.: Sia
Int.: Kate Hudson, Maddie Ziegler, Leslie Odom Jr., Beto Calvillo, Mary Kay Place, Braeden Marcott, Juliette Lewis, Ben Schwartz, Héctor Elizondo
¿De qué va?: Music es una una joven autista que tras el fallecimiento de su abuela comienza a ser atendida por su medio hermana, Zu, un espíritu libre que vivía alejada de la familia y traficaba con drogas.
Reseña: El debut en la dirección de la cantante y compositora Sia empezó con mal pie desde su pobre y polémica defensa en Twitter ante las críticas por haber escogido a una actriz neurotípica para dar vida a una niña autista. “Esperad a ver la película” decía, y tenía razón, pues esa decisión de casting no es el mayor problema de Music, un musical que es un atentado ante el buen gusto y el sentido común. Es increíble lo mucho que desbarra la flamante nominada al Globo de Oro a mejor comedia/musical, a la altura de aquella vez en la que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood consideró que The Tourist (2010) era una de las mejores cinco comedias de su año.
Pero la película no consigue levantar el vuelo ni en sus momentos musicales. Si bien algunas canciones que no están mal, la puesta en escena chillona, esquizofrénica y cutre las echa por tierra, por no hablar de un vestuario horroroso que parece un aborto de Agatha Ruiz de la Prada y Desigual, y unos intérpretes cuyas mandíbulas parecen a punto de desencajarse de tanto exceso gestual. Las canciones ni siquiera consiguen encajar con la narración y con las circunstancias de los personajes, y en su intento de ejercer de reverso luminoso de una realidad deprimente a lo Bailar en la oscuridad (2000), la película resulta tremendamente ridícula.
En definitiva, Music es una obra concebida para alimentar el ego de Sia, pero le ha salido el tiro por la culata. Su aproximación al autismo es tremendamente paternalista y condescendiente, mientras que las problemáticas que aborda (alcoholismo, violencia familiar, racismo… de todo un poco) se quedan en la superficie y son pegotes para intentar insuflar de validación e importancia social a un film que, en su empeño por transmitir buen rollo, da repelús. Que las protagonistas se llamen Music y Zu son indicios certeros de la clase de despropósito a la que nos enfrentamos, cuyo clímax final resulta tan absurdo y delirante que hay que verlo para creerlo.
2’5/10
Reputación: Mientras filmaba una parte del programa La hora de los famosos, John Cassavetes vio a Steven Spielberg curioseando por el set, como solía hacer por aquel entonces. Cassavetes se acercó a Spielberg y le preguntó a qué se quería dedicar, y cuando este último respondió que quería ser director, Cassavetes dejó que el joven dirigiera por él durante el resto de la jornada. Más adelante, invitó a Spielberg a trabajar en su nueva película como asistente de producción durante dos semanas; esa película era Faces, que fue financiada con el salario como actor de Cassavetes en cinco películas distintas. El montaje original del film rondaba las seis horas de duración; se realizaron diferentes versiones, pero todas fueron destruidas una vez se creó el montaje definitivo. En el Festival de Toronto se estrenó una versión de 183 minutos, pero se eliminaron escenas para su estreno comercial, quedándose finalmente en 130. Faces ganó el premio Pasinetti a la mejor película y el de mejor actor (John Marley) en el Festival de Venecia y fue nominada a tres Oscar: mejor actor de reparto (Seymour Cassel), actriz de reparto (Lynn Carlin) y guion original. Directores como Woody Allen y Robert Altman han reconocido la película como una de las fuentes de inspiración de sus obras.
Comentario: No sé si es que el día que me puse a ver Faces estaba muy empanado, pero me costó darme cuenta de que Gena Rowlands encarna a la amante y no a la esposa del protagonista, algo que había dado por hecho por ser quien es y por ser cabeza de cartel. Esa confusión que sentí se puede aplicar también a toda la película, con la que no conecté demasiado. Gente borracha, riéndose y gritando durante dos horas, componiendo un fresco en blanco y negro sobre el aburrimiento de la clase media norteamericana, el vacío sentimental que arrastra y el absurdo de la institución del matrimonio. Se tocan temas interesantes pero me parece todo tan caótico que no saco ninguna lectura clara aparte de las obvias y me aburro mientras pienso que Antonioni lo hizo mejor en su trilogía de la incomunicación.
Próximo visionado: El hombre que pudo reinar (1975)
Dir.: Fisher Stevens
Int.: Justin Timberlake, Ryder Allen, Juno Temple, Alisha Wainwright, June Squibb, Dean Winters, Wynn Everett
¿De qué va?: Tras 12 años en prisión, Eddie Palmer vuelve a casa para reconstruir su vida. Allí entabla una peculiar e inesperada conexión con Sam, un niño de una familia desestructurada.
Reseña: Hay películas más que suficientes para encajar en todos los estados de ánimo posibles. Igual que hay días que tenemos el cuerpo para ver cosas sesudas y contemplativas, en otros nos apetece ver un tipo de película que nos haga sentir bien y que resulte cálido y familiar, como la manta con la que nos cubrimos mientras la vemos. Pero no vale cualquier cosa, y es más complicado de lo que parece emocionar y hacer cómplice al espectador sin caer en el porno-drama y la sensiblería fácil. Pues bien, todos aquellos a los que les apetezca una peli bonita están de enhorabuena, porque el último estreno de Apple+, Palmer, es bonita como para recomendársela a tu madre con la seguridad de que le va a gustar.
Justin Timberlake encarna a un antigua estrella deportiva de instituto que acaba de cumplir una larga sentencia en prisión. El crimen que cometió es un tanto ridículo, blandito para impedir que el personaje nos cause demasiado rechazo. No pasa nada, es un detalle menor. El caso es que se va a vivir con su abuela (la siempre entrañable June Squibb), y por circunstancias de la vida, acaba pasando mucho tiempo con el hijo de la vecina “white trash” (Juno Temple clavándolo como siempre). El crío, sin embargo, juega con muñecas y es fan de un club de princesas de la tele, lo cual choca con el carácter adusto de Palmer. No hay que ser un genio para imaginar qué es lo que va a ocurrir a lo largo de la cinta, pero el camino resulta tan reconocible como reconfortante. Es sensible pero no se sobrecargan las tintas hasta el último acto, cuando ya estamos completamente comprometidos con los personajes y sus circunstancias.
7/10
Dir.: Michel Franco
Int.: Naian González Norvind, Diego Boneta, Darío Yazbek Bernal, Mónica del Carmen, Eligio Meléndez, Patricia Bernal, Claudia Lobo, Eduardo Victoria
¿De qué va?: Una feliz pareja de la alta sociedad mexicana acaba de celebrar su boda. Lo que se supone que iba a ser el mejor día de sus vidas está a punto de convertirse en una auténtica pesadilla cuando en medio del banquete se cuelan unos intrusos rebeldes dispuestos a acabar con todo el que se cruce en su camino.
Reseña: La sociedad mexicana es una olla a presión a punto de estallar: desigualdad, secuestros, violencia armada, corrupción… Los que no vivimos allí podemos hacernos una idea de lo que ocurre en el país por las escasas noticias que nos llegan y la visión que ofrecen películas con fines de crítica social, como Sin señas particulares (2020) o Nuevo orden. Esta última, aun siendo premiada en el Festival de Venecia, ha levantado ampollas en México por la forma en la que Michel Franco expone lo que podría ocurrir si la lucha de clases sigue tensándose hasta llegar a un sangriento punto sin retorno.
Una boda de la alta sociedad es el escenario elegido para mostrar el origen de una revuelta social iniciada por la clase social más desfavorecida. Franco evidencia la mezquindad y la amoralidad de los rebeldes, mientras que opta por una mayor sutilidad a la hora de entrever una de las razones del origen del caos, esto es, el desdén y la nula empatía con la que los ricos tratan a los pobres. El único posicionamiento claro de Franco es en contra del poder militar, pero es esa forma dispar de exponer las faltas de cada estrato social uno de los puntos más criticados del film. En realidad, la principal tesis de Nuevo orden es que el único gran beneficiado de que sucediese algo como lo que muestra sería el ejército… pero también se puede (¿mal?)interpretar como una advertencia sobre el peligro de que se produjese un levantamiento por parte de la clase oprimida que desembocaría en un escenario mucho peor que el actual.
7/10
Reputación: Parte final de la trilogía no oficial sobre la incomunicación que rodó Michelangelo Antonioni junto con La aventura (1960) y La noche (1961). Asimismo, fue la última película que rodó en blanco y negro. Ganadora del Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes, no fue un éxito comercial salvo en Japón, donde incluso algunas de sus escenas se han utilizado como imagen de fondo para karaokes. Su silenciosa secuencia final está considerada como una de las piezas más destacadas del cine Antonioni, pero en su momento, algunos de los exhibidores norteamericanos quedaron tan perplejos que no proyectaban los 7 últimos minutos de la película. Para Martin Scorsese es la mejor de la trilogía, mientras que Michael Haneke la ha mencionado como una de sus diez películas favoritas.
Comentario: Siento discernir con el maestro Scorsese pero para mí que la trilogía de la incomunicación va de más a menos, siendo El eclipse la que menos me ha gustado de las tres. Ya no queda mucho nuevo que contar, y aunque Monica Vitti siga siendo igual de arrebatadora y Alain Delon esté guapísimo, desconecté de la película en una secuencia demasiado larga en la sede de la Bolsa que no aporta nada a la trama de Vittoria, y a partir de ahí no conseguí reengancharme del todo. Eso sí, nadie ha plasmado el vacío emocional, el amor caprichoso y el egoísmo sentimental con tanta belleza como Antonioni, que cierra su trilogía de forma inmejorable con esa silencia secuencia apocalíptica.
Próximo visionado: Faces (1968)
Reseña: En el colegio nos crearon unas expectativas absurdas sobre la vida adulta. Nos dijeron que si nos portábamos bien, sacábamos notas altas y éramos los primeros de la clase nos depararía un futuro brillante en el que todo nos iba a salir bien. Qué mentira más grande y qué importante es aprender a manejar la frustración y el fracaso desde pequeños. Así no nos dolería tanto el tortazo de realidad que recibimos luego, y nos iría mejor que a Abe Applebaum, el protagonista de la película canadiense El joven detective (The Kid Detective).
Abe fue un niño detective que gozó de gran popularidad en su ciudad. Sin embargo, cuando no pudo resolver el caso más importante que se le puso por delante, decepcionó a todos y cayó en desgracia. Ahora, siendo adulto, tiene problemas con el alcohol, comparte piso con un chaval, resuelve casos menores y ni siquiera es tomado en serio por su propia secretaria. Pero con la llegada de un caso inusual, un asesinato, se le presenta una gran oportunidad tanto para su carrera como para hallar la redención que tanto necesita. En la ópera prima de Evan Morgan conviven la esencia pura del cine negro con ráfagas autoparódicas. La película recuerda a otras aproximaciones modernas al noir como Brick (2005) o las televisivas Veronica Mars y Jessica Jones, pero El joven detective se distingue por desplegar un humor seco y negrísimo procedente de la humillación.
Muchos le cogimos cariño a Adam Brody desde principios de los años 2000 por dar vida a Seth Cohen en The O.C. Desde que terminó la serie no ha parado de trabajar, pero casi siempre en papeles secundarios y películas independientes. Este es su primer protagonista de peso y lo borda, transmitiendo de forma sutil la amargura que reconcome a su personaje. Una interpretación que encaja perfectamente con el tono desencantado, juguetón y deprimente que tiene la película. El film, que también produce, está concebido para su lucimiento y debería servir para que haya una mayor presencia de Adam Brody en el cine próximo Es justo y necesario.
El joven detective funciona a diferentes niveles: como el drama de un hombre que no sabe lidiar con las falsas expectativas que le crearon de pequeño, como comedia negra que satiriza sobre los clichés del cine negro y como thriller noir no especialmente enrevesado pero de inesperada y potente resolución. Tan hilarante como devastadora, no hará mucho ruido pero es lo suficientemente resultona y carismática como para generar culto en torno a ella. Una pequeña joya que despunta dentro de la sequía de estrenos por la que estamos atravesando.
8/10
