Itinerario de estrenos de mayo 2016

Los próximos 9, 10 y 11 de mayo se celebra una nueva edición de la Fiesta del Cine, en la que se podrá disfrutar de entradas a 2,90 euros en todos los cines asociados. No soy especialmente fan de esta promoción, pues las colas en las taquillas suelen ser tremendas y las salas se suelen llenar de gente que no está habituada a comportarse en un cine. Sólo supone un ahorro de un euro respecto al precio de los miércoles, así que hay que pensarse bien si de verdad merece la pena. De una manera u otra, la cartelera tiene películas más interesantes que la Fiesta celebrada en mayo del año pasado, y es una buena opción para rescatar aquellas que se han quedado pendientes; yo les recomiendo El libro de la selva, Kiki, el amor se hace, Julieta y Capitán América: Civil War (mañana reseña). Hay para todos los gustos, como en el itinerario de estrenos de este mes:

Triple 9: Thriller criminal dirigido por John Hillcoat (Lawless. Sin ley) cuyo título hace alusión a un código policial que significa ayuda inmediata. Un grupo de policías corruptos de la ciudad de Los Ángeles planea activar esta alerta para desviar toda la atención hacia la otra punta de la ciudad del lugar en el que están planeando realizar un gran golpe que les permita dejar de ser extorsionados por la mafia rusa. Críticas regulares para un film cuyo mayor aliciente está en su extenso reparto: Casey Affleck (Interstellar), Chiwetel Ejiofor (El secreto de una obsesión), Anthony Mackie (Capitán América: Civil War), Aaron Paul (De padres a hijas), Norman Reedus (The Walking Dead), Woody Harrelson (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2), Gal Gadot (Batman v Superman: El amanecer de la justicia) y Kate Winslet (La modista) en modo mafiosa chunga.
Estreno: 6 de mayo

La venganza de Jane: Western protagonizado y producido por Natalie Portman (Thor: El mundo oscuro) que le ha traído no pocos quebraderos de cabeza a la actriz: abandono de su directora, Lynne Ramsay, en los primeros días de rodaje por desavenencias con uno de los productores, la marcha de su director de fotografía y un desfile de actores que ficharon y se desentendieron consecutivamente del proyecto (Michael Fassbender, Jude Law, Bradley Cooper). Finalmente, Gavin O’Connor (Warrior) tomó las riendas de la producción con Joel Edgerton (El regalo), Ewan McGregor (Mortdecai) y Noah Emmerich (The Americans) secundando a Portman, pero eso no ha impedido que la película se haya estrenado con tres años de retraso y el sambenito de “gafada”. A todo esto, la película versa sobre una joven que debe defender su casa y a su marido malherido de una banda de delincuentes con la ayuda de un viejo amor.
Estreno: 6 de mayo

 
Freeheld: Drama basado en la historia real de una pareja de mujeres que ya fue objeto de un corto documental nominado al Oscar. A una de ellas, policía condecorada de Nueva Jersey, le diagnosticaron un cáncer terminal, y tuvo que ir hasta los tribunales para que permitieran que su pareja pudiera beneficiarse de su pensión cuando ella ya no estuviese. Peter Sollett (Nick y Norah, una noche de música y amor) dirige la película protagonizada por Julianne Moore (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2), Ellen Page (X-Men: Días del futuro pasado), Michael Shannon (El hombre de acero) y Steve Carell (La gran apuesta). Presentada en el Festival de Toronto y en el de San Sebastián, ha recibido comentarios muy tibios.
Estreno: 6 de mayo

High-Rise: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de J.G. Ballard dirigida por Ben Wheatley (Turistas) y protagonizada por Tom Hiddleston (La cumbre escarlata), Jeremy Irons (Batman v Superman: El amanecer de la justicia), Sienna Miller (El francotirador), Luke Evans (Fast & Furious 7) y Elizabeth Moss (La verdad). La historia gira en torno al doctor Robert Laing y su llegada a un enorme rascacielos donde se desarrolla un mundo aparte e ideal. Sin embargo, al poco tiempo el recién llegado empezará a sospechar que esa sociedad no es tan utópica como aparenta… El film se ha presentado en numerosos festivales, como el de San Sebastián, despertando sensaciones y opiniones muy polarizadas.
Estreno: 13 de mayo

La bruja: La ópera prima del director y guionista Rogert Eggers es una fábula de terror, ambientada en la Nueva Inglaterra de 1630, sobre una familia cristiana que habita cerca de un lúgubre bosque. Cuando su hijo recién nacido desaparece y la cosecha no crece, los miembros de la familia se enfrentan entre sí, mientras son acechados de cerca por un mal sobrenatural. La película ganó el premio al mejor director del Festival de Sundance de 2015 y ha obtenido muy buenas críticas, convirtiéndose en un fenómeno similar al de It Follows el año pasado.
Estreno: 13 de mayo

La última apuesta (Mississippi Grind): Nuevo film de la dupla de directores y guionistas formada por Anna Boden y Ryan Fleck (Una historia casi divertida) sobre dos adictos al juego que se embarcan en un viaje por carretera por el sur de Estados Unidos con el objetivo de recuperar todo el dinero que han perdido. Ryan Reynolds (Deadpool), Ben Mendelsohn (Slow West), Sienna Miller y Analeigh Tipton (Lucy) protagonizan esta cinta que obtuvo buenas críticas y una nominación al Independent Spirit Award a mejor actor para Mendelsohn.
Estreno: 13 de mayo

X-Men: Apocalipsis: Última entrega de la trilogía de precuelas de la saga X-Men, en la que la academia de Charles Xabier se pone en jaque cuando Apocalipsis, el primer mutante de la historia y el más poderoso de todos, despierta tras miles de años dormido y recluta a sus cuatro jinetes para acabar con toda la humanidad y así empezar un nuevo orden mundial. Bryan Singer (X-Men: Días del futuro pasado) se mantiene en la dirección con un reparto en el que repiten en sus respectivos roles James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Evans Peters, Rose Byrne y Lucas Till, con las incorporaciones de Oscar Isaac (Star Wars: El despertar de la fuerza), Sophie Turner (Juego de tronos), Olivia Munn (Mortdecai), Tye Sheridan (Joe), Kodi Smith-McPhee (Slow West) y Alexandra Shipp (Straight Outta Compton).
Estreno: 20 de mayo

Dos buenos tipos: Thriller setentero de Shane Black (Iron Man 3, Kiss Kiss Bang Bang), sobre un detective y un matón a sueldo que se ven obligados a colaborar juntos para resolver el caso de una joven desaparecida, la muerte de una estrella porno y una conspiración criminal que llega a las altas esferas. Russell Crowe (De padres a hijas) y Ryan Gosling (La gran apuesta) protagonizan el film, cuya premier se celebrará en el Festival de Cannes fuera de concurso.  Kim Basinger (La gran revancha) y Matt Bomer (Magic Mike XXL) secundan al dúo estelar.
Estreno: 27 de mayo

Alicia a través del espejo: Secuela de la taquillera reinvención en acción real del cuento de Lewiss Carroll que estrenó Disney en 2010 con James Bobin (El tour de los Muppets) sustituyendo a Tim Burton en la dirección. Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway y Helena Bonham Carter regresan para esta aventura en la que Alicia se embarcará en un nuevo viaje a través del País de las Maravillas para rescatar al Sombrerero Loco del malvado Tiempo, al que da vida Sacha Baron Cohen (Agente contrainteligente).
Estreno: 27 de mayo

 

ACTUALIZACIÓN: Dos buenos tipos se retrasa dos semanas, hasta el 10 de junio.

Actor del mes: Tom Hiddleston

Nombre completo: Thomas William Hiddleston

Fecha de nacimiento: 9 de febrero de 1981

Lugar de nacimiento: Westminster, Londres (Reino Unido)

Filmografía destacada:

Thor: Ragnarok (2017)
Kong: Skull Island (2017)
I Saw the Light (2015)

El infiltrado (Miniserie de TV) (2016)
High-Rise (2015)
La cumbre escarlata (2015)
Thor: El mundo oscuro (2013)
Sólo los amantes sobreviven (2013)
The Hollow Crown (Miniserie de TV)
Los Vengadores (2012)
War Horse (2011)
The Deep Blue Sea (2011)
Midnight in Paris (2011)
Thor (2010)
Archipelago (2010)
Jane Austen recuerda (TV) (2008)

Méritos: Se presentó al casting de Thor esperando conseguir la oportunidad de su vida empuñando el martillo Mjolnir, pero a Kenneth Branagh le pareció que reunía más cualidades para dar vida al taimado y maquiavélico Loki. Así fue cómo Tom Hiddleston consiguió entrar por la puerta grande de la industria cinematográfica, logrando una hazaña que aún a día de hoy parece imposible: que un villano Marvel destaque por su carisma. Qué más da que ejerciese de saco de boxeo en Los Vengadores; para cuando llegó Thor: El mundo oscuro, él ya se había convertido en el principal reclamo de la franquicia del dios nórdico.

Con su impoluta educación y simpatía, Hiddleston ha sabido meterse en el bolsillo al sector fandom, y ha aprovechado el impulso obtenido para empezar a labrarse una carrera con la que ganarse el respeto de la crítica y los estudios: en apenas cinco años ya ha trabajado para directores de la talla de Steven Spielberg, Woody Allen, Guillermo del Toro, Jim Jarmusch o Terence Davies. Durante esta temporada primaveral lo tenemos por partida doble en cine y televisión: tras provocar reacciones polarizadas en cada festival en el que se presenta, llega a los cines españoles High-Rise, adaptación de la novela homónima de J.G. Ballard sobre un rascacielos que encierra una sociedad no tan utópica como promete ser, mientras que en la pequeña pantalla, encarna al héroe de la miniserie El infiltrado (The Night Manager), basada en un libro de John le Carré. El año que viene se medirá ante el mismísimo King Kong en Kong: Skull Island y volverá a encarnar, probablemente por última vez, al icónico Loki. Hiddleston ya está preparado para dejar atrás Aasgard, pues es uno de los actores con mayor proyección de la última oleada británica.

Extras:

Tráiler de High-Rise

Tráiler de I Saw the Light

Tráiler de El infiltrado

Entrevista sobre La cumbre escarlata

Anuncio de Jaguar - El arte de la villanía

El Monstruo de las Galletas aprende una lección de Tom Hiddleston

Alfred & François

François Truffaut, uno de los abanderados de la Nouvelle Vague, realizó una serie de entrevistas a Alfred Hitchcock recogidas en un libro, El cine según Hitchcock, que no sólo se ha convertido en un manual cinematográfico imprescindible, sino en el impulso que necesitaba el director de Psicosis para salir del paso del menosprecio generalizado de la crítica norteamericana y ser reconocido como el gran maestro del suspense en particular, y del Séptimo Arte en general, que fue. El documentalista Kent Jones ha rescatado para Hitchcock Truffaut imágenes y audios de aquellos encuentros que desembocaron en una sólida amistad, y ha contado con la participación de algunos de los cineastas más importantes de la actualidad para abordar el importante legado de la filmografía de Hithcock.

Dos directores de películas y formas de rodar tan diferentes, unidos tanto por su afición por innovar jugando con el lenguaje cinematográfico (cada uno en su ámbito), como por la pasión que sentían ambos por el cine. Una pasión que se contagia fácilmente cuando los oyes hablar, mediante una intérprete que media en la conversación traduciendo del inglés al francés y viceversa. No obstante, la película gira fundamentalmente en torno a Hitchcock, quedando Truffaut un tanto en la sombra, sin indagar demasiado en su faceta de admirador de su colega británico. Kent hace un rápido recorrido por la vida y la carrera de Hitch, desde sus inicios en el cine mudo hasta la crisis creativa que sufrió en sus últimos años, pasando por su estrecha colaboración profesional con su esposa, Alma Reville,  o por su declarada animadversión por el gremio de los actores, deteniéndose únicamente en las dos películas que con toda probabilidad sean las más importantes y revolucionarias de su obra: Vértigo y Psicosis.

De entre todos los cineastas que han participado en el documental, son Martin Scorsese, David Fincher y James Gray quienes aportan las observaciones más interesantes sobre el legado de Hitchcock. A pesar de ello y de las curiosidades en torno al “cómo se hizo”, el film sabe a poco, puesto que sólo dura 80 minutos y da la impresión de que deja muchas cosas en el tintero; no hay mal que por bien no venga, pues se termina el visionado con muchas ganas tanto de leer el libro escrito por Truffaut, como de revisionar las grandes obras de Hitchcock y de ver aquellas que aún tenemos pendientes por descubrir. Documental imprescindible para recordar qué grande puede ser el cine y qué interesantes pueden ser aquellas personas que lo hacen posible.

8/10

Prematuramente separados

Creador: Mark Duplass, Jay Duplass, Steve Zissis
Int.: Mark Duplass, Melanie Lynskey, Amanda Peet, Steve Zissis
Emisión: 2015 – 2016, HBO
2 temporadas

Tengo una vieja amiga (a la que le mando un besito) que una vez me dijo que ella empezaba las series cuando ya estaban terminadas. Así se aseguraba de que tenían un final cerrado, porque le cabreaba mucho cuando las cancelaban y la dejaban a medias. A mí me recordó lejanamente a esa actitud que tienen algunos de “no quiero una mascota porque lo voy a pasar muy mal cuando se muera”. Vamos, que la tristeza o, en el caso de las series, el coitus interruptus, es inevitable, lo que importa es el aprendizaje y la diversión que se experimenta durante el visionado… O al menos eso quería creer hasta el último caso de cancelación repentina que me ha tocado vivir: Togetherness.

HBO nunca cancela una serie en su primera temporada. Si no están contentos con los índices de audiencia o la repercusión que suscita, le dan una segunda temporada antes de confirmar el fracaso, pero si la cosa no remonta la cancelación es inevitable. Ocurrió el año pasado con Looking, pero su relativa fama propició un desenlace en forma de tv-movie que debe emitirse en algún momento de este año. Dudo que vaya a pasar lo mismo con Togetherness, que ha pasado más desapercibida aún, y sus creadores, los hermanos Mark y Jay Duplass, ya tienen un contrato con Netflix para producir una serie de largometrajes que se estrenarán en dicha plataforma.  Ellos, ya enfrascados en la preparación de la tercera temporada, fueron los primeros sorprendidos ante la cancelación, y por eso la serie ha terminado tal que así, con un final que nos pilló a todos por sorpresa, pero no por lo que ocurre en el capítulo (que se veía venir), sino porque muchos nos olvidamos de que tanto la primera como la segunda temporada constaban tan sólo de ocho episodios cada una.

Togetherness, que se emitía la misma noche que Girls, se vendió a partir de la idea de que los cuarentones están igual de perdidos en la vida que los veinteañeros. Sin embargo, los hermanos Duplass no son Lena Dunham, ni para lo bueno ni para lo malo. Ambos son cabecillas del mumblecore, un subgénero del cine independiente americano caracterizado por los diálogos improvisados y naturalistas y en el énfasis de estos por encima del argumento; de ahí que la premisa de la serie sea en apariencia tan sencilla y anodina: matrimonio con hijos de clase media que intenta revivir la llama de su relación se ve obligado a acoger en su casa a la hermana mayor de ella, metida en el dudosamente rentable negocio de los castillos hinchables, y al mejor amigo de él, un actor en paro. Lo dicho, no es gran cosa, pero cuando echa a andar, la serie desprende un discreto encanto que recuerda a las películas de los Duplass (Cyrus, Jeff y los suyos) que reside en el humor liviano, el candor de sus personajes y en sus tribulaciones, expuestas de manera tan sencilla como honesta.

La serie ha quedado como un interesante e inacabado díptico sobre las relaciones: en la primera temporada, los conflictos surgían ante la necesidad de compartir un mismo espacio físico, mientras que la segunda examina las carencias emocionales como consecuencia de la separación producida tras crear o reforzar los lazos afectivos. Lo mejor de Togetherness era ese cuarteto protagonista formado por Mark Duplass, Melanie Lynskey, Steve Zizzis y Amanda Peet, tan bien compenetrado y ajustado a los caprichosos vaivenes emocionales de sus personajes. Me da pena sobre todo el caso de Peet, actriz de gran carisma y solvencia cuya carrera nunca ha terminado de despegar ni en cine ni en televisión, pues ya son cuatro las series canceladas precipitadamente que ha protagonizado y, para más inri, el “final” de su personaje en Togetherness es bastante similar al del que encarnaba en Jack & Jill. Tal vez, ella también se apunte a esa regla de sumarse a series sólo cuando tengan asegurado un cierre digno.

La vida no es tan bella

¿Pueden haber aún nuevas formas de abordar la Segunda Guerra Mundial y el holocausto nazi? El húngaro László Nemes demuestra que sí, que a pesar del gran número de películas que han plasmado uno de los capítulos más oscuros y abominables de la historia del ser humano, aún es posible volver a él sin caer en la reiteración y la monotonía, gracias a su ópera prima, El hijo de Saúl, con la que ha conseguido, no sólo que Hungría gane su primer Oscar a la mejor película de habla no inglesa, sino que experimentemos el horror de un campo de concentración nazi en primerísima persona.

A lo largo de toda la película jamás nos separaremos de Saúl, un prisionero judío húngaro que forma parte del equipo que se encargaba de quemar los cadáveres de sus compañeros gaseados y limpiar las cámaras de gas. El magnífico prólogo ya establece la forma en la que seremos partícipes de esta historia: vamos a oír más de lo que consigamos ver, y nuestra imaginación hará el resto. Tampoco nos enteraremos mucho de lo que está ocurriendo en la pantalla, un efecto probablemente buscado para provocar desconcierto y confusión, pero que conlleva cierto riesgo, pues al no poder encontrar algo a lo que aferrarnos para seguir el hilo de la narración, el desinterés y la desconexión emocional puede hacer acto de presencia. También es verdad que es una película hecha para ser vista en una sala de cine, a oscuras y sin posibilidad alguna de escape o evasión.

Esa falta de apego afectivo también va ligada con la no menos atrevida premisa argumental: Saúl es un prisionero, muerto en vida, que se obceca con darle una sepultura digna a uno de los niños asesinados en la cámara de gas. El impertérrito Saúl se pasea por todo el campo de concentración, causando estragos allá donde pasa y ganándose el odio tanto de los soldados alemanes como de sus propios compañeros prisioneros. Su misión particular es la excusa perfecta para exponer el infierno que se vivía en aquellos campos desde que los prisioneros entraban hasta que sus cuerpos inertes eran deshechos, pero el impacto producido por la barbarie puede diluirse ante la irritación producida por sus acciones. El hijo de Saúl es muy buena película, con un inicio y un final perfectos, escenas muy potentes y un trasfondo ligeramente esperanzador que se deja entrever en la confianza puesta en unas nuevas generaciones que aprendan de los errores cometidos en el pasado, pero eché en falta un poco de orientación entre tanto caos para darle el medio punto que separa el notable bajo del alto.

7’5/10

Lo digital más vital

Dir.: Jon Favreau
Int.: Neel Sethi, Bill Murray, Ben Kingsley, Idris Elba, Lupita Nyong’o, Scarlett Johansson, Giancarlo Esposito, Christopher Walken
¿De qué va?: Mowgli, un niño que ha sido criado por una manada de lobos, se ve obligado a abandonar la selva cuando el tigre Shere Khan promete acabar con él por el odio que siente hacia los humanos. Con la ayuda de la pantera Bagheera, Mowgli emprende un viaje hacia la aldea del hombre en el que se topará con diversos animales, unos amistosos como el oso Baloo y otros que por el contrario no son muy de fiar.

Reseña: Un renovado logo Disney que exhibe el castillo de la Bella Durmiente, combinando tridimensionalidad con trazos pintados a mano, anticipa la filosofía que se ha marcado Jon Favreau y su equipo para dar vida a esta nueva versión del clásico El libro de la selva: aunar lo mejor de lo viejo y de lo nuevo. Y por si no fuera pista suficiente, la narración arranca con la misma portada del libro que se abría en el año 1967 para contar la versión Disney del relato de Rudyard Kipling, con los mismos y reconocibles acordes musicales, pero con un primer capítulo que ya no versa sobre un bebé Mowgli encontrado en una canasta varada por el río, sino sobre uno ya crecidito en pleno entrenamiento por la selva junto a su padrino Bagheera.

Se trata de una de las muchas modificaciones que ha experimentado este remake respecto a la cinta original, evitando que se convierta en una traslación perezosa a acción real. Los cambios introducidos apuestan por dotar de un tono más oscuro, adulto y aventurero a la historia de Mowgli, convirtiendo su viaje en el monomito circular del héroe que madura a través de las lecciones que aprende por el camino. No obstante, el sentido del humor no se pierde, y permanecen aquellas canciones pegadizas que nos aprendimos todos aquellos fans de la película de dibujos, así como la personalidad de los diferentes y peculiares animales que se encuentra el niño por la selva, para los que han contado con un casting de actores que le va ni que pintado… ¿O es que puede haber alguien mejor que Bill Murray para darle voz al despreocupado cara dura de Baloo? ¿O alguien con una cuerdas vocales que puedan ser más seductoras que las de Scarlett Johansson como la hipnótica y peligrosa serpiente Kaa?

No obstante, la voz no es lo único que contribuye a la credibilidad de unos animales que parlotean con el debutante y “riquiño” Neel Sethi, sino un fantástico e impresionante trabajo de animación digital que recrea una selva y una extensa galería de animales cuidada hasta el más mínimo detalle. Los efectos meteorológicos, los movimientos corporales, la luz, el sonido… todo contribuye a la inmersión en una película donde los series digitales resultan más tiernos, entrañables y humanos que nunca en el caso de los buenos, y más imponentes y aterradores en el caso de los malos, todos ampliamente capaces de expresar múltiples matices emocionales. La película también supone todo un golpe sobre la mesa de Favreau, quien ha realizado una película, la más inspirada de su carrera, que, a pesar de haberse rodado íntegramente frente a una pantalla verde, se siente viva y orgánica.

El libro de la selva es, con diferencia, el mejor remake en acción real que ha hecho Disney hasta la fecha. Menos encorsetado que Cenicienta, mejor canalizado que Alicia en el país de las maravillas. Recupera las señas de identidad de su referente, utiliza la tecnología más puntera para recrear el mágico mundo del que parte y se atreve a introducir cambios sustanciales al cuento para resultar imprevisible (dentro de lo que cabe) y aportar nuevas lecturas (la forja de un camino propio, la solidaridad, la astucia como mejor arma…), logrando ese equilibrio imposible entre divertimento para niños y adultos. Debería ser el referente para toda la ristra de películas del mismo corte que llegarán en los próximos años; si nos van a bombardear con clásicos Disney remodelados, al menos que sean igual de dignos, sustanciosos y disfrutables que este.

8/10

O.C: Jesucristo Supestar (1973)

¿De qué va?: La traición de Judas, la última cena, la crucifixión y todos los acontecimientos que marcaron los últimos siete días de vida de Jesús de Nazaret a ritmo de música rock.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la exitosa obra homónima de Broadway con un repertorio de canciones compuesto por Tim Rice y Andrew Lloyd Weber que vendió millones de discos por todo el mundo. La idea de adaptarla a la gran pantalla fue propuesta a su director, Norman Jewison, durante el rodaje de El violinista del tejado (1971), y tras escuchar el álbum no tuvo duda alguna en ponerse manos a la obra. El reparto estaba compuesto principalmente por actores de la representación teatral: Ted Neely y Carl Anderson interpretaban respectivamente a Jesús y Judas, aunque en la versión de Broadway ejercían de actores suplentes (Neely ha encarnado a Jesús sobre las tablas aproximadamente durante 40 años). El rodaje se llevó a cabo principalmente en Israel y otros lugares de Oriente Medio, pero no en en la propia Jerusalén, sino en las ruinas de la antigua ciudad de Advat. Para prevenir la controversia que se podría generar por parte de la audiencia religiosa, el director optó por ambientar la película como una representación teatral llevada a cabo por un grupo de hippies viviendo plenamente el espíritu de la Era de Acuario. Además, algunas letras de canciones fueron cambiadas, tanto para enriquecerlas como para hacerlas más aceptables para el público cristiano. Fue nominada a 6 Globos de Oro y al Oscar a mejor canción, pero la película no obtuvo el mismo éxito que las representaciones teatrales, salvo en Chile, donde se mantuvo en cartelera durante dos años.

Comentario: Jesucristo Superstar es la demostración de que una historia requete conocida puede ser contada de manera fresca y diferente, con un enfoque distinto que a su vez no trastoque su esencia más pura. En este caso, el optimismo, la esperanza, el amor y la rebeldía implícita en la historia de Jesucristo se impone al sentimiento religioso, la devoción y el sacrificio que exalta la Iglesia Cristiana de la misma. Vamos, que resulta totalmente coherente que una panda de hippies se haya adueñado de la crucifixión y la muerte del hijo de Dios para montar una ópera rock, con un reparto multiétnico vestido con los primeros trapos que pillaron, tanto túnicas como chalecos setenteros. Además, resulta muy interesante la cancha que se le da Judas y al conflicto moral que sufre por culpa del Mesías, las canciones son tremendamente pegadizas y mola mucho la encarnación festiva y lujuriosa que se hace de Herodes. En definitiva, un musical bíblico que hará las delicias de los infieles… pero tal vez no tanto de los devotos.

Próximo visionado: Nosferatu (1922)