Itinerario de estrenos de octubre 2015

Tras la sequía de los últimos meses, octubre se presenta a tope de estrenos. Algunos resultan imprescindibles (son fáciles de distinguir) y otros, que no lo son tanto, podrían reservarse para aprovechar la próxima Fiesta del Cine, que se celebrará desde el martes 3 hasta el jueves 5 de noviembre. Seguramente tendrá mayor éxito que la última vez, cuando perdió asistencia debido a una cartelera poco llamativa y la celebración de unos partidos de fútbol que debieron ser importantes, una Copa o algo así, qué se yo. En fin, aparte de lo que les traigo, que es un montón, tengan también en cuenta a la última ganadora del Oso de Oro de Berlín, Taxi Teherán, a la producción argentina El clan (9 de octubre ambas), y a Truman de Cesc Gay (30 de octubre), que también tienen muy buena pinta.

Regresión: Seis años después de Ágora, Alejandro Amenábar presenta su sexto largometraje, un thriller ambientado en Minnesota en 1990 y que sigue los pasos de un detective que investiga el caso de una joven que acusa a su padre de cometer un crimen inconfesable. Éste, que admite la culpa pero no recuerda lo sucedido, se somete a una terapia para recuperar sus recuerdos reprimidos, destapando en el proceso una siniestra conspiración. Ethan Hawke (Boyhood), Emma Watson (Noé) y David Thewlis (La teoría del todo) protagonizan la película que inauguró el pasado Festival de San Sebastián con una acogida bastante fría por parte de los asistentes. De hecho, se comenta que tras su primer pase de prueba, Harvey Weinstein decidió cancelar su estreno en cines americanos para distribuirla directamente de forma online…
Estreno: 2 de octubre

Yo, él y Raquel (Me and Earl and the Dying Girl): Dramedia juvenil sobre un chaval que intenta pasar desapercibido durante sus años en el instituto, haciendo películas caseras con su amigo Earl, hasta que sus padres le obligan a entablar amistad con una compañera de clase enferma de leucemia. Alfonso Gómez-Rejón (Espera hasta que se haga de noche) dirige esta adaptación cinematográfica de la novela homónima de Jesse Andrews, también guionista del filme que protagonizan Thomas Mann (Hermosas criaturas), Olivia Cooke (La señal) y el debutante RJ Cyler. Ganó tanto el premio de mejor película como el del público en el pasado Festival de Sundance, gustó mucho en su paso por San Sebastián y ha recibido críticas excelentes (aunque su recaudación en cines americanos fue un tanto decepcionante).
Estreno: 9 de octubre

Pan (Viaje a Nunca Jamás): Nueva versión del cuento clásico de J.M. Barrie que funciona a modo de precuela, pues cuenta cómo el joven Peter llegó al País de Nunca Jamás, entabló amistad con el Capitán Garfio y Tigrilla y juntos se enfrentaron al tirano Barbanegra para salvar su mundo. Joe Wright (Anna Karenina) dirige el filme protagonizado por Levi Miller, Garrett Hedlund (Invencible), Hugh Jackman (Chappie), Rooney Mara (Trash, ladrones de esperanza), Cara Delevingne (Ciudades de papel) y Amanda Seyfried (Mientras seamos jóvenes). Los primeros comentarios no son especialmente halagüeños…
Estreno: 9 de octubre

La cumbre escarlata (Crimson Peak): El nuevo filme de Guillermo del Toro (Pacific Rim) es un cuento de terror gótico sobre una joven escritora que tras enamorarse de un atractivo desconocido se instala a vivir junto a este y su cuñada en una lúgubre mansión llena de secretos que la perseguirán para siempre. Mia Wasikowska (Maps to the Stars), Tom Hiddleston (Sólo los amantes sobreviven) , Jessica Chastain (El año más violento) y Charlie Hunnam (La huida) conforman el atractivo cuarteto protagonista de un filme muy esperado que ha gustado, y mucho, en su premiere en el Fantastic Fest.
Estreno: 16 de octubre

Marte (The Martian): Ridley Scott (Exodus: Dioses y reyes) adapta al cine el aclamado best-seller de Andy Weir que gira en torno a un astronauta que es dado por muerto y abandonado en una misión tripulada a Marte. Con suministros escasos, deberá recurrir a su ingenio y a su instinto de supervivencia para sobrevivir y encontrar la manera de comunicar a su equipo que sigue con vida. Matt Damon (Interstellar) protagoniza esta epopeya de ciencia ficción muy bien arropado por Jessica Chastain, Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud), Kristen Wiig (The Skeleton Twins), Kate Mara (Cuatro fantásticos), Jeff Daniels (Dos tontos todavía más tontos), Sebastian Stan (Ricki), Michael Peña (Ant-Man), Mackenzie Davis (Amigos de más) y Sean Bean (Pixels). La película fue una de las mejor acogidas en el pasado Festival de Toronto, donde sorprendió por su apuesta por el humor.
Estreno: 16 de octubre

Los miércoles no existen: Adaptación cinematográfica de la obra de tintes musicales que lleva años representándose con éxito en los teatros de Madrid. Dirigida por Peris Romano (8 citas) y protagonizada por Eduardo Noriega (La bella y la bestia), Inma Cuesta (Las ovejas no pierden el tren), Alexandra Jiménez (Anacleto: Agente secreto), Gorka Otxoa (Lobos de Arga), William Miller (Cinco de Mayo: La batalla) y María León (Rey Gitano), sigue los encuentros y desencuentros amorosos que se producen entre un grupo de treintañeros con el paso de los años.
Estreno: 16 de octubre

Slow West: Western escrito y dirigido por el hasta ahora cortometrajista John Maclean que cuenta la historia de un joven de 17 años que se asocia con un misterioso viajero para emprender un peligroso viaje en busca de su amada. Michael Fassbender (Frank), Kodi Smit-McPhee (El amanecer del planeta de los simios) y Ben Mendelsohn (Lost River) encabezan el reparto de un filme que ha obtenido muy buenas críticas y el Gran Premio del Jurado del último Festival de Sundance
Estreno: 16 de octubre

La verdad (Truth): Debut en la dirección del guionista James Vanderbilt (Zodiac, The Amazing Spider-Man) que adapta al cine las memorias de la productora de noticias Mary Mapes, quien, en víspera de las elecciones presidenciales del año 2004, sacó a la luz junto al presentador Dan Rather una investigación que aseguraba que el presidente George Bush se había escaqueado de participar en la Guerra de Vietnam. La noticia levantó una polémica que alteró el curso de sus carreras para siempre. Cate Blanchett (Cenicienta) y Robert Redford (Capitán América: El soldado de invierno) encarnan a sus protagonistas, secundados por Topher Grace (American Ultra), Elisabeth Moss (Mad Men), Dennis Quaid (Movie 43) y Bruce Greenwood (Más allá del amor). La película recibió buenas críticas en su presentación en el Festival de Toronto:
Estreno: 30 de octubre

Los últimos cinco años: Adaptación cinematográfica de un musical del Off-Broadway de Jason Robert Brown que abarca los cinco años de relación entre Cathy, una joven aspirante a actriz, y Jamie, un novelista en alza, alternando entre los puntos de vista y dando saltos temporales: mientras ella recuerda la relación empezando por el final y terminando por el principio, él lo hace al revés. Richard LaGravenese (Hermosas criaturas) dirige el filme protagonizado por Anna Kendrick (Dando la nota 2 – Aún más alto) y Jeremy Jordan (Smash). Obtuvo críticas regulares en Estados Unidos y apenas nadie la vio en salas (recaudó 145.000 dólares), pero su visionado tampoco desmerece.
Estreno: 30 de octubre
Crítica

El becario: La nueva película de Nancy Meyers (No es tan fácil) se centra en la relación que se establece entre la joven dueña de un exitoso negocio online y el nuevo becario, un señor de setenta años que acabará convirtiéndose en alguien indispensable. Anne Hathaway (La vida en una canción), Robert De Niro (El encargo), Rene Russo (Nightcrawler), Natt Wolf (Ciudades de papel) y Adam DeVine (Dando la nota – Aún más alto) protagonizan una comedia que se acaba de estrenar en Estados Unidos con críticas regulares, que la tachan de ser excesivamente amable.
Estreno: 30 de octubre

Actor del mes: Michael Fassbender

Méritos: Desde que Michael Fassbender fuese elegido actor del mes de este blog, hace tres años, su carrera no ha hecho más que progresar, pero él sigue manteniendo ese porte afable y cercano que no se corresponde con su estatus de estrella internacional. Fassbender continúa alternando con muy buen ojo proyectos independientes con otros más ambiciosos, siendo pocas las ocasiones en las que equivoca, como fue el caso de El consejero, un fracaso que, no obstante, nadie vio venir. Este mes estrena en España el western indie Slow West, que ganó el Gran Premio del Jurado en el último Festival de Sundance, aunque será durante los próximos meses cuando dé más de que hablar, con el estreno de Macbeth y, sobre todo, el de Steve Jobs, biopic del fundador de Apple por el que ya suena en muchas quinielas para ganar el Oscar que perdió el año pasado ante el todoterreno Jared Leto.

Tampoco es que necesite ganar una estatuilla para impulsar una carrera que ya va viento en popa y cargada de proyectos grandes y pequeños para los próximos dos años, entre los que destacan X-Men: Apocalypse, donde dará vida por última vez a Magneto, el drama The Light Between Oceans junto a Rachel Weisz, una película de Terrence Malick, la secuela de Prometheus, o Assassin’s Creed, salto al cine del popular videojuego en el que Fassbender se ha involucrado completamente, incentivando la contratación del director de Macbeth, Justin Kurzel, y de su co-protagonista, Marion Cotillard. En pocos años, Fassy, como lo llama cariñosamente su legión de fans, se ha convertido en un valor seguro, y sin necesidad de quitarse la ropa. Y si se desnuda otra vez, seguro que nadie se queja.

La meteórica carrera de Michael Fassbender en 12 películas

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Debutó en el cine como uno de los espartanos kamikaze de 300 (2006); con Hunger  (2008) pasó mucha hambre y empezó su fructífera colaboración con el director Steve McQueen; sólo participó en una escena de Malditos bastardos (2009) pero fue suficiente para que todo el mundo se quedara con su cara; fue el sombrío objeto de deseo de la Jane Eyre (2011) de Cary Fukunaga; ha sido el joven Magneto en X-Men: Primera generación (2011),  Días del futuro pasado (2014) y lo será por última vez en Apocalipsis (2016); con su desnudo físico y emocional en Shame (2011) llegó su consagración, aunque los Oscar no lo supieran apreciar; el ambivalente androide David de Prometheus (2015) volverá en Alien: Paradise Lost (2017); como el esclavista de 12 años de esclavitud (2013) dio mucho miedo y le llovieron nominaciones, pero pocos premios; en Frank (2014) demostró sus dotes para el canto escondido bajo un cabezón de papel maché; a finales de año llegará Macbeth (2015), donde se atreve a recitar los versos en inglés antiguo de Shakespeare; a pesar de su escaso parecido físico ya suenan campanas de Oscar por su encarnación de Steve Jobs (2015); su próximo reto, demostrar que se puede hacer una buena adaptación de un videojuego con Assassin’s Creed (2016).

¿Sabías que…?

- Nació en Alemania pero con dos años se mudó a Irlanda. Su padre es alemán y su madre norirlandesa.

- Asistió al Drama Centre London pero lo abandonó. Uno de sus compañeros de clase fue Tom Hardy, quien aseguró que Fassbender era el mejor actor de la escuela de interpretación.

- Se sometió a una dieta a base de bayas, nueces y sardinas para su papel en Hunger (2008), perdiendo hasta 14 kilos.

- Era el favorito para protagonizar el remake de Desafío total (2012), pero finalmente Colin Farrell se quedó con el papel. También iba a encarnar al escritor Thomas Wolfe en la pendiente de estreno Genius (2016), pero salió del proyecto y Jude Law lo reemplazó.

- Es un gran fan de la Fórmula 1 y ha asistido a numerosas carreras. Se ha declarado admirador de Ayrton Senna, con el que empezó su afición, y de Michael Schumacher, al que conoció una vez en el British Grand Prix.

- A pesar de haberse convertido en un actor de éxito y fama mundial, sigue viviendo en el modesto piso en la zona de Hackney de Londres donde reside desde que empezó a trabajar en la actuación.

- Actualmente tiene una relación sentimental con la actriz Alicia Vikander, a la que conoció en el rodaje de The Light Between Oceans (2016).

Extras:

Tráiler de Slow West

Tráiler de Macbeth

Tráiler de Steve Jobs

Entrevista sobre 12 años de esclavitud

Blind Pilots - The Cooper Temple Clause

Spot de SAS

Buenas vibraciones

Dir.: Bill Pohlad
Int.: John Cusack, Paul Dano, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Bill Camp, Kenny Wormald, Dee Wallace
¿De qué va?: En los años 60, el fundador de The Beach Boys, Brian Wilson, lucha contra una incipiente psicosis al tiempo que intenta crear su obra maestra de pop vanguardista. Veinte años más tarde, él es un hombre confuso y quebrado bajo la estricta vigilancia de su sombrío terapeuta, el doctor Eugene Landy.

Reseña: Todos los biopics musicales siguen el mismo patrón: joven de gran talento pero poca suerte consigue la oportunidad de su vida, triunfa, conoce al amor de su vida, entra en una espiral de drogas y alcohol, toca fondo, su carrera corre peligro y al fin se rehabilita, aunque luego aparece el texto antes de los créditos para recordarnos que al tiempo murió de una sobredosis. Por supuesto que hay variaciones, pero en líneas generales el modelo sigue siendo el mismo en Ray, En la cuerda floja (el mejor, en mi humilde opinión), I Feel Good, Dreamgirls, Beyond the Sea… Pero lo peor de todo es que en muy raras ocasiones se profundiza en la música del artista en cuestión, porque se le presta más atención a los pormenores de su vida privada que a la forma en la que creaba su música.

Por todo ello, Love & Mercy supone un auténtico soplo de aire fresco, al ser un biopic musical que esquiva con suma elegancia todos los clichés del género. El guión escrito por Michael A. Lerner y Oren Moverman (también autor de I’m Not There, el inclasificable biopic de Bob Dylan) aborda la vida de Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, alternando entre dos escenarios clave de su vida: el primero, durante su juventud, se centra en el momento en el que, tras alcanzar el éxito con su banda, se esfuerza por ofrecer algo distinto, menos comercial y más personal, y el segundo, siendo ya un hombre maduro, en el que se evidencian las secuelas psicológicas que le ha dejado su carrera y su vida familiar, acentuadas por un terapeuta que se aprovechaba de él.

Si bien la trama “adulta” es prácticamente una historia de amor enturbiada por un villano de opereta, la del Brian Wilson joven resulta particularmente fascinante porque recoge todo su proceso creativo a la hora de componer canciones, reparando en su minucioso trabajo en el estudio de música, la composición de canciones, la presión ejercida por su nefasto padre y por el resto de la banda y, finalmente, el descenso a la locura y la paranoia que todo ello le provocó. Paul Dano hace un fantástico trabajo encarnando a Wilson en este período de su vida, estando a la altura de las exigencias tanto físicas (engordó 15 kilos para el papel) como emocionales, plasmando a la perfección tanto la pasión por la música de su personaje como su quebradiza salud mental sin recurrir a grandes aspavientos.

Aunque esta parte de la película resulta más interesante que la adulta, esta última sale beneficiada al estar contada no desde el punto de vista de Wilson, un John Cusack que resulta ser una inesperada pero muy efectiva elección de casting, sino del de Melinda, a la que da vida una sumamente encantadora Elizabeth Banks en el que probablemente sea el mejor papel de su carrera. Junto a Melinda, vamos descubriendo la jaula de cristal en la que se ha convertido la vida de Wilson, cuyo carcelero es un terapeuta al que da vida un desmadrado Paul Giamatti. Esto último es la única nota discordante de una pieza musical que no sólo nos descubre una faceta que pocos conocíamos de los Beach Boys, sino que se revela como uno de los biopics musicales más complejos, sugestivos y satisfactorios que jamás se hayan hecho. Ojalá que con el tiempo se convierta en una película de referencia.

8/10

Aquel maravilloso campamento de los 80

Creador: Michael Showalter, David Wain
Int.: Janeane Garofalo, Paul Rudd, Amy Poehler, Bradley Cooper, Elizabeth Banks, Christopher Meloni, Ken Marino, Joe Lo Truglio, Zak Orth, Michael Showalter, Molly Shannon, Marguerite Moreau
Emisión: 2015, HBO
Miniserie de 8 episodios

En el año 2001 se estrenó Wet Hot American Summer, una comedia dirigida por David Wain (Sácame del paraíso, Mal ejemplo) que seguía los pasos de un grupo de monitores y chavales de un campamento de verano en 1981. La película, rodada con cuatro duros, apenas recaudó 295.000 dólares en los cines norteamericanos, pero acabó convirtiéndose en una obra de culto. Tal es así que quince años después de su estreno, Netflix, con su buen ojo para los rescates, decidió lanzar una continuación en formato de miniserie, pero con una particularidad: si aquella se ambientaba en el último día del campamento, ésta lo hace en su primer día, y pese a ser una precuela, todos sus actores recuperan a sus respectivos personajes (los que encarnaban a los monitores y alguno más), volviendo a encarnar a adolescentes aunque ya ronden la cuarentena.

Así, resulta todo un aliciente reencontrarse al reparto al completo, que incluye a gente como Bradley Cooper, Amy Poehler, Elizabeth Banks o Paul Rudd, cuyas carreras van tan viento en popa que no tenían la necesidad de regresar al campamento donde comenzaron, pero lo han hecho. Claro que al igual que pasaba con la película, es evidente que se lo han pasado bomba en el rodaje, y ese espíritu de diversión se contagia fácilmente al espectador que tenga debilidad por el humor tremendamente absurdo. Pero muy muy absurdo. La miniserie, que lo mismo parodia la conducta adolescente y a los fans de los musicales como emula una conspiración gubernamental,  se mantiene tan fiel a la película que cae en sus mismos errores: hay tantos gags que se apelotonan, yendo su rango de efectividad desde la genialidad hasta la el completo ridículo, pudiendo pasar de un extremo a otro en pocos segundos.

No obstante, la serie nunca deja de ser entretenida, y además del reparto original de la serie hay que añadir una larga lista de nuevos fichajes y cameos que es todo un lujo para todos aquellos conocedores del star-system cinematográfico y televisivo: Jon Hamm, Chris Pine, Kristen Wiig, Jason Schwartzman, Michael Cera, Josh Charles… Todos en perfecta sintonía con el disparate generalizado. Es agradecido ver a Hamm dando rienda suelta a su vena payasa al igual que hizo en Unbreakable Kimmy Schmidt, pero lo verdaderamente remarcable es comprobar cómo Kristen Wiig es garantía de carcajadas en los escasos cinco minutos en los que aparece. Muy grande. Y del reparto original, vuelve a destacar Paul Rudd, dando una lección de humor físico en la piel de Andy, el tío guay y rebelde del campamento, aunque Elizabeth Banks como periodista infiltrada también protagoniza algunos de los mejores momentos de la serie.

Wet Hot American Summer: First Day of Camp es el regalo perfecto para los fans de la película precedente, la cual habremos visto cuatro gatos fuera de Norteamérica. Si les interesa ver la serie de Netflix, recomiendo empezar por la película, que dura menos, y así tener una primera toma de contacto con el campamento y sus personajes, porque buena parte de los chistes le hacen referencia. Tanto una como otra tienen el aliciente de que, aunque su sentido del humor sea muy particular, es muy fácil simpatizar tanto con el elenco, todos sumamente entrañables, como con la propia serie, capaz de no disimular la ausencia de Bradley Cooper por problemas de agenda en algunos episodios y hacer chistes de ello. Y ya si sienten nostalgia hacia los ingenuos y coloridos años 80 no lo duden más, el Campamento Firewood es su hogar.

O.C: Critters (1986)

¿De qué va?: Unos pequeños alienígenas hambrientos llegan a la Tierra en busca de alimento. Precisamente aterrizan cerca de la casa de la familia Brown, que, sin saberlo, se han convertido en el plato principal del menú. Sin embargo, los Brown contarán con la inesperada ayuda de dos cazarrecompensas intergalácticos que han sido enviados para exterminar a los bichos.

Reputación: Los Critters llegaron a los cines promocionados como la respuesta violenta a la película de los Gremlins, estrenada dos años antes con gran éxito pero sin derramamiento de sangre. Tal es el parecido entre ambas criaturas que el director, Stephen Herek, reconoció que tuvieron que cambiar varias veces el guión porque se parecía demasiado al filme protagonizado por Gizmo. Los diseñadores de los Critters son los hermanos Stephen, Charles y Edward Chiodo, los tres tienen una compañía de efectos especiales, especializados en marionetas, que alcanzaron la fama con Payasos asesinos del espacio exterior (1986), dirigida por el primero de ellos (se ha anunciado una secuela para el 2016).  La película tuvo un coste de 2 millones de dólares y recaudó más de 15 millones en los cines norteamericanos, lo que propició que se rodaran hasta tres secuelas más de calidad decreciente, aunque en la tercera participó un jovencito Leonardo DiCaprio. Su éxito y el de los Gremlins propició la aparición de numeras producciones de ínfimo presupuesto y lanzadas directamente a video que presentaban versiones alternativas y fusionadas de ambas criaturas, siendo los más conocidos los Ghoulies (1985) y los Munchies (1987).

Reseña: Creo que todos estaremos de acuerdo en que la película de los Critters es bastante peor que Gremlins y que ni siquiera ofrecen el baño de sangre prometido (apenas mueren dos personas y algunos animalitos), pero también hay que reconocer que estas bolas de pelo de dientes afilados tienen un carisma particular que los hace extrañamente adorables, hasta el punto en que es completamente comprensible ponerse de su lado y desear que aniquilen a la muy cursi y pánfila familia protagonista. La película desprende amor por el género de la ciencia ficción, con guiños a E.T. el extraterrestre, Star Wars o Alien, el octavo pasajero. Si a eso le sumamos si desmesurado estilo ochentero en cada aspecto de la película (música, vestuario, peinados…) y lo absurdo de muchas de sus situaciones (la familia termina olvidándose de que hay un cadáver descomponiéndose en su granero) convierten a la película en todo un placer culpable. ¿Para cuándo un regreso de los Critters a nuestro planeta?

Próximo visionado: Jezabel (1938)

Temperatura corporal escasa

Dir.: Baltasar Kormakur
Int.: Jason Clarke, Josh Brolin, John Hawkes, Jake Gyllenhaal, Emily Watson, Keira Knightley, Michael Kelly, Sam Worthington, Josh Henderson, Robin Wright, Elizabeth Debicki
¿De qué va?: En el año 1996, dos expediciones decididas a coronar el pico más alto del mundo se vieron sorprendidas por una gran tormenta de nieve que puso a prueba su temple, obligadas a luchar contra la furia desatada de los elementos y superar obstáculos imposibles, en un desesperado esfuerzo por sobrevivir.

Reseña: Las razones por las que alguien se atrevería a escalar la montaña más alta del mundo, con todos los peligros que conlleva, se escapan a mi comprensión. Por eso, cuando se producen muertes en el intento de realizar esta hazaña o alguna similar, me cuesta simpatizar con la tragedia, porque sólo puedo pensar en quién les habrá mandado a cometer semejante atentado contra su propia vida. En una escena de Everest, los personajes basados en los protagonistas a su pesar de la tragedia vivida en la montaña en 1996, explican sus motivaciones, generalmente relacionadas con temas de honor, superación personal o adrenalina, pero no son lo suficientemente convincentes como para que nos preocupemos por el destino fatal que sufrirán algunos de ellos.

El director Baltasar Kormakur ha querido hacer un homenaje a aquel grupo de personas que inauguró la conocida como la temporada más trágica en el Everest, logrando una de las películas sobre desastres naturales más realistas que podamos encontrar y enfocando a los personajes como si fueran héroes, primando los sentimientos de solidaridad y compañerismo que surgen a raíz de la catástrofe. Sin embargo, su tratamiento es tan manso que obvia los detalles más polémicos de la historia; no lo digo tanto por el cruce de acusaciones sobre quién fue el responsable de las muertes, sino por el debate acerca de si es ético o no conducir expediciones al Everest con personas con escasa preparación a cambio de una buena suma de dinero. Esto solo se toca muy de pasada, y es que no va acorde con el personaje al que da vida Jason Clarke, el director de la empresa de expediciones, porque el retrato que hacen de él es de santo para arriba.

Debido a la relativa fidelidad de Kormakur a los hechos reales, hay demasiada gente en la montaña, y aunque los actores llevan chaquetas de diferentes colores y se suelen destapar las caras al hablar para que los reconozcamos, es inevitable pasar buena parte de la película intentando descifrar quién es quién y dónde se encuentran, por no hablar de que hay personajes que aparecen y desaparecen de la historia a cada rato. El reparto al completo, plagado de estrellas y caras conocidas, cumple con lo que les toca, agradeciéndose la presencia de Emily Watson como eje de las comunicaciones en el campamento base. Por otra parte, sorprende que Keira Knightley, en un papel tan pequeño, aporte la mayor carga emotiva de la película, pero esa parte del guión resulta tan moñas y convencional que no está a la altura de la intensidad dramática que le pone la actriz.

En definitiva, Everest cumple como película de aventuras, ofreciendo espectaculares panorámicas naturales y dos horas de entretenimiento puro, pero no se vive de forma especialmente emocionante, salvo en sus momentos más tensos, ni tampoco aporta nada que sea especialmente sorprendente u original en el subgénero de catástrofes; lo único, tal vez, la elegante forma que tiene de plasmar las muertes, sin estridencias ni excesos dramáticos, pero eso es todo. Eso sí, es capaz de quitarle a cualquiera las ganas de practicar escalada.

6/10

La vida en bucle

Dir.: Mia Hansen-Løve
Int.: Félix De Givry, Pauline Etienne, Laura Smet, Vincent Lacoste, Vincent Macaigne, Golshifteh Farahani, Greta Gerwig, Brady Corbet
¿De qué va?: En la década de los 90, la música electrónica francesa está empezando a hacerse muy popular. Paul está dando sus primeros pasos como DJ, formando con un amigo un dúo de música garage llamado ‘Cheers’. Pronto encuentran una entregada audiencia y se ven inmersos en un torbellino de fama que hace que Paul, cegado por su pasión, descuide su vida personal.

Reseña: Sven Hansen-Løve fue un exitoso DJ de la escena de la música electrónica parisina de los años 90, pero al tiempo que el grupo Daft Punk revolucionaba el panorama musical y se hacía cada vez más y más famoso, Sven se quedó estancado en el garage, que paulatinamente dejó de estar de moda hasta convertirse en minoritario. Eden, la película que ha dirigido Mia Hansen-Løve, recrea el auge y la caída profesional de su hermano, retratando no sólo el fin y el comienzo de una era musical, sino a una generación que pasó de tener ante sí un mundo de posibilidades para después tener que conformarse o buscarse la vida de la manera más factible.

La cineasta sigue a Félix, el álter ego de su hermano, a través de numerosas fiestas nocturnas, pero de forma un tanto distante, sin hacernos del todo partícipes de las juergas, ni venerando la música garage. El alcohol y las drogas pasan de unas manos a otras, pero su intención tampoco es la de enfatizar su consumo y efectos. Donde Hansen-Løve pone el foco es en Félix y su grupo de amigos y en cómo el paso del tiempo hace mella en ellos. Mientras el protagonista se mantiene intacto a lo largo de muchos años, siempre necesitado de dinero, siempre obcecado en su música, todos los compañeros, amigos y novias que le acompañan a lo largo de su periplo llegan a un determinado punto en el que deben cambiar de rumbo, ya sea para progresar en su carrera profesional o porque han llegado a un punto muerto en el que necesitan buscar otra cosa. Hay más ejemplos de lo segundo que de lo primero, y es que aunque en ningún momento se menciona la crisis económica, se perciben sus consecuencias: la escasez de trabajo y oportunidades provoca que los jóvenes empiecen a asumir que son ellos los que deben adaptarse al mundo y no al revés.  

Así, con su estilo naturalista y expositivo, su repertorio musical, sus cameos (los de Daft Punk reflejando su discreción, Greta Gerwig perpetuando a la gran Frances Ha) y  su elenco de personajes definidos a base de pinceladas y liderados por el atractivo pero un pelín soso Félix de Givry, Eden se erige como un retrato eficaz y honesto que va más allá de la generación que aborda para hacer una metáfora sobre el propio ciclo de la vida, y de cómo hay veces en las que hay que aprender a dejar atrás algunos sueños y ajustarse al entorno para poder sobrevivir. Deja un poso triste y, dependiendo de en qué medida personal te afecte, hasta melancólico, fruto de la sensación que produce cuando eres el último en abandonar la fiesta y no sabes adónde ir.

7’5/10