Alberto Román Padilla, aka Titus (@titissima_89), nos acompaña en este episodio sobre cómo el cine ha abordado el trance que supone la vuelta a casa. Un viaje a través de películas, géneros y directores muy diferentes para intentar descubrir si Dorothy tenía razón al decir que no hay nada como el hogar.
Lista de películas comentadas: https://letterboxd.com/jblanch/list/coming-home/
Reputación: El guionista Charles Bennett consiguió los derechos de la historia Casting the Runes de M.R. James y escribió un guion ligeramente basado en él titulado The Haunted. Vendió los derechos al productor independiente y ex-niño actor Hal H. Chester tras llegar a Estados Unidos. Poco después, Bennett se arrepintió de ello, puesto que RKO se le acercó con una oferta que incluía el ofrecimiento de dirigir la película. Jacques Tourner acabó encargándose de la dirección, y tuvo algún desencuentro con Bennet por cuestiones del libreto, lo que hizo que el actor protagonista, Dana Andrews, amenazase con abandonar la producción si no dejaban a Tourner hacer su trabajo. El plan original era no mostrar al demonio en pantalla, pero el productor introdujo una criatura creada con efectos especiales tras terminar el rodaje y pese a las objeciones del guionista, del director y del actor protagonista. Benett se enfadó tanto con los cambios introducidos por Chester que llegó a declarar que si lo viese pasando por delante de su casa le dispararía. En Estados Unidos se estrenó una versión diferente del film, titulada Curse of the Demon, en vez del original Night of the Demon, y se proyectó dentro de una sesión doble junto a La venganza de Frankenstein (1958).
Próximo visionado: Gritos y susurros (1972)
Reseña: La maldición de las brujas (1990) fue una de esas películas estrenadas durante la década de los 80 y los 90 que no tenían reparos a la hora de asustar al público infantil al que iban dirigidas. Es curioso que en la actualidad se tenga mucha más cautela en este aspecto y, al mismo tiempo, los niños estén más insensibilizados que nunca debido a la gran cantidad de estímulos visuales y violentos que reciben desde muy pequeños. En realidad, los críos de ahora se burlan de que Chucky, Freddy Krueger o unas brujas narizudas traumatizaran a toda una generación. No creo que la nueva versión de Las brujas de Roald Dahl provoque pesadillas, pero al menos genera unas vibraciones de cine de aventuras juvenil pasado de moda que siempre son bienvenidas.
El guion del remake, en el que ha metido mano Guillermo del Toro, cambia la fría Noruega donde trascurre tanto el libro como el film precedente por la húmeda Alabama. También introduce un conflicto de clase con protagonistas afroamericanos de orígenes humildes, definiendo a las brujas como monstruos que van a por niños pobres para no llamar demasiado la atención, y a través de ese estupor que se genera cuando van a hospedarse en un hotel de lujo donde los negros solo suelen entrar por trabajo. No obstante, son cambios menores que apenas tienen incidencia en un desarrollo de la trama que no cambia demasiado salvo por un tercer acto que concluye a medio camino entre la novedad y el final del libro, que fue cambiado por uno más feliz en el film del año 90.
El principal problema de esta nueva versión es que a Robert Zemeckis le gusta más el CGI que a un tonto un lápiz, abusando de los efectos digitales de tal manera que parece que le faltó poco para sustituir a los actores por personajes animados a lo Polar Express (2004). Claro que de esa manera habría perdido el mejor efecto especial que tiene la película, que no es otro que Anne Hathaway. La oscarizada actriz se lo ha pasado pipa dando vida a la Gran Bruja, con un acento y unos manierismos pasadísimos de rosca. Sí, está sobreactuada, pero logra tanto distanciarse de la encarnación de Anjelica Houston desde una vertiente más paródica como que la película se crezca cada vez que ella está en escena.
Sin Hathaway, Las brujas (de Roald Dahl) es un entretenimiento familiar pasable que no da ni frío ni calor, aunque tenga a Octavia Spencer en su candoroso registro habitual y a Stanley Tucci… sin hacer nada en realidad. Se echa en falta el toque terrorífico y artesanal del film de Nicolas Roeg (Jim Henson que estás en los cielos…) pero desde luego que no es el descalabro que nos ha pintado la prensa especializada. Pese al uso y abuso de efectos especiales, conserva algo de ese espíritu antiguo de película familiar que entremezcla humor, fantasía, terror y ternura, al tiempo que no se deja contagiar demasiado por los tics del cine contemporáneo y no recurre jamás al efecto nostalgia para embaucar espectadores.
6/10
Dir.: Cesc Gay
Int.: Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta, Alberto San Juan
¿De qué va?: Julio y Ana son un matrimonio que lleva más de 15 años juntos pero que no están pasando por su mejor momento. Una noche, Ana invita a Salva y Laura, una pareja más joven que vive encima de ellos, a pasar una velada en casa, convirtiéndose el encuentro en una experiencia catártica y excesiva para los cuatro.
Reseña: Tras ganar el Goya a mejor película y dirección por Truman (2015), avalando así una notable e interesante carrera cinematográfica, Cesc Gay probó suerte en la televisión y en el teatro. Mientras que la serie que rodó para Movistar, Félix (2018), pasó muy desapercibida, su obra de teatro, Los vecinos de arriba, fue un éxito que ha contado con diferentes representaciones en Madrid y Barcelona desde que se estrenó en el año 2016. Ahora, Gay vuelve al cine adaptando su propia obra, con distinto elenco y título: Sentimental. El nuevo nombre no resulta tan apropiado como el original pero, sin haber visto la obra, parece que es lo único que ha ido en detrimento en el proceso de adaptación.
Pocos minutos después de empezar el film, ya nos podemos percatar del estado en el que se encuentra el matrimonio de los protagonistas, Julio y Ana. A través de la la conversación pasivo-agresiva que mantienen se vislumbra el rencor, los desacuerdos y la tensión presente en una relación que hace bastante tiempo que no va bien. De repente, llegan los vecinos de arriba, Salva y Laura, la irritante viva imagen de todo lo que ellos ya no son: jóvenes, apasionados y modernos. Tanto es así, que una inesperada propuesta por parte de estos últimos evidencia tanto las diferencias entre las dos parejas como todos los problemas que arrastran los anfitriones. Cesc Gay nunca se va por las ramas ni necesita inventar excusas narrativas para lograr que los cuatro personajes permanezcan en el mismo espacio incluso cuando la situación se torna demasiado incómoda. En menos de 90 minutos, consigue dar forma a una obra compacta, ágil y muy divertida en la que las puyas resultan tan hirientes como hilarantes, y cada revelación mejor que la anterior.
Termina Sentimental y nos quedamos con una sensación de que tal vez no se haya llevado el encuentro a sus últimas consecuencias, o que ha quedado tela pendiente de cortar, pero también se termina con una sonrisa en la cara, fruto de un entretenimiento tan ligero como mordaz que gira en torno al desgaste que provoca el tiempo en una relación amorosa y que nos retrotrae a la época en la que un virus no monopolizaba todas las conversaciones y la distancia social era solo cosa de ermitaños.
7’5/10
Reputación: Tras el éxito de Rocky (1976) Columbia Pictures propuso a su director, John G. Alvidsen, rodar otra película deportiva que contaría con un guion de Robert Mark Kamen, inspirado en la vida de este último: cuando tenía 17 años, empezó a estudiar artes marciales tras recibir una paliza de una banda de abusones, pero como no le gustó que su primer profesor emplease el karate como una herramienta violenta y vengativa, se fue a Okinawa a estudiar Gōjū-ryū, estilo marcial que se caracteriza por combinar técnicas duras y suaves. Kamen estuvo muy involucrado en la producción del film, sobre todo en el casting, puesto que presionó para que se fichase a Pat Morita como Mr. Miyagi, dado que el estudio no estaba convencido por su larga experiencia como monologuista.
Para el papel de Daniel LaRusso se consideraron actores como Charlie Sheen, Sean Penn, Robert Downey Jr. y Nicolas Cage. Finalmente fue parar a Ralph Maccio, que había causado una gran impresión por su trabajo en Rebeldes (1983) y no aparentaba tener 22 años. Crispin Glover y Demi Moore fueron tanteados para dar vida a Johnny y Ali respectivamente, pero al final estos roles fueron a parar a William Zabka y Elisabeth Shue, lo cual supuso para ambos debutar en el cine. El éxito de Karate kid se tradujo en una nominación al Oscar a mejor actor de reparto para Morita y en dos secuelas dirigidas y escritas por Kamen: Karate Kid II: la historia continua (1986) y Karate Kid III: El desafío final (1989). Más tarde llegaría The Next Karate Kid (1994), protagonizada por Morita y Hilary Swank, el reboot The Karate Kid (2010) y la continuación en forma de serie, Cobra Kai, cuya tercera temporada llegará a Netflix el próximo mes de enero. A principios de 2020, se anunció que Karate kid también se convertirá en un musical de Broadway.
Próximo visionado: La noche del demonio (1957)
¡La experiencia fanboy se expande en forma de podcast! El otro fanpodcast es un espacio en el que servidor contará con un invitado para hablar de algún tema cinéfilo en particular. En este primer episodio, contamos con Rubén Murillo (@Rmurillorosa) para charlar sobre la experiencia cinematográfica y de todo lo que conlleva: nuestras primeras veces (en un cine), los inconvenientes de ser cinéfilo viviendo en una isla, peores experiencias y el futuro incierto de las salas.
Puedes escucharlo en ivoox y en Spotify (puede que en iTunes próximamente, cuando arregle un problema que tengo con mi cuenta). ¡Espero que les guste!
Nombre completo: Anya Josephine Marie Taylor-Joy
Fecha de nacimiento: 16 de abril de 1996
Lugar de nacimiento: Miami, Florida (EE.UU.)
Filmografía destacada:
The Sea Change (¿?)
Weetzie Bat (¿?)
Furiosa (¿?)
The Northman (¿?)
Last Night in Soho (2021)
Gambito de dama (Miniserie) (2020)
Los nuevos mutantes (2020)
Here Are the Young Men (2020)
Emma. (2020)
Peaky Blinders (Serie de TV) (2019)
Madame Curie (2019)
Cristal Oscuro: La era de la resistencia (solo voz) (Serie de TV) (2019)
Playmobil: La película (solo voz) (2019)
Glass (2019)
El secreto de Marrowbone (2017)
Purasangre (2017)
Múltiple (2017)
Barry (2016)
Morgan (2016)
La bruja (2015)
Méritos: Nos quedamos con su nombre y su cara tras conocerla sometiéndose al diablo en La bruja (2015), y cinco años después, ya es una de las actrices jóvenes con mayor proyección de la actualidad. Hablamos de Anya Taylor-Joy, de nacionalidad inglesa pero criada en Argentina hasta los seis años (habla español que es un primor, consulten el apartado de extras), y que en muy poco tiempo ha empezado a labrarse una carrera muy interesante, especializándose en personajes que esconden ferocidad debajo de una apariencia frágil y dulce. Para muestra un botón en forma de Emma., adaptación de la novela homónima de Jane Austen que, a diferencia de anteriores versiones, no se corta a la hora de mostrar la crueldad y la soberbia de la heroína victoriana.
Este mes, Anya Taylor-Joy está tan presente en el cine como en la televisión. La miniserie de Netflix Gambito de dama, donde encarna a una prodigiosa jugadora de ajedrez con un problema de adicción, se está convirtiendo en un fenómeno gracias al efecto recomendación; el mismísimo Stephen King ya se ha declarado fan a través de Twitter definiéndola como una de las mejores series del año. Taylor-Joy también protagoniza Last Night in Soho, el nuevo film de Edgar Wright (Baby Driver), pero la pandemia ha provocado que su estreno, previsto inicialmente para septiembre de 2020, se haya retrasado hasta abril de 2021. Puede que para entonces ya se esté preparando para rodar el proyecto que la consolidará como estrella: la precuela de Mad Max: Furia en la carretera (2015), en la que tomará el testigo de Charlize Theron dando vida a Imperator Furiosa en su juventud. Sabiendo esto, ya nadie puede albergar duda alguna de lo mucho que mola Anya Taylor-Joy.
Extras:
Entrevista a Anya Taylor-Joy y Johnny Flynn sobre Emma.
