Los temerarios románticos

Creadores: Judd Apatow, Lesley Arfin, Paul Rust
Int.: Gillian Jacobs, Paul Rust, Claudia O’Doherty, Jordan Rock, Tracie Thoms, Mike Mitchell
Emisión: 2016 – ¿?, Netflix
1 temporada

Tom culpaba a las tarjetas de amor, a las películas y a la música pop por ese amor naíf y no correspondido que sentía por Summer en (500) días juntos. Algo similar ocurre con Mickey, pues confiesa que anhelar, esperar y desear el amor ha arruinado su vida. Ella es la ‘chica’ de la premisa ‘chico conoce a chica’, clásica del género romántico y de la que también parte Love, una de las últimas apuestas de producción propia de Netflix. Detrás de ella está Judd Apatow, quien tras revolucionar la comedia americana con sus películas sobre Peter Panes modernos y apadrinar Girls, vuelve a la pequeña pantalla, donde comenzó su carrera con series como Freaks and Geeks (también disponible en Netflix), que comparte el mismo ADN que esta Love, pues sus protagonistas son tan peculiares y alienados como los de aquella.

Ella es una productora de radio alcohólica y con más miedo a la soledad del que estaría dispuesta a admitir. Él es un aspirante a guionista que trabaja como tutor de los adolescentes que actúan en una serie televisiva sobre brujas. Ambos se conocen cuando acaban de salir de sendas relaciones largas, pero a pesar de la frustración consecuente están dispuestos a darle una oportunidad más al amor, ya sea porque están enganchados a él, por venganza, porque no saben estar solos, porque la cultura pop les ha inculcado que no pueden vivir sin él, o quizás por un poco de todo. Lo más genérico que tiene esta serie es su propio título, pues a partir de ahí desarrolla una historia de amistad y amor que sentimos familiar, no tanto porque la hayamos visto en cientos de comedias románticas como porque podemos reconocernos a nosotros mismos en más de una ocasión.

El desengaño que se produce cuando descubrimos que una persona no se corresponde con la imagen que proyecta en un primer acercamiento; la obsesión casi enfermiza provocada al idealizar a la otra persona, alimentada por lo fácil que resulta espiarla hoy en día a través de las redes sociales; el uso egoísta que hacemos de nuestros amigos para abordar nuestro objeto de deseo… Todas estas conductas tan propias de las relaciones sociales y románticas del siglo XXI están presentes y bien hilvanadas en Love, que al igual que Girls, busca la empatía con sus personajes a través de la vergüenza ajena y de la identificación negativa con sus personajes. Mickey y Gus son un desastre, y probablemente no hayan aprendido nada al término de la temporada, aunque ellos crean que sí, pero es que en la vida real tampoco se aprende de los errores de un día para otro; en el mejor de los casos hay que recaer en ellos un par de veces.

Mi primera impresión sobre la pareja protagonista fue que no congeniaban. A Gillian Jacobs ya la queríamos como la entrañablemente despistada Britta de Community, pero al cómico Paul Rust no lo conocíamos de nada (aunque al parecer tuvo un pequeño papel en Malditos bastardos), y a priori puede parecer que su condición de co-creador y guionista de la serie le ha servido para adjudicarse el rol masculino protagonista. Sin embargo, como ya mencionamos en el anterior párrafo, las primeras impresiones tienden a ser erróneas, y lo cierto es que Rust defiende bastante bien su papel, incluso cuando la serie apunta a que los nerds no son tan ingenuos e inofensivos como dicta la creencia popular. Sin embargo y a pesar de la buena química que construyen, Jacobs le roba en buena medida la función, al igual que Clauda O’Doherty, que logra que su personaje de excéntrica compañera de piso de Mickey no se reduzca a una mera caricatura.

Love se estrenó en Netflix con una segunda temporada garantizada, algo que también ocurrió con Unbreakable Kimmy Schmidt, quizás para satisfacer y atar a los pesos pesados que hay detrás de cada una (Tina Fey en esta última). Aún no me ha quedado claro si la trama de la producción de la serie es una incisiva y certera crítica a la televisión actual o si le han dado más cancha de la que se merece, pero la forma en la que se ha desarrollado la relación de Mickey y Gus en esta primera tanda de episodios permite una larga continuidad antes de que el chicle se quede sin sabor, pues tal y como reza el título del décimo capítulo, esto no es más que el fin del comienzo de una relación que se vaticina tumultuosa. ¿Acaso no lo son la mayoría de las que valen realmente la pena?

La familia crece

Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas de Kamakura, Japón, que viven en la casa que una vez perteneció a su abuela. Cuando asisten al funeral de su padre, que las abandonó siendo pequeñas, conocen a la hija que éste tuvo con la mujer por la que se separó de su madre, y que ahora tiene 13 años. Pronto, las hermanas se encariñan con ella y la invitan a vivir  en la ciudad. Nuestra hermana pequeña, penúltimo film de Hirohazo Koreeda, ganó el Premio del Público del pasado Festival de San Sebastián, algo totalmente comprensible si tenemos en cuenta que es de esos films en los que uno se quedaría a vivir.

No esperen tremendismo, ni tragedias, ni giros locos que nos descubran la psicopatía de una de las protagonistas. Esta es la cálida historia de tres hermanas que desconocían que su familia estaba incompleta hasta que conocen a la cuarta, a la que acogen bajo su techo con los brazos abiertos, mientras procuran que las acciones y decisiones acometidas por sus progenitores en el pasado no condicionen sus vidas. Por supuesto que surgirán roces entre ellas porque son muy diferentes entre sí, pero es fruto de lo mucho que se quieren y de lo mucho que se preocupan las unas de las otras, y aunque todo esto pueda sonar cursi y azucarado, la película no lo es en absoluto, resolviendo las escenas más dramáticas con sutileza y buen gusto y dando un poco de cancha a la comedia.

Koreeda combina la muestra de las curiosas tradiciones japonesas con la modernidad inherente en esos cuatro personajes femeninos fuertes, decididos, generosos y sensibles, pero jamás sumisos, a los que las cuatro actrices protagonistas interpretan con máxima naturalidad. Así, aunque la película dure dos horas, el tiempo se pasa volando entre pequeños hallazgos, comidas familiares, reencuentros, riñas, acercamientos, desengaños amorosos, nuevas amistades, celebraciones y despedidas, y al final, sólo podemos desear que esas cuatro hermanas no se separen nunca y sean siempre felices. Este es uno de esos films que mantienen viva la pequeña llama de esperanza puesta en el ser humano, y es algo que necesitamos con urgencia, ahora y siempre.

8/10

Deconstruyendo el luto

Dir.: Jean-Marc Vallée
Int.: Jake Gyllenhaal, Naomi Watts, Chris Cooper, Judah Lewis, Heather Lind, C.J. Wilson, Polly Draper, Malachy Cleary, Debra Monk
¿De qué va?: Davis es un exitoso banquero de inversión que se enfrenta a la pérdida de su esposa en un accidente de coche. Con la ayuda de la representante del servicio al cliente de una empresa de máquinas expendedoras y de su hijo, Davis comienza un proceso de reconstrucción, empezando con la demolición de la vida que una vez conoció.

Reseña: En Perdida (2014), un hombre se convertía en el principal sospechoso de la desaparición de su esposa por tener una actitud que no se correspondía con la del típico marido consternado. A raíz de ello, la escritora Gillian Flynn reflexionaba sobre las construcciones sociales y el peligro de juzgar a una persona porque no reaccione o se comporte como la sociedad considera que debe hacerlo. Algo parecido le ocurre al protagonista de Demolición, pues tras el fallecimiento de su esposa, es incapaz de expresar aflicción o cualquier sentimiento afín, a la par que desarrolla una nueva vocación por destrozar cosas, algo que causa perplejidad en sus suegros, que llevan un proceso de luto más tradicional.

El canadiense Jean-Marc Vallée ya llevó al cine una historia sobre el duelo con Alma salvaje (2014), en la que una mujer se sobreponía de la espiral de adicción y promiscuidad en la que se había sumergido tras la muerte de su madre yéndose de caminata a través del Sendero de las Cimas del Pacífico, una experiencia que recogió en el libro que sirvió de base para el film. En Demolición, el viudo, Davis, se sincera a través de la correspondencia epistolar que establece con la empleada del servicio al cliente de la empresa de máquinas expendedoras que inicia su afición por la destrucción: cuando algo no funciona, a veces la mejor solución es romperlo en mil pedazos. Así es como canaliza lo que ha supuesto para él la repentina muerte de su mujer, el brusco despertar de una vida en la que prácticamente actuaba como un muerto viviente, con una rutina muy marcada y sin un momento para pararse a pensar hacia dónde le estaba conduciendo.

Jake Gyllenhaal vuelve a reafirmarse como uno de los actores más entregados y astutos del panorama cinematográfico actual con una interpretación minuciosa a la hora de exteriorizar el caos mental por el que está atravesando su personaje. Un rol que a cargo de otro intérprete podría resultar fácilmente antipático y chulesco. pero con el que Gyllenhaal consigue que simpaticemos fácilmente, tal y como como le ocurre en la película a Naomi Watts, correctísima pero un tanto desaprovechada, sobre todo porque queda relegada cuando entra en escena su hijo en la ficción, encarnado por el debutante Judah Lewis, y con el que Davis establece una relación mucho más interesante que la que mantiene con su confidente y con su suegro, un Chris Cooper que vuelve a demostrar lo bien que se le da mostrarse vulnerable tras su arisca apariencia.

Demolición cuenta además con un hábil montaje que alterna la realidad con pensamientos y fugaces recuerdos que contienen un significado más evidente del que presuponen sus responsables, y es que los derroteros de la narración resultan demasiado obvios, en contraposición con lo áspera que resulta la película al esquivar cualquier atisbo de sensiblería excesiva. Lo más significativo del film no es esa idea de que hay que destruir hasta los cimientos una vida para poder reconstruirla, sino que la catarsis llegue a través de esos pequeños gestos y tonterías por los que echaremos de menos a las personas que queremos.

7/10

Dejando rodar los buenos tiempos

Dir.: Richard Linklater
Int.: Blake Jenner, Glen Powell, Ryan Guzman, Tyler Hoechlin, Wyatt Russell, J. Quinton Johnson, Juston Street, Zoey Deutch, Will Brittain
¿De qué va?: Jake llega a la universidad cuando sólo quedan tres días para que empiecen las clases, pero piensa aprovecharlos para hacer amigos, conocer chicas e ir a todas las fiestas que se le presenten en compañía de los que serán sus compañeros de equipo de béisbol.

Reseña: Richard Linklater es un adicto, y su droga se llama nostalgia. Está enganchado al sabor agridulce del recuerdo, de los encuentros fortuitos y de los momentos sencillos que quedan atrás con el transcurso del tiempo y acaban conformando eso a lo que llamamos ‘vida’. Todos queremos algo es secuela espiritual de Movida del 76 (Dazed and Confused), pero en cierta manera también está hermanada con Boyhood, pues empieza donde termina aquella, con un chaval en su primer día de universidad. La principal diferencia radica, aparte del cambio de década, en que Mason era un aspirante a fotógrafo un poco emo, mientras que el protagonista de ésta, Jake, sólo piensa en tres cosas: béisbol, chicas y colegas.

No puede ser más lejano a mi experiencia vital lo que veo en esta película; cualquiera que haya nacido a partir del final de los 80 y no haya ido a una universidad americana estará en mi misma situación. Sin embargo, la máquina del tiempo de Linklater, tan cuidada y bien engrasada como de costumbre, nos teletransporta a aquella época y nos hace sentir cierta “nostalgia falsa” por una época pasada que nunca llegamos a experimentar. ¿Recuerdan el complejo de la Edad de Oro de Midnight in Paris por el cual una persona cree que sería más feliz habiendo nacido en otro período histórico? Exactamente lo mismo. Y es extraño, porque los protagonistas de la película son esa clase de personajes/gañanes encantados de conocerse a sí mismos que en la vida real nos producirían urticaria, pero aquí nos caen bien y no nos importaría compartir unas cervezas y unas risas con ellos.

Esa extraña empatía se produce gracias a lo bien definidos que están los personajes, al desparpajo de cada uno de los actores (novatos en su mayoría) y al buen rollo que desprenden; si esperan un poco durante los créditos finales verán una secuencia musical que constata esos tres factores. Un poco como pasó en Boyhood, la figura central (Blake Jenner) no es tan interesante como el plantel de secundarios, especialmente el filósofo porrero (Wyatt Russell), el caradura de Finnegan (Glenn Powell en un rol muy similar al que hace en Scream Queens) o la única chica con más de tres líneas de diálogo de toda la película (Zoey Deutch). Los detractores del cine de Linklater volverán a decir que no hay argumento, como si no lo supiéramos ya. Lo que hay que entender, de una vez por todas, es que su cine está construido en tiempos débiles: no hay catarsis, ni clímax, ni una evolución evidente en los personajes; el tiempo está suspendido y las lecturas subyacen bajo situaciones ordinarias.

Todos queremos algo habla de ese breve período de tiempo que se encuentra entre el fin de una etapa y el principio de otra. Un período en el que no ocurre nada especial pero que contiene restos de lo que se ha dejado atrás y pistas de lo que está por llegar. En este caso supone el fin de la época en la que uno podía despuntar con facilidad (el instituto) para entrar en un lugar (la universidad) en el que la competitividad es mucho más alta y las recompensas mucho más escasas, y en el que la exaltación de la amistad acabará decayendo tarde o temprano. A fin de cuentas , la vida no es más que un cúmulo de momentos triviales, como pasar tiempo con los colegas, y es eso, junto el sentir verdadera pasión por algo, ya sea el béisbol, el teatro, el cine, etcétera, lo que la hace más disfrutable. Eso es lo que todos queremos, ser felices.

8/10

O.C: Pauline en la playa (1983)

¿De qué va?: Pauline es una adolescente de 15 años que se va a pasar el verano a un pueblo de la costa normanda con su prima Marion. Una vez allí, las chicas se tropiezan con Pierre, un antiguo amigo de Marion que aún se siente atraído por ella, pero ésta prefiere al aventurero Henri, aun siendo consciente de que lo suyo no tendrá mucho futuro. Mientras tanto, Pauline también tendrá un romance con un muchacho de la localidad.

Reputación: Tercera entrega de la serie Comedias y proverbios del cineasta francés adscrito a la Nouvella Vague Éric Rohmer. Se trata de un compendio de seis películas que comenzó a rodar a principios de los 80, caracterizadas por ir todas y cada una de ellas acompañadas de un proverbio; en el caso de Pauline en la playa, es una cita del poeta y novelista francés Chrétien de Troyes que dice ‘Quien habla mucho, se equivoca’. El film ganó en 1983 el Oso de Plata a mejor director y el premio FIPRESCI concedido por la crítica. La película Margot y la boda (2007) de Noah Baumbach surgió en un principio como un remake norteamericano del film, pero conformé el cineasta escribía el guión se fue distanciando de la obra original hasta que creó una historia con escasas similitudes. Como dato curioso, en 1997 surgió un grupo español formado por las hermanas Mar y Alicia Álvarez bajo el nombre Pauline en la playa, en homenaje al film.

Comentario: Primera película que veo de Éric Rohmer y, la verdad, no sé por qué he tardado tanto, porque su cine es totalmente compatible con mi gusto cinéfilo. Pauline en la playa presenta a unos pocos personajes que se cruzan en un pueblo costero de Normandía en el cual se buscan, se encuentran y conversan, hablan y debaten sobre el amor, las relaciones y sus sentimientos por los cuatro costados. Pauline, Marion, Pierre y Henri creen ir sobrados de sabiduría romántica pero ¡ay, cómo se equivocan en la práctica! El proverbio que da pie a la película da una importante pista sobre lo que nos quiere contar Rohmer: hablamos demasiado, sobre-analizamos el comportamiento de los demás, nos esforzamos en justificar el nuestro y mentimos para salir bien parados… cuando lo mejor y más sencillo sería ser honestos con nosotros mismos y con nuestros sentimientos y actuar en consecuencia. Nada más. Así, Pauline en la playa es una película construida sobre un robusto y reflexivo guión, protagonizada por unos personajes con los que nos podemos sentir identificados a nuestro pesar, y que tal vez no aprendan nada de lo vivido. Al fin y al cabo, no es más que otro verano en la playa.

Próximo visionado: Un verano con Mónica (1953)

Itinerario de estrenos de julio 2016

Mientras medio mundo está yendo al cine en busca de Dory, siguen llegando nuevas películas para amenizar la cartelera veraniega; mucho blockbuster y alguna que otra propuesta alternativa, como es habitual por estas fechas. Hay otras cosillas interesantes que se estrenarán este mes aparte de lo que destaco a partir del siguiente párrafo: el próximo 8 de julio llegará lo nuevo de Steven Spielberg, Mi amigo el gigante (aunque a mí me da bastante pereza) y Money Monster, thriller dirigido por Jodie Foster con George Clooney y Julia Roberts al frente. El 15 de julio llega Theo y James, Paris 5:59, un Antes del amanecer en clave homosexual, y también la ¡quinta entrega! de la ya agotada saga de Ice Age, con el subtítulo de El gran cataclismo. Por último, podría estar bien el drama de época Sunset Song, lo nuevo de Terence Davies (The Deep Blue Sea), que se estrenará el 22 de julio.

Todos queremos algo: Nuevo film de Richard Linklater (Boyhood) promocionado como la secuela espiritual de Movida del 76 (1993), pues si aquella versaba sobre la fiesta de fin del instituto de unos chavales, ésta gira en torno a un grupo de jugadores de un equipo de béisbol de secundaria que, en plenos 80 y en los días previos al comienzo de la universidad, empiezan a ser conscientes de que pronto tendrán que empezar a asumir las responsabilidades de la vida adulta. Blake Jenner (Glee), Ryan Guzman (Obsesión), Juston Street (My All-American), Wyatt Russell (Infiltrados en la universidad) y Glen Powell (Scream Queens) encabezan el reparto. Las críticas han sido muy positivas y muchos la sitúan como una de las mejores películas de lo que llevamos de año.
Estreno: 1 de julio

 
Demolición: Jean-Marc Vallée (Alma salvaje) dirige este drama sobre un joven banquero neoyorquino que trata de superar el trastorno emocional que le ha dejado la trágica muerte de su esposa demoliendo su casa con sus propias manos. Jake Gyllenhaal (Nightcrawler), Naomi Watts (La saga Divergente: Leal) y Chris Cooper (Agosto) conforman el trío protagonista de esta película que se presentó en el pasado Festival de Toronto suscitando opiniones muy dispares.
Estreno: 1 de julio

Infierno azul: Una joven que trata superar la pérdida de su madre se va a surfear a una playa solitaria, con la mala suerte de que termina atrapada en un islote a 100 metros de la costa, herida y con un enorme tiburón blanco acechándola de cerca. Jaume Collet-Serra (Una noche para sobrevivir) dirige este thriller que en su momento se vendió como un cruce entre Gravity y Tiburón, y que protagoniza Blake Lively (El secreto de Adaline), que es quien ha salido mejor parada de la recepción crítica, que se divide entre los que consideran el film como un sólido entretenimiento de serie B y los que directamente la tildan de ridícula, pero en taquilla le está yendo bastante bien.
Estreno: 15 de julio

La leyenda de Tarzán: El rey de la selva vuelve a la gran pantalla con un híbrido de reboot y secuela que nos muestra a un Tarzán ya integrado  en la sociedad humana y casado con su amada Jane. Cuando es invitado de vuelta al Congo para ejercer de embajador de comercio del parlamento, resulta que todo es una trampa urdida por el capitán belga Leon Rom para lograr sus pérfidos fines. Alexander Skarsgård (The Diary of a Teenage Girl), Margot Robbie (Suite francesa), Christoph Waltz (Spectre),  Samuel L. Jackson (Los odiosos ocho) y Djimon Hounsou (Fast & Furious 7) protagonizan esta superproducción dirigida por David Yates (Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2) llamada a convertirse en uno de los grandes fracasos monetarios del verano, pues todo apunta a que le va a costar mucho recuperar sus desmedidos 180 millones de dólares de presupuesto.
Estreno: 22 de julio

Jason Bourne: Quinta entrega de la saga de Bourne que supone la vuelta del director Paul Greengrass y de Matt Damon tras el spin-off protagonizado por Jeremy Renner. Julia Stiles (El lado bueno de las cosas), Alicia Vikander (La chica danesa), Tommy Lee Jones (Deuda de honor) y Vincent Cassel (Mi amor) completan el reparto de esta nueva aventura del ex agente de la CIA cuyo primer acto se rodó en una Santa Cruz de Tenerife que emulaba ser Grecia. Y poco más se sabe hasta ahora de la película…
Estreno: 29 de julio

Actriz del mes: Margot Robbie

Nombre completo: Margot Elise Robbie

Fecha de nacimiento: 2 de julio de 1990

Lugar de nacimiento: Dalby, Queensland (Australia)

Filmografía destacada:

Larrikins (sólo voz) (2018)
Terminal (2016)

Escuadrón Suicida (2016)
La leyenda de Tarzán (2016)
Whiskey Tango Foxtrot (2016)
Focus (2015)
Z for Zachariah (2015)
Suite francesa (2014)
El lobo de Wall Street (2013)
Una cuestión de tiempo (2013)
Pan Am (Serie de TV) (2011 – 2012)
Neighbours (Serie de TV) (2008 – 2011)

Méritos: Mañana, 2 de julio, Margot Robbie cumple 26 primaveras. A mí me cuesta creerlo. Si algún día me cruzo con ella por la calle (por ejemplo), lo primero que haré será pedirle el carnet de identidad, y tras los brincos, abrazos y desmayos, aprovecharía para preguntarle qué le daban de comer en Australia. Ahí donde la ven, esta chica ha salido de la mayor cantera de actores y talentos australianos: Neighbours, una longeva serie australiana por la que han pasado Russell Crowe, Guy Pearce, Kylie Minogue, Natalie Imbruglia o los hermanos Chris y Liam Hemsworth. Tras cuatro años en la serie, Robbie se marchó a hacer las Américas, aterrizando en la serie Pan Am, que fue prematuramente cancelada tras un año de emisión.

Pero como no hay mal que por bien no venga, Margot Robbie aprovechó que Olivia Wilde era demasiado “vieja” para hacer de esposa de Leonardo DiCaprio y consiguió el papel femenino protagonista de El lobo de Wall Street, una inmejorable carta de presentación en Hollywood de la mano de Martin Scorsese con la que cautivó a todos con su belleza y sus tablas frente a uno de los actores más aclamados del mundo. Y aunque desde entonces no ha parado de trabajar tanto en producciones modestas (Suite francesa, Z for Zachariah) como en comerciales (Focus), la consolidación de su estrellato llega este verano por partida doble: en primer lugar, con La leyenda de Tarzán, dando vida a la amada Jane del rey de la selva, pero sobre todo, con Escuadrón Suicida, cuya encarnación de la desquiciada Harley Quinn ha despertado tanta expectación por el público que, además de haber ganado protagonismo en la campaña publicitaria, ya se baraja un spin-off diseñado para su lucimiento.

Pero Robbie, en vez de jugarlo todo a una carta, ya ha fundado su productora, LuckyChap Entertaintment, con la que respaldará algunos de sus futuros trabajos, como el biopic de la malograda patinadora artística Tonya Harding. Si ha sido capaz de conseguir todo esto con tan sólo 26 años, imagínense de lo que puede ser capaz en el futuro.

Extras:

Tráiler de Escuadrón Suicida

Tráiler de La leyenda de Tarzán

Tráiler de Whiskey Tango Foxtrot

Entrevista junto a Will Smith sobre Focus

Robbie audiciona para el papel de Marlon Brando en La ley del silencio

La rutina de belleza de Margot Robbie