Terror meta y amor materno

Las últimas supervivientes (The Final Girls) ganó el Premio Especial del Jurado y el de mejor guión en Sitges. Es una película que sin duda se disfruta mejor en festivales de terror y cine fantástico, rodeado de fans y eruditos del género, pues la película está dedicada a ellos. Hay una diferencia entre consumidores de cine de terror y fanáticos: los primeros se limitan a ver lo que llega a los multicines y su forma de valorar una película es diciendo si “está guapa” o “ es una mierda”. Los segundos ven terror desde la serie A hasta la Z, procedente de cualquier punto del planeta, y son capaces de ver los alicientes en productos en los que los neófitos sólo vemos chorros de sangre y actrices tan buenorras como ineptas.

Las últimas supervivientes cuenta la historia de Max (Taissa Farmiga), una joven cuya madre (Malin Akerman), aspirante a actriz, falleció trágicamente. Un año después de su muerte, Max accede a asistir a una maratón de una saga de pelis de terror de los 80 en la que su madre encarnaba a una ‘scream queen’, pero un accidente en la sala provoca que tanto Max como sus amigos acaben atrapados en la película, viéndose obligados a defenderse del asesino en serie para poder sobrevivir hasta el final de la película. El film de Todd Strauss-Schulson es una suerte de La rosa púrpura del Cairo del ‘slasher’ ochentero, no tan enfocada en el terror y en los sustos como en el humor, el guiño cómplice y el homenaje paródico a las reglas por las que se rige el subgénero: los personajes estereotipados, el sexo como sinónimo de muerte, la cámara lenta, los flashbacks o esa figura universal de la chica que sobrevive y acaba con el ‘serial killer’ a la que alude el título.

Aunque Las últimas supervivientes no sea una propuesta tan radical y original como La cabaña en el bosque, tiene algo que la hace única: su ternura. La encontramos en la camaradería que se forja entre los personajes cuando idean entre todos un plan para acabar con el asesino pero, sobre todo, está en la relación entre Max y su madre, o más bien, el personaje que interpretó esta última en la película. Obviamente, Max proyecta en esa representación a su propia madre, intenta salvarla de su fatídico destino, y el resultado es realmente enternecedor, sobre todo en sus últimas escenas, y sin caer en la cursilería. A Las últimas supervivencias le falta gore y mala leche, pero lo compensa con humor, inventiva y corazón, demostrando que se puede hacer buenas parodias sin recurrir al desgastado modelo ‘Scary Movie’.

7/10

O.C: Luna de papel (1973)

¿De qué va?: Durante la época de la Gran Depresión y de La Ley Seca en Estados Unidos, un estafador de poca monta, que intenta vender biblias a las viudas, se hace cargo a regañadientes de la hija de una antigua amante. La niña no sólo aprende rápidamente las claves del oficio, sino que incluso le ayuda, en algunas ocasiones, a salir de apuros, y aporta ideas para nuevas estafas.

Reputación: Tras los éxitos logrados por sus anteriores films, La última película (1971) y ¿Qué me pasa, doctor? (1972), Peter Bogdanovich se fijó en el guión que escribió Alvin Sargent a partir de la novela Addie Pray de Joe David Brown para su siguiente proyecto. Mientras el guión sufría algunos retoques (se cambió el final de la novela para ajustarlo al tono de la película) y el equipo buscaba localizaciones, Bogdanovich se volcó en la búsqueda de los actores idóneos para encarnar a la pareja protagonista. Finalmente se decantó por Ryan O’Neal, con el que había trabajado recientemente en ¿Qué me pasa, doctor? y por su hija, Tatum O’Neal, que por aquel entonces tenía 8 años y ninguna experiencia interpretativa. El trabajo de la niña impresionó tanto que ganó el Oscar a mejor actriz de reparto, ostentando a día de hoy el récord de ser la persona más joven en ganar una estatuilla, además de ser la galardonada en una categoría secundaria con mayor presencia en pantalla (1 hora, 6 minutos y 58 segundos).

Orson Welles, mentor y amigo cercano del director, ejerció de consultor sin acreditar para la película. Sugirió rodarla en blanco y negro a través de un filtro rojo y añadiendo contraste a las imágenes, y cuando Bogdanovich le comentó que Addie Pray no le parecía un buen título para la película y que había pensado llamarla Paper Moon (Luna de papel) en su lugar, Welles le dio una respuesta que ha quedado para la historia: “El título es tan bueno que no deberías hacer la película ¡Sólo estrena el título!” En 1974, la ABC estrenó una serie con el mismo título, basada en la película, protagonizada por Christopher Connelly y una jovencita Jodie Foster.

Comentario: Luna de papel es una comedia fundamentada a partir de la picaresca de sus protagonistas, un estafador irresponsable y un tanto infantil y una niña inteligente y demasiado madura para su edad que, no obstante, necesita desesperadamente una figura paterna a la que aferrarse. Si bien la comedia surge de la interacción de la pareja central y las argucias que llevan a cabo para salirse con la suya, el componente dramático yace en lo enfermos de soledad que se encuentran  aunque no sean capaces de reconocerlo, incluida la esperpéntica mujer encarnada por Madeline Kahn (también nominada al Oscar que ganó Tatum O’Neill en una categoría que obviamente no le correspondía) con la que se cruzan en determinado punto de la historia. Unas interpretaciones sobresalientes, un guión ágil y entrañable, carente de sentimentalismo barato, y una fotografía en blanco y negro muy cuidada son los ingredientes de una comedia superlativa.

Próximo visionado: Amenaza en la sombra (1973)

Del periodismo de ayer al de hoy

Dir.: James Vanderbilt
Int.: Cate Blanchett, Robert Redford, Topher Grace, Elisabeth Moss, Dennis Quaid, Bruce Greenwood, Stacy Keach, John Benjamin Hickey
¿De qué va?: En vísperas de las elecciones presidenciales estadounidenses de 2004, la productora de noticias de la CBS Mary Mapes y el legendario presentador Dan Rather descubren una historia que podría afectar a la reelección de George Bush. La emisión del programa desata una tormenta informativa que llevará a Mapes, Rather y a su equipo a defender su trabajo y luchar contra los intereses políticos y económicos que se esconden detrás de los medios de comunicación.

Reseña: En esta temporada se dan cita en la cartelera dos películas sobre el periodismo diatralmente opuestas, Spotlight y La verdad. Mientras la primera explora una investigación que destapó los casos de pederastia en Boston que la Iglesia Católica había intentado ocultar, la segunda versa sobre un incendiario reportaje televisivo sobre el pasado militar de George Bush, por aquel entonces presidente de los Estados Unidos, que puso al equipo de periodistas que estaba detrás en tela de juicio. Las dos conforman la cara y la cruz, el éxito y el fracaso, del trabajo de investigación periodística, un trabajo y un deber que, desafortunadamente, está pasado de moda.

Para su debut en la dirección, James Vanderbilt expone los hechos de una manera tan minuciosa como en su celebrado guión de Zodiac, beneficiándose de la claridad expositiva que no tenía la historia del asesino del Zodiaco. Vanderbilt utiliza el conocido como ‘Caso Rathergate’ para apuntalar esa idea de que la investigación periodística ha llegado a su fin, porque los grandes medios de comunicación prefieren sacrificar el prestigio que les reporta los informativos por producir nuevos reality shows que generen muchos más millones de dólares a través de la publicidad. Sin embargo, Vanderbilt se mete en un terreno pantanoso porque quiere alabar el periodismo riguroso a partir de un reportaje que salió mal, al descubrirse tras su emisión que las pruebas no habían sido totalmente contrastadas, y ahí es donde reside tanto el principal hándicap de la película como el tema de debate más fascinante que genera.

El film está basado en un libro de memorias de Mary Mapes, la productora y periodista que acabó de lleno en el ojo del huracán, por lo que todos los acontecimientos están contados desde su particular punto de vista. Así, somos testigos tanto de su drama personal y de la persecución que sufrió tanto de los condicionantes que afectaron al rigor de su trabajo, como la presión de sus superiores por emitir el programa antes de estar totalmente preparado. Lo que pasa es que la película tiene una sutil tendencia de eximir a Mapes de sus responsabilidades, dándole un trato de víctima y de heroína, al tiempo que se lanzan balones fuera, principalmente hacia los directivos de la cadena para la que trabajaba. No digo que le falte razón cuando pone en evidencia los intereses políticos y económicos que hay detrás de los conglomerados mediáticos, o la búsqueda de una cabeza de turco para salvar el culo, pero eché en falta cierto sentido de la autocrítica, alguna escena en la que dudase sobre su actuación o en la que asumiese que parte de la responsabilidad también recaía sobre sus hombros.

Cate Blanchett realiza otro recital interpretativo en un rol que ya ha demostrado anteriormente que se le da genial: mujer forjada a sí misma y combativa cuyas inseguridades y temores ocultos salen a relucir cuando es puesta contra las cuerdas. Blanchett lleva todo el peso de la película, especialmente en su último tramo, secundada por un eficiente plantel de secundarios entre los que destacan Robert Redford como la serena voz de la experiencia, y Topher Grace como el ímpetu y la indignación de una nueva generación que anhela los tiempos del periodismo de la vieja escuela por los que se enamoró de la profesión. La verdad es un thriller cocinado a buen ritmo que genera un interés que va de menos a más, dirigido con oficio pero sin personalidad, y que aunque podría haberse rodado hace una o dos décadas, toca temas que son de candente actualidad. El debate generado a partir de  su enfoque y de los pormenores del caso debería trascender de la conversación post-cine a las aulas de las universidades de periodismo.

7/10

Despedidas

Dir.: Cesc Gay
Int.: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi, Oriol Pla, Elvira Mínguez, Àlex Brendemühl, Javier Gutiérrez, Eduard Fernández
¿De qué va?: Julián recibe la inesperada visita de su amigo Tomás, que vive en Canadá. Los dos hombres, acompañados del fiel perro de Julián, Truman, viven cuatro días llenos de momentos emocionantes y sorprendentes, inducidos por la complicada situación por la que está atravesando Julián.

Reseña: Afrontar la muerte nunca es fácil, sobre todo cuando es alguien cercano quien se está preparando para la visita de la Parca. Hace poco vimos cómo su aceptación puede marcar el fin de la adolescencia en la estupenda Yo, él y Raquel, y ahora, con Truman, comprobamos que ni a los cincuenta y tantos años somos capaces de abordarla con… ¿eficiencia? ni de hablar directamente de ella, porque sigue siendo uno de los grandes tabúes de la sociedad humana, y siempre cuesta decir adiós cuando sabes que ya no se producirá ningún reencuentro.

En los cuatro días que pasan juntos los dos amigos que protagonizan el film, da tiempo para demostrar cómo actuamos ante una situación tan delicada, tanto desde el punto de vista de quien sabe que su fin está cerca como de aquellos que, impotentes, intentan al menos que sea feliz el tiempo que le queda, intentando resolver los asuntos que se dan en estas circunstancias, desde buscar un nuevo hogar para el perro, hasta resolver situaciones absurdamente protocolarias, como elegir el ataúd o la urna en la que “quieres” que reposen tus restos. Todo tratado con un saludable sentido del humor, interrumpido cuando se piensa en el momento en el que no habrá cabida para más risas. Pero para lo que no hay tiempo es para que esos dos amigos se digan lo mucho que han significado el uno para el otro, pero como en la vida misma eso no ocurre, y es que hay veces en las palabras no salen, sobran e incluso resultan incómodas.

Truman emociona por su ausencia de discursos y de frases manidas. Basta un abrazo o las lágrimas contenidas de sus actores para sentirse profundamente conmovido. Ricardo Darín y Javier Cámara comparten una química profundamente natural y empática, realizando ambos unas interpretaciones en absoluto afectadas, arropados por un plantel de caras conocidas del cine español que enriquecen su periplo crepuscular, incluyendo, cómo no, a ese cariñoso y corpulento perro que supone una de las mayores preocupaciones del personaje de Darín y de cualquiera que tenga y quiera a su mascota, que no es otra que el momento de separarse de un ser que te ha dado tanta compañía y amor incondicional durante muchos años. Al terminar la película, no habremos aprendido nada sobre cómo lidiar con la muerte, pero nos sentiremos aliviados al reconocer que no somos los únicos a los que se les atragantan las despedidas.

8/10

Paseo de la vergüenza

Creador: David Benioff, D.B Weiss
Int.: Peter Dinklage, Lena Headey, Emilia Clarke, Kit Harington, Sophie Turner, Maisie Williams, Nikolaj Coster- Waldau, Iain Glen, Aidan Gillen, Charles Dance, John Bradley, Alfie Allen, Gwendoline Christie
Emisión: 2011 – ¿?, HBO
5 temporadas

Advierto que esta entrada va a ser una bajada de pantalones en toda regla. Es una rectificación que debo hacer, porque todos somos humanos, nos equivocamos, y no hay por qué avergonzarse de admitirlo y enmendar el error. Si alguien cree que además debo pasearme desnudo por la calle mientras una monja hace sonar una campana y me grita “¡Vergüenza!”, al tiempo que una muchedumbre encolerizada me grita, me escupe y me tira vegetales, estaré dispuesto a hacerlo de buen grado. Y es que yo, señoras y señores, admito que critiqué Juego de tronos sin haberla visto, y ahora, que por fin me he puesto al día, soy un ‘tronista’ más (¿Se dice así o es algo exclusivo del programa de Telecinco?).

Que conste que mi desprecio inicial estaba justificado: nunca he sido especialmente fan de la épica-fantástica-medieval al estilo de El señor de los anillos, y la serie, cuyo origen literario desconocía hasta el comienzo de su emisión, tenía toda la pinta de ser así. Pero lo que más me echaba para atrás eran sus seguidores fanáticos, esos que no eran capaces de hablar de otra cosa, que inundaban las redes sociales de memes, videos, chistes y demás, que se quejaban de que las temporadas eran cortas y que la próxima no empezaría hasta un año después (como cualquier serie de cable) y que, básicamente, hacían como que Juego de tronos era la única serie buena de la televisión, cuando hay muchas más por las que repartir cariño ‘fandom’. Esto último aún lo considero, pero tras convertirme en un seguidor más, mi odio se ha redirigido a los ‘talifanes’ de los libros de George R. R. Martin.

Puedo entender que uno se pueda sentir más erudito por conocer la fuente original (a mí también me pasa), pero lo verdaderamente intolerable es que cada semana se lleven las manos a la cabeza y siempre con las mismas quejas: que si lo del libro es mucho más fuerte, que están omitiendo pasajes importantes, que para qué lo cambian si lo del libro en la serie habría quedado mucho mejor… Basta. Amigos ‘talifanes’, entendemos su enfado pero llevamos cinco años en las mismas. Hay que comprender que el medio literario no es igual que el televisivo, que lo que funciona en una lectura no tiene por qué funcionar en imágenes y, sobre todo, que un proceso de adaptación no consiste en transcribir una novela en guión. Mientras la esencia sea la misma (y yo creo que en este caso lo es) qué mas da que se tome unas cuantas licencias si funcionan en la serie. Y si tanta rabia les da, lo mejor que pueden hacer es dejar de verla.

A todo esto, llevo tres párrafos sin hablar de la serie propiamente dicha. ¿Pero qué puedo decir de ella que no se haya dicho ya? Llego un poco tarde. De primeras, Juego de tronos llama la atención por su tono épico-fantástico, sus dragones, batallitas, desnudos frontales, por todo el amplio y vasto mundo que ha creado su autor, pero por lo que realmente engancha es por sus personajes y por lo carismáticos que resultan, gracias al excelente trabajo de casting, por sus claroscuros ( ni los buenos son unos santurrones ni los malos villanos de opereta), y lo impredecible que resultan sus caminos, algunos terminados abruptamente con esas muertes crueles por las que la serie se ha hecho tan popular. Uno de los principales motivos por los que Juego de tronos levanta tantas pasiones es porque se salta los convencionalismos narrativos por los que se rige el cine y la televisión para emparentarse con una guerra auténtica, en la que nadie, ni un presunto protagonista o héroe de la historia, está a salvo.

Juego de tronos ha ganado por primera vez el Emmy a mejor serie dramática, por una temporada que para muchos ha resultado decepcionante. No es mi caso, pues pienso que desde su comienzo ha gozado de una evolución ascendente, conforme nos ubicábamos entre tantas familias, tramas y lugares, nos aprendíamos los nombres de los personajes más importantes y los episodios memorables empezaban a sucederse, como el de la Boda Roja, la Púrpura o las batallas que se libran en El Muro, capítulos que no tienen nada que envidiar a las grandes producciones de Hollywood; un alarde de dirección, producción y montaje que sabe muy bien utilizar sus recursos para mantener en vilo al espectador (el uso que hace la serie de la música y del silencio absoluto es magistral). Juego de tronos triunfa por su combinación de espectáculo y alegoría política y su peor enemigo es, precisamente, su éxito, que podría empañar su eficacia si sus responsables deciden explotarla con películas, spin-offs, precuelas y todo lo que se les pueda ocurrir. Por cierto, el personaje favorito de casi todo el mundo es Tyrion, algo comprensible, pero la que da auténtica vidilla a la serie no es otra que la gran Cersei, mucho mejor cuanto más vino bebe y más perversa se pone. Larga vida a la Reina Cersei.

Itinerario de estrenos de noviembre 2015

Noviembre empieza con una nueva celebración de la fiesta del cine. Los próximos días 3, 4 y 5 prometen una gran afluencia de espectadores a las salas, con toda probabilidad mayor que la de la última vez, en mayo, que no contaba con suficientes títulos interesantes para que la gente quisiese ir más de una vez. Marte, La cumbre escarlata, La verdad, Truman,  El becario o Los miércoles no existen son algunos de los títulos entre los que podemos escoger, no está nada mal. Para el resto del mes, les traigo los estrenos más interesantes, aunque como siempre hay otros que no figuran aquí y que podrían merecer la pena, como lo nuevo de James Bond, Spectre (6 de noviembre); Life (20 de noviembre),  sobre la relación entre James Dean y el fotógrafo Dennis Stock; y The Diary of a Teenage Girl (27 de noviembre), comedia indie juvenil con Kristen Wiig. No, no destaco la secuela del mayor éxito del cine español. Qué pereza me da.

Sicario: Nuevo filme de Denis Villeneuve (Prisioneros, Enemy) que gira en torno a la guerra contra el narcotráfico llevada a cabo en la frontera entre Estados Unidos y México. Una joven e idealista agente del FBI es reclutada para formar parte de ella, embarcándose en un viaje clandestino, liderado por un asesor enigmático y de oscuro pasado, que hará que la mujer se cuestione todo en lo que cree con el fin de sobrevivir. Emily Blunt (Into the Woods), Benicio del Toro (Un día perfecto) y Josh Brolin (Everest) conforman el trío protagonista de esta película que se presentó en el Festival de Cannes y el de San Sebastián con críticas mayoritariamente positivas.
Estreno: 13 de noviembre

Mistress America: Tan sólo dos meses después del estreno español (y tardío) de su penúltimo filme, Cuando éramos jóvenes, nos llega el último filme de Noah Baumbach, Mitress America, que al igual que Frances Ha, cuenta con su novia en la vida real, Greta Gerwig, como co-guionista y actriz principal. Lola Kirke (Mozart in the Jungle) co-protagonista el filme, dando vida a una joven solitaria y decepcionada con su vida neoyorkina pese a que sólo lleva un semestre estudiando en la universidad. Sin embargo, su vida dará un vuelco cuando conoce a la impetuosa y aventurera Brooke, la hija del hombre que va a casarse con su madre. Ha obtenido muy buenas críticas en Estados Unidos.
Estreno: 20 de noviembre

Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2: Punto y ¿final? de la saga de origen literario que puso en órbita a la mayor estrella que hay hoy en día en Hollywood, Jennifer Lawrence, y cuyo retraso de una semana en su estreno español, para no coincidir con el opening de 8 apellidos catalanes, despertó la furia de muchos fans. Esperemos que, pasada la tediosa presentación de la batalla final de la primera parte, el desenlace nos traiga de vuelta la emoción de En llamas y cierre la franquicia en condiciones. Francis Lawrence sigue a los mandos y repite prácticamente todo el reparto que ha secundado a Lawrence a lo largo de toda su aventura: Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Sam Claflin, Julianne Moore, Donald Sutherland, Natalie Dormer… incluso puede que haya una pequeña aparición del desaparecido Philip Seymour Hoffman.
Estreno: 27 de noviembre

El viaje de Arlo (The Good Dinosaur): Los problemas en la producción del nuevo filme animado de Pixar (que obligaron a empezar  otra vez de cero a mitad del proceso) han provocado que este año tengamos doble ración del estudio, poco después de haber vuelto a dar en el clavo con Del revés. Veremos si esta película, centrada en la amistad que se forja entre un dinosaurio y un niño prehistórico, consigue igualar el éxito cosechado con la película de las emociones humanas con emociones. Dirige Peter Sohn (el corto Parcialmente nublado) y en el reparto vocal figuran Steve Zahn (Dallas Buyers Club), Anna Paquin (True Blood), Frances McDormand (Olive Kitteridge) y Sam Elliot (Pacto de silencio).
Estreno: 27 de noviembre

Actor del mes: Ben Whishaw

Nombre completo: John Benjamin Whishaw

Fecha de nacimiento: 14 de octubre de 1980

Lugar de nacimiento: Bedfordshire, Inglaterra (Reino Unido)

Filmografía destacada:

La chica danesa (2015)
Sufragistas (2015)
En el corazón del mar (2015)
Langosta (2015)

Spectre (2015)
London Spy (Miniserie TV) (2015)
Lilting (2014)
Days and Nights (2014)
Paddington (sólo voz) (2014)
The Zero Theorem (2013)
The Hour (TV) (2011 – 2012)
Skyfall (2012)
El atlas de las nubes (2012)
The Hollow Crown (TV) (2012)
The Tempest (2010)
Bright Star (2009)
The International (2009)
Retorno a Brideshead (2008)
Presunto culpable (Miniserie TV) (2008)
I’m Not There (2007)
El perfume (2006)
Stoned (2005)
Layer Cake (2004)
El intruso (2004)
My brother Tom (2001)
La Trinchera (1999)

Méritos: De la misma forma en la que James Bond necesita a Q para que le proporcione artilugios con los que completar con éxito sus misiones, cualquier película necesita un intérprete de reparto que secunde el trabajo de sus actores principales y le de empaque y distinción a la película. Sin armar mucho alboroto, Ben Whishaw se ha convertido en uno de los actores británicos más demandados para conformar repartos de primera categoría. Se hizo popular encarnando al sociópata obsesionado con los olores de El perfume, y a partir de entonces se ha labrado una carrera entre Estados Unidos y Reino Unido, no sólo en el cine sino también en la televisión, protagonizando series y tv-movies de la BBC entre las que se encuentra The Hollow Crown, por la que su encarnación del rey Ricardo II le valió un premio BAFTA.

En noviembre vuelve a la BBC con la miniserie London Spy, mientras que durante los próximos meses lo veremos en muchas de las películas más apetecibles de la temporada: Spectre, lo nuevo del agente 007; Langosta, de Yorgos Lanthimos; En el corazón del mar, donde dará vida al autor de Moby Dick, Herman Melville; Sufragistas, con Carey Mulligan y Meryl Streep, y La chica danesa, donde despertará los sentimientos femeninos de Eddie Redmayne. Todos trabajos de reparto, ni siquiera tan jugosos como para poder aspirar a premios, pero probablemente tan intachables como la labor de Whishaw en la recién estrenada Lilting, uno de sus pocos pero flamantes trabajos como cabeza de cartel. A sus 35 años, nada aparentes, Ben Whishaw tiene una posición estable y respetada en la industria, fortalecido desde la retaguardia.

Extras:

Tráiler de Spectre

Tráiler de Langosta

Tráiler de En el corazón del mar

Tráiler de Sufragistas

Tráiler de La chica danesa

Tráiler de London Spy

Ganando el Bafta por The Hollow Crown (Richard II)

Annabel Lee de Edgar Allan Poe leído por Ben Whishaw

‘Love Hate’, cortometraje con Ben Whishaw y Hayley Atwell