Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga - Good evening, Europe!

Dir.: David Dobkin
Int.: Will Ferrell, Rachel McAdams, Dan Stevens, Pierce Brosnan, Ólafur Darri Ólafsson, Melissanthi Mahut, Joi Johannsson
¿De qué va?: Lars Erickssong y Sigrit Ericksdottir son dos músicos islandeses que aprovechan la oportunidad de poder cumplir su sueño participando en el Festival de la Canción de Eurovisión, la mayor competición de canto del mundo.

Reseña: Este año se ha cancelado Eurovisión por primera vez en su historia debido a la crisis del Coronavirus, pero Netflix nos ha dado como consuelo la primera película ambientada en el famoso concurso musical. Se trata de un proyecto auspiciado por su propio protagonista, Will Ferrell, fan de Eurovisión desde que lo descubrió en el año 1999 a través de su esposa de origen sueco, Viveca Paulin. El conocimiento y amor hacia el evento se sentía desde que se publicó el primer clip de la película: el video musical de Volcano Man capturaba toda la esencia de una prototípica canción eurovisiva de los países nórdicos.

La película arranca con una parte del susodicho vídeo de Volcano Man (mejor verlo entero en Youtube) para presentarnos a la pareja estelar, un dúo musical de un pequeño pueblo de Islandia que siempre ha intentado  representar a su país en Eurovisión, hasta que por avatares del destino son al fin elegidos. Hay que aclarar que el concurso queda relegado a un segundo plano; hay homenajes y guiños que complacerán a sus seguidores, aunque podrían haber sonado más canciones sacadas del festival, además de presentar algunas inexactitudes menores sobre su dinámica. No obstante, los números musicales sí que consiguen captar toda la fastuosidad presentes en las actuaciones de la gala… así como el espíritu camp de algunas de ellas.

Pero como ya hemos comentado, esto no es una película sobre Eurovisión, sino sobre la relación de Lars y Sigrit; él está tan obcecado con alcanzar su sueño que no se percata de que ella tiene inquietudes y sentimientos que neutraliza para seguirle a él. La historia de Fire Saga es quizás la comedia más emocional de Will Ferrell, pero hay un problema y es que él no es capaz de llegar a las notas altas de emotividad requeridas a las que sí llega su compañera de reparto, Rachel McAdams. Ella, siempre tan estupenda, con su adorable acento islandés, se queda sola en el escenario, y pienso que quizás un intercambio de papeles entre Ferrell y Dan Stevens, que interpreta al impagable concursante ruso, habría beneficiado a la película.

Como cualquier comedia protagonizada de Will Ferrell salvo El reportero (2004) y alguna más, hay bastantes gags en La historia de Fire Saga que no terminan de funcionar, y sus dos horas de metraje no están para nada justificadas. Aún así, es una historia de amor bonita con Eurovisión como telón de fondo, repertorio musical lleno de temazos y Rachel McAdams, que por alguna razón que se me escapa no se prodiga demasiado últimamente. Son razones más que suficientes para apreciar este acercamiento yanqui al evento que reúne cada año a los europeos (y a algún agregado más) a vivir una noche inigualable de música y emoción.

6/10

O.C: Scarface, el terror del Hampa (1932)

¿De qué va?: Tony Camonte es un criminal italiano sin escrúpulos que no conoce lo que es la lealtad. Poco a poco, se va haciendo conocido y respetado dentro de las mafias y delincuentes más peligrosos de Estados Unidos, eliminando a todos sus rivales y convirtiéndose así en el amo de la ciudad de Chicago.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de 1929 de Armitage Trail, inspirada a su vez en la vida de Al Capone, dirigida por Howard Hawks. Se rumorea que al susodicho mafioso le había gustado tanto la película que conservaba una copia. El Código Hays, que regulaba el contenido de las producciones hechas en Hollywood, reclamó alteraciones importantes en la película, tales como un prólogo que condenara a los gánsteres, un final alternativo para reprender más severamente al protagonista y el título alternativo The Shame of a Nation (La vergüenza de una nación). Estos cambios retrasaron el estreno del film durante un año, aunque algunas proyecciones conservaron el final original, que es el que se ha mantenido hasta la actualidad, mientras que el alternativo se ha incluido como extra de su edición en DVD. La recepción de la audiencia fue positiva, pero los censores prohibieron la película en varios estados por considerar que glorificaba la violencia, lo cual obligó a su productor, Howard Hughes, a retirar la película de circulación y guardarla en una bóveda, donde se conservó hasta que se recuperaron los derechos tras su muerte, en la década de 1970. La película cuenta con un célebre remake dirigido por Brian De Palma y protagonizado por Al Pacino en el que se cambió la nacionalidad del protagonista de italiano por cubano, y aunque en los años se anunció una nueva versión con Diego Luna, parece que el proyecto ha quedado en dique seco.

Comentario: Scarface, el terror del Hampa está considerada como una de las mejores muestras de cine negro de la historia del cine, y aunque su descarnado acercamiento a la violencia de la época resulta admirable presenta un gran problema: la existencia de su remake. En comparación, la versión del 83 supera a la de Hawks en frentes tales como el elenco (Al Pacino y Michelle Pfeiffer son mucho mejores que Paul Muni y Karen Morley), la puesta en escena o el desarrollo de la historia. Tampoco ayuda esos insertos de moralina didáctica que tuvieron que endosar a la película para contentar al censor. Scarface, el terror del Hampa no es mala película ni mucho menos, pero creo que Hawks dirigió películas mucho mejores y que queda muy deslucida frente al formidable remake de De Palma.

Próximo visionado: Johnny Guitar (1954)

Personal Assistant – Tú la música, yo los recados

Dir.: Nisha Ganatra
Int.: Dakota Johnson, Tracee Ellis Ross, Kelvin Harrison Jr., Ice Cube, June Diane Raphael, Zoë Chao, Bill Pullman
¿De qué va?: Grace Davis es una superestrella, una leyenda del mundo de la música que vive en la ciudad de Los Ángeles. Maggie, su estresada asistente personal a la que Grace apenas presta atención más allá de encargarle sus recados, compagina en secreto este trabajo con su sueño de ser productora musical. Cuando el manager de Grace intenta darle un giro a su carrera, tanto esta como Maggie deberán tomar una decisión que cambiará su vida para siempre.

Reseña: Poco a poco, los cines vuelven a abrir sus puertas intentando adaptarse a la nueva normalidad. La primera major que se ha decidido a estrenar en España con la reducción del aforo a un tercio de su ocupación ha sido Universal, y lo ha hecho con Personal Assistant, una película de Nisha Ganatra que en Estados Unidos se lanzó directamente en VOD el mes pasado. Es probable que no consiga motivar a muchos de los espectadores que aún tienen reparos de volver al cine, pero para el resto es una buena opción si lo que se pretende es pasar dos horas muy amenas y fresquitas en la añorada oscuridad de la sala cinematográfica.

Además de ser uno de esos casos raros en los que se traduce el título original (The High Note) por otro también en inglés, Personal Assistant es la historia de Maggie, una ambiciosa muchacha que trabaja como asistenta de la estrella de la música Grace Davis, aunque en realidad sueña en ganarse la vida como productora. Cuando su jefa debe decidir si quiere seguir viviendo de las rentas de sus éxitos pasados o atreverse a sacar un nuevo álbum, Maggie cree que ha llegado su momento, pero el temible techo de cristal se interpondrá en su camino.Por otra parte, Maggie conoce a un joven talentoso y carismático pero pobremente producido al que intentará ayudar en su carrera musical. Así, Personal Assistant se desarrolla a través de estas dos tramas paralelas que desembocan en un desenlace propio de la magia hollywoodiense.

Esta es la primera película en la que podemos ver a Dakota Johnson sin su característico diastema. Afortunadamente, su carisma permanece intacto y su encanto rezuma a lo largo y ancho de la película. Además, tiene una gran química con Kelvin Harrison Jr., a quien pudimos ver en un rol diametralmente opuesto al que encarna aquí en Un momento en el tiempo – Waves (2019). En Personal Assistant, Harrison Jr. se consolida como gran promesa, al tiempo que demuestra que también sabe cantar estupendamente. Tracee Ellis Ross cierra el trío protagonista dando vida a una diva álter ego de su propia madre, Diana Ross, y aunque podemos suponer que ha aprovechado experiencias personales para encarnar al personaje, el retrato que hace el film sobre las dificultades a las que se enfrenta una mujer madura en la industria musical resulta certero pero superfluo.

Personal Assistant es un El diablo viste de Prada (2006) blandito pero muy agradable de ver y con un estupendo repertorio musical. La forma en la que confluyen sus tramas resulta un tanto forzada, pero es inofensiva, su componente cómico funciona bastante bien y exhibe buen gusto tanto en las referencias musicales como en la selección de su elenco. En definitiva, y como ya comentamos previamente, es una opción nada desdeñable para empezar a retomar la tradición de acudir al cine.

6/10

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Greener Grass – Sonrisas de acero

Dir.: Jocelyn DeBoer, Dawn Luebbe
Int.: Jocelyn DeBoer, Dawn Luebbe, Beck Bennett, Neil Casey, Mary Holland, D’Arcy Carden, Julian Hillard, Janicza Bravo
¿De qué va?: Jill y Lisa son dos amigas que viven en una urbanización paradisíaca donde se compite por ser la persona más feliz. Todo cambia cuando Jill le ofrece a Lisa su bebé recién nacido y, ese gesto que parece totalmente altruista, cambiará por completo la vida de ambas.

Reseña: Tras comentar el asesinato de la profesora de yoga y las ganas que tienen de retomar las clases mientras ven a sus hijos jugar al fútbol, una amiga le regala su bebé a la otra. A continuación, un primer plano de la amplia y temblorosa sonrisa con brackets de una de ellas ilustra los títulos de crédito, mientras suena una música electrónica propia de un film de terror de los 80. Esto es Greener Grass, película dirigida y escrita por las mismas mujeres que la protagonizan, Jocelyn Deboer y Dawn Luebbe. El desconcierto aflora desde el prólogo del film y nos va a acompañar hasta el final de una película en la que tras la aparente aleatoriedad general, hay una divertidísima sátira sobre la vida suburbana norteamericana.

John Waters, David Lynch, John Carpenter, Todd Solonz, Marc Cherry… Las referencias de DeBoer y Luebbe son obvias, pero en vez de ser un refrito de todas, Greener Grass adopta una personalidad propia que se beneficia de un timming cómico propio de los mejores sketches de Saturday Night Live; no por casualidad, en el reparto figuran algunos de los últimos integrantes del elenco del mítico programa de televisión. La trama se asienta en el paulatino colapso mental que experimenta Jill (DeBoer), producto de su obsesión por complacer a los demás y de empezar a cuestionarse la felicidad impuesta en el microcosmos que habita, al tiempo que su mejor amiga (Luebbe) experimenta el proceso opuesto al forzar la proyección idílica de su familia. La superficialidad como estilo de vida, la obsesión por guardar las apariencias, el egoísmo capitalista, la cortesía pasivo-agresiva… Son temas habituales en cualquier obra que hace comedia a costa de la clase acomodada y que aquí son abordados con un plus de absurdo que obviamente no será del gusto de la mayoría.

Deboer y Luebbe tienen una complicidad y una energía cómica que recuerda a la que tienen Kristen Wiig y Maya Rudolph. Su ópera prima es una marcianada de colores chillones que, pese a que estire demasiado algunos chistes, divierte a la par que inquieta, pues la gran mayoría de sus delirios funcionan tan bien como su empaque de pesadilla kafkiana pasada por un filtro ochentero. Es tan fácil escudarse en el aturdimiento cuando se ve por primera vez que creo que no le vendría nada mal un revisionado con el que poder descubrir muchas más de las lecturas y capas que contiene. Greener Grass es carne de futura película de culto y seguramente yo esté ahí para fomentarlo.

7’5/10

O.C: América, América (1963)

¿De qué va?: Un joven griego llamado Stavros tiene un único objetivo en su vida: vivir en los Estados Unidos. Está dispuesto a cumplir su sueño y para ello viaja hasta Constantinopla. Allí tiene que reunir el dinero suficiente para comprar el billete de barco que le lleve a su tierra prometida.

Reputación: Película dirigida, escrita y producida por Elia Kazan e inspirada en la vida de su tío, Avraam Elia Kazantzoglou. Kazan contrató actores desconocidos y centró toda la historia en el personaje interpretado por Stathis Giallelis, que con 22 años y siendo su primer trabajo como actor, está presente en prácticamente todas las escenas de una película que dura casi tres horas. Tras un comienzo de producción accidentado por la pérdida de los productores iniciales, Kazan empezó a rodar en Estambul, pero las autoridades turcas estaban preocupadas del retrato que haría un director griego de la Turquía del siglo XX. Para evitarse problemas, el director decidió mover el rodaje a Grecia, pero estuvo a punto de perder las latas que contenían el metraje ya filmado al ser confiscadas por las autoridades aduaneras. Afortunadamente, una confusión entre las etiquetas de negativos usados y sin usar salvó la valiosa carga. La película ganó el Globo de Oro a mejor director y mejor promesa masculina y fue nominada a cuatro Óscar: mejor película, director, guion y dirección artística en blanco y negro, de los cuales ganó este último. América, América fue recuperada y restaurada por The Film Foundation, compañía fundada por Martin Scorsese encarga de rescatar joyas del cine clásico en peligro.

Comentario: La película más personal de la carrera de Elia Kazan es un viaje a través de Anatolia y Constantinopla de un chaval que está decidido a cumplir su sueño de dejar atrás la pobreza para encontrar una vida mejor en la tierra de las oportunidades, América. Kazan rinde homenaje a sus antepasados en una película que muestra la brutal opresión de los turcos hacia el pueblo armenio, haciendo que, por azares del destino, su héroe, Stavros, experimente tanto la pobreza más absoluta como las comodidades de la clase alta de la capital del país. Lástima que la veracidad de la historia se vea lastrada por hacer que los actores hablen inglés en vez de su propio idioma, una decisión que seguramente haya sido tomada para no afectar negativamente a la carrera comercial del film, aunque queda un poco raro. Además, el interés que desprende la historia es un tanto irregular a lo largo de las extensas casi tres horas de metraje. Con todo, la magistral dirección de Kazan se nutre del amor que siente este hacia una exitosa historia de inmigración, personalmente, prefiero aquellas que indagan en el lado oscuro del sueño americano.

Próximo visionado: Scarface, el terror del Hampa (1932)

The Vast of Night – Ondas de ayer

Dir.: Andrew Patterson
Int.: Sierra McCormick, Jake Horowitz, Gail Cronoauer, Bruce Davis, Cheyenne Barton, Mark Banik
¿De qué va?: En una noche de 1950, en la ciudad de Caluya, Nuevo México, una joven e inteligente operadora de teléfono, Fay, y un carismático locutor de radio, Everett, descubren una frecuencia de audio muy extraña en las ondas.

Reseña: En 2007 se estrenó The Man From Earth, una película de ciencia ficción que se desarrollaba íntegramente en una habitación donde un grupo de profesores universitarios confrontan a un compañero que asegura tener mil años. La película se convirtió rápidamente en una obra de culto por la forma en la que conseguía desarrollar una absorbente y reflexiva trama fantástica con muy pocos recursos. The Vast of Night, film que ha llegado a Amazon tras proyectarse en algunos autocines norteamericanos en los últimos meses, no es una producción tan low cost, pero comparte con The Man from Earth el mismo espíritu de hacer ciencia ficción a través del poder de la narrativa y de la imaginación y no de los efectos especiales.

Contada como si de un episodio de La dimensión desconocida (1959 - 1964) se tratase, la ópera prima de Andrew Patterson se centra en dos adolescentes que investigan una extraña frecuencia de audio durante una noche en la que gran parte de los habitantes de su pueblo asiste a un partido de baloncesto. Si bien la película está salpicada por largas y elegantes tomas que recorren las calles del lugar, como la utilizada para presentar a la pareja de entrañables nerds que protagoniza la historia, toda la trama se expone a través del sonido, de conversaciones y monólogos de personajes, siendo las señales extraterrestres y los avistamientos ovnis una coartada para abordar la paranoia, la soledad y la marginación social. Es una historia sencilla y poco original, pero está tan bien contada, con tanta atención por el detalle en su recreación histórica, que atrapa durante su ajustados 90 minutos de metraje, aunque no entusiasmará a quienes necesiten más acción y movimiento para engancharse.

The Vast of Night glorifica la radio situando la historia en los últimos años de su era dorada, los 50, antes de la llegada de la televisión. De hecho, podría haberse concebido perfectamente como un programa radiofónico en la línea de la recreación de La guerra de los mundos de Orson Welles, aunque con ello nos habríamos perdido la sencilla pero muy efectiva puesta en escena de su director, una revelación al igual que la joven pareja protagonista, Sierra McCormick y Jake Horowitz. Quizás se deposite demasiada confianza en el guion y en el potencial imaginativo de sus soliloquios, pero en líneas generales es un sólido y curioso ejercicio cinematográfico mucho más acertado que otros vehículos nostálgicos que se limitan a ser un juego de pillar referencias.

7/10

Da 5 Bloods: Hermanos de armas – Guerra asimétrica

Dir.: Spike Lee

Int.: Delroy Lindo, Jonathan Majors, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Mélanie Thierry, Paul Walter Hauser, Jean Reno
¿De qué va?: Cuatro veteranos afroamericanos de la guerra de Vietnam regresan a este país en busca de los restos de su jefe de escuadrón. Además, también existe para ellos la promesa de un tesoro enterrado.

Reseña: Spike Lee rodó Miracle St. Anna (2008) a raíz de su enfrentamiento con Clint Eastwood por la nula presencia de actores negros en su díptico sobre la 2ª Guerra Mundial: Banderas de nuestros padres (2006) y Cartas desde Iwo Jima (2006). La respuesta dada por Eastwood (“debería cerrar la boca”) tuvo mucha más repercusión que el film de Lee sobre el susodicho conflicto bélico. Ahora que el director vuelve a estar en boga por el éxito de Infiltrado en el KKKlan (2018) presenta con Da 5 Bloods: Hermanos de armas su propia versión de Apocalypse Now (1979), a la que referencia de manera explícita en dos momentos de la película. Pero esta vez, la repercusión será mayor tanto por ser una producción de Netflix como por llegar en el momento más oportuno posible.

La ambición artística y temática de Spike Lee resulta más que evidente: dos horas y media de metraje para contar la historia de cuatro veteranos afroamericanos de la guerra de Vietnam que regresan en busca de los restos de un compañero y de un valioso tesoro cuyo paradero solo conocen ellos. La inventiva de Lee se materializa en buenas ideas como el cambio de formato y tipo de película en función del tiempo narrativo y del escenario, y otras arriesgadas pero efectivas como que en los flashbacks sean los propios actores maduros quienes encarnen sus versiones juveniles, sin maquillaje ni filtro digital que valga. Este recurso, visto por ejemplo en La prima Angélica (1973), constata que esos hombres jamás llegaron a abandonar del todo esa jungla. El problema viene cuando Lee quiere meter tantas cosas en la película que los constantes cambios de tono resultan tan abruptos como desconcertantes.

Da 5 Bloods es el resultado de mezclar una comedia de abueletes, un drama bélico y un thriller, con discursos reivindicativos por aquí y por allá, documentos fotográficos, subtramas absurdas, monólogos a cámara, etcétera. El efecto batiburrillo le funcionó muy bien en Haz lo que debas (1989) pero aquí resulta muy irregular, con momentos muy buenos y otros en los que parece que está intentando parodiar el cine bélico. La banda sonora compuesta por Terence Blanchard tiene un carácter épico que no suele cuadrar con lo que estamos viendo en pantalla en ese momento, y algo similar sucede con la interpretación de Delroy Lindo. ¿Está inmenso o solo pasado de rosca? ¿Es un personaje complejo o la volatilidad de su conducta se rige por los derroteros por los que Lee quiere llevar la historia?

En definitiva, es probable que Da 5 Bloods reúna tanto lo mejor como lo peor de la escasa cosecha cinematográfica del 2020. Pasan tantas cosas y cambia tanto de tercio que su extenso metraje no se hace pesado, aunque tampoco logramos empatizar con el escuadrón protagonista, quizás porque Lee está más centrado en convertirlos en altavoces de su indignación que en personajes sólidos y tridimensionales. El mensaje suena alto y claro: los afroamericanos fueron a Vietnam a luchar por unos derechos de los que carecían en su propio país, pero el vehículo armado para hacerlo resonar está construido con piezas que no terminan de encajar.

6’5/10