Itinerario de estrenos de febrero 2020

Aves de presa: Spin-off de Escuadrón suicida (2016) en el que Harley Queen se separa del Joker y se une a otras tres heroínas (Cazadora, Canario Negro y René Montoya) para salvar a una niña del malvado capo criminal Máscara Negra. Cathy Yan (Dead Pigs) dirige el film con un elenco principal compuesto por Margot Robbie (Érase una vez en… Hollywood), Mary Elizabeth Winstead (Géminis), Ewan McGregor (Doctor Sleep), Jurnee Smollett-Bell (Manos de Piedra), Rosie Pérez (Los muertos caminan) y Chris Messina (Heridas abiertas). Las primeras reacciones que han aparecido por Twitter son muy positivas, aunque estas siempre hay que cogerlas con pinzas.

Estreno: 7 de febrero

El escándalo (Bombshell): Recreación ficticia del escándalo de acoso sexual que supuso la caída de Roger Ailes, fundador y director ejecutivo de Fox News, en el año 2016. Jay Roach (Trumbo) dirige la película, mientras que Charlize Theron (Casi imposible), Nicole Kidman (Identidad borrada), Margot Robbie, John Lithgow (Cementerio de animales), Allison Janney (El sótano de Ma),  Kate McKinnon (Yesterday) y Mark Duplass (Paddleton) encabezan el reparto. La película está nominada a 3 Óscar por los tres activos por los que ha estado más presente en este temporada de premios: Theron, Robbie y el maquillaje. Las criticas, sin embargo, han sido un tanto mixtas.

Estreno: 7 de febrero

Vida oculta: El nuevo film de Terrence Malick (To the Wonder) está basado en la vida de Franz y Fani Jägerstätter, un matrimonio de granjeros austriacos que sufrió un calvario cuando él se negó a prestar juramento a Hitler y combatir en las filas nazis durante la Segunda Guerra Mundial. August Diehl (El joven Karl Marx) y Valerie Pachner (Bauhaus, una nueva era) protagonizan la mejor película de Malick desde El árbol de la vida (2011), aunque en la temporada de premios solo ha formado parte de la lista de mejores películas independientes del año que confeccionó la National Board Review y y ha sido nominada a mejor película por los Independent Spirit Awards. Las críticas han sido para todos los gustos. En breve, reseña.

Estreno: 7 de febrero

Solo nos queda bailar: Coproducción entre Suecia y Georgia que cuenta la historia de un joven perteneciente a la Compañía Nacional de Danza de Georgia cuya vida da un vuelco cuando aparece Irakli, un rival que acabará convirtiéndose en su objeto de deseo. Dirigida por Levan Akin (El círculo), fue la película seleccionada por Suecia para representarla en los Oscar, pero no logró pasar el primer corte de la Academia. Por otra parte, en Georgia provocó manifestaciones homófobas fuera de los cines donde se proyectaba. Ha recibido muy buenas críticas, el premio del público tanto del Festival de Sevilla como del LesGaiCineMad y en la Seminci de Valladolid ganó el premio a mejor actor por el trabajo del debutante Levan Gelbakhiani.

Estreno: 7 de febrero

El hombre invisible: Nueva adaptación de la famosa novela de H.G. Wells que ha sido llevada al cine en varias ocasiones. En esta ocasión, el argumento versa sobre una mujer que empieza a sentirse acosada por la presencia de su ex-novio maltratador, presuntamente fallecido. Leigh Whannell (Upgrade) dirige y escribe la película que protagoniza Elisabeth Moss (La luz de mi vida), Storm Reid (Euphoria) y Oliver Jackson-Cohen (La maldición de Hill House). De momento no hay reseñas disponibles.

Estreno: 28 de febrero

The Gentlemen: Los señores de la mafia: Guy Ritchie (Aladdin) vuelve al cine de gangsters con esta historia que gira en torno a un capo de la droga con un marcado estilo británico que intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma. El reparto del film está conformado por Matthew McConaughey (Serenity), Charlie Hunnam (Triple frontera), Henry Golding (Last Christmas), Michelle Dockery (Downtown Abbey), Colin Farrell (Dumbo) y Hugh Grant (Paddington 2), entre otros. Las críticas han sido mayoritariamente positivas, pero no entusiastas.

Estreno: 28 de febrero

Actriz del mes: Margot Robbie

Méritos: Cuando nombramos a Margot Robbie actriz del mes por primera vez, allá por julio del 2016, nos preguntábamos de qué sería capaz en el futuro si con 26 años ya había fundado su propia productora y empezaba a merendarse Hollywood. Pues bien, cuatro años después ya podemos confirmar que la australiana no se anda con chiquitas. En este tiempo ya ha conseguido dos nominaciones al Oscar, una por protagonista y otra por secundaria, su carrera como actriz no ha dejado de ascender y su productora, LuckyChap Entertainment, ha empezado a andar con un gran éxito (Yo, Tonya, 2017) y un fracasillo (Terminal, 2018). Ahora es de esperar que la balanza se decante por el lado del éxito, pues lo más probable es que Aves de presa, el spin-off de Harley Queen que Robbie ha producido, vaya a rendir estupendamente en la taquilla.

Desde el propio subtítulo del film, la fantabulosa emancipación de Harley Queen, se apunta a que el personaje dejará de ser la maltratada novia del Joker (y de ser cosificada por David Ayer) para liderar un equipo de antiheroínas que evidenciará aún más si cabe que el escuadrón suicida fue una panda de aficionados. En España seremos afortunados de tener a Margot Robbie por partida doble en el mismo fin de semana, pues Aves de presa llegará al mismo tiempo a la cartelera que Bombshell, la dramatización del escándalo sexual de Fox News por el cual la actriz australiana aspira a ganar el Oscar a mejor actriz de reparto. No lo va a ganar, no es su año, pero está claro que Hollywood la adora tanto como el público, así que tarde o temprano será suyo. En el futuro próximo, además de volver a dar vida a Harley Queen en The Suicide Squad, secuela/reboot ahora a cargo de James Gunn (Los guardianes de la galaxia), Robbie baraja proyectos como el thriller bélico Ruin de Justin Kurzel (Macbeth), Marian, una revisión del mito de Robin Hood desde el punto de vista de Lady Marian, o una película de acción real de Barbie que podría dirigir, atención, Greta Gerwig. Imagínense el vértigo que nos dará repasar la carrera de Margot Robbie dentro de otros cuatro años.

El ascenso de Margot Robbie en 8 personajes

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Tras participar en Pan Am, serie cancelada tras su primera temporada, Margot Robbie entró en Hollywood de la mano de Martin Scorsese en El lobo de Wall Street (2013); Z for Zachariah (2015) es un drama post-apocalíptico muuy revindicable que no llegó a estrenarse en España; fue una Jane aguerrida en el mayor fiasco de su carrera hasta la fecha, La leyenda de Tarzán (2016); Paul Dini, uno de los creadores de Harley Queen, aclamó la encarnación de Robbie en Escuadrón suicida (2016); protagonizó y produjo el biopic de Tonya Harding Yo, Tonya (2017) por el que recibió una muy merecida nominación al Oscar; a punto estuvo de volver a ser nominada por su encarnación de la reina Elizabeth I, lo más memorable de María, reina de Escocia (2018); fue una radiante Sharon Tate para Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood  (2019); lo próximo, encarnar a una Barbie moderna en un live-action sobre la famosa muñeca. 

¿Sabías que…?

- Su rol de Donna Freedman en la telenovela australiana Neighbours debía ser solo una aparición como invitada. Sin embargo, los productores y guionistas quedaron tan impresionados con ella que la convirtieron en un personaje regular.  Robbie participó en la serie entre los años 2008 y 2011.

- Robbie comenzó a hacer sus pinitos como tatuadora durante el rodaje de Escuadrón suicida (2016). Además de hacerles un tatuaje a sus compañeros de reparto que dice “SWKAD” (debía poner SKWAD, pero se equivocó al deletrearlo), tatuó al director, David Ayer, a miembros del equipo técnico, e incluso a sí misma.

- Conoció a su marido, Tom Ackerley, en el set de rodaje de Suite francesa (2014). Ackerley trabajaba como tercer asistente de dirección de la película y actualmente trabaja en su productora.

- Fue elegida para formar parte del elenco de Cegados por el sol (2015) pero finalmente lo rechazó para hacer La leyenda de Tarzán (2016), siendo reemplazada por Dakota Johnson. También rechazó el papel que acabaría yendo a parar a Emma Stone en Birdman (2014).

- Fue la primera opción de Josh Trank para dar vida a Sue Storn en Cuatro fantásticos (2015) pero el estudio se decantó por Kate Mara en su lugar.

- Amor a quemarropa (1993) es una de sus películas favoritas de todos los tiempos.

Extras:

Trailer de Bombshell

Trailer de Aves de presa

Entrevista sobre Aves de presa

73 preguntas a Margot Robbie

Tour por las oficinas de LuckyChap Entertainment

Ema – El reggaetón del pecado

Dir.: Pablo Larrían
Int.: Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Paola Giannini, Santiago Cabrera, Giannina Fruttero, Catalina Saavedra, Eduardo Paxeco, Mariana Loyola
¿De qué va?: Después de que un traumático incidente desestabilice su vida familiar y su matrimonio con el tempestuoso coreógrafo Gastón, Ema, una bailarina, se embarcará en una odisea de liberación personal.

Reseña: Para Pablo Larraín, Jackie (2016) no solo supuso su debut en el cine norteamericano, sino también su primer largometraje centrado en un personaje femenino. Hasta entonces había conseguido reconocimiento internacional a base de historias tan masculinas y sensibles como Neruda (2016), El club (2015) y No (2012). Puede que el haberse encargado de dirigir el poco convencional biopic de una de las primeras damas más icónicas de la historia de los Estados Unidos haya despertado el interés del director chileno en explorar más la psique femenina, y como fruto de ello ha dado forma y vida a Ema, el estudio de un personaje cuya idea de la maternidad, el arte, el amor y el sexo está lejos de cualquier convencionalismo.

La película comienza con Ema sufriendo el escarnio público, la vergüenza ¿y el arrepentimiento? de haber devuelto al niño que adoptó junto a su marido. Ella baila al son que él, coreógrafo de profesión, le marca. No obstante, en la intimidad, se lanzan mutuamente reproches que son puro veneno, y con una frialdad profundamente incómoda. Pero llega un momento en el que Ema se libera con la ayuda de sus amigas, armada con un lanzallamas y a ritmo de reggaetón, música que su marido detesta, y pone en marcha un plan cuyo retorcido propósito no cobrará completo significado hasta el final de la historia. El fuego se convierte en un elemento inherente a Ema, pues se revela como una mujer que abrasa como un incendio allá por donde pasa. En un momento dado, su marido, un estupendo como de costumbre Gael García Bernal, le recrimina que no siempre puede hacer lo que quiere, y ella va a entregarse a fondo para demostrarle lo mucho que se equivoca.

Pese a lo inclasificable de la propuesta y lo deslavazado del guion, ni Pablo Larraín ni ese gran descubrimiento que es Mariana Di Girolamo dando vida a Ema pierden ni por unos instantes el norte, y todo está pensado para alimentar el misterio, la fascinación y la perplejidad de las acciones amorales de esta femme fatale urbana. Es un acierto que nunca se tome partido acerca de su conducta pero, puestos a hacer una defensa del reggaetón como medio de liberación de la mujer, la aproximación del film al denostado estilo musical es bastante tibia, si bien Ema seduce a sus incautas víctimas como si de un perreo se tratase, invadiendo su espacio personal y con sensualidad desbocada. Impecablemente iluminada por Sergio Amstrong, Ema arranca con una fuerza arrolladora que se extingue un poco conforme se desarrolla la trama, pero resulta bastante improbable que nos olvidemos del personaje que da nombre, alma y gasolina a la película.

7/10

Ganadores de los OFB 2019

Mejor película

Parásitos

La favorita > Historia de un matrimonio > El blues de Beale Street > La virgen de agosto > Ad Astra > Vengadores: Endgame > Sauvage > Los hermanos Sisters > Eighth Grade

Premio especial de los seguidores

1º Dolor y gloria (43'1%)

2º Parásitos (34'5%)

3º Avengers: Endgame (32'8%) y Joker (32'8%)

Mejor director

Noah Baumbach por Historia de un matrimonio

Barry Jenkins por El blues de Beale Street

Bong Joon-ho por Parásitos

James Gray por Ad Astra

Yorgos Lanthimos por La favorita

Mejor actor protagonista

Antonio Banderas por Dolor y gloria

Leonardo DiCaprio por Érase una vez en… Hollywood

Adam Driver por Historia de un matrimonio

Taron Egerton por Rocketman

Joaquin Phoenix por Joker

Brad Pitt por Ad Astra

Mejor actriz protagonista

Olivia Colman por La favorita

Maggie Gyllenhaal por La profesora de parvulario

Scarlett Johansson por Historia de un matrimonio

Lupita Nyong’o por Nosotros

Florence Pugh por Midsommar

Saoirse Ronan por Mujercitas

Mejor actor de reparto

Richard E. Grant por ¿Podrás perdonarme algún día?

Nicholas Hoult por La favorita

Song Kang-ho por Parásitos

Al Pacino por El irlandés

Joe Pesci por El irlandés

Brad Pitt por Érase una vez en… Hollywood

Mejor actriz de reparto

Laura Dern por Historia de un matrimonio

Regina King por El blues de Beale Street

Jennifer Lopez por Estafadoras de Wall Street

Florence Pugh por Mujercitas

Emma Stone por La favorita

Rachel Weisz por La favorita

Mejor guion original

Pedro Almodóvar por Dolor y gloria

Itsaso Arana y Jonás Trueba por La virgen de agosto

Noah Baumbach por Historia de un matrimonio

Kim Dae-hwan, Bong Joon-ho y Jin Won Han por Parásitos

Deborah Davis y Tony McNamara por La favorita

Mejor guion adaptado

Desiree Akhavan y Cecilia Frugiuele por La (des)educación de Cameron Post

Jacques Audiard y Thomas Bidegain por Los hermanos Sisters

Greta Gerwig por Mujercitas

Nicole Holofcener y Jeff Whitty por ¿Podrás perdonarme algún día?

Barry Jenkins por El blues de Beale Street

Mejor montaje

Ad Astra

Historia de un matrimonio

Mujercitas

Parásitos

Vengadores: Endgame

Mejor fotografía

Kyung-Pyo Hong por Parásitos

Claire Mathon por Retrato de una mujer en llamas

Robbie Ryan por La favorita

Lawrence Sher por Joker

Hoyte van Hoytema por Ad Astra

Mejor diseño de producción

Érase una vez en… Hollywood

La favorita

Joker

Parásitos

Ventajas de viajar en tren

Mejor vestuario

Érase una vez en Hollywood

Estafadoras de Wall Street

La favorita

Mujercitas

Rocketman

Mejor banda sonora

Michael Abels por Nosotros

Nicholas Britell por El blues de Beale Street

Alexandre Desplat por Mujercitas

Hildur Guðnadóttir por Joker

Max Richter y Lorne Balfe por Ad Astra

Mejor canción original

"I’m Gonna Love Me Again" de Rocketman

"Into the Unknown" de Frozen 2

"Lost in the Woods" de Frozen 2

"Speechless" de Aladdin

"Willow" de High Life

Mejores efectos visuales

Ad Astra

Godzilla: Rey de los monstruos

El rey león

Star Wars: El ascenso de Skywalker

Vengadores: Infinity War

Mejor película de habla no inglesa

Dolor y gloria (España)

Parásitos (Corea del Sur)

Retrato de una mujer en llamas (Francia)

Sauvage (Francia)

La virgen de agosto (España)

Mejor película de animación

Frozen 2

La LEGO película 2

Mr. Link: El origen perdido

La oveja Shaun. La pelicula: Granjaguedón

Toy Story 4

Mejor reparto

El blues de Beale Street

La favorita

Historia de un matrimonio

Mujercitas

Parásitos

Mejor dirección novel

Bo Burnham por Eighth Grade
Jonah Hill por En los 90
Aritz Moreno por Ventajas de viajar en tren
Camille Vidal-Naquet por Sauvage
Olivia Wilde por Súper empollonas

Mejor actor revelación

Asher Angel por ¡Shazam!

Gabriel Bateman por Muñeco diabólico

Biel Montoro por Diecisiete

Ramón Pujol por Fin de siglo

Nacho Sánchez por Diecisiete

Mejor actriz revelación

Iria del Rio por El increíble finde menguante

Greta Fernández por La hija de un ladrón

Elsie Fisher por Eighth Grade

KiKi Layne por El blues de Beale Street

María Rodríguez Soto por Los días que vendrán

Mejor escena

Sharon Tate en el cine en Érase una vez en… Hollywood

La gran pelea de Historia de un matrimonio

El baile de Arthur en el baño en Joker

El final de Midsommar

El final de Retrato de una mujer en llamas

La batalla final de Vengadores: Endgame

Premio especial ¿Tanto bombo para esto?

Cats

El rey león

Star Wars: El ascenso de Skywalker

X-Men: Fénix oscura

Recuento de premiados

Parásitos: Mejor película, director, montaje y elenco.

La favorita: Mejor actriz protagonista y de reparto x2, vestuario

Historia de un matrimonio: Mejor actor protagonista, guion original y escena

Dolor y gloria: Premio especial de los seguidores

¿Podrás perdonarme algún día?: Mejor actor de reparto

Mujercitas: Mejor guion adaptado

Retrato de una mujer en llamas: Mejor fotografia

Érase una vez en... Hollywood: Mejor diseño de producción

El blues de Beale Street: Mejor banda sonora
High Life: Mejor canción

Ad Astra: Mejores efectos visuales

La virgen de agosto: Mejor película de habla no inglesa

Toy Story 4: Mejor película de animación

Súper empollonas: Mejor dirección novel
Diecisiete: Mejor actor revelación
Los días que vendrán: Mejor actriz revelación

Ediciones anteriores: 2018, 2017, 2016, 2015, 2014, 2013, 2012, 2011, 2010, 2009, 2008, 2007

O.C: Terciopelo azul (1986)

¿De qué va?: Regresando a casa después de que su padre sufriera un accidente, Jeffrey Beaumont encuentra por el camino una oreja humana amputada. Alerta al detective de la policía John Williams, cuya hija, Sandy, es amiga suya. Ella le cuenta los detalles sobre una mujer sospechosa llamada Dorothy, que puede estar conectada con el caso que lleva su padre. Apoyado por Sandy, Jeffrey inicia su propia investigación.

Reputación: David Lynch movió su guion de Terciopelo azul (Blue Velvet), que nació por inspiración de la canción que da título al film y la imagen de una oreja cortada, por varios estudios importantes a finales de los 70 y principios de los 80, pero todos los rechazaron debido a su fuerte contenido sexual y violento. Finalmente, el estudio del productor italiano Dino De Laurentiis accedió a financiar la película pese a que su anterior colaboración con el director, Dune (1984) se había saldado con un gran fracaso comercial y crítico. No obstante, puso condiciones: ajustar el presupuesto a 6 millones de dólares, lo que implicaba que Lynch rebajase su propio sueldo, y que el metraje no sobrepasase las dos horas, duración exacta de la película. El resultado en taquilla fue decepcionante, unos 8.500.000 dólares recaudados a nivel mundial, y la respuesta crítica fue dispar, pero le valió a Lynch su segunda nominación al Oscar a mejor director. El proyecto no solo relanzó la carrera de Dennis Hopper, que se encontraba de capa caída, sino que le proporcionó una salida dramática a Isabella Rossellini, cuya trayectoria artística hasta el momento se concentraba en ser modelo de firmas y portavoz de productos cosméticos. Sin embargo, la agencia que la representaba, ICM Partnes, que también había sido la de su madre, Ingrid Bergman, la invitó a marcharse tras visionar la película.

Comentario: Terciopelo azul arranca con un homenaje a Luis Buñuel con el descubrimiento de la oreja cortada que ejerce de Macguffin de todo lo que vendrá a continuación. El film puede dividirse en dos partes: la primera, en la que el protagonista lleva a cabo su investigación, conoce a Dorothy y comienza una relación sadomasoquista con ella, es excelente, pura dinamita. Sin embargo, la segunda, en la que entra en juego el marido gangster de Dorothy y sus secuaces, la tensión se disipa y las rarezas marca de la casa pierden su magnetismo, hasta desembocar en un desenlace correcto, sin más. Con todo, es de las películas puramente ‘lynchinianas’ más accesibles, y cuenta con una estupenda Isabella Rossellini  como retorcida y frágil femme fatale y con la tan exagerada como deliciosa interpretación de una jovencita e inexperimentada Laura Dern.

Próximo visionado: Barbarella (1967)

Jojo Rabbit – Nazi sin causa

Dir.: Taika Waititi
Int.: Roma Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Scarlett Johansson, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates
¿De que va?: Jojo Betzler es un solitario chico alemán que pertenece a las juventudes hitlerianas. Su mundo se pondrá patas arriba cuando descubre que su madre, Rosie, está escondiendo a Elsa, una joven judía, en su propia casa. Ayudado por su amigo imaginario, Adolf Hitler, Jojo deberá afrontar su ciego nacionalismo con las contradicciones de una guerra absurda.

Reseña: En una de las escenas más icónicas de la historia del cine, Charlie Chaplin da vida a un dictador que juega con un globo terráqueo como si fuese una pelota de playa. La perversidad representada como un juego de niños. A lo largo de la historia de la humanidad se han cometido numerosas barbaridades que responden a un miedo a lo diferente y a ansias supremacistas que solo deberían ser atribuidas a críos que aún necesitan madurar y descubrir el mundo. Es el caso de Jojo, un niño alemán de 10 años entregado a la causa nazi en la última etapa de la Segunda Guerra Mundial. Tanto es así, que su amigo imaginario y figura paterna es nada más y nada menos que Hitler.

En tiempos de repunte de la ultraderecha, Taika Waititi maneja un material de partida bastante incendiario que apacigua con espíritu juvenil y voluntad satírica. Al tiempo que Jojo descubre y va conociendo a la chica judía que se esconde en su casa, el crío experimenta un viaje de madurez y crecimiento basado en el desmantelamiento de todo el sistema de valores y creencias por los que se ha regido su aún breve existencia; su mentalidad no tiene prácticamente nada que ver con la de su madre, que desearía que su hijo llevase una infancia normal, sin saber que admira tanto a Hitler que lo ha convertido en su mejor amigo, o más bien, al führer que solo existe en su imaginación, aunque al igual que el real y que otros tantos líderes carismáticos, comienza siendo un bufón inofensivo y termina convirtiéndose en algo mucho más temible.

Jojo es encarnado por el pequeño Roman Griffin Davis, tan brillante y resuelto en la comedia como en el drama; no ha habido debut cinematográfico por parte de un crío tan arrollador desde Jacob Tremblay en La habitación (2015). Todo el elenco le da una réplica de altura a Davis, estableciéndose una dinámica única y especial entre Jojo y cada uno de los personajes que le rodean. Destaca la que mantiene con Thomasin McKenzie, en un rol alejado del estereotipo de víctima de guerra, y sobre todo, la que tiene con su madre, una Scarlett Johansson tremendamente carismática y cálida. Sam Rockwell también interviene haciendo lo que mejor sabe hacer: de capullo con buen fondo, pero quien merece una mención especial y con honores es otro niño debutante, Archie Yates. No sale mucho, pero cuando aparece en escena, la ternura y las diversión se multiplican.

Paradójicamente, el Hitel al que da vida Taika Waititi no es el factor cómico que mejor funciona en un conjunto que experimenta cambios de tono demasiado abruptos. Pero se puede entender como fruto de esa colisión entre el punto de vista infantil y el mundo real sobre el que se sustenta la película. A fin de cuentas, Jojo Rabbit es una comedia esquizofrénica a ritmo de temazos pop cantados en alemán, una suerte de Moonrise Kingdom (2012) bélica que da un giro de tuerca a la oda a la pureza juvenil frente al desengaño adulto que desplegaba el film de Wes Anderson para incidir en el significativo valor del entorno y la educación en el desarrollo cognitivo y social de los niños. Un tema que, como todos sabemos, era tan de vital importancia en la Alemania nazi como lo es en el mundo actual.

8/10

1917 – La misión

Dir.: Sam Mendes
Int.: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong, Benedict Cumberbath, Claire Duburq, Richard Madden
¿De qué va?: En el frente occidental de la Gran Guerra, dos jóvenes soldados británicos son encomendados con una misión imposible: deberán entregar un mensaje urgente y decisivo a un coronel, y para ello deberán abandonar la trinchera a plena luz del día y avanzar por el campo francés ocupado por los alemanes.

Reseña: Birdman (2015) y Dunkerque (2017) revolucionaron el panorama cinematográfico en distintos momentos de la década del 2010. La primera por la decisión de Alejandro G. Iñárritu de rodarla en un falso plano secuencia con cortes prácticamente imperceptibles, y la segunda por ser un film bélico de Christopher Nolan rodado en IMAX y una estructura narrativa segmentada en tres tiempos narrativos diferentes que terminan convergiendo. Mientras tanto, Sam Mendes ha dedicado estos años casi exclusivamente a la saga del agente 007, y aunque una le salió muy bien (Skyfall, 2012), y la otra un poco rana (Spectre, 2015), le ha venido de perlas para ganar experiencia de cara a lo que iba a venir a continuación: un ejercicio cinematográfico que iba a aunar la hazañas técnicas de Birdman y Dunkerque con la mirada puestas en sobrepasarlas.

El argumento de 1917 es bien sencillo: dos soldados deben atravesar a contrarreloj el campo enemigo para entregar un mensaje del que dependerá la vida de miles de sus compañeros. Esto le sirve de pretexto a Mendes para hacer un tour “sin cortes” por los horrores que va dejando la guerra a su paso: cadáveres, ciudades en ruinas, campos devastados y, en definitiva, devastación en 360º. La cámara a veces enfoca a sus héroes de frente, otras de espaldas, pero siempre está colocada en el lugar perfecto para situarnos siempre en el meollo de la acción, convirtiéndonos en el tercer soldado encomendado a la misión. El director no necesita recurrir al 3D o a la primera persona para que 1917 sea una película profundamente inmersiva, en la que el horror y la belleza se encuentran a mitad de camino gracias al sobresaliente trabajo de fotografía de Roger Deakins, que lo mismo convierte una trinchera en un lodazal gris y putrefacto como transforma una ciudad destruida en el escenario de una tragedia griega.

A Dunkerque se le achacó una carencia emocional que 1917 suple con la relación entre los dos soldados protagonistas, encarnados por unos más que eficientes George MacKay y Dean-Charles Chapman, su implicación personal en la misión que deben cumplir y su visión contrapuesta en lo que respecta a la importancia de las condecoraciones. Sin embargo, este componente afectivo está construido de forma tan rápida y volátil que resulta tan fácil conectar con ella como quedarse fuera. No lo considero necesariamente un problema grave pues, al igual que en en el film de Nolan, entiendo que un desarrollo más profundo de los personajes es complicado de encajar en el carácter urgente de la trama. Por otra parte, la película cuenta con el aliciente de contar en su recorrido con pequeñas intervenciones de lujo a cargo de rostros reconocidos como los de Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong y Benedict Cumberbatch.

La hermosa y climática partitura de Thomas Newman es un acompañante perfecto a lo largo de la virtuosa obra que ha creado Sam Mendes. Pero es eso mismo, su virtuosismo, una espada de doble filo, pues de la misma forma que es capaz de generar asombro y perplejidad ante la espectacularidad presente en esta intrincada montaña rusa, se cuela cierto hastío por encontrarnos ante un nueva nueva hazaña técnica y formal que parece adscrita al “a ver quién mea más lejos”. Todos recordaremos algunas secuencias ciertamente memorables de 1917, pero pocos se percatarán del trasfondo, que lo tiene pese a que quede un poco tapado por los “árboles”: la transmisión oral de historias como evasión de los horrores del mundo, vínculo entre personas y esperanza de no cometer los mismos errores del pasado.

8/10