Ganadores de los OFB 2017

Mejor película
La La Land

Moonlight > Jackie > Z, la ciudad perdida > Dunkerque > madre! >

Manchester frente al mar > Sólo el fin del mundo > Swiss Army Man > A Ghost Story

Premio especial de los seguidores

1º. La La Land (56,6%)
2º: Coco (40,6%)
3º: Dunkirk & madre! (31,3%)

Mejor director
Damien Chazelle por La La Land
James Gray por Z, la ciudad perdida
Barry Jenkins por Moonlight
Pablo Larraín por Jackie
Christopher Nolan por Dunkerque

Mejor actor protagonista
Casey Affleck por Manchester frente al mar
James Franco por The Disaster Artist
Ryan Gosling por La La Land y Blade Runner 2049
James McAvoy por Múltiple
Daniel Radcliffe por Swiss Army Man

Mejor actriz protagonista
Jennifer Lawrence por madre!
Natalie Portman por Jackie
Kristen Stewart por Personal Shopper
Emma Stone por La La Land
Kate Winslet por Wonder Wheel

Mejor actor de reparto
Mark Hamill por Star Wars: Los últimos Jedi
Lucas Hedges por Manchester frente al mar
Barry Keoughan por El sacrificio de un ciervo sagrado
Will Poulter por Detroit
Adam Sandler por The Meyerowitz Stories

Mejor actriz de reparto
Viola Davis por Fences
Greta Gerwig por 20th Century Women
Naomie Harris por Moonlight
Nicole Kidman por Lion
Siena Miller por Z, la ciudad perdida

Mejor guion original
Darren Aronofsky por madre!
Noah Baumbach por The Meyerowitz Stories
Damien Chazelle por La La Land
Kenneth Lonergan por Manchester frente al mar
Noah Oppenheim por Jackie

Mejor guion adaptado
Sofia Coppola por La seducción
Xavier Dolan por Sólo el fin del mundo
James Gray por Z, la ciudad perdida
Hampton Fancher y Michael Green por Blade Runner 2049
Barry Jenkins por Moonlight

Mejor montaje
Baby Driver
Dunkerque
Jackie
La La Land
madre!

Mejor fotografía
Hoyte van Hoytema por Dunkerque
Roger Deakins por Blade Runner 2049
James Laxton por Moonlight
Linus Sandgren por La La Land
Vittorio Storaro por Wonder Wheel

Mejor diseño de producción
Blade Runner 2049
Dunkerque
La La Land
Wonder Woman
Z, la ciudad perdida

Mejor vestuario
Asesinato en el Orient Express
La bella y la bestia
El gran showman
Jackie
La La Land

Mejor banda sonora instrumental
Nicholas Britell por Moonlight
Andy Hull y Robert McDowell por Swiss Army Man
Mica Levi por Jackie
Dunstin O’Halloran y Volker Bertelmann por Lion
Hans Zimmer por Dunkerque

Mejor compilación de canciones
Baby Driver
Coco
El gran showman
Guardianes de la Galaxia Vol. 2
La La Land

Mejor canción original
”Audition” de La La Land
”A Million Dreams” de El gran showman
”It’s Another Day of Sun” de La La Land
”Remember Me” de Coco
”This Is Me” de El gran showman

Mejores efectos visuales
Blade Runner 2049
Dunkerque
Kong: La isla calavera
La guerra del planeta de los simios
Star Wars: Los últimos Jedi

Mejor película de habla no inglesa
Crudo (Francia)
Muchos hijos, un mono y un castillo (España)
Sólo el fin del mundo (Francia)
Una mujer fantástica (Chile)
Verano 1993 (España)

Mejor película de animación
Batman: La LEGO película
Coco
La tortuga roja
La vida de Calabacín
Your Name

Mejor reparto
Manchester frente al mar
The Meyerowitz Stories
Moonlight
Mudbound
Sólo el fin del mundo

Mejor actor revelación
Lucas Hedges por Manchester frente al mar
Barry Keoughan por El sacrificio de un ciervo sagrado y Dunkerque
Sunny Pawar por Lion
Ashton Sanders por Moonlight
Fionn Whitehead por Dunkerque

Mejor actriz revelación
Laia Artigas por Verano 1993
Garance Marillier por Crudo
Janelle Monáe por Moonlight y Figuras ocultas
Sennia Nanua por Melanie. The Girl with All the Gifts
Daniela Vega por Una mujer extraordinaria

Mejor escena
La pelea en el rellano de Atómica
Rooney Mara se come un pastel en A Ghost Story
El prólogo de La La Land
’A Lovely Night’ de La La Land
Diana cruza las trincheras en Wonder Woman
El final de Z, la ciudad perdida

Premio especial ¿Tanto bombo para esto?
Alien Covenant
Fences
Ghost in the Shell
La Liga de la Justicia

Recuento de premiados

La La Land: Mejor película, premio especial de los seguidores, actriz protagonista (ex aequo), vestuario, compilación de canciones, canción y escena.

Dunkerque: Mejor director, montaje y actor revelación.

Manchester frente al mar: Mejor actor protagonista, actor de reparto y guion original.

Moonlight: Mejor actriz de reparto, guion adaptado y reparto.

Blade Runner 2049: Mejor diseño de producción, fotografía y efectos visuales.

Jackie: Mejor actriz protagonista (ex aequo) y banda sonora instrumental.

Sólo el fin del mundo: Mejor película de habla no inglesa.

Coco: Mejor película de animación.

El sacrificio de un ciervo sagrado: Mejor actor revelación.

Crudo: Mejor actriz revelación.

Ediciones anteriores: 2016, 2015, 2014, 2013, 2012, 2011, 2010, 2009, 2008, 2007

Temporada de melocotones

Dir.: Luca Guadagnino
Int.: Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel, Victoire Du Bois, Vanda Capriolo, Antonio Rimoldi
¿De qué va?: En 1983, Elio es un chaval de 17 años que veranea junto a su familia en una villa al norte de Italia y que ocupa los días leyendo, tocando música clásica y flirteando con una amiga. Pero la monotonía acaba cuando llega a la casa el nuevo ayudante de su padre, Oliver, un americano que trabaja en su doctorado y que cambiará la vida de Elio para siempre.

Reseña:  No hay una época en la vida tan turbulenta y confusa como el despertar sexual. Ese momento de la vida en el que empezamos  a experimentar emociones, sensaciones y pulsiones nunca sentidas y que acabarán por definir en buena medida al adulto en el que nos convertiremos en un futuro cercano. Muchas obras de la literatura, la televisión y el cine han intentado con mayor o menor fortuna plasmar este período definitorio de nuestras vidas, pero pocas veces resultan tan especiales y precisas a la hora de plasmar sus características emociones como en Call Me By Your Name.

El verano transcurre para el joven Elio de forma rutinaria e idílica en un caserón situado en una villa al norte de Italia, junto a unos padres modernos, cultos y políglotas que cada noche invitan amistades a cenar en casa. De repente, llega Oliver, una anomalía con un cuerpo de dios griego que se asemeja al de las esculturas que estudia el padre de Elio. Al principio, el recién llegado actúa con indiferencia ante su joven anfitrión, casi con desdén, pero conforme los gestos, las miradas furtivas, las conversaciones y las excursiones en bici van acercando a ambos, Elio se debate entre contar lo que siente o callarse y seguir flirteando con su amiga francesa… aunque su cabeza se encuentre en otro lado. Sin ninguna prisa, Luca Guadagnino, con la ayuda de James Ivory al guion, va erigiendo la atracción, el deseo y el amor que surge entre Elio y Oliver, reparando en el desconcierto y la agonía que siente el primero al ser para él el descubrimiento del amor, esa primera vez en la que la inexperiencia y la ingenuidad nos conduce a vivir la experiencia de forma más intensa que aquel que ya lleva un buen bagaje a sus espaldas.

Pero Elio no es el clásico chaval retraído y de sexualidad confusa, sino extrovertido, juguetón y decidido a pesar de las dudas que le invaden. Uno de los aspectos más interesantes de la película es que no hay ni un atisbo de culpa o exclusión por tratarse de un romance homosexual, más allá del secretismo que lo rodea, ligado a la intimidad del vínculo que se forja entre Elio y Oliver. La interpretación de Timothée Chalamet es, sin exagerar, un pequeño gran milagro en la forma en la que se desenvuelve y exterioriza el amplio abanico de emociones por las que pasa su personaje; su última escena, de gran complejidad interpretativa, la resuelve de una manera profundamente hermosa, merecedora de todos los premios habidos y por haber. Pero qué sería de él si no existiera el objeto de deseo, un Armie Hammer enormemente cautivador y enigmático, o de los consejos y el apoyo de unos padres tan enrollados y avispados como los que encarnan MIchael Stuhlbarg y Amira Casar.

“Tener el corazón roto es una forma magnífica de comprender el mundo”. Se lo decía Annette Bening a su hijo en 20th Century Women, y algo similar le explica el padre de Elio a este (pero de forma más suave). Porque hay amores que siempre harán que nos duela en el pecho cuando los recordemos, pero es algo tan inevitable como necesario en la construcción de una identidad propia y de una vida plena. Call Me By Your Name se vale de los detalles, de la química de sus actores, de las melancólicas canciones de Sufjan Stevens, de los melocotones, de la humedad y de la urgencia del verano para trazar uno de los romances más sensuales, honestos, dulces y descorazonadores que jamás se hayan visto en una pantalla de cine, con una capacidad empática tan avasalladora, que resultará prácticamente imposible no evocar a nuestro primer amor, o aquel momento en el que fuimos demasiado tontos para confesar nuestros sentimientos hasta que se nos hizo tarde. Deberíamos aprovechar más el tiempo en expresar lo que sentimos y en ver películas como ésta.

9/10

La lucha interminable

Dir.: Robin Campillo
Int.: Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Adèle Haenel, Antoine Reinartz, Ariel Borenstein, Félix Maritaud, Aloïse Sauvage, Simon Bourgade, Médhi Touré
¿De qué va?: En el París de principios de los años 90, un grupo de activistas intenta concienciar a la industria farmacéutica y a la ciudadanía acerca del SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan, se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean, que gasta su último aliento en la lucha.

Reseña: Si bien a día de hoy el SIDA sigue siendo una problemática mundial importante, cinematográficamente hablando parecía un tema agotado debido a la indigestión de melodramas lacrimógenos que sufrimos en los años 90 y 2000; Dallas Buyers Club fue la última película destacable sobre esta temática, y ya han pasado cinco años desde su estreno…. Sin embargo, ha llegado el galo Robin Campillo para demostrar que aún no está todo contado sobre esta terrible enfermedad. 120 pulsaciones por minuto recrea la lucha de un grupo de activistas franceses para suplir los insuficientes esfuerzos por prevenir el SIDA de las autoridades, evitar la exclusión social de las enfermos y ponerle las pilas a las industrias farmacéuticas en la investigación de la cura, todo contado desde una perspectiva cercana e interna. A fin de cuentas, tanto Campillo como su co-guionista, Phillippe Mangeot, fueron activistas en los años en los que se ambienta la película.

La película tiene el poder de colocar al espectador como un integrante más del colectivo agitador, haciéndole partícipe tanto de los actos de manifestación como de las reuniones en las que se debate entre todos las líneas de actuación. El guion y la naturalidad aportada por los intérpretes contribuye a que las discusiones internas resulten pedagógicas y emocionantes, debido a la energía desplegada por su elenco, la precisión y calidad de la información que sale a relucir en las reuniones y lo bien que están fundamentadas y argumentadas todas las posturas contrarias, sin posicionarse nunca, dejando que sea el espectador quien saque sus propias conclusiones… aunque esta vez tampoco nos libremos, ya sea con razón o sin ella, de la imagen preestablecida de los farmacéuticos como ejecutivos estirados a las órdenes del poderoso caballero Don Dinero. Es un poco como The Normal Heart (2014), pero sin el histerismo ni el despliegue de ego actoral de la tv-movie de Ryan Murphy. La película empieza siendo muy coral y de forma paulatina va transformándose en una historia íntima, conforme va ganando minutos en pantalla la historia de amor que se forja entre dos de los integrantes del grupo.

A pesar del derroche de carisma y “riquiñez” de la pareja, formada por Nahuel Pérez Biscayart y Arnaud Valois, su trama no goza del nervio y la frescura que poseía el film en su retrato coral, provocando que la fuerza se diluya un poco al final, cuando se toman los derroteros habitualmente transitados en las películas sobre el SIDA, y tampoco ayuda que el metraje alcance unas excesivas dos horas y veinte de duración. Aún con todo, 120 pulsaciones por minuto sigue siendo bastante mejor que el grueso de films de la misma temática al esquivar la lástima y centrarse en la dignidad de los enfermos, quienes a pesar del miedo y la debilidad que sufren también ríen, lloran, se equivocan, se enfadan y se ponen cachondas como cualquier hijo de vecino. La película de Campillo destaca, no solo por la visión interna que ofrece del movimiento activista, sino también por la cercanía e integridad con la que caracteriza a sus personajes, sin miedo a dejar fuera del encuadre toda la rabia producida por la impotencia de perder amigos en la lucha, ni el sentimiento de derrota al tomar conciencia de que sus muertes sólo formarán parte de una estadística que probablemente no contribuirá a que la situación mejore.

8/10

O.C: El carnaval de las almas (1962)

¿De qué va?: Mary Henry es víctima de un accidente automovilístico; el auto en el que viajaba junto a dos amigas se precipita a un río, pero horas después, Mary aparece sola y desorientada en un banco de arena. Para dejar atrás la tragedia, la joven decide aceptar un trabajo como organista en la iglesia de otra localidad. Sin embargo, encuentra todo a su alrededor bastante extraño, lo que incluye a unos personajes fantasmales que la persiguen durante todo su viaje y su estancia en la nueva ciudad a la que se ha mudado.

Reputación: Película de terror independiente realizada por el cortometrajista e intérprete Herk Harvey, de hecho, fue el único largometraje que llegó a dirigir. Se rodó en tres semanas, con un equipo técnico compuesto por cinco personas y con un presupuesto minúsculo de menos de 17.000 dólares. Se basa en un relato corto de Lucille Fletcher que también fue adaptado para un capítulo de la televisiva The Twilight Zone, con el nombre de The Hich-Hicker, y un argumento más fiel al original. Su estreno cinematográfico fue un fracaso de taquilla, pero sus retransmisiones por televisión en la franja de medianoche contribuyeron a darle un estatus de película de culto, y ha sido influencia confesa en la obra de directores como George A. Romero y David Lynch. El fillm fue el debut de su protagonista, Candance Hilligoss, cuya carrera nunca llegó a despegar; su agente se negó a representarla tras ver la película, y ella intentó sacar adelante una secuela a finales de los 80 escribiendo un borrador del guion que entregó al productor Peter Soby Jr., quien sin embargo, decidió sacar adelante un remake, estrenado en 1998, en el que Hilligoss no participó de modo alguno y que no gustó ni interesó a nadie.

Comentario: Aquellos que nos quedamos muertos (nunca mejor dicho) con la sorpresa final de El sexto sentido no contábamos con el precedente de El carnaval de las almas, un film de terror que casi cuarenta años antes ya había indagado en un mundo sobrenatural con resultado inesperado. La película tiene un considerable encanto serie B, con escenas cómicamente absurdas, como aquella en la que Mary, desorientada, se tropieza con un médico que la lleva a su consulta, al otro lado de la calle, y le ofrece una sesión de terapia al momento. En realidad, que el grueso del metraje se resuma en su protagonista corriendo y gritando asustada mientras la acosan individuos siniestros, llega a resultar un poco cansino, pero afortunadamente, el film contiene detalles e imágenes sugerentes, originales y espeluznantes, que son al fin y al cabo lo que han conseguido que se revalorice con el tiempo; sin ir más lejos, la escena del vals en el carrusel está hecha con el material con el que se fabrican las pesadillas.

Próximo visionado: Érase una vez en América (1984)

Sublevación molotov

Dir.: Martin McDonagh
Int.: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, John Hawkes, Peter Dinklage, Abbie Cornish, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges
¿De qué va?: Después de meses sin que aparezca el culpable de la muerte de su hija, Mildred Hayes decide colocar tres carteles colocados a las afueras de su pueblo con un polémico mensaje dirigido al venerado jefe de policía de la localidad. Cuando su segundo al mando, Dixon, interviene con violencia, la guerra entre Mildred y las fuerzas policiales de Ebbing no hace más que empeorar.

Reseña: A menudo, los estallidos de violencia son consecuencia de la indefensión provocada por las palabras. Palabras hirientes que conforman una verdad dolorosa o una mentira injusta, pero que, al fin y al cabo, pueden resultar más dolorosas que un puñetazo, porque de las heridas físicas nos recuperamos, de las emocionales no. Mildred, hastiada ante la ausencia de respuestas por la violencia muerte de su hija, decide alquilar tres carteles abandonados a las afueras de su pueblo y colocar en ellos tres mensajes con los que volver a colocar el foco de atención sobre su caso sin resolver. Son tres frases directas que no suponen una amenaza o un ataque directo, pero que producen un malestar, una sensación de incomodidad, que acabará provocando un tsunami en el tranquilo pueblo de Ebbing, en Missouri.

Sin embargo, las cosas no resultan tan sencillas como parecen. Pronto descubriremos que ni Mildred es una heroína perfecta ni el jefe de policía un inepto inconsciente. De hecho, entre ambos hay cierta comprensión, pero las circunstancias son las que son y cada uno va a defender su postura hasta las últimas consecuencias. Con su mono y su pañuelo, Frances McDormand parece la recreación en carne y hueso de la mujer que clamaba “We Can Do It!” en el famoso cartel de propagandismo bélico. La señora no se anda con chiquitas a la hora de defender la cruzada que ha iniciado, y aunque cometerá actos brutales y equivocaciones graves, esconde una dulzura proveniente de esa maternidad herida que confiere al personaje matices y contradicciones tan complejos como interesantes, y McDormand los abraza, asimila y exterioriza con una naturalidad y un carisma asombrosos.

Si bien Woody Harrelson está estupendo como el blanco de las acusaciones de Mildred, es Sam Rockwell quien se lleva el pato al agua dando vida a Jason Dixon, el agente de policía al que peor le sienta la aparición de los anuncios. Dixon es un gañán, violento, racista y acomplejado por su madre cuya mente cuadriculada empezará a transformarse a partir de uno de los muchos e impactantes giros de los que goza la historia. La evolución que experimenta es emocionante, y demasiado grande para tratarse un personaje secundario, pero está perfectamente definida y plasmada gracias a la labor conjunta de Martin McDonagh al guion y a la de un Rockwell en estado de gracia. No es un falso actor de reparto, pero sí que tiene más presencia e importancia que el resto del elenco, todos acertadísimos en sus respectivos roles en la trama.

Tres anuncios en las afueras es un western moderno, una comedia negra, un drama intimista y un thriller imprevisible. Funciona de forma magistral en todos sus variantes, dando como resultado una película divertidísima, triste, ácida, tierna y sorprendente. Es capaz de arrancarte una carcajada y quitártela en cuestión de segundos con un puñetazo en el estómago. Martin McDonagh nos enganchó a todos con la amarga y tragicómica Escondidos en Brujas y aquí nos termina de cautivar con una historia que tiene mucho de oficio y de rabia y poco de complaciente. Porque no todas las cruzadas terminan con un final, aun menos feliz, pero pueden derivar en otras que puedan traer algo de paz a las almas torturadas cuando resulta imposible hacer las paces con el pasado y hacer borrón y cuenta nueva.

9/10

Reina de Espadas

Dir.: Aaron Sorkin
Int.: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Coster, Michael Cera, Jeremy Strong, Chris O’Dowd, J.C. MacKenzie, Brian d’Arcy James, Bill Camp, Justin Kirk
¿De que va?: Después de verse obligada a abandonar el esquí profesional, Molly Bloom decide mudarse a Los Ángeles, donde por un cúmulo de casualidades, termina organizando las más exclusivas apuestas de póker clandestinas, en las que participan desde estrellas de Hollywood hasta mafiosos rusos. Durante una década es la impulsora de este imperio de partidas de póker, hasta que el FBI la empieza a investigar por sus conexiones con el crimen.

Reseña: Si bien siempre se ha dicho que los mejores directores son aquellos que tienen una impronta tan personal que puedes reconocer sus películas sin conocer de antemano su autoría, creo que tiene aún más mérito si cabe cuando sucede lo mismo con los guionistas. Aunque tampoco tenga que ser algo particularmente bueno, porque hay veces que acaba imponiéndose el ego del autor a las necesidades de la historia, sí que es meritorio reconocer a alguien por su escritura en un esfuerzo conjunto como es una obra audiovisual. Aaron Sorkin es uno de los guionistas más prestigiosos y reconocibles tanto del cine como de la televisión; su agilidad a la hora de crear diálogos, réplicas y discursos veloces, precisos e intelectuales sin caer en la pedantería empezaron a hacerse célebres con El ala oeste de la Casa Blanca, y llegaron a ser reconocidos con un Oscar gracias al guion de La red social.

Tras escribir cuatro guiones cinematográficos, Sorkin ha decidido encargarse él mismo de llevar a la gran pantalla el quinto, siendo Molly’s Game su debut como director. La adaptación cinematográfica del libro de memorias de la ex-organizadora de timbas de póker Molly Bloom arranca con un prólogo/disección del acontecimiento por el que la vida de la muchacha cambió para siempre que es puro Sorkin, una narración en off veloz y meticulosa en cuanto al suministro de información que ofrece. Es esa obsesión por el detalle lo que provocará que, tras una hora y pico de metraje, nos empiece a doler un poco la cabeza ante toda la cantidad de datos que recibimos acerca de la organización de las partidas de póker y las jugadas que acabarán siendo claves para el devenir del negocio de Molly. Si bien esa es la parte negativa del estilo Sorkin, la buena lo compensa con una calidad del guion que está por encima de la media y que contiene numerosos momentos en los que los actores pueden lucirse como pocas veces lo han hecho.

Jessica Chastain suaviza el tono de su voz para dar vida a Molly Bloom, recitando cada diálogo con oficio y convicción, sin dejarse intimidar por la palabrería de Sorkin, al contrario, creciéndose con cada recital y gozando de cada duelo que mantiene con sus principales compañeros de reparto, Idris Elba y Kevin Costner, quienes también gozan de un par de escenas con las que venirse arriba. Sorkin evita algunos de los puntos más controvertidos de la historia de Molly, como la identidad de las celebridades más asiduas a las apuestas de póker, algo que es simbolizado con la curiosa participación de Michael Cera, pero la obvia admiración que siente hacia su heroína hace que a veces preste más atención de la necesaria a su aparente nobleza. El Sorkin director aún no tiene una personalidad tan arrolladora como el Sorkin guionista, y aunque las vivencias de Molly Bloom no tengan tanta chicha como las de Mark Zuckenberg o Steve Jobs, su ópera prima es sólida, robusta y oportuna por contener un mensaje feminista en estos tiempos en los que la cosificación sexual está más que nunca en el punto de mira, y sin ser discursiva o aleccionadora en este aspecto; una película protagonizada por una mujer que no tenga intereses románticos y en la que la cámara no se recree en su físico, aun siendo imponente, puede resultar más revolucionario de lo que parece.

7’5/10

El irresistible encanto de lo cutre

Dir.: James Franco
Dir.: James Franco, Dave Franco, Seth Rogen, Alison Brie, Ari Graynor, Jackie Weaver, Paul Scheer, Josh Hutcherson, Megan Mullally, Jason Mantzoukas
¿De qué va?: Cuando Greg Sestero, un aspirante a actor, conoce al extraño y misterioso Tommy Wiseau en una clase de interpretación, entablan una amistad única y se mudan a Hollywood para convertir sus sueños en realidad. Al ver que demostrar su talento es una tarea muy complicada, deciden hacer su propia película.

Reseña: Hay expresiones artísticas que, a pesar de ser auténticas chapuzas, tienen algo que nos seducen. Pero eso no sucede de forma intencionada, sino que se produce de forma natural, se tiene o no se tiene. Miren sin ir más lejos la restauración del Ecce Homo. La señora lo hizo con toda su buena voluntad, y aunque el resultado fue una abominación, acarreó una fama mundial para su su pueblo y su iglesia inimaginable de cualquier otra forma. Porque hay veces que el empeño suple con creces la ausencia de talento y oficio. Así lo certifica James Franco en The Disaster Artist, comedia que recrea las circunstancias en las que se rodó The Room, considerada como una de las peores películas jamás rodadas.

Franco y los guionistas Scott Neustadter y  Michael H. Weber (los de (500) días juntos), toman la figura de Tommy Wiseau, una suerte de Ed Wood del siglo XXI, y como ya hizo Tim Burton en el biopic sobre el director de Plan 9 del espacio exterior, lo abordan desde el cariño y de la admiración que se puede llegar a sentir con alguien tan desconectado de la realidad como enamorado de la idea de convertirse en una estrella sin tener ni idea de interpretación, de cine ni de la industria audiovisual. No obstante, The Disaster Artist no se revela como un homenaje al cine cutre hasta el final, siendo ante todo la historia de amistad entre Tommy Wiseau y Greg Sestero, encarnados respectivamente por los hermanos James y Dave Franco. Este bromance no dista demasiado de las comedias sobre Peter Panes modernos que se pusieron de moda hace unos años gracias a Judd Apatow (Virgen a los 40, Superfumados, Paso de ti...), en los que la amistad masculina se sitúa por encima de cualquier mujer o atisbo de madurez… aunque uno tenga que acabar asumiendo que su colega del alma no está bien de la cabeza y que supone un impedimento para avanzar en la vida.

Porque por mucho que James Franco no quiera ridiculizar a su héroe particular, en ningún momento disimula el comportamiento errático que tuvo el director/actor/guionista durante el rodaje de su película, lo cual también permite a Franco ofrecer no solo un trabajo de caracterización mimético (lo que hace con la voz es desternillante) sino sacar adelante una de las interpretaciones más divertidas del cine reciente. Claro que el alcance de la broma tiene un límite, y se encuentra en el conocimiento previo o interés que se pueda tener acerca de la película que lo empezó todo. Porque si no se ha visto The Room, o al menos sus momentazos vía Youtube, o simplemente no se siente una especial curiosidad por este tipo de cine de culto extravagante, la película pierde enteros, al depender exclusivamente del atractivo que pueda suscitar un personaje tan bizarro y censurable  como Tommy Wiseau, cuyos misterios y secretos se mantienen en secreto para no desmontar ese extraño misticismo que hay montado en torno a él. Aunque, como bien se demuestra con la larga lista de cameos de celebridades de la que goza la película, personajes así, que parecen venidos de otro planeta, como el propio James Franco en muchos momentos (¿recuerdan la debacle de su labor presentando los Oscar?) son capaces de despertar una simpatía que otros con más talento y el mismo ego no pueden aunque se esfuercen. Al final, siempre nos ponemos de parte de los perdedores, de aquellos que, a diferencia de nosotros, no tienen miedo a hacer el ridículo, aunque lo hagan con creces, y por eso es inevitable que acabemos de ver The Disaster Artist sin imitar eso de “I did not hit her! I did noooooot. Oh, hi Mark!”.

7’5/10