Paca de España

Creadores: Javier Calvo, Javier Ambrossi
Int.: Brays Efe, Belén Cuesta, Lidia San José, Álex de Lucas, Mariona Terés
Emisión: 2016 – ¿?, Flooxer
1 temporada

Yo no veo series españolas, y tengo tres razones de peso que respaldan mi postura: la primera, el trato injusto por parte de las cadenas de televisión a sus propias producciones, cambiándolas de día de emisión sin ton ni son para fastidiar a la cadena rival, cuando no las cancelan a la primera de cambios si las audiencias no cumplen sus altas expectativas. El segundo es la excesiva duración de los capítulos con tal de alargar el prime time, dilatando en exceso las tramas y acabando a las tantas de la noche dadas las interminables pausas publicitarias. Y el tercero es el ansia de las cadenas por abarcar todos los tipos de público posibles, de ahí la saturación de series de corte familiar con personajes con los que, teóricamente, todos podemos sentirnos identificados, y que acaban convirtiéndose en un cajón desastre de lugares comunes y humor blanco. Afortunadamente, en los últimos años parece que la cosa está cambiando gracias a series como El Ministerio del Tiempo (mi asignatura pendiente) o la ya cancelada De vis a vis, pero si hay una serie que ha conseguido engancharme dando la vuelta a mis prejuicios hacia la ficción televisiva nacional, esa es Paquita Salas.

Paquita Salas se emite en Flooxer, plataforma de visionado streaming de Atresmedia, cada capítulo dura unos 25 minutos, no tiene pausas publicitarias y no se parece a nada de lo que se hace en la televisión de España. Si nos ponemos a buscar referentes internacionales, el primero que se me viene a la mente es The Comeback, la fantástica serie de la HBO protagonizada por Lisa Kudrow, pues su Valerie Cherish haría muy buenas migas con Paquita… o se acabarían tirando de los pelos. A esto esto, Paquita es una veterana representante de actores que se ha quedado anclada en los años 90 cuya agencia, PS Management (pronunciado tal cual), no esté pasando por su mejor momento, de ahí que Paquita y su ayudante, Magüi, intenten mantenerse a flote buscando a un intérprete con talento y versatilidad, o como Paquita lo llama, “actor/actriz 360”, una definición que ya ha quedado para la posteridad.

Rodada al estilo falso documental de Parks and Recreation, Modern Family o la mencionada The Comeback, Paquita Salas sigue los pasos de un personaje que nos engancha desde el primer minuto de su primer capítulo, donde ya se le define a la perfección: como señora de pueblo un poco vendemotos, anticuada, cotorra, fantasiosa y glotona que es, Paquita está hecha de la misma pasta que la España castiza, y por eso nos resulta tan reconocible, mientras que su carisma viene tanto de la hilarante interpretación de Brays Efe como de su autoconsciencia paródica. No exagero si digo que su segundo capítulo, Actriz 360, es uno de los vehículos cómicos mejor engrasados de la ficción mundial de este año. La “caza” iniciada por Paquita y Magüi, a la que da vida Belén Cuesta confirmándose tras Kiki. El amor se hace como una de las actrices cómicas con mayor proyección de nuestro país, es aprovechado para lanzar dardos envenados a la industria cultural y televisiva española; se nota que sus creadores, Javier Ambrossi y Javier Calvo, saben mucho de su funcionamiento interno, además de contar con muy buenos referentes televisivos.

Pero aparte de la ristra de cualidades anteriormente mencionada, Paquita también tiene buen corazón, y por tanto, la serie tiene tantas risas con mala uva como momentos emotivos, y no siempre están bien compensados. De los cinco capítulos en los que consta la primera temporada, el segundo y el cuarto son los más equilibrados en este aspecto, mientras que, por el contrario, el último es una especie de epílogo demasiado almibarado que cierra la serie, al menos de momento, de forma complaciente. Ante todo, Paquita Salas es un soplo de aire fresco, una serie que desborda carisma gracias al ingenio de los guiones, a las amplias dotes cómicas de su reparto y a la complicidad de las caras conocidas que hacen cameos o se interpretan a sí mismos (¡muy grande Lidia San José!). No sabemos cuándo volverá Paquita, ni si el furor que ha despertado, especialmente en la red, le vaya a facilitar un espacio en la televisión tradicional, pero sí que podemos estar seguros de una cosa: nosotros somos contingentes, pero Paquita Salas es necesaria.

Legado emocional

Dir.: Ira Sachs
Int.: Theo Taplitz, Michael Barbieri, Greg Kinnear, Paulina García, Jennifer Ehle, Alfred Molina, Talia Balsman, Clare Foley
¿De qué va?: Jake es un joven de 13 años que acaba de perder a su abuelo, por eso, su familia se traslada a la casa que el anciano tenía en Brooklyn. Allí Jake entablará amistad con Tony, hijo de una inmigrante chilena que tiene una tienda en la planta de abajo del edificio. El problema vendrá cuando los padres de los chicos empiecen a discutir por el alquiler del local.

Reseña: La situación con la que arranca el último film de Ira Sachs remite a su título original, Little Men, y a todos nuestras infancias, a aquella vez en la que se murió un ser querido y no nos lo decían, creyendo que los niños encajan peor la pérdida que los adultos, cuando en realidad son esos hombrecitos y mujercitas los que suelen demuestran una mayor entereza que sus mayores. Verano en Brooklyn es, al igual que el anterior film de Sachs, El amor es extraño, una historia pequeña y cotidiana que no fuerza ni el drama ni la comedia y que, en líneas generales, parece no contar nada ante la ausencia de grandilocuencia y catarsis, porque todo su contenido y sus lecturas se trasmiten a través de matices, gestos y detalles aparentemente anodinos.

La película se centra en la amistad honesta, sencilla y limpia que se crea entre dos niños a las puertas de la adolescencia, así como en su reacción al conflicto que se produce entre sus progenitores. Un conflicto tan sencillo como imposible de solucionar sin que una de las partes salga perjudicada: el aumento del precio de alquiler de un local que no puede asumir la actual arrendataria, pero sin el cual la familia propietaria no podría subsistir. Ninguna de las partes tiene la razón absoluta, ambos exponen sus argumentos, pero también se muestran mezquinos a la hora de intentar doblegar la postura del contrario. Aunque son los niños los que quieren revertir la situación haciendo un pacto de silencio, serán ellos los que acaben viéndose afectados, por algo que podría considerarse ley de vida: la transmisión de valores, miedos, prejuicios, tabúes, etcétera, que se transmiten de generación en generación. La metáfora perfecta es recreada en una discoteca que abre en horario infantil para que los chavales vayan a recrear las conductas sociales que asumirán, ya con alcohol mediante, en los años venideros.

Reforzada por una duración muy ajustada y unas interpretaciones estupendas, entre las que destaca el joven Michael Barbieri (toda una revelación) y el aplomo de Paulina García, felizmente alejada del arquetipo del inmigrante latino en Estados Unidos, Verano en Brooklyn es el vehículo tremendamente natural y realista con el que Sachs expone su tesis de que hacerse mayor implica dejar atrás la pureza, la sencillez y el optimismo de la niñez para abrazar la torpeza emocional de los adultos. Consiste en darse cuenta que alcanzar los sueños y planes de futuro no será tan fácil como creíamos, que la vida no es justa y que todos no somos iguales ni tenemos las mismas oportunidades a nuestro alcance. Que seamos capaces o no de revertir esa situación para que no nos convirtamos en unos miserables lo dejamos para otra película.

7/10

Belleza efímera

Basada en uno de los grandes clásicos de la literatura escocesa, Sunset Song se sitúa en pleno siglo XX y sigue la evolución a lo largo de los años de Chris, la hija mayor de una familia de granjeros que aprende a ser autosuficiente y a vivir el amor sin permitir que éste le anule como persona. Su crecimiento se sucede al igual que los cambios de estación, de forma sutilmente gradual, sin brusquedad. Su historia es empoderamiento femenino en tiempos en los que tal cosa ni siquiera existía. El director, Terence Davies, que tiene ahora en cartelera Historia de una pasión, huye de los ornamentos típicos del melodrama de época clásico, impidiendo que el vestuario, la banda sonora o la ambientación desvíen la atención de lo que considera más importante: el crecimiento vital de Chris y su fuerte vínculo con la naturaleza que le rodea.

“Sólo la tierra perdura. El mar, el aire y la gente son sólo un suspiro.” Esta frase sintetiza a la perfección la consigna del film: las personas van y vienen en la vida de Chris, mientras los tiempos convulsos, los felices y la guerra son finitos, se van de la misma forma que llegaron, sin previo aviso, elípticos, mientras que esta mujer está en cierta manera anclada a su tierra, a su granja, experimentando en su propia piel todo lo que sucede a su alrededor, pero permaneciendo inamovible. La interpretación de la desconocida Agyness Deyn aporta serenidad, entereza y emoción al personaje de Chris, quien sólo busca la felicidad al lado de su amado Ewan (Kevin Guthrie), si bien la guerra y la presión social y eclesiástica acabará interponiéndose entre los amantes. El radical cambio de carácter que experimenta Ewan a su vuelta del frente es el único elemento brusco y maniqueo de un relato que hasta entonces había destacado por la naturalidad con la que se concatenaban los acontecimientos.

En Sunset Song están varias de las improntas del cine de Terence Davies: una hermosa fotografía cuya luz baña los escenarios como si de un cuadro barroco se tratase, los cánticos colectivos como aliento en los momentos difíciles, una mujer que se enfrenta al patriarcado casi sin pretenderlo, un romance condenado a la tragedia… y un ritmo pausado pero firme que espantará a los más impacientes. Es el melodrama de época que haría Terrence Malick si no se lo hubiera tragado ese pozo onanista y new-age en el que se encuentra.

7/10

Poeta a la fuga

Dir.: Pablo Larraín
Int.: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Pablo Derquei, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell
¿De qué va?: En 1948, el senador Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. En consecuencia, el presidente González Videla ordena su captura, obligando al poeta a pasar a la clandestinidad y planear su huida del país junto a su esposa. Desde sus escondites, Neruda aprovecha su vida de fugitivo para inspirarse y escribir el Canto General.

Reseña: Tras alcanzar el reconocimiento mundial y justo antes de desembarcar en Estados Unidos, Pablo Larraín se atreve con una de las figuras más importantes de la cultura y la política chilena: su tocayo, Neruda. Si ya de por sí abordar un personaje tan emblemático es ambicioso, la forma en la que lo ha hecho Larraín lo es aún más, pues, en vez de utilizar el molde de biopic clásico, toma un episodio concreto de su vida, el exilio, y trastoca la realidad para indagar no tanto en los acontecimientos históricos como en la esencia del espíritu y la obra del poeta y político.

Con maneras de thriller policíaco, el género favorito de Neruda, la película se construye en torno al juego del ratón y el gato al que juegan el fugitivo y el detective al que le han asignado su captura, el cual, a través de la voz en off limpia y melosa de Gael García Bernal en una de sus mejores y más enigmáticas interpretaciones, da cuenta del desprecio  (¿y tal vez admiración?) que profesa hacia su objetivo y a todo lo que éste representa. El guion de Guillermo Calderón (también autor del anterior y notable film de Larraín, El club) saca todo el jugo de las diferentes situaciones que plantea la historia, siendo a través de ellas por las que logramos comprender el carácter de Neruda, su proceso de creación, por qué fue tan importante para el pueblo de Chile o la agitada situación política del país. Sin embargo, lejos de dignificar al poeta, encarnado con suma precisión por Luis Gnecco, contiene algunas secuencias en las que pone en evidencia tanto sus contradicciones y claroscuros como los del comunismo que él defendía, siempre con el humor irónico como compañía.

Cuando la persecución llega a su tramo final, la fotografía de Sergio Amstrong realza la belleza natural de los paisajes naturales chilenos mientras la dualidad establecida entre perseguidor y perseguido cobra tintes metafísicos, cambiando el escenario policíaco por el western. Este tercer acto resulta más pretencioso, pero no tan interesante y sugestivo como la radiografía de la sociedad chilena anteriormente expuesta, aunque cierra con belleza y poesía la carta de amor que le ha escrito Pablo Larraín a su país, finiquitando el tipo de película que le habría gustado rodar al propio Neruda sobre su vida y obra: lírica, inconformista, fracturada, abstracta, cultivada, jocosa, apasionada y hermosa.

7/10

Próxima estación: la sobremesa

Dir.: Tate Taylor
Int.: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Luke Evans, Justin Theroux, Edgar Ramírez, Allison Janney, Lisa Kudrow, Laura Prepon
¿De qué va?: Rachel es una mujer devastada tras su divorcio que dedica cada viaje en tren matutino a fantasear con la idílica vida de una pareja que vive en una casa que se encuentra frente a las vías del ferrocarril. Pero una mañana, Rachel es testigo desde la ventanilla del tren de un suceso inusual que desembocará en un misterio en el que ella se verá envuelta.

Reseña: Los dos principales cambios que se han producido en la traslación al cine del best-seller de Paula Hawkings son el peso corporal de la protagonista, que sigue siendo alcohólica pero ya no está gorda, y que la acción pasa de ambientarse en Londres a Nueva York. El cambio de localización no tiene importancia más allá de lo meramente anecdótico, pero lo anterior demuestra que en Hollywood consideran que el sobrepeso no sienta bien de protagonista a menos que te llames Melissa MacCarthy y estés haciendo una comedia. Por lo demás, la adaptación es tan literal que satisfará a aquellos que consideran que una buena adaptación sólo es posible si no se cambia absolutamente nada, sin olvidar la recreación de sus momentos favoritos de la novela, pero aquellos que hayan quedado insatisfechos con la fuente literaria comprobarán que hasta sus flaquezas se han trasladado a la gran pantalla.

La chica del tren, tanto la novela como la película, intenta emular a Perdida (Gone Girl) con su juego de apariencias engañosas y su deconstrucción de las relaciones de pareja, pero la aspiración le viene demasiado grande. Ninguna de las tres protagonistas femeninas resulta tan compleja y fascinante como la ya mítica Asombrosa Amy, y tanto su dependencia de los hombres como su tendencia a pelearse entre ellas se traducen en machismo rancio. La buena noticia es que, en la película, el conservadurismo latente no resulta tan obvio como en el libro, donde los pensamientos de las tres mujeres descritos en primera persona nos sacaban los colores en más de una ocasión. De hecho, el personaje de Anna (Rebecca Ferguson) resultaba bastante más odioso en el texto que en imágenes, aunque por la contra, la superficial descripción de los personajes provoca que algunos de sus actos nos resulten un tanto incomprensibles, especialmente para aquellos que no hayan leído el susodicho best-seller.

La fotografía, la banda sonora y las localizaciones nos remiten también a Perdida. Sin embargo, Tate Taylor no es David Fincher, ni mucho menos, y esto se demuestra esencialmente en el momento en el que se resuelve el misterio: mientras que en aquel lo hacía en un asfixiante clímax con un prodigioso trabajo de edición, aquí dedican unos veinte minutos para que los distintos personajes lleguen a la misma conclusión, una supuesta revelación sorprendente que el espectador ya se ha imaginado media hora antes, mientras que todo lo que viene a continuación recalca el espíritu de “thriller de sobremesa” que sobrevuela durante todo el metraje. Lo que sí destaca para bien es el trabajo de su plantel de actrices, liderado por una convincente Emily Blunt que saca fuerza de un personaje demasiado lastimero, si bien quien da la campanada es Haley Bennett, que consigue que su interpretación sea memorable más allá de su evidente parecido físico con Jennifer Lawrence. En cuanto a los actores, Luke Evans, Justin Theroux y un Edgar Ramírez de nacionalidad confusa, están todos a por uvas.

Muchos de los espectadores que busquen saciar su apetito por un thriller adulto, oscuro y sexy se sentirán un tanto decepcionados con La chica del tren, que promete un gran misterio que no hay y que tarda en resolverse el tiempo que la protagonista se dedica a intentar clarificar las lagunas de su memoria. No aburre, pero tampoco entusiasma, dada la escasa chicha de unos personajes obsesionados con el amor verdadero, la procreación, el matrimonio y cotillear lo que hace el vecino, en una sintonía al más puro estilo Los hombres son de Marte, las mujeres son de Venus. Será mejor que nos bajemos en la próxima parada.

5/10

O.C: La historia interminable (1984)

¿De qué va?: Bastian es un niño de 10 años que huye de la soledad y el acoso escolar que sufre refugiándose en la literatura. Un día, se topa con un enigmático libro titulado La historia interminable que relata la paulatina destrucción del Reino de Fantasía. A medida que avanza en la lectura, Bastian se percata de que quizás sea él mismo la clave para conseguir que la historia tenga un final feliz.

Reputación: Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Michael Ende, la película fue una coproducción entre Estados Unidos y Alemania Occidental dirigida por Wolfgang Petersen. El film sólo abarca la primera mitad del libro, pero su autor quedó bastante descontento con el guion, por lo que mandó a retirar su nombre de los créditos iniciales, siendo tan sólo discretamente mencionado en los finales. También pidió cambiar el título del film o directamente cancelar su producción, y como los productores rechazaron ambas propuestas, presentó una demanda judicial que terminaría perdiendo. Curiosamente, en la versión alemana, que fue un enorme éxito de taquilla en el país, no suena ni su famosa canción ni los elementos techno-pop añadidos por Giorgio Moroder, tan sólo la partitura orquestal compuesta por Klaus Doldinger. El film contó con dos secuelas, La historia interminable 2. El siguiente capítulo (1990) y Las aventuras de Bastian. La historia interminable 3 (1994), pero ninguna gustó tanto como su predecesora. El Auryn original que porta Noah Hathaway (Atretyu) se encuentra actualmente en un tarro de cristal en el despacho de Steven Spielberg, gran fan de la película.

Comentario: Han pasado 34 años desde el estreno de La historia interminable y puede que la película haya quedado un tanta desfasada para las nuevas generaciones que demandan batallas campales y espectacularidad CGI en las películas de fantasía, pero el film de Petersen siempre será uno de los grandes referentes del género por diversas razones: un genuino sentido de la aventura, personajes entrañables y mágicos (¿acaso alguien no ha soñado con volar sobre el lomo de Fujur?), su capacidad de asombro, sus agallas para incluir momentos realmente duros y traumáticos (todos sabemos a cuál me refiero), el inspirador y pegadizo tema principal de su banda sonora, y un hermoso tributo final al poder de la imaginación, a la literatura y los lectores, pues ellos son los únicos capaces de hacer que los libros cobren vida y cumplan con su cometido. Leer es un placer, y esta película también. Por cierto, el próximo 29 de noviembre saldrá a la venta una completa edición especial en blu-ray de auténtico lujo.

Próximo visionado: El cebo (1958)

El espía converso

Dir.: Oliver Stone
Int.: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Scott Eastwood, Timothy Olyphant
¿De qué va?: Aprovechándose del acceso a información privilegiada que tenía por haber trabajado para la CIA y la NSA, Edward Snowden filtró a la prensa documentos que demostraban el espionaje masivo que realizaba el gobierno de Estados Unidos en todo el mundo. Al tomar esta iniciativa, Snowden era plenamente consciente que se cerrarían las puertas de su propio futuro, renunciando a su carrera, a su novia de toda la vida, y a su patria.

Reseña: Aunque en su momento copó todos los titulares del mundo, es sorprendente la cantidad de gente que no sabe muy bien ni quién es Edward Snowden ni la relevancia del escándalo que destapó. Esa es la misma gente que no se ha sentado a ver Citizenfour, el oscarizado documental de Laura Poitras que recoge todo el proceso que llevó a cabo el joven consultor tecnológico para filtrar los documentos secretos de la NSA y evitar ser capturado por las autoridades norteamericanas, difuminando así la barrera que separa la realidad y el thriller. Por ello, la película que ha realizado Oliver Stone en torno a la figura de Snowden es más necesaria de lo que parece, porque puede hacer llegar su historia a un público más amplio, aunque, vista la taquilla que está haciendo, no parece que vaya a tener demasiado impacto de todas formas.

Stone utiliza la realización del documental como columna vertebral de la historia, complementando al film de Poitras (Melissa Leo en la ficción) con información que se quedó fuera de su foco: si Citizenfour se centraba en el testimonio del informante, la filtración de los documentos y su posterior huida, Snowden asume maneras de biopic exponiendo el progreso profesional del protagonista dentro de las agencias de la CIA y la NSA, y cómo afectó su exigente y moralmente cuestionable trabajo a la relación con su novia. La película explica de forma más clara y didáctica que el documental la forma en la que operan los programas de vigilancia y espionaje, puesto que aquel se enmarañaba demasiado en los datos y la jerga informática. Lástima que sea lo único en lo que la película sale victoriosa, ya que el resto palidece en comparación con el susodicho documental. Stone hace una recreación de la vida de Snowden que no se siente especialmente verídica al no distanciarse demasiado del modelo estándar de biopic hollywoodiense; véase la escena en la que el protagonista demuestra su talento frente al ordenador al superar una prueba de su formación en tiempo récord.

Pero la peor parte llega a través de la subtrama que concierte a la relación de Snowden con su novia (Shailene Woodley), plagada de clichés y rematadamente cursi (esa escena de despedida en una playa de Hawái…); se supone que esa relación fue clave en la difícil decisión que tomó el presunto traidor, pero el punto de inflexión es tan de manual que cuesta creérselo. A Oliver Stone, que siempre ha sido muy crítico con el gobierno estadounidense, se le nota a la legua la profunda admiración que siente por el informador, así que en vez de indagar en los claroscuros del personaje y asentar las bases para un debate sobre la legitimidad de sus actos, opta por la admiración y la idolatría sin cortapisas en los últimos compases del film, aunque no deja de ser curioso que esta sea probablemente la primera película norteamericana que no exhiba una imagen amable del presidente Obama.

Snowden es más valiosa por la naturaleza de lo que cuenta que por cómo lo cuenta. A pesar del compromiso y el esfuerzo de un Joseph Gordon-Levitt que se mimetiza con el personaje que interpreta, respaldado por un elenco resultón, cualquiera que haya visto previamente Citizenfour no encontrará demasiados acicates ante las escasas novedades de relevancia que ofrece esta película. Aquellos que desconozcan el documental serán quienes mayor partido le saquen, experimentando por primera vez la paranoia que producen las revelaciones del informador… aunque todo apunte a que nuestros hábitos tecnológicos no cambiarán demasiado, permitiendo que el espionaje masivo siga su curso.

6/10