The Other Fanboy Blog

Actor del mes: Michael Fassbender

2012-02-01T14:16:00.001Z

Nombre completo: Michael Fassbender

Fecha de nacimiento: 2 de abril de 1977

Lugar de nacimiento: Heidelberg, Baden-Württember (Alemania)

Filmografía destacada:

Twelve Years a Slave (2013)
Prometheus (2012)
Haywire (2011)

Shame (2011)
Jane Eyre (2011)
Un método peligroso (2011)
X-Men: Primera generación (2011)
Jonah Hex (2010)
Centurión (2010)
Malditos bastardos (2009)
Fish Tank (2009)
Eden Lake (2008)
Hunger (2008)
Angel (2007)
300 (2006)
Hermanos de sangre (TV) (2001)

Méritos: Ha sido uno de los grandes ausentes en las nominaciones a los Oscar que se dieron a conocer la semana pasada, y sin embargo, no nos ha pillado por sorpresa. Hace unas semanas corrió el rumor por la red de que Shame no había gustado nada en los pases privados para la Academia, una institución que quizás sigue siendo lo bastante conservadora como para no premiar una película sobre la adicción al sexo y una interpretación de la que se ha bromeado mucho por una ya célebre escena de desnudo integral. Y aun con el desaire de los Oscar, Michael Fassbender continúa siendo el actor del momento.

Prueba de ello es la popularidad y el prestigio que ganó el actor irlandés de ascendencia alemana durante el 2011, tras demostrar que puede ser tan buen galán de época (Jane Eyre, Un método peligroso) como mutante (X-Men: Primera generación), además de haber recibido la Copa Volpi a mejor actor en el Festival de Cine de Venecia por su muy comentada actuación en Shame. El mes que viene lo veremos recibiendo una paliza por parte de Gina Carano en Haywire, thriller de acción dirigido por Steven Soderbergh, y el próximo verano convertido en un cyborg en Prometheus, la muy esperada ‘precuela-pero-no’ de Alien. Con la trayectoria que lleva, los Oscar no podrán seguir ignorándolo por mucho más tiempo.

Extras:

Tráiler de Shame

Tráiler de Haywire

Teaser de Prometheus

Entrevista sobre Un método peligroso

Recogiendo la Copa Volpi a mejor actor en Venecia

Members Only: Adivinando penes de actores

El rincón de Chechu: Anda, alégrame el día

2012-01-31T19:44:00.000Z

¿Saben lo que es una ventana? Sé que sí, pero voy a explicárselo escribiendo. Una ventana es una abertura en la pared que aporta luz al interior de una construcción. Suele estar cubierta con cristal, y tiene diversos mecanismos de apertura. De arriba abajo, de un lado al otro, igual que una puerta, hacia dentro o hacia fuera. Pero concretemos en esta que tengo yo enfrente, por ejemplo. Ésta es rectangular y tiene los bordes blancos. Se abre con una manilla del mismo color. Y por fuera se ve una persiana a medio bajar. Así es mi ventana. Normal y sencilla.

Sobre mi mesa hay, por este orden, de izquierda a derecha: una cartera de cuero negro; un teléfono móvil, también negro; unas llaves, tres, para ser exactos; un disco duro externo con los bordes rojos —también es negro, quizá soy un pesimista y no me había dado cuenta—; una pitillera plateada que me regaló mi hermano; un paquete de tabaco de liar, marca Orígenes; un recibo de correos; una taza de Nueva York con bolígrafos; mi ordenador; mis manos que se mueven sobre el teclado; una botella de Coca Cola Zero rellena de agua y sin etiqueta; un cenicero con cuatro colillas; una petaca y varios libros.

En la pared blanca, sobre mi pantalla, cuelga un póster de la cara de Vito Corleone en El padrino, estilo Pop-Art, en negros, blancos y fucsia. En el resto de mi habitación están la cama, otra mesa, una estantería, tres sillas y un armario. Hay una televisión colgada en una de las paredes y más cuadros. Ahora estoy sentado aquí, escribiendo mi artículo de hoy, dándome prisa porque tengo que ponerme a estudiar. Mis compañeros de piso andan a lo suyo, como yo. Y en mi cocina hay mucho desorden.

Esto no es una crítica. Ni un artículo normal. La crítica la tendrán en unos días en este blog, firmada por mi amigo Blanch, y mi artículo normal el martes siguiente. Ayer fuimos a ver J. Edgar, la nueva película de El sargento de hierro. Y bueno. Qué decir. Lo único positivo que se me ocurre es que al final —muy al final, no se vayan a pensar—, acaba. Yo pensé que después del truño de Más allá de la vida, que me provocó sonoras carcajadas de espanto en el cine el año pasado, el gran Clint Eastwood iba a volver a lo que siempre ha sido: un cineasta genial e incomparable, capaz de rodar obras como Los puentes de Madison, Sin perdón, Mystic River o Gran Torino. Pero ‘chiquita desepsión’, como diría mi tinerfeño Fanboy.

J. Edgar no es un biopic, ni es una historia de amor, ni es un documental, ni es una trama judicial, ni es nada. Es toneladas de maquillaje ridículo, toneladas de palabras y toneladas de aburrimiento, sueño, bostezos y resignación. Cómo ha llegado a este punto Clint. Les juro que pensé que lo del desastre tsunaminero del año pasado había sido un patinazo, ya saben, presiones de productoras, necesidad de pasta, mala elección de un guion, en fin, esas cosas. Porque lo que no se puede hacer a estas alturas es dudar del talento de William Munny. Es, y siempre lo ha demostrado, un coloso del cine.

Sin embargo, todo cambia y el tiempo pasa, y las ideas se acaban o se transforman, que es peor y más doloroso. J. Edgar está llena de errores, y no sé por dónde empezar. Quizá Blanch los escriba, o los pase por alto, así que tampoco voy a romperme demasiado la cabeza. Narrada a saltos, en varias líneas temporales, J. Edgar se empeña en remarcar cada imagen, cada situación, con una jodida voz en off que aplasta las ilusiones y la cafeína de cualquier espectador normal. No cuentes con palabras lo que puedas mostrar visualmente, norma elemental y de todos conocida. Pues no. Aquí la imagen pasa a un segundo plano, hasta convertirse en mera comparsa de la voz del viejo Hoover —doblaje pésimo, además—, hasta dejarnos con la extraña sensación de haber escuchado a un cuentacuentos en lugar de haber visto una película.

Luego está la historia, que no existe pero que existió. Porque J. Edgar Hoover fue el hombre más poderoso de América y una figura sin duda interesantísima y crucial de la historia contemporánea. Sin embargo, Clint Eastwood —o el guionista, supongo— se empeña en mostrarnos trozos al azar de su existencia, conversación tras conversación, informe confidencial tras informe confidencial, y pasillos tras pasillos. No es la acción lo que hace avanzar la trama —si es que avanza, o si es que existe tal trama— ni la que define a los personajes. Son ellos hablando. Si J. Edgar es un niño de mamá, lo dice. Si los asuntos de los Kennedy son jodidamente interesantes, lo dice también. Si le gusta una muchacha, se lo espeta en la cara. Y mientras nosotros, en la sala, hartos a los quince minutos de escuchar al maldito Di Caprio, narrando la historia sin parar y diciendo todo lo que piensa minuto tras minuto. Y claro. Un se acuerda de The Artist y entonces ya es el súmmum. Y las butacas son tan cómodas que es mejor ponerse de esta forma, y llevo mucho tiempo sin fumar y me dan ganas de irme, y mira qué peinado tan cojonudo lleva la chica de la fila de atrás. Porque sí, lo reconozco. He mirado hacia atrás un par de veces.

Así que ya ven. Ahora entenderán cómo he empezado este artículo, y por qué. Aburrimiento. Cansancio. Hastío. Exactamente esa es la sensación que se le queda a uno después de ver la primera media hora de J. Edgar —imagínense el resto—. Poco más que decir. No creo que hayan llegado hasta aquí, pasando por encima de mi ventana, de mi habitación y de las cosas que hay en mi mesa. Pero si lo han hecho, enhorabuena. Y es que no quería quedarme sólo ante la desesperación de haber gastado el dinero en semejante peñazo. Ante la impotencia de comprobar cómo un gran cineasta está dando palos de ciego. Ya saben: mal de muchos, consuelo de tontos. Siento haberles aburrido hoy.

El difícil adiós

2012-01-30T18:05:00.000Z

Dir.: Alexander Payne
Int.: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Matthew Lillard, Judy Greer, Robert Forster, Beau Bridges
¿De qué va?: Cuando su esposa sufre un accidente que la deja en coma, Matt King se ve obligado a replantearse su vida intentando recomponer la relación con sus problemáticas hijas, al tiempo que intenta decidir si vende o no unas propiedades que han heredado las distintas generaciones de su familia desde el siglo XIX.

Reseña: En la sociedad actual llevamos unas vidas tan despreocupadas, ociosas y frenéticas que a veces nos olvidamos de lo que de verdad importa, de que nuestro paso por este planeta es tan sólo un trámite y de que en cualquier momento, por cualquier estupidez, podemos irnos al otro barrio. Nos encanta eso de lamentarnos por no haber solucionado las cosas en su momento pero también somos capaces de perdonar y valorar la influencia positiva de las personas que nos rodean cuando la muerte hace acto de presencia.

Alexander Payne debate sobre estos temas centrándolos en una familia situada en las islas Hawaii, deconstruyendo de paso la idílica idea que siempre hemos tenido en nuestra cabeza sobre dicho paraíso tropical. Sigue siendo un lugar precioso, pero hay vida más allá de los collares de flores y el hula, una tierra virgen que corre peligro de ser vendida al mejor postor para dar paso a un complejo de hoteles. Al tiempo, una familia intenta reestructurarse ante la inminente defunción de uno de sus miembros, descubriendo secretos de éste que cambian por completo la visión que tenían de él. ¿Qué hacer ante una situación así? Payne esquiva respuestas reconfortantes con situaciones que se sienten reales y humanas, mezclando el drama con la comedia, tal y como en la vida misma, en la que a veces tenemos que recurrir al humor para sobrellevar duros trances.

George Clooney deja atrás todo rastro de glamour y da un paso más en su sempiterno papel de triunfador con un pie en el abismo dando vida a un personaje que intenta llevar como puede dos crisis que se le han juntado al mismo tiempo, encontrando una solución para ambas en la inestable relación que mantiene con sus hijas, interpretadas con suma naturalidad y gracia por Shailene Woodley y Amara Miller. También habría que destacar a Nick Kruase, que en el papel del amigo medio tonto de la hija mayor brinda los momentos más divertidos de la película, y a Matthew Lillard, que sorprende con una notable actuación alejada de sus payasadas habituales.

Los descendientes tiene la rara habilidad de lanzar un mensaje sobre la importancia de la familia sin resultar moralista, conservadora ni rancia. Discurre de forma tan natural, cotidiana y libre de excesos que habrá gente a la que le parezca una película más, un telefilme revestido con el caché de su estrella, pero no se lleven a engaños, pues difícilmente encontrarán reflexiones tan íntimas, humanas y emocionales como las que trae consigo esta película.

8/10

Tráiler de Luces rojas: ¿Creer es ver?

2012-01-28T18:54:00.001Z

Tras aterrorizar a los claustrofóbicos y mantener en tensión a todo el mundo con Buried (Enterrado), el salmantino Rodrigo Cortés regresa con Luces rojas (Red Lights), un thriller para el que ha vuelto a contar con una producción eminentemente española pero rodada en inglés y protagonizada por actores americanos, mejor dicho, actorazos: Cillian Murphy (In Time), Sigourney Weaver (Paul) y Robert De Niro (Noche de fin de año) conforman el trío protagonista del filme.

La historia de Luces rojas, escrita por el propio Cortés, se centra en una parapsicóloga y su ayudante que se dedican a destapar estafas paranormales. Su último caso es el de un legendario psíquico que ha vuelto a la palestra tras 30 años desaparecido, provocando que el ayudante se obsesione con él y que la investigación se torne más extraña y peligrosa. El reparto de la película se completa con los nombres de Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene), Leonardo Sbaraglia (Sin retorno), Toby Jones (El topo), Jan Cornet (La piel que habito) y Joely Richardson (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres).

El Festival de Cine de Sundance acogió la premiere mundial del filme, cosechando numerosas críticas positivas, aunque mucha gente ha quedado bastante desconcertada con los dos minutos finales de la cinta. En España podremos verla a partir del próximo 2 de marzo, antes que en Estados Unidos donde ni siquiera tiene fecha, de ahí que el tráiler se haya publicado directamente doblado al español. Por cierto que el avance se estuvo proyectando durante un par de semanas en los cines antes de aparecer en la red, una práctica cada vez menos habitual al menos en España. Afortunadamente, el tráiler eleva la expectación sin mostrar más de lo necesario:

O.C: La decisión de Sophie (1982)

2012-01-26T17:45:00.000Z

¿De qué va?: Stingo es un joven aspirante a escritor que se instala en una pensión de Brooklyn en el verano de 1947 para escribir su primera novela. Allí conoce a la pareja que vive en el piso de arriba, Nathan Landau, un desequilibrado científico judío, y Sophie Zawistowska, una hermosa emigrante polaca que sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz. Stingo iniciará una profunda amistad con la pareja que se verá alterada por los celos y los traumas del pasado.

Reputación: La decisión de Sophie está basada en la novela homónima de William Styron, la cual suscitó bastante controversia al contar la historia del Holocausto desde la perspectiva de una víctima no judía. Aún así fue un éxito internacional de ventas y ganó el National Book Award en 1980. De su adaptación al cine se encargó el director y guionista Alan J. Pakula, en cuya filmografía también destacan Todos los hombres del presidente, El informe pelícano y La sombra del diablo. Murió en un accidente de coche en 1998. La decisión de Sophie supuso el debut en el cine del actor Kevin Kline, que fue nominado a un Globo de Oro, y le reportó su segundo Oscar a Meryl Streep, que tuvo que aprender el acento polaco y a hablar alemán para el papel. Su interpretación fue seleccionada por la revista Premiere como la tercera mejor de la historia, tan sólo por detrás de Peter O’Toole en Lawrence de Arabia y por Marlon Brando en La ley del silencio. La película también estuvo nominada al Oscar de mejor guión adaptado, fotografía, banda sonora y vestuario.

Comentario: Hablar de La decisión de Sophie implica hablar directamente de Meryl Streep. La actriz no sólo es creíble como polaca que habla alemán con soltura, sino que también profundiza en todas las capas de su complejo personaje, convirtiéndose en un animal herido, tan frágil como hermoso y enigmático, que rescata el personaje de Kevin Kline. En su mirada, a veces inocente, otras afligida, reposa todo el peso dramático de un filme largo (2 horas y media) y un tanto descompensado, con un primer acto que se extiende demasiado, aunque nunca se hace pesado, y un segundo en el que hay dos flashbacks sobre el pasado de la protagonista que suponen lo mejor de la película. La fotografía es fabulosa y radicalmente opuesta en los dos tiempos en los que se ambienta el filme, los vértices masculinos del triángulo amoroso también están muy bien, la historia es tremenda pero el pilar maestro que sostiene todo el filme es Meryl Streep, una de las mejores actrices de la historia.

Próximo visionado: Memorias de África (1985)

El rincón de Chechu: Personas

2012-01-25T14:39:00.000Z

Saben los que me leen que muchas veces las películas son una excusa para escribir, un fondo en el que apoyarme, una manera de dar cuerpo a emociones, a ideas que llevo dentro y que quiero compartir con ustedes. El cine, como todas las artes, no es más que eso: un catalizador de la vida, un espejo en el que mirarse y sentir amor, o angustia, o felicidad contenida. También —continúo mi confesión— la mayoría de las veces no tengo la más remota idea de qué voy a escribir cada semana, y suelo pensarlo durante el cigarrillo de página en blanco que toda persona que escribe y fuma conoce. Ese amigo engañoso que nos relaja y nos espera, que nos asienta el ánimo con humo suave, que hace que pensemos más claramente y que ordenemos las ideas delante de la pantalla.

Hoy, sin embargo, es diferente. Ayer hicimos Blanch y yo, y otros compañeros, un examen en el que descargamos la densidad histórica que nos venía empapando desde hacía unos días. Dreyer, Bergman, Truffaut, John Ford, Pasolini, etcétera. Después salimos a celebrarlo y a beber, que somos todos humanos y somos todos personas eminentemente alegres, y estudiamos, y vivimos en Salamanca —acabo justo aquí mi cigarro blanco, ya con dos párrafos—. Y digo que hoy es diferente porque se me ocurrió el artículo en medio de las copas, de las luces y la madrugada, mientras, apoyado en la barra —siempre he sido hombre de barra, bailar no es lo mío—, miraba a mis amigos divertirse y reír, y hacer el idiota; mientras estábamos pasándolo todos bien, disfrutando como enanos. Justo en el momento en que clavé mi mirada, de forma fugaz pero infinita, en los ojos más brillantes que me he encontrado jamás y que me acompañan, suerte de suertes, todas las mañanas y todas las noches frías.

Ese momento fue cine puro, y fue bello y fue una vida entera reflejada en el aire. Y se me ocurrió que hoy les hablaría de Brokeback Mountain, porque es precisamente eso: la vida latiendo sobre el viento, ojos que se miran durante un instante y se enganchan ya para siempre, sin remedio, como árboles que crecen juntos y mezclan las ramas, y todo se mueve de uno a otro sin tocar la tierra, y sus destinos son el mismo porque crecen enredados hacia el cielo.

Ellos se miran y se entienden de pronto, porque cada uno ha llegado allí de manera distinta pero los dos arrastran el mismo pasado de miradas furtivas, de mentiras y de miedo, porque son infelices y detrás de los vaqueros hay dos corazones podridos de tanto sufrir. Se reconocen al instante, quizás en el primer contacto, pero no aceptan la vida hasta después, cuando ven que el cielo se desata y el valle los aplasta de silencio, cuando el verde de la hierba, la pureza del agua y el sudor empapan tanto sus pieles que ya no pueden sino besarse. Y lo hacen violentamente, de forma masculina y desatada, porque son hombres encerrados en jaulas invisibles, y tocarse y morderse es como romper los barrotes, y les duele tanto y a la vez tienen tanta esperanza que lloran de rabia.

Los dos tienen vidas construidas sobre dudas. Es difícil ser valiente porque todos somos cobardes y señalamos, con dedos de furia, las diferencias y lo desconocido. Porque nos da miedo aceptar. Ellos, los dos, han sido marcados, lo saben pero lo esconden, conocen la sensación de temblar ante unos brazos, de desear pieles duras y ojos profundos y no poder siquiera tocarlos. Ellos llegan allí mintiendo porque el mundo les ha dicho que mientan, y han sufrido tanto sin decir una sola palabra que la nueva realidad los aterra.

Pero se lanzan al vacío porque el amor es naturaleza y es fuerza, y no puede reprimirse cuando surge, y los rugidos de la felicidad en las montañas se hacen tan fuertes que irrumpen en sus mentiras y los descoloca, y hacen que todo se tambalee y que el mundo, que todavía no había dicho nada pero había provocado todo, los señala y los ejecuta, rompe sus almas y desgarra la esperanza y sus destinos, amputa para siempre la nobleza de algo más viejo que la vida y que los deseos, y vuelven los dos a la jaula o a la muerte, que es lo mismo, y pierden lo que nunca pudieron tener y se ahogan en nuestra cobardía para siempre.

Brokeback Mountain no es una historia de homosexuales: es una historia de hombres. De dos personas maltratadas sin haber hecho nada para merecerlo, de dos corazones que se atraen violentamente mientras la vida les dispara con furia. Quién no sabe lo que es amar y quién no sabe que cuando amas lo demás no importa. Esos dos vaqueros tuvieron un instante en sus manos y se libraron de las mentiras por un segundo, vieron el cielo abierto a través de las hojas que se enredaban sobre ellos, lejos de un mundo miserable que los había condenado al silencio, a las pesadillas y a los sueños manchados de culpa.

Ayer pensé en ellos mientras me apoyaba en la barra y veía la felicidad desatada, y miraba los ojos de ella y ella miraba los míos. No hay nada que nos impida tocarnos, yo puedo rozarle el cuello con los dedos mientras caminamos por la calle y hace frío, y puedo ver cómo se retuerce porque mi mano está fría y su piel caliente, y puedo sonreír cuando ella ríe como una niña, con esa risa despreocupada e infantil que parpadea en el aire, y ella puede agarrarme fuerte el brazo cuando sale del trabajo y yo la espero, y nos damos un beso breve en medio del viento, y nos alejamos caminando juntos hacia la vida y la esperanza. Porque yo soy un hombre, y ella una mujer, y todo es normal y a nadie le parece extraño, y a veces la gente nos mira y piensa ‘qué pareja más feliz’, pero no saben que yo, mientras camino y amo y me siento afortunado, desearía escupirle en la cara al mundo porque soy una persona, y dos hombres también lo son, y también lo son dos mujeres, y nadie tiene derecho a romper tantas vidas por culpa de la ignorancia.

Nominaciones a los Oscar 2012

2012-01-24T13:53:00.001Z

Mejor película
The Artist
Los descendientes
Tan fuerte, tan cerca
Criadas y señoras
La invención de Hugo
Midnight in Paris
Moneyball
El árbol de la vida
War Horse

Mejor director
Woody Allen por Midnight in Paris
Michel Hazanavicius por The Artist
Terrence Malick por El árbol de la vida
Alexander Payne por Los descendientes
Martin Scorsese por La invención de Hugo

Mejor actor protagonista
Demian Bichir por A Better Life
George Clooney por Los descendientes
Jean Dujardin por The Artist
Gary Oldman por El topo
Brad Pitt por Moneyball

Mejor actriz protagonista
Glenn Close por Albert Nobbs
Viola Davis por Criadas y señoras
Rooney Mara por Los hombres que no amaban a las mujeres
Meryl Streep por La dama de hierro
Michelle Williams por My Week with Marilyn

Mejor actor de reparto
Kenneth Branagh por My Week with Marilyn
Jonah Hill por Moneyball
Nick Nolte por Warrior
Christopher Plummer por Beginners
Max Von Sydow por Tan fuerte, tan cerca

Mejor actriz de reparto
Bérénice Bejo por The Artist
Jessica Chastain por Criadas y señoras
Melissa McCarthy por La boda de mi mejor amiga
Janet McTeer por Albert Nobbs
Octavia Spencer por Criadas y señoras

Mejor guión original
Nader y Simin, una separación
La boda de mi mejor amiga
Margin Call
Midnight in Paris
The Artist

Mejor guión adaptado
La invención de Hugo
Los descendientes
Los idus de Marzo
Moneyball
El topo

Mejor película animada
Un gato en París
Chico & Rita
Kung Fu Panda 2
El gato con botas
Rango

Mejor película de habla no inglesa
Bullhead (Bélgica)
In Darkness (Polonia)
Footnote (Israel)
Monsieur Lazhar (Canadá)
Nader y Simin, una separación (Irán)

Pueden ver el resto de candidaturas pinchando aquí.

Impresiones

- La invención de Hugo cuenta con el mayor número de menciones, 11, una menos que The Artist que en teoría parte como favorita.

- El árbol de la vida y Tan fuerte, tan cerca, sorprendentes inclusiones en la categoría de mejor película. La primera refuerza su posición con la nominación de Terrence Malick a mejor director y la segunda confirma la debilidad que sienten los académicos por el cine de Stephen Daldry, incluso cuando en los últimos días no figuraba en ninguna de las quinielas.

- Leonardo DiCaprio y Michael Fassbender se quedan fuera de la categoría de mejor actor, del mismo modo que sus respectivas películas, J. Edgar y Shame, no reciben ninguna mención. Gary Oldman y Demian Bichir ocupan los que iban a ser sus puestos.

- Tilda Swinton y Shailene Woodley son las grandes ausencias en las categorías femeninas de interpretación; Rooney Mara y Janet McTeer las suplen.

- Inexplicable ausencia la de Las aventuras de Tintín en la categoría de animación. En cambio, El gato con botas y Kung Fu Panda 2, películas tan correctas como prescindibles, cuentan con sendas nominaciones.

- Chico & Rita y Alberto Iglesias, representantes españoles por sorpresa en esta edición de los Oscar en las categorías de animación y banda sonora.

- La película más taquillera de las nominadas en la categoría reina, Criadas y señoras, no cuenta con el mismo beneplácito por parte de la Academia: cuatro menciones, siendo tres para sus actrices.

- La foto que ilustraba la nominación de Jessica Chastain por Criadas y señoras pertenecía a El arbol de la vida. Fallo de novato.

- Con el recién instaurado sistema para elegir canción, tan sólo dos se disputan la estatuilla. A punto estuvo la categoría de quedarse desierta.

- Si hay un Oscar seguro es el de Nader y Simin, una separación a mejor película de habla no inglesa. La nominación a mejor guión consolida sus posibilidades.

- Margin Call y Los idus de marzo son las sorpresas de los apartados de guión original y adaptado respectivamente; mal año para las historias independientes, pues este año ninguna de sus máximas representantes (50/50, Beginners, Young Adult y Martha Marcy May Marlene) ha obtenido repercusión entre los votantes.

- Drive, otra de las grandes ausentes de esta edición, recibe la candidatura a mejor edición de sonido como discutible premio de consolación. Ni siquiera Albert Brooks, que partía como favorito de la crítica en la categoría de mejor actor de reparto, ha dejado huella en los académicos.

Y esto es todo amigos hasta el próximo 26 de febrero, noche en la que Billy Cristal presentará unos Oscar que pueden ser tan sorprendentes como lo han sido sus nominaciones. Ahora toca ver las películas pendientes y empezar a hacer predicciones. La carrera ha llegado a su recta final.

P.D: ¡Qué guapa estaba Jennifer Lawrence anunciando las candidaturas! Lo mejor de la retransmisión.

La letra con sangre entra

2012-01-23T22:25:00.001Z

Dir.: David Fincher
Int.: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Robin Wright, Stellan Skarsgard, Steven Berkoff, Joely Richardson
¿De qué va?: Con la esperanza de huir del escándalo montado alrededor de un juicio por difamación, el periodista económico Mikael Blomkvist acepta trasladarse a una isla remota del norte de Suecia con el fin de investigar la muerte no resuelta de la sobrina de un importante empresario, para lo que acabará contando con la ayuda de una misteriosa hacker punki llamada Lisbeth Salander.

Reseña: A Hollywood nunca se le escapa un filón literario que pueda ser exportado a la gran pantalla. En una era en la que son capaces de comprar los derechos cinematográficos de novelas que ni tan siquiera han salido al mercado con tal de paliar su eterna crisis creativa, no es de extrañar que se lancen a sacar el remake de una película de dos años de antigüedad que tuvo un más que decente recorrido comercial por todo el mundo. Claro que si nos ponemos tiquismiquis, podemos alegar que no se trata de un remake porque la versión sueca de Millennium fue planteada como una miniserie que luego se adaptó para el cine, pero que todos tengamos muy reciente en nuestra memoria el periplo de Blomkvist y Salander es algo innegable, y aún así, parece que esta nueva versión de la novela de Stieg Larsson llega a destiempo, justo cuando la moda ya ha pasado.

Entonces, ¿cuál es el principal motivo por el cual deberíamos tomarnos en serio la versión americana de Los hombres que no amaban a las mujeres? La respuesta se reduce a un nombre propio: David Fincher. En la Meca del Cine han sido lo suficientemente listos como para no confiar la película a un director de encargo cualquiera, sino a un director con mayúsculas, un tipo que puede coger cualquier material, llevárselo a su terreno y dejar a todo el mundo con la boca abierta. Lo hizo con La red social y lo ha vuelto a hacer un año después, en menor medida, con el comienzo de la saga Millennium, y es que tampoco puede sobrepasar las limitaciones del material del que dispone. También es verdad que el guión de Steve Zaillian está mucho más pulido que el de la versión sueca, menos embrollado y con líneas de diálogo muy ocurrentes, y aunque se extienda durante dos horas y media la narración nunca se resiente, manteniendo el suspense incluso cuando nos conocemos la historia de cabo a rabo.

En eso también tiene mucho que ver el sabio manejo del espacio y de la cámara de Fincher, por no hablar de unos recursos y un apartado técnico que superan con creces el de la anterior versión. Mención aparte merecen los títulos de crédito del comienzo, una salvajada de videoclip que mezcla el estilo de los prólogos de James Bond con petróleo, fuego y electrónica al ritmo del tema que ya sonaba en el estupendo teaser tráiler. Una auténtica brutalidad. Es uno de tantos detalles cuidados al milímetro por los que nos damos cuenta de que Fincher no ha puesto el piloto automático, sino que se lo ha currado para que la película no desentone en su filmografía, consiguiéndolo tanto en la forma como en el fondo aun sin llegar a los niveles de crudeza y perversión de Seven o El club de la lucha.

Y para acabar me es imposible valorar a los actores sin comprarlos con sus homólogos suecos. En cuanto al protagonista masculino, Daniel Craig es mucho mejor Blomkvist que Michael Nyqvist, más carismático, atractivo y humano, reparando más en sus torpezas que en su virtuosismo. En cambio, me resuelta difícil escoger a mi Lisbeth Salandar favorita, puesto que tanto Noomi Rapace como Rooney Mara hacen un trabajo excepcional, pero algo diferente en cuanto a que esta última incide más en la fragilidad soterrada del personaje mientras que la otra no mostraba ninguna brecha en su coraza. Yo dejaría el duelo en tablas.

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Juntos, Craig y Mara tienen una química incendiaria, y están muy bien secundados por Christopher Plummer, Robin Wright y compañía. En definitiva, Los hombres que no amaban a los mujeres es un remake prematuro cuyo valor reside esencialmente en ‘el toque Fincher’. En cierto modo y teniendo en cuenta que no he leído las novelas, lamento haber visto antes la película sueca porque de no haber sido así habría disfrutado de ésta mucho más. Cruel pero cierto.

8/10

Sobre fármacos, criogenia y Bitelchús

2012-01-22T12:59:00.000Z

- Kate Winslet (Un dios salvaje) volverá a trabajar bajo las órdenes de Kenneth Branagh tras Hamlet, hace 16 años, en The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society, o lo que viene siendo en español, La sociedad literaria y el pastel de piel de patata de Guernsey. Don Roos (El amor y otras cosas imposibles) firma el guión basado en una novela de Mary Ann Shaffer y Annie Barrows sobre una escritora londinense que tras la 2ª Guerra Mundial empieza a intercambiarse correspondencia con un habitante de la isla de Guernsey. A través de las cartas, descubre la existencia de una sociedad literaria que nació como coartada frente a los alemanes; de esta forma, sus integrantes se reunían para sobrellevar la ocupación nazi. El rodaje comenzará durante el mes de marzo.

- La ascendente Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene) acompañará a Daniel Radcliffe (Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2) en Kill Your Darlings, filme que dirigirá John Krokidas. Dane Dehaan (Chronicle) y Jack Huston (Eclipse) completan el reparto de esta historia centrada en la relación de amistad que existió entre tres figuras destacadas de la Generación Beat: el poeta Allen Ginsberg (Radcliffe), el novelista Jack Kerourac (Huston) y Lucien Carr (Dehaan), este último conocido por acabar con la vida de David Kammerer, alegando que fue en defensa propia porque lo acosaba sexualmente. Olsen interpretará a Edie Parker, la novia de Kerourac. El rodaje arrancará el próximo 12 de marzo en Nueva York.

- Ryan Murphy, director de Come, reza, ama y de series como Glee y American Horror Story, llevará al cine la obra de teatro The Normal Heart, ganadora de tres premios Tony el año pasado. Se trata de un biopic de Ned Weeks, fundador de uno de los grupos activistas sobre el VIH más importantes que surgieron a principios de los 80. Murphy contará con un reparto integrado por Mark Ruffalo (Los chicos están bien), Julia Roberts (Larry Crowne), Alec Baldwin (No es tan fácil), Matt Bomer (In Time) y Jim Parsons (The Big Bang Theory).

En cuanto a la repartición de papeles, Ruffalo encarnará a Weeks; Roberts a una médico minusválida que se implicó mucho en el tratamiento de la enfermedad; Baldwin será el hermano de Weeks, un abogado que no se tomó nada bien su condicional sexual; Bomer interpretará a Félix Turner, novio de Weeks que también contrajo el VIH, y por último Parsons será un destacado activista gay, papel que ya interpretó sobre las tablas de Broadway. Larry Kramer se ha encargado de adaptar su propia obra para el cine.

- Parece que Steven Soderbergh (Contagio) está retrasando su anunciada retirada del mundo del cine puesto que se ha apuntado a dirigir The Side Effects, thriller ambientado en la psicofarmacología que protagonizarán Blake Lively (Green Lantern), Channing Tatum (¡Qué dilema!) y Jude Law (Sherlock Holmes: Juego de sombras). Scott Z. Burns (Contagio) firma el guión que gira en torno a una mujer (Lively) que ante la ansiedad que le produce la salida de la cárcel de su marido (Tatum) decide comenzar a tomar medicamentos recetados por su nuevo psiquiatra (Law).

- Chris Evans (Dime con cuántos), Tilda Swinton (Yo soy el amor) y Jamie Bell (Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio) se encuentran en negociaciones para unirse al reparto de Snow Piercer, película que dirigirá Bong Joon-ho (The Host). La trama, escrita a cuatro manos por Joohn-ho y Park Chan-wook (Old Boy), se desarrolla en un lugar cubierto de nieve y hielo, dentro de un tren en el que sus viajeros luchan por sobrevivir. El rodaje comenzará el próximo marzo.

- Continuamos con elencos llamativos: Paul Rudd (¿Cómo sabes si..?), Kristen Wiig (La boda de mi mejor amiga), Owen Wilson (Midnight in Paris) y Christopher Walken (Pelotas en juego) protagonizarán Freezing People is Easy, filme que dirigirá Errol Morris, ganador del Oscar a mejor documental en 2003 por The Fog of War. Zach Helm (Mr. Magorium y su tienda mágica) ha escrito el guión que relata la historia real de Bob Nelson (Rudd), un técnico de reparaciones que allá por los años 60 quiso convertirse en un pionero en el campo de la criogenización de personas, aunque no resultó ser tan fácil como esperaba. El rodaje dará comienzo a mediados de año.

- Peter Berg (Hancock) dirigirá a Mark Wahlberg (The Fighter) en Cocaine Cowboys, basada en un documental de mismo título que narra la vida real de Jon Roberts, un soldado herido en la guerra de Vietnam que se fue a vivir a Miami, donde acabó convirtiéndose a finales de los 70 en uno de los mayores proveedores de droga de la ciudad. Jennifer Lopez (El plan B) pretende hacerse con un papel en el filme, concretamente el de la narcotraficante colombiana Griselda Blanco. El rodaje arrancará el próximo verano o entrado el otoño.

- El inagotable James Franco (El origen del planeta de los simios) ha sumado un nuevo proyecto a su agenda: protagonizar un biopic sobre el fotógrafo Robert Mapplethorpe que dirigirá el documentalista Ondi Timoner. La película, que llevará por título Mapplethorpe, se centrará en la controvertida vida y obra del artista, célebre por sus fotografías en blanco y negro, especialmente de flores y desnudos, a las que sus detractores llegaron a calificar de pornográficas.

- Liv Tyler (La madre de él) protagonizará The Side Effect (no confundir con la película comentada un poco más arriba). Se trata de un thriller dirigido por Ti West (The House of the Devil) sobre una mujer que pasa varios meses sola en el espacio debido a que forma parte de un experimento realizado por una compañía farmacéutica. El problema llega cuando inexplicablemente se queda embarazada y empieza a plantearse qué es lo que le está ocurriendo en realidad.

- Garrett Hedlund volverá a cantar tras Country Strong en Inside Llewyn Davis, lo próximo de los hermanos Joel y Ethan Coen (Valor de ley) que ya cuenta en su reparto con Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timberlake y John Goodman. La historia se centra en un músico (Isaac) que intenta hacerse un hueco en el mundo del folk durante la década de los 60. Hedlund ha podido aceptar el trabajo tras el retraso indefinido que ha sufrido la producción de Akira hasta que el estudio quede satisfecho con el guión y con su presupuesto económico.

- Puede que dentro de unos años, si dices tres veces el nombre de Bitelchús se te aparezca de verdad, y es que está en marcha una secuela de la mítica película de Tim Burton que cuenta con el beneplácito y la participación del propio realizador. Seth Grahame-Smith, autor de Orgullo y prejuicio y zombies, ha sido escogido para redactar el libreto de esta continuación que volverá a contar con Michael Keaton (Los otros dos) encarnando al extravagante “exorcista de vivos”. De momento toca esperar porque el guión ni siquiera está terminado.

Entrega de los premios OFB 2011

2012-01-21T12:39:00.001Z

‘And the OFB goes to…’

Mejor película
Cisne negro

Finalistas:
Beginners
Crazy, Stupid, Love
Criadas y señoras
Drive
Midnight in Paris
Nunca me abandones
Pequeñas mentiras sin importancia
The Artist
X-Men: Primera generación

Premio especial de los seguidores
Cisne negro (41%)

2º: Drive (20%)
3º: The Artist (16%)

Mejor director
Darren Aronofsky por Cisne negro

Woody Allen por Midnight in Paris
Michel Hazanavicius por The Artist
Mike Mills por Beginners
Nicolas Winding Refn por Drive

Mejor actor protagonista
Jean Dujardin por The Artist

Jeff Bridges por Valor de ley
Stephen Dorff por Somewhere
James Franco por 127 horas
Ryan Gosling por Drive

Mejor actriz protagonista
Natalie Portman por Cisne negro

Annette Bening por Los chicos están bien
Viola Davis por Criadas y señoras
Jennifer Lawrence por Winter’s Bone
Kristen Wiig por La boda de mi mejor amiga

Mejor actor de reparto
Christian Bale por The Fighter

Christopher Plummer por Beginners
Brad Pitt por El árbol de la vida
Andy Serkis por El origen del planeta de los simios
Christoph Waltz por Un dios salvaje

Mejor actriz de reparto
Melissa Leo por The Fighter

Bérénice Bejo por The Artist
Jessica Chastain por El árbol de la vida
Carey Mulligan por Drive
Octavia Spencer por Criadas y señoras

Mejor guión original
Mike Mills por Beginners

Woody Allen por Midnight in Paris
Michel Hazanavicius por The Artist
John McLaughlin y Mark Heyman por Cisne negro
Kristen Wiig y Annie Munolo por La boda de mi mejor amiga

Mejor guión adaptado
Hossein Amini por Drive

Joen Coen y Ethan Coen por Valor de ley
Alex Garland por Nunca me abandones
Roman Polanski y Yasmina Reza por Un dios salvaje
Tate Taylor por Criadas y señoras

Mejor montaje
Cisne negro

Drive
Hannah
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
The Artist

Mejor fotografía
Emmanuel Lubezki por El árbol de la vida

Russell Boyd por Camino a la libertad
Roger Deakins por Valor de ley
Matthew Libatique por Cisne negro
Guillaume Schiffman por The Artist

Mejor vestuario
Jane Eyre

Cisne negro
Criadas y señoras
The Artist
Valor de ley

Mejor banda sonora instrumental
Rachel Portman por Nunca me abandones

Ludovic Bource por The Artist
The Chemichal Brothers por Hanna
Alexandre Desplat por El árbol de la vida
Hans Zimmer por Rango

Mejor banda sonora (Compilación de canciones)
Un lugar para soñar

Country Strong
Drive
Pequeñas mentiras sin importancia
Sucker Punch

Mejor canción
“Talk to Me” de Pequeñas mentiras sin importancia

"Bad Karma" de Scream 4
"Gathering Stories" de Un lugar para soñar
"I’ll Try Anything Once" de Somewhere
"Love Love" de X-Men: Primera generación

Mejores efectos especiales
El origen del planeta de los simios

Capitán América: El primer vengador
X-Men: Primera generación

Mejor reparto
Criadas y señoras (Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Bryce Dallas Howard, Allison Janney…)

Cisne negro
Crazy, Stupid, Love
Midnight in Paris
Un dios salvaje

Mejor película de animación
Rango

Enredados
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio

Mejor película española
Primos

Secuestrados
También la lluvia

Mejor escena
El beso en el ascensor de Drive

La amputación de 127 horas
El viaje en avión de La boda de mi mejor amiga
La transformación final de Nina en Cisne negro
El desenlace de The Artist

Mayor decepción
Green Lantern

¿Cómo sabes si…?
Intruders
Invasión a la Tierra
Un método peligroso

Recuento de premiados

Cisne negro: Mejor película, premio de los seguidores, director, actriz protagonista y montaje

Drive: Mejor guión adaptado y escena

The Fighter: Mejor actor y actriz de reparto

The Artist: Mejor actor protagonista

Beginners: Mejor guión original

Criadas y señoras: Mejor reparto

El árbol de la vida: Mejor fotografía

Jane Eyre: Mejor vestuario

Nunca me abandones: Mejor banda sonora instrumental

Un lugar para soñar: Mejor banda sonora (Compilación de canciones)

El origen del planeta de los simios: Mejores efectos especiales

Rango: Mejor película de animación

Primos: Mejor película española

Green Lantern: Mayor decepción

Ediciones anteriores: 2010, 2009, 2008, 2007

Hierro oxidado

2012-01-20T20:00:00.000Z

Dir.: Phyllida Lloyd
Int.: Meryl Streep, Jim Broadbent, Anthony Head, Olivia Colman, Alexandra Roach, Harry Lloyd, Iain Glen
¿De qué va?: Margaret Thatcher hizo historia en el Reino Unido al convertirse en la primera mujer presidenta del Partido Conservador y, poco después, al ocupar el cargo máximo de Primera Ministra británica. Su dominio político, que duró 11 años, estuvo salpicado de enfrentamientos con la clase obrera y con los principales líderes europeos y mundiales debido en gran parte a sus estrictas políticas conservadoras.

Reseña: Existen dos maneras de abordar la vida de una figura controvertida para dedicarle una biografía: mojándose sacando a relucir sus claroscuros o decantarse por un ensalzamiento y absoluto peloteo de la misma, empequeñeciendo sus sombras y humanizándola hasta lo absurdo. Pues bien, el biopic de Margaret Thatcher, La dama de hierro, no termina de ser ni una cosa ni la otra, es incapaz de definirse, y por eso tiene el dudoso honor de no haber gustado ni a los detractores ni a los admiradores de la antigua Primera Ministra. Los primeros creen que no es nada crítica con su mandato y a los segundos no les ha gustado que se ensañen con su imagen de anciana senil.

Y no es para menos, porque una cosa es presentar al personaje en la actualidad como una señora tan testaruda que es incapaz de asumir que su marido ha muerto, y otra es enfocar la película sobre esa idea casi en exclusiva. Tres cuartas partes del filme están dedicadas a la senectud de la Thatcher, incidiendo en la misma idea una y otra vez, y el resto son recuerdos sesgados de su carrera política. El guión se salta la parte en la que se hizo paso dentro de su partido para mostrárnosla ya convertida en Primera Ministra, y luego ir dando botes por algunos momentos clave de su mandato, como la Guerra de las Malvinas o las revueltas sindicales, con una mecánica combinación de imágenes de archivo y situaciones en las que casi se disculpa el comportamiento de la Thatcher. Cierto es que consiguió grandes cosas en pro de las mujeres, pero tampoco se puede pasar por alto todas las barbaridades que hizo por ser una pionera.

La directora, Phyllida Lloyd, ni siquiera hace esfuerzos para camuflar ese aire a telefilme que desprende toda la película, regodeándose en recursos tan manidos como los videos caseros de la familia en la playa (¿quién grababa las tomas?), las imágenes interpuestas o las situaciones oníricas; una en concreto me trajo a la memoria las alucinaciones de Ellen Burstyn en Réquiem por un sueño y la de la despedida de Dennis, el marido de Thatcher, está tan anticuada que da risa. Nada que objetar sobre el trabajo de vestuario y maquillaje. Lo único que mantiene la película medianamente a flote es la interpretación de Meryl Streep, su transformación en la dama de hierro es tal y como todos predecíamos, sublime en todos los aspectos, arropada por un Jim Broadbent que acaba por perder el encanto del abuso al que se ve sometido su personaje.

La dama de hierro es un biopic insatisfactorio porque tiene un enfoque erróneo y su estructura hace aguas por todas partes. No tiene la suficiente valentía como para elogiar sin reparos a su figura central pero tampoco la tiene para hacer un poco de autocrítica. Los conocedores de la vida de la Thatcher no descubrirán nada que no supieran antes salvo por alguna que otra curiosidad y los que quieran ver un retrato sobre el amor en la vejez mejor que le echen un vistazo a Lejos de ella. Lo peor de todo es que Meryl Streep está más cerca que en mucho tiempo de ganar su tercer Oscar por una de las películas más prescindibles de su holgada y más que notable carrera artística.

4’5/10

O.C: Kramer contra Kramer (1979)

2012-01-19T17:31:00.001Z

¿De qué va?: Ted Kramer es un ejecutivo de publicidad al que le abandona su esposa, Joanna, dejándolo sólo al cargo de su hijo pequeño. Ted hace malabarismos para compaginar su carrera profesional con su labor como padre y madre, pero cuando ya empieza a acostumbrarse a su nueva vida Joanna reaparece…

Reputación: Basada en una novela escrita por Avery Corman que tuvo bastante fama en el momento en el que se publicó por su visión del divorcio moderno, Kramer contra Kramer fue dirigida y adaptada para el cine por Robert Benton, realizador poco prolífico que desde entonces no ha vuelto a repetir éxito. Antes de escoger a Dustin Hoffman y a Meryl Streep para los papeles principales, los productores barajaron los nombres de Al Pacino y Jane Fonda. Hoffman se había separado recientemente de su esposa, lo que le ayudó a reforzar la psicología de su personaje, incluso Benton le ofreció participar en la escritura del guión pero el actor lo rechazó. La película fue un gran éxito tanto de público como de crítica, obteniendo cinco de los ocho Oscar a los que optaba: mejor película, director, actor protagonista, actriz de reparto y guión. Muchos cinéfilos recuerdan el filme por haberle arrebatado la estatuilla dorada a Apocalypse Now, que contaba con el mismo número de nominaciones que Kramer contra Kramer y sólo se llevó el premio a la mejor fotografía y al mejor sonido.

Reseña: Creo que está bastante claro que en aquella edición de los Oscar la Academia se dejó llevar por la emotividad al repartir sus premios, como ha hecho en numerosas ocasiones (el año pasado sin ir más lejos). Dejando a un lado los reconocimientos, Kramer contra Kramer tiene el logro de elevar carne de telefilme de sobremesa a melodrama de cuatro estrellas. Robert Benton fue lo suficientemente listo como para optar por una dirección invisible y elegante, con algún que otro momento conseguido (el travelling lateral de camino al hospital) y escribir un guión con el que sus actores se pudieran lucir de lo lindo. Dustin Hoffman pierde los papeles con una credibilidad pasmosa y Meryl Streep ya perfeccionaba por aquel entonces su facilidad para llorar y dejarnos atónitos con su interpretación; sólo por la escena de su declaración en el juicio merecía el Oscar. Ambos actores dan lo mejor de sí en un retrato honesto del divorcio de visión un tanto parcial pero que mostraba bastantes verdades sobre su sistema, como el desamparo de la figura paterna en los acuerdos de potestad o sobre quiénes salían peor parados de esas batallas judiciales: los hijos.

Próximo visionado: La decisión de Sophie (1982)

Ajedrez de nivel medio

2012-01-18T19:55:00.000Z

Dir.: Guy Ritchie
Int.: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris, Stephen Fry, Kelly Reilly, Rachel McAdams
¿De qué va?: Varios sucesos extraños están aconteciendo alrededor del mundo: asesinatos, explosiones, conflictos entre países… Nadie ve relación entre ellos salvo Sherlock Holmes, que cree saber quien está detrás de todo: el profesor Moriarty, quien no sólo está al mismo nivel intelectual de Holmes, sino que posee una gran capacidad para hacer el mal con una absoluta falta de escrúpulos.

Reseña: Hace dos años, Guy Ritchie sorprendió a propios y a extraños con su hiperbólica y estilosa revisión del detective británico más famoso del mundo. Ahora nos llega su inevitable continuación, bautizada como Sherlock Holmes: Juego de sombras, la cual sufre del síndrome de la ‘secuelitis aguda’. Abro paréntesis para explicar este fenómeno: la industria del cine cree que el éxito de una segunda parte consiste en coger lo que hizo que la original funcionara y elevarlo al cuadrado, en otras palabras, ofrecer lo mismo pero el doble de espectacular. Los resultados en taquilla parecen respaldar esta teoría, sin embargo, la calidad de la franquicia se resiente con cada nueva entrega. Piratas del Caribe y Transformers sufren de este síndrome, todo lo contrario al Batman de Christopher Nolan, pues El caballero oscuro supo mantenerse fiel a su antecesora al tiempo que aportó novedades, consiguiendo que la película se sostuviera por sí sola.

Cierro paréntesis. Pasado el efecto sorpresa, el mayor atractivo de la nueva aventura del renovado Sherlock es la introducción de su archienemigo, Moriarty (efectivo y turbador Jared Harris), que pone al detective en jaque con su trama conspiratoria a través de varios países europeos. Para que parezca que el asunto es más complicado de lo que en realidad es, los personajes corren de un lado a otro movidos por las rápidas y enrevesadas deducciones de Holmes, sin que nos de tiempo a procesar cómo el inglés ha podido llegar a tales conclusiones. Las peleas en flashforward y la cámara lenta vuelven a estar presentes pero su uso y abuso llega a saturar, aunque por medio de ellas se consigan secuencias tan vibrantes como la de la huida por el bosque, frenética y estilizada aunque sobrecargada de explosiones y ralentizaciones.

Por su parte, el Sherlock Holmes que le valió un Globo de Oro a Robert Downey Jr. va camino de seguir los pasos de Jack Sparrow, que pasó de ser un personaje carismático y divertido en la primera Piratas del Caribe a convertirse en una caricatura de sí mismo en la tercera entrega. La vena payasa de Holmes ha aumentado con respecto al filme original y aunque no sobrepasa el límite le falta poco. Jude Law sigue dándole la réplica perfecta, mientras que Noomi Rapace ocupa el puesto de protagonista femenina dejado por Rachel McAdams, que se limita a una pequeña intervención. Por mucho que le quieran dar relevancia en el guión, el personaje de Rapace es fácilmente prescindible, sobre todo porque en la historia ya existe una pareja central que desprende química por los cuatro costados y cuya relación es el eje central de la historia, pero parece que el toque femenino es algo indispensable aunque acabe resultando accesorio. Stephen Fry como el hermano mayor de Holmes, Mycroft, está tan divertido como desaprovechado.

Sherlock Holmes: Juego de sombras discurre por derroteros amenos y aparatosos pero de un perfil más bien bajo si lo comparamos con su antecesora, aunque consigue un potente clímax en su tercer acto, en el que los intelectos de Holmes y Moriarty se baten en un duelo definitivo. Además, situar la trama en los albores de la 1ª Guerra Mundial supone todo un acierto y el diseño de producción sigue siendo portentoso. Como ven, no nos encontramos ante una secuela atroz pero resulta perezosa y poco creativa, quizás por la rapidez con la que la han producido para no perder a su potencial audiencia. Las prisas, que son malas consejeras.

6/10

El rincón de Chechu: Los últimos hombres

2012-01-17T22:02:00.001Z

—Me desprecias, ¿verdad?
—Si llegara a pensar en ti, probablemente.
Humphrey Bogart a Peter Lorre, Casablanca.

Dónde quedaron los tiempos en que un cigarrillo, dos ojeras grandes, gesto serio y mucho silencio eran suficientes para demostrar qué clase de hombre se era. Nada de cortes de pelo, de últimas modas, nada de poses forzadas o de ser simpático. Cuando las arrugas llegan y se asientan dan fuerza y poder al rostro, lo sujetan al mundo porque dicen que uno viene de lejos, que ha vivido ya y que merece ser respetado. Cuando la voz se vuelve ronca por los años y el humo, por el alcohol, por todas las palabras que se han dicho y por el cansancio, suena más profunda y hace vibrar el aire. Y cuando un hombre sabe quién es, recuerda lo que ha sido y es consciente de que algún día tendrá que morir igual que muere un perro, cuando sabe que todo importa una mierda y lo que menos importa es él, entonces es un hombre verdadero y puede mirar a los ojos a los demás.

Humphrey Bogart era de esa clase. Y no me refiero a él como actor, sino como personaje global. Evidentemente la persona es una cosa y los papeles que se interpretan otra muy distinta; pero en el Hollywood del Star System, en los años cuarenta y cincuenta, Bogart era para el mundo lo que la pantalla decía que fuese. Y ese ideal, esa imagen proyectada no venía de la nada: venía de una forma de pensar, de una manera de mirar la vida. Del modo de ser y sentir que predominaba aquellos años.

Pero piensen bien. Recuerden. No era guapo. No era alto. Tampoco tenía grandes músculos. Se peinaba hacia atrás, y la frente mostraba el paso del tiempo en sus entradas, en las arrugas. Los ojos eran pequeños, con bolsas debajo de ellos, quizá signo de no dormir bien, quizá herencia genética. La nariz, grande y alargada. Sin embargo, Katherine Hephburn tembló en sus brazos bajo el cielo nublado de Marruecos, y Lauren Bacall —imponente, seria, mujer de verdad— cayó a sus pies en El sueño eterno, rezó por que silbase en Tener o no tener, y se casó con él en la vida real.

Sin embargo, no sólo ellas lo admiraron. Millones de mujeres tenían esa sensación, allá desde el fondo de los cines, acurrucadas en los hombros de sus maridos, soñando con lejanas islas en guerra o con ciudades sombrías llenas de crímenes, pensando contentas en lo mucho que se parecía Bogart al padre de sus hijos o imaginando, llenas de tristeza y resignación, que quizá el haber nacido en otro lugar les hubiese dado la suerte de encontrar un hombre así. El detective Sam Spade en El halcón maltés, el rudo capitán de barco de La reina de África, el cínico Rick de Casablanca. Hasta Woody Allen quiso ser como él en Sueños de un seductor, y lo devolvió a la vida para que lo ayudase, no ya a conquistar a una mujer, sino a nutrirse de esa atracción invisible, tan poderosa como anacrónica, que desprendía en cada plano.

Y ahora piensen de nuevo, pero esta vez en actores actuales, en sex symbols de hoy, de portada de revista y cajita de perfume. No voy a dar ningún nombre. Simplemente imaginen, busquen, comprendan. Todos son guapos, todos son fuertes y altos, o fingen serlo con ridículos tacones, todos tienen la cara llena de maquillaje, se peinan durante horas, y cuando envejecen pasan por el doctor, ‘oiga doctor’, dicen, ‘quiero parecer más joven’. Van al gimnasio, hacen músculos, comen de puta madre para poder lucir abdominales en el último anuncio de Calvin Klein, o de Hugo Boss, con camisas de diseño medio abiertas, tumbados en un sofá, también de diseño, que resalta el brillo de su piel suave y depilada. Se dejan un poco de barba, descuidada pero perfectamente calculada para dar imagen casual, espontánea, de chico que no se arregla pero que está jodidamente guapo todo el día. Gastan millones en productos de estética y, cuando todo eso no funciona, o cuando funciona y quieren ser más artificiales y perfectos todavía, retocan sus fotos en el ordenador. Venden una imagen, una forma de ser, de entender y afrontar la vida, en la que todo importa y sobre todo ellos importan, en la que no existe la muerte porque sus arrugas se han estirado por arte de magia, en la que pensar en que un día quizá les pongan pañales y no puedan ducharse ellos mismos no entra en sus planes. Se casan y se divorcian mil veces, porque el amor es evidentemente eso, la apariencia, y cuando se cansan de sus mujeres y aparece una modelo, otra actriz, una puta de lujo más cachonda que ellas, venden a su madre por un polvo y por ganarle un poco más de tiempo al tiempo. Casi ninguno fuma, pero los que lo hacen es por la pose. Les da un aire —creen— más rebelde y auténtico. Más parecido, digámoslo así, al viejo y poderoso Humphrey.

Pero claro. Somos víctimas de la sociedad, y de la forma en que van transcurriendo los días. A veces me imagino —y lloro de risa— a un guaperas contemporáneo en el bar de Rick. Cargado de pasta y de trajes de Armani. De chicas analfabetas y esculturales. Me imagino la forma en que pediría entrar en la zona VIP, o la suficiencia con la que pagaría las copas, o se olvidaría de pagarlas. Y me imagino al viejo Rick, perro de perros y hombre de hombres, diciéndole, con la educación que el guaperas no tendría, ‘disculpe, caballero, creo que se ha equivocado de bar’. O no diciéndole nada pero mirándolo fijamente, fumando despacio, y dándose después la vuelta mientras hace un gesto al portero. Y comparo a Katherine Hephburn o a Lauren Bacall con los pechos operados de las gilipollas de vestido rojo que llevaría el guapo, y en fin, qué quieren que les diga.

Humphrey Bogart fue uno de los grandes, perteneció a una estirpe que se ha ido extinguiendo, a esa clase de actores de verdad —Stewart, Newman, Brando, Cooper—, enteros, honestos, llenos de contradicciones pero claros, llenos dolor y de nostalgia, capaces de amar una mirada o una forma de caminar, de darlo todo, hasta su propia felicidad, por la seguridad y el futuro de una mujer. De fumar despacio y analizar los gestos, de guardar silencio por norma general, de ser ellos mismos y saber que un día, quizá no muy lejano, pueden morir y todo acabará, y nada importará entonces salvo su recuerdo.

Y es que no está de moda ser feo. Ya que la personalidad no importa, ni importa la presencia, el honor, la mirada, la experiencia, lo que se tiene, en fin, dentro del coco, sólo nos queda bajar a la calle, cruzar la acera y preguntar a nuestra peluquera habitual —porque debemos tener una— qué consejos nos da para parecer más desenfadados este invierno, qué color de pelo nos irá mejor con la chaqueta de cuero, cómo tenemos que coger el cigarrillo para resultar soberanamente atractivos a las estúpidas que nos encontramos por la noche, o qué clase de pantalones pitillo se llevan, y con qué gafas modernas —redondas, cuadradas, hay para elegir— nos darían un aspecto más intelectual, y hasta qué deje de chico malo y atormentado debemos poner en la voz para que las chiquillas monas flipen cuando nos oigan decir alguna gilipollez. Y así hasta que seamos viejos, y nos operemos todos las caras y seamos todos más lisos que la seda, y vayamos al gimnasio para lucir bíceps a través del jersey, y tableta de chocolate en la playa. Pero bueno. Al menos a algunos —los feos, los viejos, los enclenques, a Humphrey Bogart desde la tumba y quizá a Viggo Mortensen, último soldado— nos quedará Sabina cantando al oído su antigua canción: Incluso en un gimnasio me inscribí / pero no me curaron / oiga doctor / todos los miembros me hincharon / menos el viril.

Globos de Oro 2012: Entre artistas y descendientes anda el juego

2012-01-16T10:57:00.001Z

A pesar de las numerosas críticas y escándalos que han cosechado los Globos de Oro a lo largo de su historia siempre han sido un buen barómetro para dilucidar quiénes encabezan la carrera a por el Oscar, aunque sus ganadores no siempre se traduzcan en los futuros portadores de la estatuilla dorada. Con el palmarés de este año, The Artist se consolida como la favorita alzándose con los premios de mejor película y actor en el apartado de mejor comedia o musical y el de banda sonora, aunque le ha faltado el de mejor director (que ha ido a parar a Martin Scorsese) para marcar una gran ventaja frente a sus rivales.

Los descendientes sería la segunda en cabeza al obtener el premio a mejor película y actor protagonista en la sección de drama . En cuanto a las categorías de interpretación no hay sorpresas con los actores de reparto, Christopher Plummer y Octavia Spencer, pero habrá que ver si la Academia se decanta por Meryl Streep, Michelle Williams o por la tercera en discordia, Viola Davis en el apartado de mejor actriz protagonista. En definitiva, unos premios muy repartidos.

Para informarse de las categorías de televisión les recomiendo que pinchen en este enlace de ¡Vaya tele!. En cuanto a la ceremonia, según he leído en la red la labor como conductor de la ceremonia de Ricky Gervais ha estado por debajo de lo esperado, siendo superado en muchas ocasiones por las contestaciones de los presentadores a los que lanzaba sus dardos envenenados. Muy grande Sofía Vergara recogiendo el Globo de Oro a mejor serie cómica por Modern Family, voy a empezar a ver la serie sólo por ella.

Y en cuanto a quién fue la mujer más guapa y mejor vestida que pasó por la alfombra roja este año me quedó con la impresionante Kate Beckinsale, que consiguió que Seth Rogen tuviera una erección masiva cuando presentaron juntos uno de los premios, provocándole un ataque de risa a la actriz (ver video aquí). Pero el verdadero protagonista de la noche fue Uggie; el simpático perro de The Artist no faltó a la cita y espero que vuelva a estar presente en la noche de los Oscar, el próximo 27 de febrero. Nuestra próxima cita es el 24 de enero, día en el que se darán a conocer las nominaciones. Les dejo con la lista de ganadores de la 69ª edición de los Globos de Oro:

Mejor película (Drama)
Los descendientes

Mejor película (Comedia o musical)
The Artist

Mejor director
Martin Scorsese por La invención de Hugo

Mejor actor (Drama)
George Clooney por Los descendientes

Mejor actriz (Drama)
Meryl Streep por La dama de hierro

Mejor actor (Comedia o musical)
Jean Dujardin por The Artist

Mejor actriz (Comedia o musical)
Michelle Williams por My Week with Marilyn

Mejor actor de reparto
Christopher Plummer por Beginners

Mejor actriz de reparto
Octavia Spencer por Criadas y señoras

Mejor guión
Woody Allen por Midnight in Paris

Mejor banda sonora
Ludovic Bource por The Artist

Mejor canción
"Masterpiece" de W.E.

Mejor película de animación
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio

Mejor película extranjera
Nader y Sidim, una separación (Irán)

Tráiler de Silent House: Terror en tiempo real

2012-01-14T19:35:00.001Z

Hollywood sigue echando mano de películas extranjeras para maquillar su sempiterna crisis de creatividad, siendo el terror uno de los géneros más socorridos. El último ejemplo se titula Silent House, remake de la argentina La casa muda, la cual hizo un recorrido bastante exitoso por varios festivales de cine como Cannes y Sitges hace un par de años. Su mayor interés reside en la forma en la que se había rodado: con una Canon 5D y en (falso) plano secuencia de 80 minutos, siguiendo en todo momento a la protagonista.

La versión americana, dirigida por Chris Kentis y Laura Lau (Open Water), parte de la misma premisa: una joven que se adentra junto a su padre en una vieja mansión con el fin de restaurarla para una futura venta, pero poco después de entrar empiezan a suceder cosas extrañas… La protagonista de la película es Elizabeth Olsen, hermana pequeña de las famosas gemelas Mary-Kate y Ashley Olsen, que ha disipado las posibles dudas acerca de su talento con su interpretación en Martha Marcy May Marlene, película que se estrenará en España el mes que viene y por la que podría optar al Oscar (aunque tiene mucha competencia). En marzo también la veremos en Luces rojas, lo nuevo de Rodrigo Cortés (Buried) y tiene otras dos películas pendientes de estreno, así que podría convertirse perfectamente en la ‘Jessica Chastain’ del 2012 (hasta ya tienen una foto juntas).Y por Twitter es muy cercana y simpática, todo sea dicho.

Según he leído por ahí el filme original tampoco es una genialidad. Muchos la tachan de aburrida, tramposa y de tener demasiados tiempos muertos, pero quizás los responsables del remedo americano hayan subsanado esos errores…. ya veremos. El tráiler está muy bien montado y nos da una pequeña muestra de lo mucho que se ha esforzado Elizabeth Olsen en su registro de ‘Scream Queen’. La película se estrenará el 9 de marzo en Estados Unidos, mientras que en España aún no hay fecha prevista. A continuación, el avance:

Un zoo donde asentarse

2012-01-13T21:57:00.000Z

Dir.: Cameron Crowe
Int.: Matt Damon, Scarlett Johansson, Thomas Haden Church, Colin Ford, Elle Fanning, Maggie Elizabeth Jones, Patrick Fugit
¿De qué va?: Meses después de la muerte de su esposa, Benjamin Mee deja su empleo como columnista de prensa y decide comprar una casa rural que viene con el añadido de una reserva de animales de ocho hectáreas que necesita rehabilitación. Con la esperanza de encontrar un nuevo comienzo para él y sus dos hijos, Benjamin se embarca en una odisea para poder reabrir el zoo.

Reseña: Hay ocasiones en las que tenemos muy claro el camino a seguir, pero la vida puede ser muy caprichosa, llevándonos por derroteros inesperados hasta que, ¡oh sorpresa!, hallamos la ansiada felicidad y sin que tuviera nada que ver con lo que teníamos pensado en un principio. No se trata de conformismo, sino de descubrir que no hay una única manera de alcanzar la plenitud. En otras ocasiones, simplemente, necesitamos de un cambio en nuestra rutina o de una segunda oportunidad para cicatrizar heridas y sentirnos vivos de nuevo.

Estados Unidos, tierra de oportunidades, es una fábrica constante de esas historias de superación, nuevos comienzos y grandes hazañas que cada año hacen crecer como personas a mucha gente. Uno de ellos, Benjamin Mee, dejó constancia de su experiencia como dirigente por sorpresa de un zoo de capa caída en un best-seller que ha sido llevado a la gran pantalla por Cameron Crowe. Un lugar para soñar no es tan cursi como se podría esperar de su título en español (mejor sería el más sencillo y directo ‘Hemos comprado un zoo’) pero es probable que su buenrollismo irrite a los más ariscos, aunque no necesariamente, porque Crowe crea un ambiente vivaz y bienintencionado tan eficaz que vale la pena que aparquemos nuestro lado más ‘Scrooge’ por un par de horas para dejarnos llevar por los buenos sentimientos.

Resulta muy difícil resistirse a la cálida fotografía de Rodrigo Pietro, así como a la vibrante banda sonora compuesta por Jónsi (cantante y guitarrista del grupo Sigur Ros) y a un reparto tremendamente simpático. Matt Damon es tan bueno haciendo de espía amnésico como de hombre normal y corriente, un bonachón que, como buen líder de la manada, intenta sacar adelante a su familia y a su nuevo hogar mientras lleva el duelo por su esposa, a la que intenta recordar con cariño sin caer en una desmesurada añoranza.

Scarlett Johansson se desprende de su inherente sex-appeal para componer un personaje más parecido a los que hacía en el comienzo de su carrera, aunque tratándose de una cuidadora de animales a la que no vemos tocar a casi ninguno debería haberse ensuciado un poco más las manos. Tras Somewhere y Super 8, Elle Fanning se consolida como una de las presencias más radiantes y encantadoras del cine americano actual, aunque la pequeña Maggie Elizabeth Jones le come mucho terreno en el filme con sus mohínes y su carita angelical. Un pequeño gran descubrimiento.

Además de un apartado musical especialmente cuidado, las películas de Cameron Crowe suelen tener en común una duración que sobrepasa los 120 minutos. Un lugar para soñar no es la excepción, y aunque su historia se podría haber contado perfectamente en hora y media el director consigue que la narración sea muy amena y sin tiempos muertos, por lo que las dos horas que dura se pasan volando. Su mayor hándicap reside en algunos secundarios desaprovechados y en su exacerbado positivismo pero, sinceramente, prefiero una película así, que aun notándose su (impecable) manufactura tiene corazón y es transparente, que otras películas familiares al estilo de Zooloco que hasta podrían perjudicar nuestra salud mental. Si hay una película por la que debamos crecer como personas, que sea ésta.

7/10

O.C: La caza (1965)

2012-01-12T23:45:00.000Z

¿De qué va?: José, Paco y Luis son tres amigos que van de caza a un coto que fue escenario de una batalla durante la Guerra Civil. Todos ellos están pasando por un momento difícil, con separaciones y problemas con el alcohol de por medio, y lo que iba a ser una jornada tranquila acaba convirtiéndose en un enfrentamiento entre los tres hombres.

Reputación: En 1962 empezó a surgir en España una nueva ola de directores, generalmente de izquierdas y opuestos a la dictadura franquista, a raíz de las nuevas ayudas estatales y del impulso de la Escuela Oficial de Cine por parte de José María García Escudero, responsable de la Dirección General de Cine. Uno de los realizadores más importantes de aquella época fue Carlos Saura, quien tras introducir el Neorrealismo en España con Los golfos y hacer Llanto por un bandido, biopic sobre el bandolero José María “El Tempranillo”, dirigió La caza, con la que consiguió una gran notoriedad en el extranjero y el Oso de Plata a mejor director en el Festival de Cine de Berlín. La película supuso la primera de una larga y fructífera colaboración entre Saura y el reputado productor Elías Querejeta (prologada hasta 1981), lo cual le garantizó al primero un equipo técnico sobresaliente y la mitad del presupuesto del filme. El rodaje se llevó a cabo durante cuatro semanas durante el mes de agosto de 1964 en un paisaje desértico donde los actores tuvieron dificultades debido a las altas temperaturas. Curiosamente, el título original de la película era La caza del conejo y se quedó en simplemente La caza por orden de la censura.

Comentario: La primera impresión que me dejó La caza nada más acabar fue bastante fría. Esperaba encontrarme un demoledor retrato de la España franquista al estilo de Calle mayor o Muerte de un ciclista y no lo sentí como tal. El problema fue que en aquel momento debía estar muy espeso porque con el paso de los días he madurado mi opinión sobre la película y me he dado cuenta de que tiene más jugo de lo que creía, lo que pasa es que está soterrado, como las madrigueras en las que se esconden los conejos. Son algunos detalles, como la música, alusiones en los diálogos y cosas que se pueden leer entre líneas los que definen el contexto de la historia y el carácter de los personajes, marcados por una guerra civil que ni siquiera se nombra, aunque en realidad toda la película puede funcionar como cruda metáfora del conflicto fraticida que abrió una brecha en el país.

Próximo visionado: Kramer contra Kramer (1979)

El rincón de Chechu: Al sur de Río Grande

2012-01-11T23:45:00.001Z

La luz ultravioleta sirve para ver el alma de las piedras. Pero no la miréis directamente, con las personas no funciona. Todavía no se ha inventado nada para las personas.

Hans, Un lugar en el mundo.

Un hombre vuelve a la tierra. El horizonte es amplio y no tiene fin, el verde se mezcla con el marrón, el cielo aplasta los matorrales; algunos árboles, lejanos, miran hacia arriba. Por la carretera que parte el mundo, que viene desde allá hacia aquí, se mueve un autobús viejo. El sol es bajo todavía. Apenas se ha estrenado la mañana. Para qué, se pregunta el hombre, por qué volver. A dónde volver. Un pueblo comienza a distinguirse a lo lejos, anclado en la falda de la montaña. Son casas de laneros. Pocas y blancas, como nieve en medio de un estruendo. El silencio es tan fuerte que aplasta los oídos allí, al sur de Río Grande. Baja el hombre del autobús detenido, ya frente a un hotel antiguo. Y luego, pedalea hacia atrás. Vuelve a su infancia. Desde un tronco gastado recuerda, y es el recuerdo lo que va buscando. El aire ya es limpio y el sol está alto.

Argentina es tan lejana y tan grande, está tan llena de vidas y de palabras, de literatura y de música, de sueños rotos, de hombres poderosos y de miseria, de picardía y de caminitos. Tiene grandes ciudades pero también tiene el bife, y las vacas pastan tranquilas en el desierto verde que es La Pampa. Los hinchas se vuelven locos por el fútbol y los niños juegan por las calles sucias. El mate, amargo, relaja los días y las noches y va dejando el poso austero de la pobreza en la boca de la gente, quizá para recordarles de dónde vienen o cómo han llegado allí, para bajarlos al mundo real de tierra y polvo que nunca olvidarán, para que la magia porteña no los engañe y no piensen mucho en lo que podrían haber sido y no son.

Reflejar la realidad de un pueblo que se ha formado a base de españoles e italianos es complicado y es doloroso, pero también es bello. Nadie puede hacerlo si no ha mamado de la teta emigrante o del bandoneón melancólico. Si no eres de allí, no comprendes. Por eso el cine argentino es tan atractivo y tan redondo, por eso sigue los entresijos de una personalidad contenida, por eso se mueve en la máscara orgullosa del que sabe lo que ocurre en realidad, y muestra realmente lo que hay debajo, que no son más que pasiones, mentiras, honradez y derrota. Sobre todo derrota.

Adolfo Aristarain es un genio. No ya como cineasta, como director o como guionista, sino como traductor, como reflejo de lo que subyace y lo que nadie más ve. Un poeta no crea, traduce la realidad. Recoge lo que hay delante de los ojos y lo que hay detrás de los ojos y lo plasma, bello, estético, sonoro, en palabras inmortales. Aristarain hace lo mismo: desgrana lo que existe, no sólo lo que se ve. Las miradas, los acentos, las lágrimas del alma, las sonrisas amargas que mienten, los sueños y las pérdidas, el carácter argentino que no deja de ser el carácter potenciado de todos los hombres porque Argentina es un hervidero de alambres; es la cima de lo visceral y de lo antiguo, de lo moderno y lo caliente, es donde más se siente y donde menos importa el resto.

Federico Luppi es actor, pero intuyo que quizá es él mismo cuando actúa. Inteligente, a veces honesto, a veces traidor, siempre implacable e incisivo, ‘como un muro, pero transparente’, como dice Ernesto al llegar al sur de Río Grande, o ‘un hijo de puta’, como dice Cecilia Roth en Martín Hache, o ‘un caballero’, en palabras de Tutti Tudela, la bibliotecaria de Lugares comunes. Un argentino, a fin de cuentas, que sabe quién es y dónde está, que es consciente de sus defectos y de sus virtudes, y es humilde a veces y egoísta otras, y capaz de darlo todo, su familia, su vida, por un puñado de laneros analfabetos. Capaz de huir a España, capaz de volver ‘porque nunca se ha ido realmente’, con ese afecto antiguo que siente por su patria, madre y a la vez puta, que llama desde lejos mientras sangra, que está irremediablemente perdida pero todavía tiene esperanza.

Los ojos de una mujer enamorada son inconfundibles, aquí o en cualquier parte, porque brillan a veces por los lados mientras miran de lejos al hombre, mientras el gesto permanece impasible pero ella sabe que se deshace por dentro, y que quizás le sigan temblando las rodillas al levantarse delante de él. Eso lo sabe Aristarain, y lo sabe también Cecilia Roth. Viendo sus películas uno no es capaz de distinguir si todo es cierto o es en realidad un sueño, dónde acaba la actriz y dónde empieza la persona. Martín Hache es la devoción absoluta, el amor desesperado y doloroso que lleva a la muerte; Un lugar en el mundo es el cariño y el respeto, el valor de los hijos, y la pasión y la verdad enterradas para siempre, en el llanto de los llantos, porque una mujer completa es generosa y se sacrifica, y todo le duele más que a nadie pero nunca se queja.

Yo nunca he estado en Argentina. Tengo familia allá, naturalmente —soy gallego—, así que conozco un poquito ese acento meloso y dulce desde cerca, esos ojos cansados de luchar pero que se encienden de vez en cuando porque en el fondo todavía hay una chispa, una pequeña luz que los guía, que los hace pasar por encima del dolor y de las cosas para seguir adelante y vivir, porque los días son cortos y las noches más todavía, y el hervidero de alambres no puede quedarse solo ante la muerte. Aunque uno se vaya, y esté en otro lugar, en otro tiempo, siempre queda la madre, con sus calles bajas y sus campos largos, su Tierra del Fuego y sus escritores geniales, su picaresca y su origen, su mezcla y su convencimiento de que la mala suerte ya no puede durar más. Lo mismo que nos ocurre a todos, en realidad, cuando sufrimos o cuando amamos, y cuando dejamos la tierra y nos vamos lejos, y nos invade la morriña y ya no queda sino avanzar, encontrar Un lugar en el mundo y quedarnos allá, viviendo de las memorias que hemos dejado atrás.

Es muy difícil comprender a un hombre. Tenemos el alma a flor de piel pero escondida, detrás de los años y de las derrotas. Sin embargo, hay películas que hacen saltar el corazón contra nosotros y nos invaden, comprendemos con ellas por qué el mundo es como es y quiénes somos y queremos ser, por qué hacemos lo que hacemos, por qué ellos, allá al sur de Río Grande, actúan como actúan y aman como aman, por qué llega un momento en la vida en que no podemos ya dejar un sitio, dónde está el hogar, quién es la patria, cómo nos sentimos al enamorarnos y mirar a los ojos a esa mujer, cercana y maravillosa, compleja, única, porque el cine de Aristarain es luz ultravioleta, y lo miras directamente y ves el alma de las personas.

El escorpión y la rana

2012-01-10T22:19:00.000Z

Dir.: Nicolas Winding Refn
Int.: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Albert Brooks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Ron Perlman, Christina Hendricks
¿De qué va?: Un joven que trabaja como conductor especialista de cine acepta trabajar ocasionalmente de noche como chófer de los principales mafiosos de Los Ángeles para ayudarles a escapar de la policía, pero su mundo y sus prioridades cambian completamente el día que conoce a su vecina, Irene, y a su hijo.

Reseña: Había una vez un escorpión que le pidió a una rana que le ayudara a cruzar el río, prometiendo no hacerle ningún daño. La rana aceptó y lo subió a su espalda, pero cuando iban por la mitad del trayecto el escorpión la picó con su aguijón. La rana, incrédula, le preguntó “¿Por qué has hecho algo así? ¡Ahora moriremos los dos!”, a lo que el escorpión respondió “No he tenido elección, es mi naturaleza”. La pesimista moraleja de esta historia la siente como si fuera propia el kamikaze protagonista de Drive, un filme híbrido entre thriller ochentero, drama intimista y cine noir tan tenso y brutal que impacta como si de un choque frontal se tratara.

Sobre el papel, Drive es un thriller correcto, pero bastante lineal y corriente. No sé qué tal estará la novela de James Sallis en la que se basa y qué quedará de ella en el guión, pero ese material en otras manos habría producido un engendro con aspiraciones de triunfar entre el público cuya película de referencia es A todo gas. Pero Nicolas Winding Refn no es un realizador de encargo cualquiera. Drive es la primera película que veo de él pero se nota que es de esos directores que se pueden amoldar al gusto comercial sin renunciar a su particular visión del cine. Refn insufla a Drive de influencias y homenajes al cine criminal ochentero sin excederse como lo suele hacer Quentin Tarantino, aunque bien es cierto que desde Kill Bill no habíamos visto una historia de venganza tan sangrienta y poética como ésta.

Refn enriquece la historia de Drive combinando todos los recursos estilísticos de los que dispone. A menudo recurre a la cámara lenta para recrearse en la retorcida belleza de las escenas más violentas, valiéndose del sonido, y de la ausencia de él, para marcar las pautas de la acción. Y no sólo el sonido: la fotografía, la música o el movimiento de los actores son aprovechados al máximo para crear escenas brillantes, como la que se desarrolla dentro de un ascensor; es admirable la forma en la que transforma algo romántico y noble en un acto atroz y violento que define un camino sin retorno.

El director encuentra a su perfecto cómplice en la figura de Ryan Gosling. El actor está sublime, saca petróleo de su personaje, que aun siendo parco en palabras es capaz de decirlo todo por cómo actúa y a través de la expresión de la cara, sin traicionar su aspecto inquebrantable y austero. Es una interpretación más complicada de lo que parece y Gosling sale indemne, con actitud y sin despeinarse. Por su parte, Carey Mulligan ilumina la escena con su mera presencia, mostrándose tan angelical y vulnerable que entendemos perfectamente el sentimiento que provoca en el interior del inalterable Gosling. El reparto al completo está irreprochable, y aunque Albert Brooks haga una gran actuación no comparto las desmesuradas alabanzas que está recibiendo al otro lado del charco, tampoco se trata de un villano memorable.

Eché en falta ver algo más del trabajo del protagonista como especialista de cine, pero en realidad tengo poco que objetar de un thriller realmente modélico, a contracorriente y arriesgado que aúna con éxito elementos y referencias muy dispares, nada recomendable para los amantes exclusivos del ‘fast-food’, ese cine que se engulle tan rápido como se digiere. Quien tenga experiencia conduciendo con la única compañía de la radio y el sonido del motor sabe que ese tipo de soledad reconfortante que se experimenta al volante nunca se olvida.

9/10

Dioses de cerámica

2012-01-09T18:34:00.000Z

Dir.: Tarsem Singh
Int.: Henry Cavill, Freida Pinto, Mickey Rourke, Stephen Dorff, Luke Evans, Isabel Lucas, Kellan Lutz, John Hurt
¿De qué va?: El brutal y sangriento rey Hiperión y su despiadado ejército avanzan por Grecia con el objetivo de liberar a los titanes dormidos en el monte Tártaro para desatar el caos en la Tierra y en el Olimpo. Sólo un hombre puede encabezar la rebelión y salvar a los dioses y a su patria: Teseo.

Reseña: Tarsem Singh está llamado a convertirse en un director de culto, no porque sus películas sean de visión obligatoria sino por la especial atención que le presta al diseño artístico de sus obras, consiguiendo imágenes de una belleza surrealista hipnótica aun conteniendo un alto grado de violencia. En La celda nos introdujo en la retorcida mente de un asesino psicópata y en The Fall, su mejor película con diferencia, nos llevó hasta los confines del mundo en un fantástico e imaginativo cuento. Su siguiente parada antes de atreverse con una nueva visión del cuento de Blancanieves y los siete enanitos (que a juzgar por el tráiler da bastante grima) es el péplum fantástico, un género abierto a nuevos horizontes creativos gracias al pelotazo de 300.

Immortals bebe directamente de las fuentes del filme de Zack Snyder, resulta innegable, pero no demos lugar a equívocos: la película es ‘Tarsem’ en estado puro. Las imágenes se perciben como cuadros en movimiento, una sensación acentuada por la cámara lenta en los momentos más épicos y la belleza sobrehumana de los actores (Mickey Rourke no entra dentro de esta ecuación). Cierto es que se pierde realismo y autenticidad porque se nota que los intérpretes actúan rodeados de pantallas verdes, pero una historia de estas características, sobre dioses y series mitológicos, necesita un imaginario visual tan excesivo para hacer disfrutar al personal…

Porque lo que es la historia en sí tiene pero que muy poca chicha. Ofrece todo lo que un péplum fantástico debe tener: batallas sangrientas y espectaculares, el discurso rimbombante que anima a las tropas a dejarse la vida en la batalla, un romance más carnal que intelectual, soldados que luchan a pecho descubierto, un villano cruel y despiadado… y sin embargo todo se antoja carente de vida, superficial y poco emocionante. No se le puede echar la culpa a los actores, sobre todo a Henry Cavill y a Mickey Rourke, que ponen toda la carne en el asador, sino al guión con el que tienen que lidiar, con frases como “Soy ladrón y voy a robarte tu corazón”. Que no se mantenga fiel a la mitología griega es lo de menos.

Así pues, Immortals se muestra más divertida cuando más cafre se pone, en los momentos más sanguinarios y salvajes. De resto nos encontramos con una maravilla visual de una creatividad desbordante que llega a su clímax en el plano que cierra el filme; lástima que el espectáculo termine cuando se pone emocionante de verdad. Habrá que ver si la secuela de la decepcionante Furia de titanes sacia las ansias de épica que tienen los fanáticos del género desde hace años.

5’5/10

Sobre Pinocho, técnicas para ligar y un alijo de cocaína

2012-01-08T14:45:00.000Z

- El reparto del musical de Los Miserables sigue creciendo: Amanda Seyfried (In Time) y Taylor Swift (Historias de San Valentín) han sido las últimas en sumarse a un reparto en el que figuran nombres tan ilustres como los de Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter y Eddie Redmayne. Seyfried encarnará a Cosette, hija de Fantine, papel que interpretará Hathaway en una línea temporal diferente. Por su parte, Swift será Eponine, papel para el que también se barajaron los nombres de Scarlett Johansson, Evan Rachel Wood y Lea Michele.

También se ha dado a conocer que el director, Tom Hooper (El discurso del rey), tiene la intención de grabar las canciones en directo, en vez de en un estudio a posteriori como es habitual, para mantener la esencia teatral de la obra. La fecha de estreno prevista es el 7 de diciembre, demasiado temprano para un proyecto de tanta envergadura que ni siquiera se ha empezado a rodar…

- Siguiendo con Amanda Seyfried, la actriz ya ha comenzado el rodaje de Lovelace, biopic sobre la estrella del porno Linda Lovelace dirigida por Rob Epstein y Jeffrey Friedman (Howl). En el reparto también están Sharon Stone (Bobby), encarnando a su madre, Demi Moore (Margin Call), que será la escritora feminista Gloria Steinem, Juno Temple (Los tres mosqueteros), su mejor amiga, Adam Brody (Scream 4), en el papel del actor con el que co-protagonizó la famosa Garganta profunda, West Bentley (Encontrarás dragones), como Larry Marchiano, su segundo marido, y James Franco (El origen del planeta de los simios), que tras rechazar por falta de tiempo el papel de su primer marido, el que introdujera a Linda en el mundo del porno, Charles “Chuck” Traynor (que fue a parar a Peter Sarsgaard), hará un pequeño cameo como Hugh Hefner, el fundador de la revista Playboy. A continuación pueden ver la primera imagen del rodaje, con Seyfried y Sarsgaard caracterizados para la ocasión:

- Tim Burton (Alicia en el país de las maravillas) se encuentra en negociaciones para encargarse de la dirección de una nueva versión en acción real del famoso cuento de Pinocho con guión de Bryan Fuller (Criando malvas), del mismo modo que Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes: Juego de sombras) podría meterse en la piel de Geppetto si las conversaciones con el actor llegan a buen puerto. Este no es el único proyecto sobre Pinocho en marcha, pues Disney también prepara una película en stop-motion sobre el personaje con guión firmado por Guillermo del Toro (El laberinto del fauno).

- Por fin va cobrando forma el nuevo proyecto de Kathryn Bigelow (En tierra hostil), un thriller sobre la búsqueda de Osama Bin Laden titulado provisionalmente Kill Bin Laden cuyo guión de Mark Boal fue modificado tras los últimos acontecimientos (en principio se trataba de una misión fallida). Los nombres de Joel Edgerton (La cosa), Chris Pratt (Dime con cuántos) y Jason Clarke (The Chicago Code) quedan confirmados, mientras que Jessica Chastain (Criadas y señoras), Edgar Ramírez (Carlos) y Mark Strong (El topo) se encuentran en negociaciones finales para unirse al elenco. El rodaje comenzará el mes que viene y el estreno está previsto para finales de año.

- Clive Owen (Intruders) y Mia Wasikowska (Jane Eyre) suenan para acompañar a Josh Brolin (Valor de ley) en Oldboy, remake de la cinta surcoreana de Park Chan-wook que a su vez se basaba en un popular manga. Spike Lee (Plan oculto) dirigirá esta nueva versión con guión de Mark Protosevich (Soy leyenda) que volverá a centrarse en la historia de un hombre (Brolin) que tras permanecer encerrado 15 años en una habitación es liberado y busca vengarse de sus captores. Owen encarnaría al villano mientras que Wasikowska sería Marie, la protagonista femenina. Christian Bale y Colin Firth sonaron en su momento para el primer papel mientras que Rooney Mara para el segundo. El rodaje se ha retrasado hasta el verano por compromisos contractuales de Brolin con la promoción de Men in Black 3.

- Jessica Biel (Noche de fin de año) y Kaya Scodelario (Furia de titanes) protagonizan Emanuel and the Truth about Fishes, drama independiente que dirige y escribe Francesca Gregorini. El filme se centra en Emanuel (Scodelario), una chica de 17 años que se ofrece a cuidar del bebé de su nueva vecina (Biel). El problema es que la primera quiere ser amiga de la segunda porque le recuerda muchísimo a su fallecida madre, mientras que la otra en vez de un niño tiene un muñeco que hace pasar por él porque se quedó traumatizada cuando el suyo de verdad falleció. El rodaje del filme ya ha comenzado.

- Ryan Gosling (Drive) podría trabajar bajo las órdenes de Gaspar Noé (Enter the Void) en The Golden Suicides, un proyecto cuyo guión ha sido redactado por el escritor Bret Easton Ellis en base a un artículo publicado en Vanity Fair y del que hace tiempo se dijo que James Franco y Angelina Jolie iban a protagonizarlo. La película nos contará la historia real de Jeremy Blake y Theresa Duncan, dos artistas que se suicidaron en 2007 después de haber repetido en varias ocasiones que eran acosados por destacados miembros de la iglesia de la Cienciología y sectores del gobierno de Bush. De momento, Gosling y Noé han mantenido encuentros para hablar del proyecto.

- Jessica Chastain será la protagonista de The Darling, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Russell Banks que dirigirá Denis Villeneuve (Incendies). La actriz encanará a Hannah Musgrave, integrante de un grupo político clandestino que encuentra asilo en Liberia tras huir de Estados Unidos. Allí, tras formar una familia con un miembro del Gobierno, deberá decidir entre huir o permanecer junto a los suyos cuando estalle un sangriento conflicto entre las tropas gubernamentales y las milicias rebeldes. Curiosamente, Martin Scorsese estuvo a punto de rodar este filme hace tiempo con Cate Blanchett como protagonista.

- El siempre atareado James Franco encuentra un hueco en su agenda para negociar su participación en El método (The Game), adaptación del best-seller de Neil Strauss. El actor se pondrá en la piel del propio autor, un periodista de prestigio que pasó de ser un don nadie a un imán para las mujeres cuando se infiltró en una comunidad masculina donde se autodenominaban maestros de la seducción por seguir los consejos de un gurú que impartía lecciones presenciales y consejos para ligar. La película aún está en una fase muy preliminar de su producción, por lo que no se espera hasta bien entrado el 2013.

- Emma Stone (Criadas y señoras) ha firmado para protagonizar Little White Corvette, comedia de acción que se centrará en una muchacha y en su salvaje hermana mayor que viajan a Miami con el propósito de vender un alijo de cocaína de los años 70 valorado en un millón de dólares, encontrado en el maletero del coche de su difunto padre. Michael Diliberti (30 minutos o menos) es el autor del guión de este proyecto que comenzará a rodarse el próximo verano.

- Andy y Lana Wachowski (Speed Racer) tienen la intención de que Natalie Portman (Caballeros, princesas y otras bestias) protagonice Jupiter Ascending, un proyecto de ciencia ficción ultrasecreto que comenzará a rodarse durante el próximo otoño, cuando ambos hayan finiquitado la producción de Cloud Atlas. Aunque aún no hay nada confirmado, parece que Portman se ha mostrado muy interesada en participar.

- Terminamos con la noticia de que el debut como director de Matt Damon (Un lugar para soñar) aún tendrá que esperar, puesto que finalmente será Gus Van Sant quien se encargue de dirigir la que iba a ser su ópera prima (ya trabajaron juntos en El indomable Will Hunting y Gerry). Aunque el actor ha declinado la oportunidad por falta de tiempo seguirá siendo el protagonista de la película, cuyo guión lleva su firma y la del también actor John Krasinski, quien también se dejará ver en el filme. Del argumento tan sólo se sabe que girará en torno a un vendedor que decide dar un giro a su vida mudándose a una pequeña localidad.

La magia del celuloide

2012-01-07T15:56:00.000Z

Dir.: Michel Hazanavicius
Int.: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle
¿De qué va?: George Valentin es una gran estrella del cine mudo cuya carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido con la llegada del cine sonoro. Todo lo contrario que la joven Peppy Miller, que tras comenzar como extra en una película de Valentín se convierte en una gran estrella del nuevo Hollywood.

Reseña: Hubo otra época en la que el cine era más entendido como una fábrica de sueños que como una máquina de hacer dinero; en la que el público en masa asistía al cine sin saber lo que se iba a encontrar; en la que todo era rudimentario y al mismo tiempo mágico. Poco queda de esa época en el panorama cinematográfico actual, y ni siquiera las nuevas generaciones somos capaces de valorarla como se merece, contrarios a todo lo que sea mudo y en blanco y negro. De repente, irrumpe un tal Michel Hazanavicius, director galo cuyo currículo en cine se reduce a dos parodias de la saga Bond y poco más, y obra el milagro: una película de los años 20 en pleno siglo XXI. Y lo más sorprendente es que funciona, tan preciso como el mecanismo de un reloj.

Y es que The Artist no es sólo un ejercicio de estilo. Podría pasar por una película de hace 80 años si no fuera por los rostros reconocibles y por detalles en el guión, guiños y homenajes que hacen referencia al Hollywood clásico en uno de los momentos más cruciales de su historia: el nacimiento del cine sonoro. Ya se había tratado en otros filmes, como en la indispensable Cantando bajo la lluvia, pero la cinta de Hazanavicius también incide especialmente en el ego de los actores, en su vanidad y la volubilidad de su fama (el cruel star-system), y lo hace de una forma sencilla pero majestuosa y dramática, con planos e imágenes cargados de intención y sentido que dan mucha más información de la historia que la que podrían ofrecer los ausentes diálogos.

Sin embargo, The Artist se fortalece gracias al porte de un hombre: Jean Dujardin. El actor es todo carisma, nos conquista con su sonrisa perfecta cuando saborea las mieles del éxito y sentimos su tristeza y frustración cuando su carrera va cuesta abajo. Fácilmente podemos imaginar a George Valentin compartiendo cartelera con Charles Chaplin, Buster Keaton o Gloria Swanson. Bérénice Bejo tampoco se queda muy atrás encarnando a Peppy Miller, mostrándose tan encantadora y exultante que no nos extraña que haya experimentado un ascenso tan meteórico en la historia porque nosotros también caemos rendidos a sus pies. James Cromwell y John Goodman, los actores más populares del filme, secundan a la pareja protagonista en sintonía con el conjunto.Y tampoco me puedo olvidar del perro, Uggy, un personaje tan simpático como esencial en la trama.

¿Qué pasaría si la película fuera a todo color? ¿Perdería buena parte de su encanto si hubiera sido rodada bajo un método convencional? Seguramente, pero de la misma forma en la que no habría triunfado Avatar sin su factura técnica tridimensional o si los mayas de Apocalypto hubiesen hablado un perfecto inglés. The Artist es tal y como se muestra en su emocionante y redondo final, un homenaje al proceso de creación del cine, a toda su historia, y como tal brilla cual estrella del Hollywood dorado.

9/10

Nominaciones a los OFB 2011

2012-01-06T18:01:00.000Z

En plena temporada de entregas de premios, The Other Fanboy Blog no iba a ser menos, por lo que aquí tienen la lista de nominados a lo mejor de las películas que se han estrenado en España a lo largo del 2011 (y que haya podido ver el autor del presente blog). Siguen siendo las categorías de todos los años más una nueva que premia a la mejor escena y otra a la película más decepcionante, sustituyendo a la categoría de “lo más vergonzoso” de la anterior edición.

Ustedes pueden participar votando a la película que más les ha gustado de entre las diez candidatas a mejor filme en la encuesta que pueden encontrar en la columna derecha. El que reúna el mayor número de votos el próximo 21 de enero ganará el premio de los seguidores, que figurará con el resto de galardonados en la entrada que se publicará ese mismo día. Hay filmes nominados de los que aún no hay reseña, como The Artist o Drive, pero no se preocupen porque serán publicadas en los próximos días.

Ya saben que disponen del apartado de comentarios para alabar a los nominados, criticarlos impunemente, extrañarse por las ausencias, decir qué película han escogido en la votación y por qué, etcétera. Todo lo que quieran compartir es bienvenido… salvo el spam.

Sin más dilación, los nominados al OFB son:

Mejor película
Beginners
Cisne negro
Crazy, Stupid, Love
Criadas y señoras
Drive
Midnight in Paris
Nunca me abandones
Pequeñas mentiras sin importancia
The Artist
X-Men: Primera generación

Mejor director
Woody Allen por Midnight in Paris
Darren Aronofsky por Cisne negro
Michel Hazanavicius por The Artist
Mike Mills por Beginners
Nicolas Winding Refn por Drive

Mejor actor protagonista
Jeff Bridges por Valor de ley
Stephen Dorff por Somewhere
Jean Dujardin por The Artist
James Franco por 127 horas
Ryan Gosling por Drive

Mejor actriz protagonista
Annette Bening por Los chicos están bien
Viola Davis por Criadas y señoras
Jennifer Lawrence por Winter’s Bone
Natalie Portman por Cisne negro
Kristen Wiig por La boda de mi mejor amiga

Mejor actor de reparto
Christian Bale por The Fighter
Christopher Plummer por Beginners
Brad Pitt por El árbol de la vida
Andy Serkis por El origen del planeta de los simios
Christoph Waltz por Un dios salvaje

Mejor actriz de reparto
Bérénice Bejo por The Artist
Jessica Chastain por El árbol de la vida
Melissa Leo por The Fighter
Carey Mulligan por Drive
Octavia Spencer por Criadas y señoras

Mejor guión original
Woody Allen por Midnight in Paris
Michel Hazanavicius por The Artist
John McLaughlin y Mark Heyman por Cisne negro
Mike Mills por Beginners
Kristen Wiig y Annie Munolo por La boda de mi mejor amiga

Mejor guión adaptado
Hossein Amini por Drive
Joen Coen y Ethan Coen por Valor de ley
Alex Garland por Nunca me abandones
Roman Polanski y Yasmina Reza por Un dios salvaje
Tate Taylor por Criadas y señoras

Mejor montaje
Cisne negro
Drive
Hannah
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
The Artist

Mejor fotografía
Russell Boyd por Camino a la libertad
Roger Deakins por Valor de ley
Matthew Libatique por Cisne negro
Emmanuel Lubezki por El árbol de la vida
Guillaume Schiffman por The Artist

Mejor vestuario
Cisne negro
Criadas y señoras
Jane Eyre
The Artist
Valor de ley

Mejor banda sonora instrumental
Ludovic Bource por The Artist
The Chemichal Brothers por Hanna
Alexandre Desplat por El árbol de la vida
Rachel Portman por Nunca me abandones
Hans Zimmer por Rango

Mejor banda sonora (Compilación de canciones)
Country Strong
Drive
Pequeñas mentiras sin importancia
Sucker Punch
Un lugar para soñar

Mejor canción
"Bad Karma" de Scream 4
"Gathering Stories" de Un lugar para soñar
"I’ll Try Anything Once" de Somewhere
"Love Love" de X-Men: Primera generación
"Talk to me" de Pequeñas mentiras sin importancia

Mejores efectos especiales
Capitán América: El primer vengador
El origen del planeta de los simios
X-Men: Primera generación

Mejor reparto
Cisne negro
Crazy, Stupid, Love
Criadas y señoras
Midnight in Paris
Un dios salvaje

Mejor película de animación
Enredados
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
Rango

Mejor película española
Primos
Secuestrados
También la lluvia

Mejor escena
La amputación de 127 horas
El viaje en avión de La boda de mi mejor amiga
La transformación final de Nina en Cisne negro
El beso en el ascensor de Drive
El desenlace de The Artist

Mayor decepción
¿Cómo sabes si…?
Green Lantern
Intruders
Invasión a la Tierra
Un método peligroso

Recuento de películas con mayor nº de nominaciones

The Artist: 10
Cisne negro: 9
Drive: 8
Criadas y señoras: 6
Beginners: 4
Midnight in Paris: 4
Valor de ley: 4
El árbol de la vida: 4
Nunca me abandones: 3
La boda de mi mejor amiga: 3
Pequeñas mentiras sin importancia: 3
X-Men: Primera generación: 3
Un dios salvaje: 3

O.C: El acorazado Potemkin (1925)

2012-01-05T13:22:00.000Z

¿De qué va?: Los marineros del acorazado Potemkin, hartos del trato vejatorio al que los someten los oficiales, deciden revelarse en el momento en el que los obligan a alimentarse de carne podrida. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odessa y por toda Rusia.

Reputación: El acorazado Potemkin nace en 1925 como encargo al realizador Serguéi Einsestein de elevar el espíritu de la revolución social bolchevique de 1917. Einsestein fue un pionero del uso del montaje en el cine, puesto que no se limitaba a narrar una historia a través de la sucesión de planos, sino que además manipulaba las emociones de la audiencia, convirtiendo el montaje en el elemento más expresivo del filme, más que los propios personajes. También empleó por primera vez en el cine soviético los travelling, aunque no demasiado, ya que el movimiento va determinado por la acción y el montaje. La película consta de 1.290 planos, 170 proceden de la famosa secuencia de la escalinata de Odessa que ha sido homenajeada en multitud de ocasiones, como en Los intocables de Elliot Ness, El padrino o en varios episodios de Los Simpsons. La película fue prohibida en Alemania, Gran Bretaña, España, Francia y en otros países por su contenido revolucionario. Tras El acorazado Potemkin, Einsestein dirigió dos películas más, Octubre y La línea general, y luego se marchó a Estados Unidos, donde los estudios lo recibieron con los brazos abiertos. Sin embargo, no llegó a dirigir en América tras ser rechazados varios de sus guiones. El acorazado Potemkin está considerada como una de las películas más importantes de la historia por sus aportaciones a la narración cinematográfica y al lenguaje visual.

Comentario: El valor artístico, histórico y cultural de El acorazado Potemkin es indiscutible. Ahora bien, ¿conocen a alguien que la considere su película favorita? Yo al menos no, aunque supongo que será una de las películas de cabecera del movimiento comunista. Con esto quiero decir que sí, que es una película de visión obligatoria para cualquier amante del cine, más aún para el que quiera trabajar en el medio, pero no le encuentro más provecho que el de objeto de estudio, porque el montaje ideológico provoca que todo ocurra de forma muy distante, nos impide que nos impliquemos en una revolución que ya de por sí es eminentemente propagandística. Lo mejor de todo es el magistral clímax que se consigue en el episodio de la escalera de Odessa, todo lo contario al que le sigue poniendo punto y final a la película, pues cuenta poco en demasiado tiempo.

Próximo visionado: La caza (1965)

Las perversas hadas de los dientes

2012-01-04T16:47:00.000Z

Dir.: Troy Nixey
Int.: Katie Holmes, Guy Pearce, Bailee Madison, Alan Dale, Julia Blake, Jack Thompson
¿De qué va?: Sally Hurst en una niña solitaria y retraída que se muda con su padre y su nueva novia a una mansión del siglo XIX que ellos se están encargando de restaurar. Explorando la propiedad, Sally encuentra un sótano abandonado en el que oye a través de una rejilla cómo la llaman por su nombre unas extrañas criaturas…

Reseña: Tras el éxito que le reportó Hellboy y especialmente El laberinto del fauno, Guillermo del Toro no ha parado de acumular proyectos, sin embargo, el realizador mexicano ha preferido en muchos casos ceder la dirección a otras manos mientras él se dedica a las labores de producción. Pasó con El Hobbit y también con No tengas miedo a la oscuridad, remake basado en un telefilme de 1973 que del Toro se empeñó en sacar adelante por el terror que le había provocado cuando lo vio de pequeño, dejando al frente de la nueva versión al primerizo Troy Nixey.

El director de El espinazo del diablo también es responsable del libreto del filme, y eso se nota en algunos elementos reconocibles en su filmografía: niña que con su curiosidad e imaginación abre una puerta a un mundo desconocido, una historia semejante a un cuento de hadas lúgubre y retorcido y la presencia de unas criaturas crueles y abominables que se esconden en la penumbra. Sin embargo, hay unos pocos fallos de guión garrafales que dificultan la credibilidad en la historia (véase la resolución del ataque en la biblioteca). El prólogo es un arma de doble filo, puesto que si bien es absolutamente perturbador e implacable, de lo mejor del filme, anticipa las claves de lo que va a suceder después, por lo que el desarrollo, además de moverse por los derroteros habituales del género de terror de casas malditas, anda escaso de sorpresas.

En eso también tienen que ver las criaturas demoniacas, pues se les nota bastante el acabado por ordenador y en vez de aprovecharlo para jugar con el suspense y mantenerlas en las sombras aparecen de lleno casi desde el principio, por lo que ya hacia la mitad del metraje su presencia no nos inquietará lo más mínimo. Al menos el diseño de producción está muy logrado, tanto en el aspecto de la mansión como en la espeluznante iconografía de las criaturas. Los sustos no abundan y los que hay son atenuados por una banda sonora anticipatoria y básicamente funcional. Fíjense si no en la escena de la sábana, lo bien que quedaba en el tráiler sin música y cómo pierde efecto en la película.

La niña protagonista, Bailee Madison hace de cría con las consabidas tonterías de malcriada e inconsciente propias de su edad. Lo hace bien pero también tiene un curioso y expresivo rostro que a veces puede incitar a la risa (ya lo pudimos comprobar en Brothers). Katie Holmes consigue que empaticemos con su personaje, una de estas ‘scream queen’ que prefieren investigar las causas de los sucesos paranormales antes que desgañitarse, al estilo de Naomi Watts en The Ring salvando las distancias, por supuesto. Guy Pearce queda un tanto relegado ante sus dos compañeras femeninas y ni siquiera adquiere demasiada importancia en el desenlace, resolución inesperada y lúgubre que le termina de conferir a No tengas miedo a la oscuridad ese tono de historia para no dormir que se cuenta alrededor de una fogata para asustar a la chiquillada. Podría haber sido mucho más de lo que en realidad es.

5’5/10

El rincón de Chechu: I want to believe

2012-01-03T15:21:00.001Z

Yo no sé de dónde viene la idea de que el cine debe ser honesto. De que una película tiene que mostrar la realidad tal y como es, y no engañar al espectador sobre los hechos que cuenta, sobre el carácter de los personajes, sobre tal o cual detalle o sobre alguna fecha. O sí lo sé, y también lo sabrán ustedes: el neorrealismo, la nouvelle vague, el dogma, etcétera. Es decir, los movimientos en plan mímesis, que aceptaban la falsedad de la obra pero querían saltársela, arrinconarla a la subjetividad insalvable de la cámara, y pasaban de decorados, de iluminación manipulada, pasaban del efecto e intentaban ser lo más veraces posibles, decir a la cara del espectador ‘Eh, ésto ocurre, podría haberte ocurrido a ti, aquí no hay mentiras, mira.’ Que significaron tanto para el cine, con joyas como Ladrón de bicicletas o Los cuatrocientos golpes, y que marcaron para siempre su desarrollo.

Sin embargo, una película es una película, y por mucha intención estética y por mucho movimiento vanguardista no deja de reproducir unos hechos impostados y de mostrar unas personas haciendo algo que les han dicho que hagan. No creo que Truffaut se fuese a por un chicuelo perdido y lo siguiese por todo París, en su infancia, en su adolescencia, en su juventud y en su madurez para crear la serie de cintas que cuentan la historia de Antoine Doinel, y tampoco creo que De Sica escogiera un día por la calle a un hombre sin trabajo, esperase a que le robaran la bicicleta y lo siguiera por las calles de Roma para ver qué tal le iba.

Por eso el cine es un arte que engaña, que ficciona, aunque se base en hechos reales, historias que han ocurrido o que son inventadas. Y que engañe de esta forma no quiere decir que engañe en su desarrollo, como algunas películas hacen —recordarán quizás Shutter Island o El efecto mariposa, por ejemplo—, saltándose otras normas que no tienen nada que ver con la idea de que estamos ante una ficción, sino que se relacionan con el respeto al espectador y la mentira deliberada del director o del guionista para confundirnos, faltándonos al respeto porque desde su posición creen que pueden manipularnos como a idiotas.

Pues bien. Dicho esto, pasemos a los documentales. Yo soy de los que disfruta con ellos, y hay algunos —Man On Wire, No Direction Home, Inside Job, When You’re Strange, por ejemplo— que me han golpeado más fuerte que cualquier película de ficción. Porque ahí sí que está la verdad, ahí sí que vemos personas, oímos testimonios, recorremos espacios y tiempos que han sido reales y que no han estado calculados o falseados por terceros. Aunque haya iluminación, y entrevistas, y planos bonitos y todas estas cosas, el documental es lo más cercano a un caballero que hay en el cine. Lo más educado, lo más honesto, la mirada más pura y la muestra más sincera de lo que somos o de lo que hemos sido.

Pero ahora voy a citarles dos títulos: El proyecto de la bruja de Blair y I’m Still Here. Si las han visto, ya sabrán por dónde van los tiros. Si no, se lo explico brevemente. El proyecto de la bruja de Blair fue una película rodada con ínfimo presupuesto, casera a más no poder, en la que unos estudiantes se meten en el bosque, con cámaras digitales, para hacer un trabajo sobre esa leyenda local. Su mérito, aparte de ser la película que más ha recaudado en relación a su presupuesto de la historia del cine, fue la campaña mediática que la precedió, un lanzamiento viral por Internet en el que se aseguraba que era real; es decir, que esas cintas se habían encontrado en el bosque y que los adolescentes habían desaparecido. Y I’m Still Here es el resultado de la brillante genialidad que se le ocurrió al mejor actor de los últimos tiempos, Joaquin Phoenix: fingir durante dos años que se había vuelto loco de fama, descender a los infiernos públicamente, engañar a la televisión, a la prensa, a todos, y rodar mientras un documental con su amigo Casey Affleck sobre la caída de una estrella. Algo que ha ocurrido tantas veces y que tanto interesa a la opinión pública. Pues él tuvo la idea, la valentía y la perseverancia para hacerlo a puros huevos, grabarlo y después estrenarlo sin que nadie supiese que era todo un papel. Estamos, pues, ante un nuevo género: el falso documental. ¿Honesto? ¿Real? ¿Traición al espectador? Quién sabe. Quién juzga. Hay gente que puso el grito en el cielo. Yo lo único que hice fue maravillarme y recordar la frase que siempre dice un amigo mío, cuando se inventa cosas sobre una noche de fiesta etílica y algunos nos las creemos porque no las recordamos bien: ‘No pasó, pero podría haber pasado’.

Así que, después de este repaso por el cine de verdad, el cine de ficción, las trampas de guion, los documentales, y esas mentiras híbridas, reales pero traidoras, impostadas pero creíbles, voy a recomendarles algo. Voy a permitirme el lujo de decirles que vean una película. No les contaré nada sobre ella: puede ser ficción, puede ser documental, puede ser las dos cosas al mismo tiempo —salvaje genialidad— o puede ser una auténtica mierda. Según dónde pongan ustedes la mirada y cómo se tomen las cosas. Según sus inclinaciones filosóficas o sus miedos inexplicables, su gusto por la mesa que tocan, el bocadillo que comen o el árbol que ven, o su curiosidad por lo que no se percibe pero existe, por lo que se desconoce pero atrae. Por lo inexplicable y aterrador, o por las sábanas calientes por la noche. La cuarta fase, amigos. Véanla. Ya que estamos en dos mil doce y los Mayas nos mandan a tomar por saco, y lo que es real o es mentira no se sabe ya, y todos creemos en la ciencia y la tecnología pero no sabemos nada sobre el mundo real.

Itinerario de estrenos de Enero 2012

2012-01-02T19:03:00.000Z

Empezamos el 2012 con una buena ración de estrenos, la mayoría de visionado obligatorio si se quiere estar al tanto de lo que acontecerá en las próximas entregas de premios, especialmente en los Oscar. A destacar los últimos trabajos de tres directores tan consagrados como son David Fincher, Clint Eastwood y Alexander Payne y los estrenos de dos biopics centrados en sendas figuras políticas muy destacadas en la historia reciente del mundo, vehículo perfecto para que un actor se luzca y sea ovacionado tanto por el público como por sus compañeros de profesión.

Sherlock Holmes: Juego de sombras: Secuela de la última versión cinematográfica del famoso detective británico que vuelve a estar dirigida por Guy Ritchie y con Robert Downey Jr. y Jude Law como pareja estelar. En esta ocasión, el pérfido Moriarty hace acto de presencia para poder en jaque a Holmes a través de varios países europeos. Completan el reparto Noomi Rapace (la trilogía Millennium), Jared Harris (Mad Men), Rachel McAdams (Midnight in Paris) y Stephen Fry (V de Vendetta). Seguramente, cumplirá a rajatabla la norma de las segundas partes: doble ración de los ingredientes que convirtieron a la antecesora en un éxito. Con toda probabilidad recaudará los suficiente como para asegurar una tercera entrega.
Estreno: 5 de enero

La dama de hierro: Meryl Streep (No es tan fácil) da vida a la que fuera Primera Ministra de Inglaterra, Margaret Thatcher, en un biopic dirigido por Phyllida Lloyd (¡Mamma Mia!) y en el que está acompañada por Jim Broadbent (Another Year), que encarna a su marido, Denis. La película ha sido acusada de enfocar el muy criticado gobierno de la señora Thatcher de manera suave y condescendiente, en cambio, hay unanimidad al alabar el trabajo interpretativo de Meryl Streep, por el cual tiene muchas posibilidades de ganar el tercer Oscar de su dilatada carrera.
Estreno: 5 de enero

La hora más oscura: Un grupo de chavales americanos se va de viaje a Moscú con la mala suerte de que coinciden con una invasión de extraterrestres invisibles que son y se alimentan de energía. Chris Gorak (En la puerta de casa) dirige en 3D con producción de Timur Bekmambetov (Wanted. Se busca) y con Emile Hirsch (Destino: Woodstock), Max Minguella (La red social), Olivia Thirlby (Sin compromiso) y Rachel Taylor (Retratos del Más Allá) como protagonistas. Se estrenó en Estados Unidos el pasado fin de semana con pobres resultados de taquilla y críticas no especialmente buenas.
Estreno: 13 de enero

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres: Adaptación americana del primer libro de la exitosa trilogía Millennium escrita por Stieg Larsson que ya contó con una versión sueca para cine y televisión que propició que su protagonista, Noomi Rapace, diera el salto a Hollywood. Los conocedores del libro y de la película sueca volverán a encontrarse con la investigación en torno a la desaparición de una joven hace 36 años realizada por el periodista Mikael Blomkvist y la hacker Lisbeth Salander. El mayor aliciente de esta versión reside en la dirección de David Fincher (La red social), así como en la nueva pareja protagonista, Daniel Craig (Detrás de las paredes) y Rooney Mara (La red social), la cual además de estar nominada al Globo de Oro a mejor actriz dramática también tiene posibilidades de optar al Oscar. Las críticas al otro lado del charco han sido muy positivas.
Estreno: 13 de enero

Los descendientes: Junto a The Artist, una de las películas más premiadas hasta la fecha en la ronda de entregas de premios norteamericana y una de las grandes favoritas de cara a los Oscar. Alexander Payne (Entre copas) dirige esta comedia dramática ambientada en Hawaii sobre un hombre que intenta recomponer la relación con sus dos hijas cuando su mujer sufre un accidente y entra en coma. George Clooney (El americano) suena con fuerza para ganar su segundo Oscar por su interpretación en esta película, al igual que la joven Shaillane Woodley (Vida secreta de una adolescente) podría obtener al menos una nominación a mejor actriz de reparto. Las críticas han sido excelentes, obviamente, además de estar consiguiendo un notable recorrido por la taquilla USA.
Estreno: 20 de enero

J. Edgar: El segundo biopic del mes sobre una controvertida figura política es el de Edgar Hoover, quien fue nombrado primer director general del FBI en 1924, ocupando el cargo hasta su muerte en 1972. La película examina algunos capítulos de su carrera, como su lucha contra el crimen organizado, así como de su vida privada, como la relación que mantuvo con su mano derecha, Clyde Tolson, con el que se dice que mantuvo una relación sentimental. Clint Eastwood (Más allá de la vida) dirige a un reparto liderado por Leonardo DiCaprio (Origen) y secundando por Armie Hammer (La red social), Naomi Watts (Detrás de las paredes) y Judi Dench (Jane Eyre) entre otros. Las críticas, pese a ser en su mayoría positivas, no son tan halagadoras como cabría esperar, lo que limita sus opciones de Oscar a una factible nominación a mejor actor para DiCaprio y poco más. La taquilla americana tampoco ha respondido demasiado bien.
Estreno: 27 de enero

Actriz del mes: Meryl Streep

2012-01-01T16:23:00.001Z

Nombre completo: Mary Louise Streep

Fecha de nacimiento: 22 de junio de 1949

Lugar de nacimiento: Summit, New Jersey (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Great Hope Springs (2012)

La dama de hierro (2012)
No es tan fácil (2009)
Fantástico Sr. Fox (solo voz) (2009)
Julie y Julia (2009)
La duda (2008)
¡Mamma mía! (2008)
Leones por corderos (2007)
Expediente Anwar (2007)
El atardecer (2007)
El diablo viste de Prada (2006)
El último show (2006)
Secretos compartidos (2005)
Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket (2004)
El mensajero del miedo (2004)
Las horas (2002)
Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002)
Música del corazón (1999)
Cosas que importan (1998)
La habitación de Marvin (1996)
Los puentes de Madison (1995)
Río salvaje (1994)
La casa de los espíritus (1993)
La muerte os sienta tan bien (1992)
El cielo… próximamente (1991)
Postales desde el filo (1990)
Un grito en la oscuridad (1988)
Tallo de hierro (1987)
Memorias de África (1985)
Enamorarse (1984)
Silkwood (1983)
La decisión de Sophie (1982)
La mujer del teniente francés (1981)
Kramer contra Kramer (1979)
Manhattan (1979)
El cazador (1978)

Méritos: ¿De verdad que hace falta enumerar una serie de razones por las que justificar a Meryl Streep como actriz del mes? Incluso me parece escaso reconocimiento para toda una leyenda viva del Séptimo Arte. Desde los inicios de su carrera, Streep nos ha brindado numerosas interpretaciones memorables y ha conseguido barrer con el mito de que en Hollywood no hay trabajo para actrices maduras (aunque las malas lenguas dicen que ella acapara todo lo que hay), trabajando sin parar en producciones muy rentables, lo que le ha valido un puesto desde hace años en las listas anuales de los intérpretes más rentables.

A sus espléndidos 65 años, Meryl Streep está a las puertas de conseguir no sólo su octavo Globo de Oro sino su decimoséptima nominación al Oscar (algo que va más allá del récord) y quizás una tercera estatuilla dorada que sus seguidores llevan exigiendo desde hace mucho tiempo. Este año presenta sus credenciales dando vida a la polémica Margaret Thatcher en el biopic La dama de hierro, vehículo para su exclusivo lucimiento. ¿Será el 2012 el año en el que por fin salga triunfante del Kodak Theatre? Lo que está claro, con Oscar y sin él, es que el talento de Streep es imperecedero. Larga vida a la dama del cine.

Extras:

Tráiler de La dama de hierro

Entrevista sobre La dama de hierro

Entrevista sobre Julie y Julia en Sé lo que hicisteis

Los muchos acentos de Meryl Streep

Recogiendo el Oscar por La decisión de Sophie

Recogiendo el Oscar por Kramer contra Kramer

Ryan Gosling y Natalie Portman, actor y actriz de 2011

2011-12-31T15:21:00.000Z

No han hecho ninguna película juntos, pero Hollywood debería tomar buena nota de esta pareja cinematográfica para el futuro: Ryan Gosling y Natalie Portman han sido escogidos como los actores más destacados de este año que está a punto de terminar por los seguidores de The Other Fanboy Blog. Estos son los resultados de la encuesta:

Como pueden ver, Ryan Gosling se llevó la mitad de los votos contabilizados en el apartado de actores. Es uno de los actores jóvenes mejor valorados de la cantera de Hollywood y han sido varias las películas por las que ha podido conseguir una victoria tan absoluta: Blue Valentine, The Ides of March, Crazy, Stupid, Love, Drive… James Franco ostenta la medalla de plata con un 40% de los votos. Aunque su labor como presentador de la gala de los Oscar fue muy criticada ha tenido un buen año con la nominación por 127 horas y el papel protagonista de uno de los grandes éxitos del verano, El origen del planeta de los simios. El resto de candidatos se reparten las sobras con un 2% para cada uno.

Respecto a la encuesta de las actrices, Natalie Portman, Emma Stone y Kate Winslet se distanciaron desde el principio de sus competidoras. A mitad de la contienda, la protagonista de Un dios salvaje se quedó un tanto relegada, ostentando finalmente un honorable tercer puesto con un 23% de los votos. Natalie Portman ha liderado la encuesta la mayor parte del tiempo aunque Emma Stone consiguió igualarla ayer en número de votos, si bien finalmente la protagonista de Cisne negro ha conseguido desmarcarse con un 38% de los votos. Su merecido Oscar y la multitud de películas que ha estrenado a lo largo de este año, todas muy diferentes entre sí, han sido sus principales bazas. Emma Stone se queda en el segundo puesto con un 30% de los votos, nada mal para una recién llegada. Su carisma, demostrado tanto en papeles cómicos (Crazy, Stupid, Love) como en dramáticos (Criadas y señoras), ha robado en poco tiempo los corazones de muchos cinéfilos.

El 2012 se presenta muy diferente para nuestros actores del año. Mientras que Natalie Portman piensa disfrutar de su reciente maternidad y sólo tiene pendiente el rodaje de la secuela de Thor, a Ryan Gosling se le acumulan los proyectos en su agenda: en primer lugar estrenará The Gangster Squad y The Place Beyond the Pines; el primero es un thriller policiaco donde se medirá con Sean Penn y Josh Brolin, además de volver a compartir plano con Emma Stone, y el segundo supone su reencuentro con el director de Blue Valentine, Derek Cianfrance, actuando junto a Bradley Cooper y Eva Mendes. Por otra parte, continuará con el rodaje de Lawless, lo nuevo de Terrence Malick y tiene varios proyectos pendientes junto Nicolas Winding Refn, director de Drive, como Only God Forgives o el remake de La fuga de Logan. En definitiva, que este chico no para.

Gracias a todos los que han participado en la encuesta, no se alejen demasiado porque el año que viene los necesitaré para elegir a los mejores del 2012, empezando mañana con el nombramiento del actor o actriz del mes de enero.

¡Feliz año nuevo!

Ganadores del 2010
Ganadores del 2009

O.C: Roma, ciudad abierta (1945)

2011-12-30T20:00:00.001Z

¿De qué va?: Estando Roma ocupada por los nazis durante la 2ª Guerra Mundial, la Gestapo intenta atrapar a Manfredi, líder del Comité Nacional de Liberación. Un tipógrafo y su futura esposa aceptan que éste y algunos de sus camaradas se refugien en su casa, pero los alemanes no tardan en descubrir el escondrijo y rodear la vivienda…

Reputación: Con Roma, ciudad abierta nació el neorrealismo, movimiento aparecido en Italia durante la 2ª Guerra Mundial. Su principal característica radica en la representación de la vida cotidiana, a mitad de camino entre relato y documental, muchas veces con personajes de la calle en vez de actores profesionales. Roberto Rossellini dirigió la película contando con un guión escrito por Federico Fellini, Sergio Amidei y por él mismo; el primero se encargó exclusivamente del papel del cura y de sus diálogos, pues Amidei nunca cedió a colaborar con él en la escritura del libreto. La película comenzó a rodarse sin que el conflicto hubiese terminado y debido a la gran escasez de medios y presupuesto el director de fotografía, Ubaldo Arata, se vio obligado a utilizar película muda y caducada para sonorizarla posteriormente en un estudio de doblaje. Aunque buena parte del reparto no era profesional, el filme contó con el reconocido actor Aldo Fabrizi en el papel del párroco, quien aceptó una rebaja en su caché, de un millón de liras a 400.000, para poder participar en él. La película fue víctima de la censura en varios países: en Estados Unidos le recortaron 15 minutos, en Alemania Occidental fue prohibida durante la década de los 50 y en Argentina fue retirada de los cines por una orden anónima procedente del gobierno en 1947. Aún así, obtuvo una nominación a mejor guión en los Oscar y ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1946.

Comentario: En El ladrón de bicicletas, la otra gran película del neorrealismo italiano, contemplábamos la pesadumbre y el caos de una Roma en ruinas a través de los ojos de un padre desesperado y de su candoroso crío. En Roma, ciudad abierta volvemos a encontrarnos con una mirada dolorosa y desazonada de las heridas que ha abierto la guerra en la ciudad pero desde los diversos puntos de vista de las personas relacionadas con la resistencia italiana. Incluso los alemanes, aun siendo los villanos la película, son en algunos casos humanizados por una autoconsciencia de su crueldad. Pero el filme no es sólo un retrato de la sociedad italiana durante la guerra sino un canto a favor de la revolución para luchar por un futuro mejor para los niños, pues tal y como señala la película, son las mayores víctimas de la contienda y es en ellos donde reside la esperanza de que no se vuelvan a cometer los errores del pasado.

Próximo visionado: El acorazado Potemkin (1925)

Las películas más esperadas para el 2012

2011-12-29T16:10:00.000Z

Si al final resulta que el mundo se acaba en el 2012 al menos esperemos que la cosecha cinematográfica esté a la altura de las circunstancias. A continuación pueden echar un vistazo al Top 10 de los estrenos más esperados por un servidor, que acabarán traduciéndose en las mejores películas del año o en todo lo contrario, en las más decepcionantes. Y eso si no se retrasan, tal y como pasó con The Impossible y On the Road, incluidas en la lista del año pasado aunque finalmente sus estrenos han sido pospuestos para el 2012. Les dejo con el ranking, más superher0ico que nunca:

10. Frankenweenie
Dir.: Tim Burton
Int.: Animación
¿De qué va?: Tras la inesperada muerte de su perro Sparky, el pequeño Victor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores.
Incentivos: El cortometraje en el que se basa, dirigido por Burton en 1984, mola bastante (es uno de los extras del DVD de Pesadilla antes de Navidad); además, la animación es un campo al que el imaginario del director de Eduardo Manostijeras le sienta como un guante y la combinación de blanco y negro y 3D va a ser cuanto menos curiosa.
Estreno en USA: 5 de octubre
Estreno en España: 26 de octubre

9. The Amazing Spider-Man
Dir.: Marc Webb
Int.: Andrew Garfield, Emma Stone, Rhys Ifans, Sally Field, Martin Sheen, Denis Leary, Irrfan Khan
¿De qué va?: En su búsqueda por descubrir quién es y cómo ha llegado a ser la persona que es actualmente, Peter Parker descubre un secreto que guardaba su padre, un secreto que finalmente dará forma a su destino como Spiderman.
Incentivos: Descubrir si valió realmente la pena hacer un reboot tan temprano de la saga del superhéroe arácnido, qué le puede aportar a la franquicia el novato Marc Webb ((500) días juntos) y si Andrew Garfield y Emma Stone consiguen mejor acogida por parte de los fans que la que obtuvieron en su día Tobey Maguire y Kirsten Dunst. Garfield ya conquistó a los asistentes del pasado Comic-Con con un discurso sobre el orgullo de dar vida a un personaje tan simbólico (ver aquí).
Estreno en USA: 3 de julio
Estreno en España: 6 de julio
Tráiler: http://youtu.be/eSlfwJ45aq0

8. Prometheus
Dir.: Ridley Scott
Int.: Noomi Rapace, Charlize Theron, Michael Fassbender, Idris Elba, Logan Marshall-Green, Guy Pearce, Patrick Wilson
¿De qué va?: Un grupo de científicos y exploradores emprenden un viaje a un remoto planeta, donde encontrarán las respuestas a las preguntas más profundas y al mayor de los misterios: el origen de la vida en la Tierra.
Incentivos: Ver en qué queda esta precuela-pero-no de Alien y si el guión de Damon Lindelof (Perdidos) está a la altura de las expectativas creadas desde que supimos que Scott se empeñó en dirigirla personalmente después de conocer sus ideas. Noomi Rapace, camino de convertirse en la digna sucesora de la teniente Ripley y Michael Fassbender de confirmar que es un todoterreno. ¿Habrá o no habrá aliens? Yo apuesto a que sí.
Estreno en USA: 8 de junio
Estreno en España: 10 de agosto
Tráiler: http://youtu.be/TWPbhgJQCqc

7. Rock of Ages
Dir.: Adam Shankman
Int.: Julianne Hough, Diego Boneta, Tom Cruise, Alec Baldwin, Russell Brand, Catherine Zeta-Jones, Malin Akerman, Paul Giamatti
¿De qué va?: Un aspirante a cantante de rock y una joven pueblerina se conocen y enamoran en el club de los 80 donde trabaja esta última, el cual podría ser cerrado y demolido por unos empresarios respaldados por los vecinos descontentos de la zona.
Incentivos: Las inmensas ganas de ver un musical tan cañero. A Adam Shankman le avala el haber dirigido la divertida y enérgica Hairspray con un reparto casi tan espectacular como el que se trae ahora entre manos. Ver si a Tom Cruise se le da bien dar la nota sin tener que hacer el payaso en sus giras promocionales y disfrutar de una felizmente recuperada Catherine Zeta-Jones.
Estreno en USA: 1 de junio
Estreno en España: 8 de junio
Tráiler: http://youtu.be/-AZ2BP6F308

6. Young Adult
Dir.: Jason Reitman
Int.: Charlize Theron, Patrick Wilson, Patton Oswalt, Elizabeth Reaser, J.K. Simmons, Emily Meade
¿De qué va?: Tras su divorcio, la escritora Mavis Gary atraviesa una crisis existencial que intenta superar volviendo a su pueblo natal para volver con su novio de instituto, que ya está casado y es padre de un niño.
Incentivos: Ver si la alianza Jason Reitman/Diablo Cody vuelve a dar en el clavo tras Juno. Charlize Theron, la mala oficial del 2012 (también en Prometheus y Snow White and the Huntsman) promete estar deliciosamente diabólica, en la que muchos dicen que es la mejor interpretación de su carrera.
Estreno en USA: 9 de diciembre (2011)
Estreno en España: 10 de febrero
Tráiler: http://youtu.be/UOqzNg3y394

5. Savages
Dir.: Oliver Stone
Int.: Blake Lively, Aaron Johnson, Taylor Kitsch, Benicio Del Toro, Salma Hayek, Uma Thurman, Emile Hirsch, John Travolta
¿De qué va?: Dos amigos de Laguna Beach que comparten novia se dedican al tráfico de droga. Un cartel mexicano secuestra a la chica y les exige todo el dinero que han ganado durante los últimos 5 años por su rescate. Aunque los jóvenes están dispuestos a pagar, también idean un plan para rescatar a la chica y vengarse de sus secuestradores.
Incentivos: La novela de Don Winslow en la que se basa, una de esas lecturas que se devoran en pocos días. El atractivo casting que se ha reunido para la ocasión (en mi opinión muy apropiado para los roles que va a desempeñar cada uno) y una ocasión perfecta para que Oliver Stone recupere la garra y la visceralidad perdida en sus últimos trabajos.
Estreno en USA: 28 de septiembre
Estreno en España: 28 de septiembre

4. Nero Fiddled
Dir.: Woody Allen
Int.: Jesse Eisenberg, Alec Baldwin, Ellen Page, Penélope Cruz, Roberto Benigni, Greta Gerwig, Ricardo Scamarcio, Woody Allen
¿De qué va?: Cuatro historias ambientadas en la Roma contemporánea e inspiradas en el Decamerón, libro compuesto por cien relatos cortos escrito por Giovanni Boccaccio en 1351. Dos de ellas estarán protagonizadas por estadounidenses de viaje por Roma y las otras dos por italianos.
Incentivos: La nueva parada en el periplo europeo de Woody Allen es esperada con mucha expectación tras la excelente acogida de Midnight in París. En su contra tiene el problema recurrente de los filmes compuestos por varias historias, que siempre unas brillan más que otras, pero a su favor tiene un reparto coral muy apetecible; Jesse Eisenberg estaba llamado a encarnar al personaje prototípico de Woody Allen. Curiosamente, el director ha cambiado el título original, Bop Decamerón, por Nero Fiddled (Nerón tocó la lira) alegando que casi nadie conocía el libro de Boccacio… ¿Y acaso a Nerón lo conoce más gente?
Estreno en USA: ¿?
Estreno en España: ¿?

3. The Hunger Games
Dir.: Gary Ross
Int.: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth Banks, Woody Harrelson, Stanley Tucci, Lenny Kravitz, Donald Sutherland
¿De qué va?: En un futuro en el que el Capitolio obliga a los 12 distritos que componen la nación de Panem a enviar a un chico y a una chica para que peleen a muerte en un cruel show televisado, Katniss Everdeen se ofrece voluntaria para ocupar el lugar de su hermana pequeña en la septuagésima cuarta edición.
Incentivos: La novela original deja en pañales a Crepúsculo y a toda la literatura adolescente de moda. Ciencia ficción de la buena de connotaciones revolucionarias, habrá que ver si no se ha suavizado la violencia implícita en las páginas para la adaptación cinematográfica. Jennifer Lawrence es la Katniss perfecta, de eso no puede caber duda.
Estreno en USA: 23 de abril
Estreno en España: 20 de abril
Tráiler: http://youtu.be/wV0JSf7WcG0

2. The Avengers
Dir.: Joss Whedon
Int.: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Samuel L. Jackson, Mark Ruffalo
¿De qué va?: Cuando un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial, Nick Fury, director de la Agencia SHIELD, decide reclutar a un equipo compuesto por personas extraordinarias para salvar al mundo de un desastre casi seguro.
Incentivos: Comprobar si la largamente esperada reunión cinematográfica de los superhéroes de la Marvel está a la altura del ‘hype’ orquestado alrededor de ella. Confiamos en que Joss Whedon lleve este transatlántico a buen puerto sin que ninguna de sus superestrellas se queje de haber sido eclipsada. Scarlett Johansson deberá demostrar que su Viuda Negra merece una película para ella solita y Mark Ruffalo que es mejor Hulk que Eric Bana y Edward Norton.
Estreno en USA: 4 de mayo
Estreno en España: 27 de abril
Tráiler: http://youtu.be/4mwtDHovB3w

1. The Dark Knight Rises
Dir.: Christopher Nolan
Int.: Christian Bale, Tom Hardy, Michael Caine, Gary Oldman, Anne Hathaway, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Morgan Freeman
¿De qué va?: El líder terrorista Bane llega a Gotham con el objetivo de reducir la ciudad a cenizas y sólo un hombre puede hacerle frente: Batman.
Incentivos: Tiene todas las papeletas para convertirse en el broche de oro de la excelente saga del Hombre Murciélago concebida por el idolatrado Christopher Nolan. Al ser el final todo puede pasar, incluso la muerte de Bruce Wayne y de su álter ego. Habrá que ver si Nolan acaba cediendo ante la presión por parte del estudio para que la voz de Tom Hardy sea más inteligible y si Anne Hathaway consigue acallar todas las críticas que no la ven con buenos ojos para interpretar a la sensual Catwoman. ¿Echaremos de menos al Joker de Heath Ledger?
Estreno en USA: 20 de julio
Estreno en España: 27 de julio
Tráiler: http://youtu.be/LYUEW1RTGDg

Ojos que no ven…

2011-12-28T15:49:00.001Z

Dir.: Roberto Pérez Toledo
Int.: Verónica Echegui, Álex García, Fernando Tielve, Nacho Aldeguer, Mariam Hernández, Antonio Velázquez
¿De qué va?: Emma es una chica ciega de 30 años que tiene la clara intención de ser madre. Como su novio no puede dejarla embarazada, rompe con él para ir en busca del espermatozoide perfecto. El psicólogo que dirige un grupo de terapia para discapacitados al que Emma empieza a asistir parece un candidato idóneo para tal empresa.

Reseña: Hay muchas cosas por las que los canarios podemos decir eso de ‘¡Qué suerte vivir aquí!’, tal y como reza la famosa frase promocional de una marca de cerveza. En lo que respecta al cine sí que nos podemos quejar de que las entradas están por encima de la media de coste del país pero no del aumento de nivel de producción cinematográfica que hemos experimentado recientemente, pues en los últimos años hemos acogido rodajes internacionales como el de Furia de titanes y secuela y los de varias películas españolas como Los abrazos rotos o Una hora más en Canarias. Seis puntos sobre Emma, debut en largo del lanzaroteño Roberto Pérez Toledo, ha sido una de las más recientes, y los canarios hemos tenido la suerte de verla en primicia antes que el resto de España, donde se estrenará a lo largo del 2012.

Seis puntos sobre Emma es una pequeña película cargada de buenas intenciones y sentimientos, que no de sentimentalismos. Uno de sus grandes aciertos es el abordar el tema de la discapacidad sin forzar el drama, sino con mucha humanidad. A través de las experiencias de los integrantes del grupo de terapia al que asiste la protagonista, descubrimos que una discapacidad puede ser o no un problema a la hora de entablar relación con otras personas, porque los puede haber mucho peores, como la soledad autoimpuesta por Emma, que ha creado una muralla a su alrededor motivada por su necesidad de ser libre y autónoma sin tener en cuenta su ceguera, convirtiéndose su necesidad de ser madre en su máxima prioridad para poder reafirmarse a sí misma.

Emma cobra vida gracias a la vigorosa interpretación de Verónica Echegui, una de las actrices más camaleónicas de la actual cantera del cine español. Su interpretación se siente muy natural tanto al nivel físico como al emocional, si conectamos con la historia y con su personaje es en gran medida gracias a ella. Álex García y Fernando Tielve conforman los otros dos vértices del peculiar triángulo amoroso en el que se centra la película, cada uno aportándole cosas diferentes al personaje de Emma. Los secundarios, al tener muchos de ellos relación directa con el ámbito de la discapacidad, aportan verismo y autenticidad al conjunto con sus intervenciones.

La sencillez y modestia de Seis puntos sobre Emma puede jugar tanto a su favor como en su contra, pero sin duda debe valorarse como un soplo de aire fresco ante tanto drama afectado y con pretensiones de trascender. Esta película no las tiene y se nota, así como el pasado como de su director en el mundo del corto por el realismo y la naturalidad en los retazos de vidas cotidianas que plasma en el filme. Y además, con Tenerife como incomparable emplazamiento de la acción, con la única función de servir telón de fondo a la narración, sin recurrir a innecesarias imágenes de postal. Todo un lujo.

6’5/10

El rincón de Chechu: Recordando el pasado

2011-12-27T16:22:00.000Z

Cuántas personas, cuántos momentos hay en la vida que ya han pasado pero que siguen presentes, sin mostrarse porque ya son historia, escondidos pero latiendo debajo de los ojos, de las paredes, latiendo con la luz que entra por la ventana y con el sonido del reloj en la muñeca. Respirando detrás de un cuadro, en una fotografía en blanco y negro, en los lomos de tantos libros sobre las estanterías, acompañándonos sin que nos demos cuenta, en fin, de que ya han ocurrido y de que nos han marcado, dando los mismos pasos que nosotros damos y andando los mismos caminos que recorremos día tras día.

Rebecca es una película magnífica, la segunda que rodó Hitchcock en América tras sus comienzos ingleses, con el habitual blanco y negro que tan pulcros hace sus planos; nada sucio, poco saturado pero brillante y limpio como un coche nuevo. Qué les voy a contar ahora del maestro del suspense, del movimiento de cámara suave, sugerente, vehículo de un viaje misterioso y amenazador a los comportamientos más sucios de los hombres, de la potente dirección de actores, que los lleva hacia el extremo de todos sus personajes, que los convierte en espectadores de su propio carácter fingido y de la historia a la que dan vida, que los destruye y los reconstruye igual que un castillo de arena, de la posición del que mira, de todos nosotros, calculada al milímetro para mostrar, para sugerir los nervios o la tensión, para agarrarnos fuerte a la butaca porque sabemos —o intuimos, que siempre es mejor que saber— lo que piensa cada uno y la pasta de la que están hechos sus sueños. Hitchcock conoce los misterios que rueda, elige guiones magníficos y los convierte en puro alambre, en una cuerda floja por la que pasear la mente durante dos horas, hace que veamos el vacío y que sintamos Vértigo, que escondamos, con La soga al cuello, el arcón de nuestra sala de estar cuando vienen visitas, que no hablemos jamás con Extraños en un tren, o que la Sospecha nos destruya y nos haga imaginar locuras hasta llevarnos a un completo estado de Psicosis.

Hace un par de días —Galicia, vacaciones, lluvia y una manta en el sofá— puse por primera vez Rebecca. No sabía nada de esa película, aunque lleve desde niño viendo intrigas en el salón —a mi madre le encantan, para qué decir más—, aunque para mí Yo confieso sea la representación más perfecta del remordimiento que he visto en una pantalla, y aunque James Stewart siga siendo mi actor favorito, y mejor con una cámara en la mano que con un revólver. Así que la encontré entre sus cintas, me llamó la atención esa doble ce del título, tan sensual, tan explícita, y le pregunté a mi madre de qué iba. Ella, por supuesto, me dijo que la viese, que era una de las mejores de Hitchcock, y se sorprendió de que no la conociese, a mi edad y a punto de acabar la universidad, etcétera etcétera. Entonces me tumbé, pulsé el botón del play y me dije ‘hala, chaval, goza’. La magia del cine, ya saben. Que nos transporta y nos deja vivir en otros mundos, aunque sólo sea por un ratito. Que nos da sorpresas como ésta, porque es tan inmenso, tan poderoso, que nunca se deja conocer del todo.

Al contrario que la mayoría de sus películas, lo más importante de Rebecca no es la trama, ni son los personajes que vemos moverse por allí, en la deslumbrante Manderley, con el corazón comprimido y los dientes apretados. No es la belleza extraña y distante de la joven esposa, de la que no conocemos el nombre —detalle genial que nos mete todavía más en su angustia ante el pasado—, ni es la precisa interpretación del ama de llaves, medio psicópata medio lesbiana, que se mueve erguida como una espada, vestida de negro en mitad de las luces.

Un hombre rico conoce en Montecarlo a una mujer, se enamora y le pide matrimonio; entonces la lleva a su mansión, en Inglaterra, a vivir con él, y ella se entera de que es viudo desde hace dos años y de que su fallecida mujer, Rebecca, sigue presente en todos los rincones de su vida. Y he aquí una de las más grandes genialidades del cine: basar la historia en un personaje principal que está muerto y al que no vemos jamás. Rebecca es, desde el principio, una sombra misteriosa que lo inunda todo y que determina los comportamientos de todos los que la habían conocido. Hitchcock nos presenta a la mujer fallecida usando los recursos más puros de los que se nutre el cine: la erre bordada en sus almohadas, las figuras de porcelana que más le gustaban, sus costumbres rutinarias, que siguen presentes en el ama de llaves y que ésta intenta inculcar a la nueva esposa, el membrete de las cartas, el perro, el ala oeste de la casa, el mar, la inquietud del marido, los susurros entre pasillos, la luz que entra por las cortinas e ilumina las escaleras.

Hay una secuencia magistral, cuando ya lleva la nueva muchacha un tiempo en la casa, en la que no puede soportar más la presión de la mujer muerta y corre a su habitación —‘prohibida, y la única con vistas al mar’, dice la señorita Lambers— subiendo la escalinata, bañada por los rayos del sol a través de la ventana, mirando fijamente al perro, al perro de Rebecca, que descansa frente a la puerta, y va recorriendo sus muebles, sus objetos, su vida, en fin, en la que va descendiendo al abismo de la inferioridad y en la que viaja al fondo del pozo en que se encuentra, de esa existencia impostada en la que no es ella sino que sustituye a otra.

Pero no podía terminar aquí el talento de Hitchcock y, utilizando los primeros planos más desasosegantes de la película, nos presenta a un hombre espeluznante, en una casucha frente al lago, nos llena de tensión con un nuevo personaje, y deja que Lawrence Olivier se muestre tal como es el señor De Winter: calmado, frío, cargado de un pasado que no ha sabido olvidar pero del que nadie sabe demasiado, de oscuridad o de melancolía, de amor o de odio, de algo que nos llena de miedo o que nos emociona. No sabemos qué ha ocurrido, no sabemos qué ocurre y no sabemos qué ocurrirá. Hasta el desenlace final, en el que nos llevamos un golpe en la cara, y todo se vuelve diáfano pero a la vez negro, y hay más tensión pero también hay empatía, y hay unas luces amarillas que rugen al cielo y que rompen los hechizos y los recuerdos, y acaban con toda la verdad o con toda la mentira, y la película funde a negro, y dejamos de ver las erres bordadas en tela, y nos quedamos pensando un buen rato.

Pensando, por ejemplo, en el pasado y en el presente. En las personas que marcaron nuestra vida pero se han ido, y en el transcurrir del tiempo sin ellas. En que siempre, por estas fechas, recordamos todo lo que fuimos y lo que somos, y recordamos a todos los que estuvieron pero ya no están, porque antes había más sillas en la mesa y más risas y más guitarras, pero ahora ya nadie cuenta chistes y no se escuchan rancheras en el salón, porque ha pasado el tiempo y la vida y los inviernos, y nadie sobrevive eternamente al pasado y al presente y al futuro, y siempre creemos que las personas se desvanecen y no vuelven nunca más, sin darnos cuenta de que en realidad han pintado ese cuadro, nos han regalado aquel libro, han hecho que seamos lo que somos y lo que vamos a ser, y nunca, nunca, deja el pasado de ser el presente ni deja el presente de ser el futuro. Buenas tardes a todos y feliz año nuevo.

Corsé sombrío

2011-12-24T17:28:00.000Z

Dir.: Cary Fukunaga
Int.: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Judi Dench, Sally Hawkins, Imogen Poots
¿De qué va?: Tras ser educada en un estricto orfanato de Inglaterra, la joven Jane Eyre empieza a trabajar como institutriz en la aislada y sombría mansión victoriana del acomodado Edward Rochester. La inicial frialdad del dueño de la casa pondrá a prueba la fortaleza de Jane, que poco a poco comenzará a tener sentimientos por él.

Reseña: Hay historias que jamás nos cansamos de escuchar cuando nos las saben contar bien. He de reconocer que no he visto ninguna de las múltiples adaptaciones cinematográficas y televisivas que se han hecho de Jane Eyre, la popular novela de Charlotte Brontë, y es raro porque no le hago ascos a las historias de época ambientadas en la campiña inglesa. Aún así, la historia no me resulta ajena porque no es muy diferente a las obras de Jane Austen, sin embargo, el enfoque con el que la ha encarado el director Cary Fukunaga es tan atractivo e innovador que de buen seguro también agradará a los que conozcan hasta dónde se ubican los puntos y comas de la obra original.

Y es que en esta Jane Eyre poco hay de la alegría y el alboroto que abundaban en Orgullo y prejuicio, Emma o Sentido y sensibilidad, así como de la fotografía luminosa y clara que exaltaba los prados verdes de la amada Inglaterra en las diferentes versiones cinematográficas. La triste historia de la solitaria Jane Eyre viene respaldada por nubarrones, niebla, sombras, ambientes grises y opacos que le confieren una atmósfera de cuento de terror, gótica y opresiva. En lo que se refiere a la historia propiamente dicha y sin conocer el texto en el que se basa, la adaptación parece bastante correcta, pues no da la sensación de que hayan agujeros negros en el guión (estructurado en varios flashbacks) como ocurre en otras ocasiones en las que monumentales relatos son mutilados para poder dar el salto a la gran pantalla, y sin sobrepasar las dos horas de duración.

Otro de los alicientes de esta versión es el excelente elenco que la interpreta. Mia Wasikowska por fin consigue un papel con el que poder lucirse, su primer gran protagonista sin estar rodeada de los cromas de Alicia en el país de las maravillas, y realmente consigue demostrar su gran potencial como actriz. La joven encarna a una Jane Eyre fuerte, madura e inteligente, brillando en los momentos más tensos y dramáticos sin resultar excesivamente afectada o sobreactuada. Michael Fassbender exhibe suficiente carisma y porte como para ser algo más que el actor de moda en Hollywood, su Rochester recuerda a la historia de La Bella y la Bestia, pues encarna a un hombre brusco y misterioso que revela poco a poco su fragilidad interior a través del amor, mientras oculta un terrible secreto que alberga en su castillo. Judi Dench como la cándida ama de llaves, Jamie Bell como el inesperado protector de Jane y Sally Hawkins como la malvada (~~madrastra)~~ tía contribuyen con sus interpretaciones a que esta última versión de la obra de Brönte sea tomada muy en serio.

La Jane Eyre de Fukunaga es una adaptación que se siente moderna sin rendirse a las corrientes cinematográficas actuales, manteniendo su esencia intacta pero aportándole nuevos aires con los que consigue esquivar los calificativos de ‘rancia’ e ‘innecesaria’. Gustará tanto a los foráneos como a los versados en la historia, aunque a veces se eche en falta que deje a un lado la contención y frialdad imperante y se deje llevar por una pasión desgarrada, algo que, depende de como se mire, puede ser bueno o malo. Podría convertirse en el drama de época ideal de los detractores del género.

7’5/10

O.C: Ordet (La palabra) (1955)

2011-12-23T14:25:00.000Z

¿De qué va?: Hacia 1930, el viejo Morten Borgen dirige su granja en un pequeño pueblo de Jutlandia occidental. Tiene tres hijos: Mikkel, casado con Inger, embarazada de su tercer hijo; Johannes, considerado un loco por identificarse con Jesucristo, y Anders, enamorado de la hija del sastre, líder de un sector religioso rival. Cuando Anders va a pedirle a éste la mano a su hija, el conflicto se recrudece entre las dos familias.

Reputación: Ordet se basa en la obra teatral homónima del pastor Kaj Munk, que fue asesinado por los nazis, y recayó en las manos de Carl Theodore Dreyer, uno de los directores más destacados del cine danés, después de que pasara más de una década sin dirigir, buscando financiación para un proyecto sobre la vida de Jesucristo de Nazaret que jamás llegó a realizar. Ordet ganó el León de Oro del Festival de Venecia y fue la penúltima película de Dreyer, que rodaría su último trabajo, Gertrud, diez años después. Era un director que anteponía la calidad a la cantidad, por eso su filmografía no es demasiado prolífica, además de que su escaso rendimiento económico no motivaba a los productores a invertir en él. Dreyer entendía el cine como un arte eminentemente visual, viéndose claramente influenciado por la pintura; para la puesta en escena de Ordet se inspiró en la obra del pintor danés Vilhelm Hammershoi, quien retrataba interiores prácticamente desnudos, de escaso mobiliario y con luz que se filtraba a través de las ventanas. El montaje de la película está muy simplificado, constituido por largas secuencias en las que un travelling va siguiendo el movimiento de los personajes a través del escenario como si de una obra teatral se tratara. La obra de Dreyer revolucionó el lenguaje cinematográfico aunque se mantuviera al margen de las corrientes y modas de su época.

Comentario: Objetivamente, Ordet es una obra maestra sobre la fe y la religión de factura impecable en la que hasta la brisa del viento está sujeta a alguna interpretación relacionada con el mensaje de la película. Subjetivamente, me parece un tedioso panfleto religioso que ni me va ni me viene, que me exaspera porque los personajes son incapaces de caminar a un ritmo normal ni aunque la vida de alguien dependiera de ello, pero sobre, todo porque a diferencia de Ingmar Bergman, que tampoco es santo de mi devoción, no hay cabida a la discusión o al cuestionamiento, pues el discurso de Dreyer está totalmente posicionado a favor de la fe y la espiritualidad por encima de la ciencia e incluso de la postura religiosa que se tenga, sentenciando en su indulgente y previsible desenlace que con sólo una fe clara y limpia de cualquier vicio se puede obrar el milagro. Amén.

Próximo visionado: Roma, ciudad abierta (1945)

Me parece haber visto a un lindo gatito…

2011-12-22T13:52:00.001Z

Dir.: Chris Miller
¿De qué va?: Mucho antes de conocer a Shrek, el Gato con Botas emprendió una trepidante aventura aliándose con su amigo de la infancia, el huevo Humpty Dumpty, y con la astuta Kitty Zarpas Suaves en busca de las habichuelas mágicas que les conducirían hasta el castillo donde habitaba el legendario ganso que pone huevos de oro macizo.

Reseña: Una de las cosas que más gustó de Shrek 2, la mejor continuación con diferencia de la exitosa película que nos presentó al ogro verde y a su pandilla, fue la introducción del personaje del Gato con Botas. El salero malagueño que le proporcionó la voz de Antonio Banderas y su carácter entre aguerrido y tierno, por no hablar de la archiconocida caída de ojos que nos conquistó a todos, eclipsó a Asno, el personaje cómico de la saga por excelencia hasta ese momento, y por aquel entonces se anunció un spin-off con protagonismo absoluto para el felino. Con el paso de los años, el proyecto ganó ambición, pasando de la idea de lanzarlo directamente al mercado doméstico a estrenarla directamente en cines.

El resultado dista mucho de cómo acabó la saga de Shrek, que perdió algo de diversión pero sobre todo frescura en sus planteamientos. El gato con botas es una precuela que nos narra los orígenes del minino, que tampoco tiene nada que ver con el cuento original, puesto que más bien se trata de una mezcla de la fábula de Las habichuelas mágicas y la de La gallina de los huevos de oro. La película no tiene más pretensiones que las de ofrecer un entretenimiento divertido para toda la familia y lo cumple a rajatabla, pero tampoco alcanza más méritos, ni creo que quisiera conseguirlos, porque todos los elementos que la componen son simple y llanamente funcionales: la animación, las referencias al género western, los derroteros previsibles por donde va el guión, la moraleja final, la galería de personajes, los gags…

Los compañeros de fatigas, Kitty Zarpas Suaves y Humpty Dumpty, no consiguen hacer sombra al Gato con Botas, que no ha perdido carisma en su salto de secundario a protagonista, algo en lo que tiene mucho que ver el sobresaliente doblaje de Antonio Banderas tanto en la versión original como en la doblada, un doblete al que también se le ha sumado Salma Hayek, lo que siempre es de agradecer. En definitiva, El gato con botas es una divertida y dinámica aventura que sabrán apreciar tanto los niños como los adultos pero a la que le falta inventiva como para destacar por encima de sus congéneres, aunque tiene el mérito de tener al extra más gracioso que recuerdo: el gato sorprendido.

6/10

El rincón de Chechu: Poderosamente felices

2011-12-20T23:47:00.000Z

¿Quién soy? Piense, pero no se detenga. Siga leyendo, vuelva a preguntarse, ¿quién soy? No me refiero a su nombre, a su edad, no me refiero a su nacionalidad o a sus sueños. A nada de lo que ha vivido, a ningún recuerdo; tampoco me refiero al tiempo. No deje de leer, por favor. No se pare a reflexionar, intente sumergirse en la pregunta desde dentro, desde su idioma secreto, desde la voz que escucha todos los días en su cabeza; responda si es capaz de hacerlo, pero guarde la respuesta para usted mismo. Que nadie la oiga, no la transforme y no se detenga. Continúe leyendo y piense, ¿quién soy?

El gran silencio es un documental de ciento sesenta minutos sobre la vida en la cartuja La Grande Chartreuse, situada en los Alpes franceses. Rodeada de niebla y de árboles, de nieve y de cumbres, de frío, de cielo, de hierba verde. Aislada del mundo, viviendo su propia realidad. Por ella pasan inviernos, primaveras, veranos y otoños. Pasan los años por ella y nada cambia. Los monjes duermen tres horas, rezan dos, trabajan en el campo, leen, cortan madera, fabrican sus ropas, duermen tres horas, rezan dos, trabajan en el campo, leen. En 1985, el director alemán Philip Gröning escribió al prior del monasterio preguntándole si podía rodar allí un documental. Su respuesta fue ‘no estamos preparados, dentro de un tiempo quizás’. Dieciséis años más tarde, Gröning recibió una llamada: ‘Ahora puede venir’. Y fue con ellos. Él solo grabó imagen, sonido y montó la película. Vivió durante seis meses con los monjes, como si fuese uno más. Le habían puesto una condición: no podía añadir nada artificial. La vida en la pantalla tenía que ser lo que es: la vida. Ni música, ni iluminación, ni palabras.

Hace tiempo, un sacerdote me dijo que su mayor aspiración era irse solo a la costa sur de Italia —‘qué bello país’, decía— a pensar, leer, pasear y escribir. ‘Evidente’, pensé yo. ‘A mí también me gustaría hacer eso’. Pero él continuó hablando y dijo que así estaría más cerca de dios y de sí mismo. Y yo no me había planteado aquello. Yo quería leer y escribir, ya saben, y apartarme del bullicio del mundo. Pero él no sólo quería eso. Su objetivo era otro. Más elevado que el mío, quizás, y también más experimentado. Admiré a aquel cura joven, culto, inteligente, convencido de unas creencias que no eran el Vaticano, ni las inquisiciones, ni la familia ni la negra sombra del temor al pecado. De creencias que iban más allá de todo aquello, que pasaban por encima de los hombres y de sus miedos, del poder y de la influencia, de doctrinas arcaicas.

Viendo El gran silencio me he acordado de él y de lo que aprendí aquel año estudiando teología. Yo no sé si tengo fe, pero en todo caso no es católica, ni budista, ni musulmana, ni nada de eso. Conocer historia de las religiones es conocer al hombre y comprender, un poquito y a grandes rasgos, por qué somos lo que somos. Y conocer el cristianismo es igual, pero más concreto, porque es la religión que ha formado la sociedad en la que estamos. Sirve, entre otras cosas, para entender los procesos y los comportamientos, para ponerte en el lugar del que tienes delante y para saber, por ejemplo, que hay un organismo llamado Iglesia, no distinto de otras instituciones bien vistas, que se encarga de controlar y de expandir la doctrina, y que en ella, como en todas partes, hay contradicciones, lugares oscuros, anacronismos, miedo, sinrazón, barbarie y maldad. Porque los que la forman son hombres, como ustedes y como yo, con sus defectos y sus virtudes, y aunque promulguen el bien al prójimo y la palabra de dios —su palabra de dios—, no dejan de ser ricos y no dejan de tener ambiciones, no dejan de ser ignorantes y no dejan de hacer guerras, matar o violar, de la misma forma que lo puede hacer un político, un profesor o un voluntario de ONG. La miseria salpica a todo el mundo y el mundo está lleno de miserables.

Por eso aquel año aprendí muchas cosas. Yo, que tengo ojos y tengo oídos, pienso, como probablemente lo hagan muchos de ustedes, ‘qué manada llena de miedo y de ignorancia, y qué vileza controlar desde hace siglos a la gente de esta forma’, cada vez que la vida me lleva a poner los pies en una iglesia. Y me sorprendo cada vez que escucho declaraciones de grandes “hombres de dios”, abyectas y estúpidas, que van directamente contra la esencia de los evangelios —porque la biblia no deja de ser una metáfora—, que van rectas y decididas hacia la discriminación y el odio al diferente, que hacen, en fin, que el mensaje se convierta en polvo y se difumine en la inutilidad del ser humano para comprender y mejorarse a sí mismo. El reino de dios, por ejemplo, ese futuro que se nos ha pintado siempre como un paraíso al que acceder si nos mantenemos vírgenes hasta el matrimonio, si no nos enfermamos de homosexualidad o si vamos todos los días a gritar a la iglesia, puño en pecho y golpes sonoros, ‘por mi culpa, por mi culpa, por mi gran culpa’, no es más que intentar ser siempre lo mejores que podamos, superar nuestros límites para realizarnos a nosotros mismos, ser felices y hacer felices a los que tenemos alrededor, y romper las cadenas de la ignorancia y del miedo para llegar más lejos que nunca. Lo que viene siendo, amén, los pilares básicos de toda persona con inquietudes y voluntad, e inteligencia para lograr algo en la vida. O los salmos, poemas profundamente eróticos y sugerentes. O el “dichosos los que creen sin haber visto”, de Juan, que no es un canto a la fe ciega y borreguil en otras ideas u otras personas, sino a la esperanza frente a la adversidad y la apertura de la mente para ver más allá de nuestras propias narices.

El gran silencio es diferente a esto. Los cartujos son una orden casi milenaria, apartada del mundo, que hace voto de silencio y cree en la vida austera y reflexiva para acercarse a dios. Enamorados de una fe que han sabido encontrar y que no imponen a nadie, convencidos de un ideal más antiguo que las piedras, se apartan y se pierden en los bosques, en lo alto de las montañas, para vivir tranquilos y en paz, serenos con sus compañeros y consigo mismos, sin posesiones, sin odios ni ambiciones, sin contaminación. Philip Gröning ha conseguido rodar el espectáculo de la felicidad sin envoltorio. Sin luces, sin música que nos emocione falsamente; sólo con los pasos, el canto cartujano, el sonido de los copos de nieve cayendo sobre el tejado, las pieles antiguas y curtidas de los monjes, sus ropas, su comida, la forma de arar la tierra y de besarla después, porque la tierra es madre y es a la vez hija, porque nos da la vida y la transformamos para que nos dé alimentos. Y parece que nadie se da cuenta ya de eso; la belleza no está en los efectos especiales, no está en los colores vivos y saturados: la belleza está en un diente de león o una capilla en penumbra, en árboles que se mueven o agua que cae del tejado, en la rutina tranquila y silenciosa y en el canto lejano de los pájaros, en el silencio, al fin, porque el silencio es escuchar solamente los pájaros.

Recuerden la pregunta de nuevo, ¿quién soy?, y piensen si son capaces de responderla. Yo todavía no he podido. Aún busco, aún encuentro pequeñas cosas de vez en cuando, aún estoy descubriéndolo. Quizá ustedes tengan la suerte de saberlo y de escucharse a sí mismos en medio del estruendo que somos, de las ciudades que asesinan la tierra, de tanto grito y tanto odio. No puedo dejar de pensar en los monjes de El gran silencio, caminando por la nieve mientras los aviones pasan lejos, flotando igual que flotamos todos nosotros, porque tengo la certeza de que ellos sí saben quiénes son, sí saben en qué creen. La certeza de que son, allá en el verdadero mundo, poderosamente felices.

¡Tráiler de The Dark Knight Rises! La leyenda está a punto de terminar

2011-12-19T20:43:00.000Z

Por fin, ya podemos echar un vistazo al nuevo tráiler de The Dark Knight Rises como se merece, en una calidad excelente. Sin duda, se trata de una de las producciones más esperadas del año que viene, el punto y final a la trilogía del hombre murciélago ideada por Christopher Nolan, quien ha sabido trasladar el cómic a la gran pantalla de forma espléndida. No ha habido ni habrá nadie capaz de igualarle, aunque ya conocemos la intenciones de Warner de seguir explotando la franquicia de Batman con otro equipo al cargo. Muy mala idea.

En el nuevo tráiler, podemos ver nuevas y espectaculares imágenes del filme, así como a los a los principales miembros del reparto: unos que repiten (Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman y Morgan Freeman, ausente en el video), otros reciclados de Origen (Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt y Marion Cotillard) y la principal nueva adquisición, Anne Hathaway, que con lo poco que se ha visto creo firmemente en que será un fabulosa Catwoman. El avance da nuevas pistas de lo que nos espera en los cines españoles a partir del 26 de Julio de 2012, una semana después de su estreno norteamericano. Sin más dilación, a gozar con el tráiler (subtitulado):

Sobre una mujer invisible, Hitchcock y la rentabilidad de las estrellas

2011-12-18T13:36:00.000Z

- Reese Witherspoon (Agua para elefantes) es una actriz muy capaz que suele perder el tiempo en productos inferiores a su talento. Este no parece ser el caso de The Devil’s Knot, película que dirigirá Atom Egoyan (Chloe) y que cuenta la historia de tres niños que aparecieron asesinados en West Memphis en 1983, siendo tres jóvenes detenidos y encarcelados por el crimen. Witherspoon encarnará a la madre de una de las víctimas, que tras varias décadas pidió que soltaran a los presos (cosa que se hizo el pasado mes de agosto) ya que a lo largo de estos años ha quedado demostrado que las pruebas no eran tales y que la policía había actuado de forma negligente, guiándose por suposiciones en vez de por hechos y con los medios de comunicación dando por hecho la culpabilidad de los acusados. El guión de Scott Derrickson y de Paul Harris Boardman (El exorcismo de Emily Rose) ha sido reescrito en las últimas semanas por el propio Egoyan.

- Tras Coriolanus, Ralph Fiennes volverá a sentarse en la silla del director en The Invisible Woman, cinta que protagonizará la en alza Felicity Jones (Chéri). La joven actriz se meterá en la piel de Nelly Terman, quien fue amante del escritor británico Charles Dickens durante trece años, justo hasta que éste falleció. La película se basará en un libro de Claire Tomalin y comenzará a rodarse entre la primavera y el verano del año que viene.

- Angelina Jolie (The Tourist) será la estrella protagonista de la próxima película dirigida por Luc Besson (Arthur y la guerra de los mundos). Será un thriller dramático de gran presupuesto del que se desconoce el argumento, salvo que contendrá elementos científicos. Besson es el responsable del guión, estando previsto que el rodaje comience durante la primavera de 2012.

- Tras varios años en dique seco parece que por fin saldrá adelante el biopic de Alfred Hitchcock titulado Alfred Hitchcock and the making of ‘Psycho’. Tal y como se dijo en su momento, Anthony Hopkins (Thor) encarnará al genial cineasta, mientras que Helen Mirren (La deuda) encarnará a Alma Reville, su esposa. Sacha Gervasi (Anvil: El sueño de una banda de rock) comenzará a dirigir la película en abril de 2012, la cual nos contará cómo Hitchcock sacó adelante Psicosis tras la negativa de los estudios de Hollywood a financiarlo. Gervasi escribió el guión junto a John McLaughlin (Cisne negro) tomando como referencia un libro de Stephen Rebello.

- Rachel McAdams y Noomi Rapace volverán a trabajar juntas tras Sherlock Holmes: Juego de sombras en Passion, remake de la francesa Crime d’amour que llevará a cabo Brian De Palma (Redacted). La cinta original data del 201o, está protagonizada por Kristin Scott Thomas y Luvidine Sagnier y versa sobre el peligroso juego de dominación y seducción que se crea entre una jefa y su empleada, conduciéndolas a un punto sin retorno. El rodaje arrancará el próximo 5 de marzo en Berlín.

- La oscarizada guionista Diablo Cody (Juno) debutará en la dirección con una comedia negra que aún no tiene título y que ya cuenta en su reparto con los nombres de Julianne Hough (Footloose), Russell Brand (Arthur, el soltero de oro), Holly Hunter (Un golpe de suerte) y Octavia Spencer (Criadas y señoras). El argumento, que también es obra de Cody, versa sobre una joven conservadora religiosa (Hough) que pierde su fe tras sufrir un accidente de avión. Es entonces cuando decide marcharse a Las Vegas para vivir como una pecadora, aunque durante el viaje acabará recuperando sus creencias. Hunter encarnará a su sobreprotectora madre (se desconoce qué papeles asumirán Brand y Spencer). El rodaje comenzará en la primavera de 2012.

- Armie Hammer (La red social) acompañará a Eric Bana al frente de By Virtue Fall, ópera primera del guionista Sheldon Turner (Up in the Air). Se trata de la historia de dos miembros de la Agencia de Alcohol, Tabaco, Armas de Fuego y Explosivos (ATF) cuya amistad se rompe cuando uno (Bana) traiciona al otro (Hammer), provocando que éste desee vengarse. Hammer, que hereda un papel que en un principio iba para Colin Farrell, comenzará a trabajar en esta producción a finales de este mismo mes, encadenando el rodaje con el de The Lone Ranger.

- Winona Ryder (Cisne negro) acompañará a Michel Shannon y Chris Evans en The Iceman, película que nos contará la historia real de Richard Kuklinski (Shannon), un asesino a sueldo que asesinó a decenas de personas mientras trabajaba para la mafia. Ryder encarnará a su esposa (rol para el que había sonado Maggie Gyllenhaal), que, al igual que el resto de sus amigos y allegados, nunca sospechó nada de lo que hacía su marido hasta que fue detenido. Ariel Vromen dirige la cinta.

- Problemas para Thor 2 y Paradise Lost: Marvel ha despedido a Patty Jenkins (Monster), quien iba a ser la directora de la secuela de Thor, por las manidas diferencias creativas, lo que ha provocado el enfado de Natalie Portman, pues la actriz, que está obligada por contrato a participar en la película, había apostado personalmente por la realizadora. Alan Taylor o Daniel Minahan, ambos realizadores de varios capítulos de la serie Juego de tronos, suenan como los sustitutos más factibles. Tras la marcha de Jenkins, el libreto que ha escrito Don Payne, guionista de la primera parte, también podría sufrir alguna que otra reescritura.

Peor le van las cosas a Paradise Lost, pues Legendary Pictures ha paralizado su filmación hasta que se consiga rebajar entre un diez y un quince por cierto el presupuesto estimado en 120 millones de dólares. Algo parecido ocurrió recientemente con The Lone Ranger, y es que en tiempos de crisis los estudios no están demasiado dispuestos a desembolsar grandes sumas de dinero. Recordemos que esta superproducción de Alex Proyas (Señales del futuro) era una adaptación del poema épico de John Milton El paraíso perdido y que contaba en su reparto con Bradley Cooper, Benjamin Walker, Casey Affleck, Djimon Hounsou y Camilla Belle entre otros.

- Acabamos con un repaso a esas interesantes listas sobre cine que suele confeccionar la revista económica Forbes cada año. En esta ocasión, la cosa va de los actores más y menos rentables de Hollywood. Tras los cálculos realizados en los que se mide entre otras cosas el salario de cada estrella y la recaudación de sus películas, han llegado a la conclusión de que Kristen Stewart (Amanecer: Parte 1) es la actriz más rentable por unos beneficios de 55,83 dólares. En el segundo puesto se queda Anne Hathaway (One Day; 54,67 dólares) y en el tercero el otro protagonista de la saga Crepúsculo, Robert Pattinson (39,43 dólares).

La lista se completa de la siguiente manera: 4º) Daniel Radcliffe (Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2; 34,24$); 5º) Shia LaBeouf (Transformers: El lado oscuro de la Luna; 29,40$); 6º) Robert Downey Jr. (Salidos de cuentas; 18,74$); 7º) Matt Damon (Contagio; 15,83$); 8º) Cate Blanchett (Hanna; 15,17$); 9º) Meryl Streep (No es tan fácil; 13,54$); 10º) Johnny Depp (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas; 12,48$).

- Ahora vamos con el polo opuesto, con la lista de aquellos actores cuyo salario no va acorde con los resultados económicos de las películas en las que participan. Drew Barrymore (Salvando las distancias) tiene el dudoso honor de encabezar, y con gran diferencia, este ranking con 40 centavos recaudados por cada dólar cobrado. La medalla de plata la ostenta Eddie Murphy (Un golpe de altura) por generar 2’7 dólares por cada dólar que los estudios se gastan en él, mientras que el tercer puesto lo ocupa el rey del ranking en años anteriores, Will Ferrell (Los otros dos), con 3’5 dólares.

El resto de la lista queda así: 4º) Reese Witherspoon (3’55$); 5º) Denzel Washington (Imparable; 4,25$); 6º) Nicolas Cage (Furia ciega; 4,40$); 7º y 8º) Adam Sandler (Sígueme el rollo) y Vince Vaughn (¡Qué dilema!; 5’2$ cada uno); 9º) Tom Cruise (Misión imposible: Protocolo fantasma; 6’35$); 10º) Nicole Kidman (Nine; 6’7$).

O.C: La reina de África (1951)

2011-12-17T14:33:00.001Z

¿De qué va?: Al estallar la 1ª Guerra Mundial, una estirada y puritana misionera se verá obligada a iniciar un viaje por un peligroso río en una embarcación capitaneada por un rudo hombre con tendencia a la bebida. La convivencia y las aventuras que tendrán que afrontar juntos para sobrevivir harán que su relación cambie por completo.

Reputación: La filmación de La reina de África, una de las obras más aclamadas del director John Huston (El halcón maltés) fue una auténtica odisea para el equipo de rodaje. La película fue rodada en el Congo, con mosquitos, calor y todo tipo de enfermedades, de hecho, casi todos los miembros del equipo padecieron malaria salvo Huston y Humphrey Bogart, que no probaron en ningún momento el agua. El rodaje en África también supuso un problema para la estrella femenina, Katharine Hepburn, pues al ser una fanática de la limpieza se dice que ordenó revisar el cabello de todo el personal en busca de piojos. La razón principal por la que John Huston puso tanto empeño en sacar adelante la película reside en que quería aprovechar su estancia en África para dar rienda suelta a su pasión por la caza, algo que se ve reflejado en el filme Cazador blanco, corazón negro de Clint Eastwood. La reina de África fue nominada a cuatro Oscars (director, actor y actriz protagonista y guión) de los cuales el único que finalmente se materializó fue el que ganó Bogart, resultando ser la única estatuilla dorada que el actor ganaría a lo largo de su carrera. Hace un par de días saltó la noticia de que el barco de vapor donde se rodó la mayor parte de la película está siendo restaurado para ser empleado en viajes turísticos por Florida.

Comentario: Para mí, La reina de África es una de esas películas cuya tortuosa producción es mucho más interesante que la historia ficticia que nos cuenta. De hecho, ahora tengo mucho interés en ver Cazador blanco, corazón negro, y eso que la película de Huston no me ha entusiasmado demasiado. Me creo la historia de amor entre la Hepburn y un irreconocible Humphrey Bogart porque aunque solventa lo predecible que es con unas interpretaciones y una química de órdago, a la aventura que viven por el río Ulanga le falta emoción y variedad, además de que el desenlace es totalmente increíble. Puede que el filme esté sobrevalorado por todo el revuelo que se armó alrededor de él, y es que aun siendo una clásica y elegante película de aventuras, tampoco es para tanto.

Próximo visionado: Ordet (La palabra) (1955)

Tráilers para todos: Rock of Ages, The Cabin in the Woods, Jack the Giant Killer…

2011-12-16T20:28:00.000Z

En los últimos días ha habido una avalancha de tráilers de algunas de las producciones más destacadas que se estrenarán durante el 2012, de la cual he sacado la siguiente recopilación. También he de decir que vi el nuevo avance de The Dark Knight Rises en calidad screener chusca y que es una auténtica pasada. Ya no está disponible pero me imagino que lo subirán a la red como es debido en breve porque ya se está proyectando en los pases americanos de Sherlock Holmes: Juego de sombras. Bueno, ahora vamos con los que tocan, para todos los gustos y colores:

- Los amantes del género musical tenemos una cita obligada el año que viene con Rock of Ages, dirigida por Adam Shankman (Hairspray) y protagonizada por los semidesconocidos Diego Boneta (Pequeñas mentirosas) y Julianne Hough (Footloose) arropados por estrellas del calibre de Alec Baldwin (No es tan fácil), Paul Giamatti (Templario), Tom Cruise (Misión imposible: Protocolo Fantasma), Malin Akerman (HappyThankYouMorePlease) y una felizmente recuperada Catherine Zeta-Jones (Mi segunda vez). Ah, y también sale Russell Brand (Arthur, el soltero de oro). Se trata de la historia de dos jóvenes que se enamoran en los 80, un famoso local de Los Ángeles que podría clausurarse por las quejas de los puritanos vecinos del lugar. Se estrena durante el mes de junio.

- En la línea de Qué les pasa a los hombres nos llega What to Expect When You’re Expecting, comedia coral basada en el famoso best-seller para embarazadas que nos contará diversas experiencias de personas que se preparan para ser padres. Kirk Jones (Todos están bien) dirige un reparto en el que figuran Cameron Diaz (Bad Teacher), Jennifer Lopez (El plan B), Elizabeth Banks (Los próximos tres días), Anna Kendrick (Up in the Air), Brooklyn Decker (Sígueme el rollo), Dennis Quaid (Footlose), Rodrigo Santoro (Phillip Morris ¡Te quiero!), Chris Rock (Niños grandes) y los televisivos Matthew Morrison (Glee) y Chace Crawford (Gossip Girl). Primero se estrenará en Estados Unidos en Mayo para luego llegar un mes después a España.

- Si prefieren algo menos rosa y más gamberro, The Five-Year Engagement puede ser una opción a tener en cuenta. Jason Segel (Como conocía a vuestra madre) y Emily Blunt (Destino oculto) protagonizan esta historia sobre una pareja recién comprometida cuya relación empieza a peligrar cuando no dejan de encontrar motivos para posponer el matrimonio. Alison Brie (Community), Rhys Ifans (Anonymous), Chris Pratt (Dime con cuántos) y Jackie Weaver (Animal Kingdom) completan el elenco de esta comedia dirigida por Nicholas Stoller (Todo sobre mi desmadre) y escrita a cuatro manos entre él y Jason Segel; juntos ya escribieron el guión de Los Muppets, que está recibiendo críticas estupendas. Se estrena el 27 de abril en Estados Unidos.

- The Cabin in the Woods es una cinta de terror que por fin llegará a los cines tras haber estado cogiendo polvo en un cajón desde el 2009 por la crisis económica de la Metro-Godwyn Mayer. Joss Whedon, creador de series de culto como Buffy cazavampiros y director de The Avengers, es productor y co-autor del libreto de esta historia que promete darle un vuelco a los clichés del género de terror adolescente. En su reparto nos encontramos con Chris Hemsworth antes de convertirse en el Dios del Trueno. Se estrenará el 11 de abril en USA, cuidado que el tráiler es de los que destripan más de lo necesario a partir del primer minuto.

- Para terminar vamos con el tráiler recién salido del horno de Jack the Giant Killer, filme de Bryan Singer (Valkiria) que toma como base el cuento de Las habichuelas mágicas y lo dota de un tono mucho más épico y espectacular. Nicholas Hoult (X-Men: Primera generación), Ewan McGregor (Beginners), Ian McShane (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas) y Stanley Tucci (Margin Call) encabezan el elenco de esta superproducción que nos llegará en 2D, 3D e Imax 3D el 15 de junio, fecha en la que se estrenará en multitud de países, como es el caso de Estados Unidos y España.

Nominaciones a los Globos de Oro 2012

2011-12-15T15:53:00.001Z

Hace unas horas se dio a conocer la lista de nominados de la 69ª edición de los Globos de Oro, premios que concede la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, mal entendidos como la “antesala de los Oscar”, pues en los últimos años no han habido muchas coincidencias entre el palmarés de uno y otro. A continuación, los nominados en las categorías de cine y lo que más me ha llamado la atención de ellos:

Mejor película (Drama)
Los descendientes
Criadas y señoras
La invención de Hugo
The Ides of March
Moneyball
War Horse

Mejor película (Comedia o musical)
50/50
The Artist
La boda de mi mejor amiga
Midnight in Paris
My Week with Marilyn

Mejor director
Woody Allen por Midnight in Paris
George Clooney por Los Idus de Marzo
Michel Hazanavicius por The Artist
Alexander Payne por Los descendientes
Martin Scorsese por La invención de Hugo

Mejor actor (Drama)
George Clooney por Los descendientes
Leonardo DiCaprio por J. Edgar
Michael Fassbender por Shame
Ryan Gosling por The Ides of March
Brad Pitt por Moneyball

Mejor actriz (Drama)
Glenn Close por Albert Nobbs
Viola Davis por Criadas y señoras
Rooney Mara por Los hombres que no amaban a las mujeres
Meryl Streep por La dama de hierro
Tilda Swinton por We Need to Talk about Kevin

Mejor actor (Comedia o musical)
Jean Dujardin por The Artist
Brendan Gleeson por The Guard
Joseph Gordon-Levitt por 50/50
Ryan Gosling por Crazy, Stupid, Love
Owen Wilson por Midnight in Paris

Mejor actriz (Comedia o musical)
Jodie Foster por Un dios salvaje
Charlize Theron por Young Adult
Kristin Wiig por La boda de mi mejor amiga
Michelle Williams por My Week with Marilyn
Kate Winslet por Un dios salvaje

Mejor actor de reparto
Kenneth Branagh por My Week with Marilyn
Albert Brooks por Drive
Jonah Hill por Moneyball
Viggo Mortensen por Un método peligroso
Christopher Plummer por Beginners

Mejor actriz de reparto
Bérénice Bejo por The Artist
Jessica Chastain por Criadas y señoras
Janet McTeer por Albert Noobs
Octavia Spencer por Criadas y señoras
Shailene Woodley por Los descendientes

Mejor guión
Midnight in Paris
Los idus de Marzo
The Artist
Los descendientes
Moneyball

Mejor banda sonora
The Artist
W.E.
Los hombres que no amaban a las mujeres
La invención de Hugo
War Horse

Mejor canción
"Lay Your Head Down" de Albert Nobbs
"The Living Proof" de Criadas y señoras
"Hello Hello" de Gnomeo & Julieta
"Masterpiece" de W.E.
"The Keeper" de Machine Gun Preacher

Mejor película de animación
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
Arthur Christmas
Cars 2
El gato con botas
Rango

Mejor película en lengua extranjera
The Flowers of War (China)
Le Gamin au Vélo (Bélgica)
In the Land of Blood and Honey (EE.UU.)
La Piel que Habito (España)
Nader y Sidim, una separación (Irán)

Impresiones:

- The Artist domina la lista de nominados con seis candidaturas, seguida de Criadas y señoras y Los descendientes con cuatro cada una.

- Nos sobreponemos al despropósito de las categorías de comedia de la edición anterior con unas contendientes mucho más competitivas e interesantes que The Tourist, Burlesque o Alicia en el país de las maravillas.

- Sorprenden las cuatro candidaturas de The Ides of March a mejor película, director, actor y guión, pues hasta ahora había tenido una presencia nula en la carrera a por el Oscar.

- Los Globos de Oro se acuerdan de Pedro Almódovar, que competirá contra Angelina Jolie por su primera película como directora, In the Land of Blood and Honey.

- Ryan Gosling hace doblete en las categorías de actor principal por The Ides of March (Drama) y por Crazy, Stupid, Love (Comedia o musical).

- Las protagonistas femeninas de Un dios salvaje, Kate Winslet y Jodie Foster, obtienen reconocimiento por su labor al contrario de sus partenaires masculinos, Christoph Waltz y John C. Reilly.

- Pocas sorpresas en las categorías de interpretación salvo la ausencia de Gary Oldman (El topo) y la inclusión de Viggo Mortensen por su encarnación de Freud en Un método peligroso.

- Tan fuerte, tan cerca de Stephen Daldry se queda sin ninguna mención.

- W.E., el último intento de Madonna por hacerse un hueco en la industria del cine y que ha recibido varapalos por todos lados, tiene presencia en los apartados de banda sonora y canción.

- J. Edgar, lo nuevo de Clint Eastwood, se queda con una solitaria nominación para su protagonista, Leonardo DiCaprio, confirmándose su bajón tras partir como una de las favoritas al principio de la temporada de premios.

La lista completa de nominados, tanto de cine como televisión, pueden consultarla aquí. Ricky Gervais volverá presentar la ceremonia de entrega por tercera vez consecutiva y a pesar de la polémica que suscitó su discurso de apertura el año pasado, pues ni tan siquiera la organización del evento salió bien parada en sus chistes. Los ganadores se darán a conocer el próximo 15 de enero.

Fraternidad pingüina

2011-12-14T13:00:00.000Z

Dir.: George Miller
¿De qué va?: Mumble y su amada Gloria tienen un problema con su hijo, Erik, pues tiene fobia al baile. Un día, Erik escapa con sus amigos de la comunidad de los pingüino emperador y conoce a Sven, un pingüino capaz de volar. El pequeño se queda maravillado de él desatendiendo los consejos de su padre, pero todo cambiará cuando un desastre ecológico pondrá en peligro a la comunidad.

Reseña: En 2006 se estrenó Happy Feet, una sorprendente película que presumía de la animación por ordenador más puntera para contarnos la historia de unos pingüinos que se emparejaban a través de la música. El filme se saldó con un gran éxito de taquilla (casi 400 millones de dólares) y el Oscar a la mejor película de animación. Cinco años después nos llega su secuela y lo hace por la puerta de atrás, con una campaña promocional casi invisible y cierta indiferencia por parte del público: lleva tres semanas en cartel y apenas alcanza los 100 millones a nivel mundial. Tal vez llegue demasiado tarde, o puede que la primera parte no dejara a la gente con ganas de más, pero lo cierto es que pese a que no llegue al nivel de su antecesora, Happy Feet 2 no es tan prescindible como aparenta.

Aunque el factor sorpresa ya haya pasado, el filme se esconde un as en la manga: mientras muchas películas destinadas a un público infantil lanzan un mensaje optimista de que todos podemos conseguir lo que pretendamos por muy imposible que sea, Happy Feet 2 nos da una ducha fría de realidad y nos dice que todos tenemos un límite que no podemos superar por simples cuestiones biológicas. Pero no se alarmen, porque este mensaje -desmoralizante, realista, pesimista… llámenlo como quieran-, queda compensado con una denuncia ecológica, más sutil que la de la primera parte y centrada en el calentamiento global, y en una alegoría sobre el individualismo como medio de conseguir que la sociedad reaccione para poder hacer una acción conjunta capaz de cambiar el mundo. Es el 15-M de la fauna de la Antártida.

La historia de los pingüinos, cuyo mejor elemento cómico sigue siendo el latin-lover Ramón pero en menor medida, viene arropada por una trama secundaria protagonizada por los krill Will y Bill que subraya la moraleja de la cinta y que se acaba convirtiendo en lo mejor de ella. Estos pequeños crustáceos, que cuentan con las voces de Brad Pitt y Matt Damon en la versión original y con las de sus dobladores habituales en la española, son más expresivos que los pingüinos, tienen mejores diálogos e incluso su amistad va adquiriendo connotaciones homosexuales con evocaciones a Brokeback Mountain. Se merecen una película propia, o por lo menos un cortometraje.

Pese a todo lo dicho y a que la factura técnica vuelve a ser excelente regalándonos momentos soberbios, Happy Feet 2 se queda unos pasos por detrás de la primera parte porque el desarrollo argumental es más bien estático en comparación con la trepidante aventura que vivió Mumble en la ocasión anterior, y porque los números musicales no lucen como deberían. Da igual que no sean tan numerosos, la cuestión es que el repertorio no tiene gancho, salvo por el Under Pleasure que suena en el clímax, y con algún que otro momento “What the Fuck?” con la recuperación del inefable Dragostea Din Tei y la ópera del pequeño pingüino en plan Joselito. Pero reitero lo dicho, es una secuela bastante digna y sus errores podrían ser subsanados en una ya anunciada tercera parte que tal vez no llegue a realizarse nunca por los discretos resultados que está cosechando este regreso de los pingüinos polifacéticos.

7/10

El rincón de Chechu: Hace mucho tiempo…

2011-12-13T14:00:00.000Z

El miedo lleva a la ira, la ira lleva al odio, el odio lleva al sufrimiento.

Yoda, La amenaza fantasma.

No sé si les ocurrirá a ustedes, pero yo me siento culpable siempre que me dejo llevar por los impulsos y pierdo el tiempo viendo películas que ya he visto muchas veces. ‘Muy mal, Chechu’, me digo, ‘con todo lo que te falta por conocer y aquí estás, tirado en la cama, contemplando historias de las que ya sabes el final, embobado delante de los mismos láser y las mismas naves de nuevo’. Intento silenciar mi conciencia, que grita ‘Edipo Rey para el rincón del martes; el capitán Ahab te espera en la página quinientos tres; Blow Up de Antonioni después de revisar Las babas del diablo; Teorías del cine de Casetti, ahí en la mesilla.’ Lucho conmigo mismo, miro alrededor, son las cinco y todavía estoy en pijama, las sábanas revueltas, el pelo también, en mi mano La venganza de los Sith. ‘Tengo que actuar’, pienso, ‘o me quedaré estático como un idiota’. Entonces meto rápidamente el deuvedé en el ordenador, le doy a abrir carpeta para ver archivos, y pincho en el cono naranja del VLC. Mis pensamientos todavía molestan, ‘Cortázar, Blow Up, ignorante, aprende y déjate de chorradas’, pero si muevo la silla hacia mi cama, si coloco la pantalla delante de mí, si me tumbo y cojo el tabaco, consigo no oírlos durante esos segundos cruciales en los que tarda el reproductor en abrir la película.

Y cuando se abre escucho los primeros acordes de John Williams, veo las estrellas, las letras amarillas que avanzan, y me dejo llevar por la felicidad y la ilusión, que siguen siendo las mismas porque yo, a fin de cuentas, soy todavía un niño aunque me esté haciendo mayor. Y los pensamientos se acaban, mi conciencia deja de gritar, me pongo cómodo y dejo que el tiempo transcurra.

La venganza de los Sith comienza partida, donde acabó La guerra de los clones, con Anakin Skywalker y Obi Wan pilotando sus naves en un desesperado intento de salvar al canciller Palpatine, que ha sido secuestrado por el Conde Dooku. El primer acto de la historia se desarrolla en medio de efectos especiales vacíos, los combates no tienen la emoción de antaño y es increíble la facilidad con la que los Jedi penetran en la fortaleza enemiga. A veces los diálogos son involuntariamente cómicos, debido al desfase entre el dramatismo de la historia y la candidez de los separatistas. Incluso la primera vez que la vi pensé en quitarla, desesperado por la decepción que me supuso La guerra de los clones y asustado ante el aparente descalabro de esta tercera parte. Pero bueno. Ahora ya conozco el terreno en el que me muevo, y soy comprensivo con la primera mitad de la película porque recuerdo cómo variaba mi nota en aquel primer visionado —si alguno de ustedes tiene cuenta en FilmAffinity sabrá a qué me refiero, esa manía de pensar la puntuación que le dará después a la película mientras la ve—, pasando del cuatro en la primera media hora al seis a la hora y media, y llegando a un emocionado y vibrante nueve al final, gracias a la conversión final de Anakin al lado oscuro.

Porque esto es de lo que trata La venganza de los Sith. Que Palpatine sea un Lord Sith, que Padme esté embarazada, que Anakin no acabe de ser nombrado maestro Jedi, no es una historia: es un caldo de cultivo, una melting pot que va cociendo despacio, a fuego lento, los motivos por los que se convirtió en Darth Vader sin darse apenas cuenta. La falta de confianza en sí mismo, la juventud, la toma de decisiones, la ingenuidad, el orgullo, el amor, son lo que lo llevaron a hacer lo que hizo, a asesinarse y resucitar precisamente en su antagónico, en el mal, contra lo que siempre había querido luchar. La delgada línea que separa los extremos es realmente delgada, y nadie se da cuenta de que la ha sobrepasado hasta que se ve a sí mismo en el otro lado. El clímax de la historia —ejemplo perfecto de desenlace cinematográfico, con un subidón muy controlado de tensión y unos minutos finales tranquilos, desesperanzados, brutales— es como los últimos metros de un río que acaba por fin en el mar. Logra mostrar cómo la personalidad de Anakin, demasiado impulsiva, arrastrada por los acontecimientos y por el miedo, se convirtió en su propia enemiga y terminó por destrozarlo, llevándolo a provocar la muerte de lo que más amaba —representación del miedo a la pérdida, de la debilidad frente al destino—, a enfrentarse con su maestro —‘¡Yo te quería, Anakin! ¡Tú eras mi hermano!’— y a caer en la desgracia y refugiarse en el lado oscuro.

Así que cuando la terminé de ver, ya no escuchaba ni un atisbo de mi conciencia. Raudo y veloz, como quien corre para salvarse, pinché en la siguiente parte, Una nueva esperanza, porque ya no me controlaba y quería disfrutar más y seguir la historia. ‘Sé que son las siete y media, pero no importa’, me decía. Y es en este momento cuando el espectador más se emociona: el contraste entre las películas modernas y las antiguas, los detalles de guion que encajan como un puzle, la serenidad majestuosa de Ben Kenobi, ese viejo eremita que vive en Tatooine pero que en realidad vela por Luke. La magia está en que nosotros sabemos quién es ese joven, sabemos su historia, pero él no. Sabemos que Darth Vader es su padre, que la princesa Leia es su hermana, que acabará redimiéndolo y que se convertirá en el último y primer Jedi de la galaxia a las puertas de una nueva era. Además, conocemos a Han Solo y al Halcón Milenario, ese cacharro veloz que tantos problemas da y que de tantos problemas saca a los protagonistas, y reímos con Harrison Ford y su chulería ante Leia, mientras fragua sin querer la más bella de las historias de amor que he visto en una pantalla. Y nos partimos con C3PO, relaciones cibernéticas humanas, porque forma un tándem perfecto con R2 y en realidad es más carismático que muchos hombres, con su cuerpo lleno de cables y su brillante cubierta dorada.

Después del ataque a la Estrella de la Muerte ya era muy tarde y tenía que ir al cine con mi amigo Blanch —vimos In Time, bodrio, a su crítica me remito—, así que ya no pude seguir con Star Wars. Pero mi mente se quedó prendada y no dejé de escuchar el pa, pa, parapapáapa, parapapáapa, parapapáaa. En la sala, mientras Justin Timberlake corría sin sentido y Amanda Seyfried se quitaba la ropa jugando al póker, yo sólo pensaba en Luke y en el capitán Solo, y deseaba que llegase la mañana del día siguiente para lanzarme con El Imperio contraataca. Así que volví, cené, me tapé con el edredón y cerré los ojos, y cuando volví a abrirlos no hice más que poner la película y volver a soñar con George Lucas. Disfruté con la decisión de Lando, la forma en que los entrega a Vader para salvarse a sí mismo, y cómo después, al ver congelado a su amigo Han, rectifica y se vuelve contra el Imperio porque hay cosas más importantes. Y con la primera aparición de Yoda, exiliado desde La venganza de los Sith, convertido en una especie de dios cercano y simpático al principio, de presencia aplastante y milenaria al final. Y con la revelación más famosa de la historia del cine, ‘Yo soy tu padre’, dice Vader a Luke. Pero no lo asesina porque todavía lo quiere, y porque el bien aún está en su interior, porque todos los motivos que lo llevaron a ese punto no eran más que circunstancias, juventud y amor, y me acuerdo entonces de las escenas finales de la tercera parte, y me estremezco porque me dan ganas de volver a verlas de nuevo. Cuando acabó fui directo a pinchar en El retorno del Jedi, ‘qué más da que sean las cinco y todavía no haya comido’, pensé. ‘La redención es más importante que mis hamburguesas.’

Vi la última y la última terminó. Después de la lucha junto a los Ewoks y después de la gran secuencia a tres bandas entre Luke, Vader y el emperador, en la que el joven Jedi se mantiene alejado del mal, fuerte, estático, evitando caer en el mismo error que su padre, las tentaciones y facilidades del lado oscuro, y en la que se ve abocado a morir a manos de Sidious hasta que Vader regresa y lo salva, y acaba con el emperador y con todo el mal que había en él gracias al amor y la determinación de su hijo. Entonces se cumple la profecía, que parecía truncada, y es realmente Anakin quien termina con el dolor y la represión en la galaxia porque consigue volver, y redimirse, y morir en paz, incinerado por Luke, consumido por las llamas que una vez lo convirtieron en alguien sin alma y sin corazón y que ahora lo devuelven al bien, a la fuerza, a la paz.

Así que ya ven cómo he pasado el puente. Hay veces que me alegro de no escuchar a mi conciencia. Esa que me dice que aprenda, que avance, que no me estanque en lo que ya conozco. Pero qué quieren que les diga. Hoy podría haberles hablado de Pasolini, o de Blow Up, o hubiese podido leer más de Moby Dick, o estudiar un poco sobre teoría del cine. Sin embargo me dejé llevar por el corazón, por el instinto, por el placer, y vi de nuevo mis cuatro películas favoritas de Star Wars. Contando que estos días no me calce las dos primeras en cuanto disponga de un segundo libre. Y eso de aprender y no estancarse, pues bueno. Quién es mejor maestro que Yoda, quién sabe amar mejor que Han Solo, quién comete errores más cruciales que Anakin y quién crece más que Luke. Siempre hay tiempo para cosas nuevas, así que a partir de ahora intentaré no sentirme culpable cada vez que haga maratón de El señor de los anillos, El padrino o lo que sea. Porque los conocimientos también están allí, al otro lado de la pantalla, en películas que ya hemos visto mil veces; la fuerza de ser intemporales, emotivas, perfectas, que hacen que las amemos y les dediquemos mil visionados distintos. La fuerza, queridos amigos. En una galaxia muy, muy lejana… yo fui un Jedi durante dos días.

Fur of Flying y Rabid Rider: El Coyote luce nuevos artilugios ACME

2011-12-12T21:00:00.001Z

Hace un año colgué en el blog Coyote Falls, un corto 3D protagonizado por el imperecedero dúo cómico formado por El Coyote y El Correcaminos que se exhibió antes de la proyecciones de Como perros y gatos 2 en los cines. También dije que saldrían otros dos acompañando a los estrenos de Ga’Hoole: La leyenda de los guardianes y de El oso Yogui y que en cuanto estuvieran subidos a la red los pondría por aquí. Lamentablemente olvidé dicho cometido, pero como más vale tarde que nunca he aquí esta entrada para enmendar mi olvido.

Warner seguirá produciendo cortos en 3D protagonizados por los célebres Looney Tunes y que se exhibirán junto con sus estrenos destinados a un público familiar. Sin ir más lejos, antes de Happy Feet 2 se proyecta, al menos en los pases norteamericanos, I Tawt I Taw a Puddy Tat, protagonizado por Silvestre y Piolín; en España ya lo comprobaré cuando vaya esta semana a ver la película.

A continuación, pueden ver Fur of Flying y Rabid Rider, dos pequeñas historietas en la que El coyote intenta atrapar al Correcaminos valiéndose de las nuevas tecnologías. ¿Lo conseguirá? ¿Ustedes que creen?

P.D: Por cortesía de Padre de familia, podemos ver cómo sería la vida del Coyote después de atrapar al Correcaminos:

¡Elige al actor y a la actriz de 2011!

2011-12-11T10:54:00.000Z

Como ya es tradición cada año por estas fechas en The Other Fanboy Blog, celebramos el fin de un año cinematográfico y el comienzo de uno nuevo haciendo un repaso por los actores y actrices que nos han acompañado cada mes y abriendo una votación para que ustedes, seguidores habituales y lectores ocasionales, decidan quién de ellos merece el título del mejor intérprete del año.

El funcionamiento sigue siendo el mismo: en la parte superior de la columna derecha tienen dos encuestas, una para los actores y otra para las actrices, que permanecerá abierta hasta el 31 de diciembre, fecha en la que se publicará un post con los resultados obtenidos. Sólo se puede emitir un voto, a no ser que hagan trampas votando desde diferentes equipos, y para hacerles más fácil su decisión tienen a continuación un anuario con los actores participantes y las películas que han estrenado en 2011 (las que aún no han llegado a los cines españoles están en azul). Además, pinchando en sus respectivos nombres accederán a la entrada que les dediqué en su momento con los méritos por los que fueron elegidos actor/actriz del mes.

Repito lo de cada año, son libres de votar a sus actores preferidos y disponen del apartado de comentarios para dar a conocer sus elegidos, hacer campañas a favor y en contra, indignarse por las ausencias o lo que se les ocurra. Soy consciente de que echarán en falta a alguien pero son sólo doce meses y cada uno está regido por los estrenos que se produjeron en España en su momento y por mis preferencias personales, para qué les voy a engañar.

Espero que disfruten de la encuesta, que sea tan emocionante como el año pasado en el que por un único voto se impuso Marion Cotillard a Naomi Watts, y que la participación aumente respecto a los años anteriores (la marca a batir es de 40 votos). Al final de la entrada disponen de los enlaces a los anuarios de los cuatro años anteriores por si les pica la curiosidad. ¡Y que ganen los mejores!

ENERO: Natalie Portman [Cisne negro, Sin compromiso, El amor y otras cosas imposibles, Thor, Caballeros, princesas y otras bestias, Hesher]

FEBRERO: James Franco [127 horas, Howl, Caballeros, princesas y otras bestias, El origen del planeta de los simios]

MARZO: Emily Blunt [Destino oculto, Gnomeo y Julieta (voz), The Muppets]

ABRIL: Gwyneth Paltrow [Country Strong, Glee (TV), Contagio]

MAYO: Ryan Phillippe [El inocente, The Bang Bang Club, Setup)

JUNIO: Keira Knightley [Nunca me abandones, Sólo una noche, London Boulevard, Un método peligroso]

JULIO: Justin Timberlake [Bad Teacher, Con derecho a roce, In Time]

AGOSTO: Chris Evans [Capitán América: El primer vengador, Dime con cuántos, Puncture]

SEPTIEMBRE: Colin Farrell [Camino a la libertad, Noche de miedo, Cómo acabar con tu jefe, London Boulevard]

OCTUBRE: Emma Stone [Con derecho a roce, Crazy, Stupid, Love, Criadas y señoras]

NOVIEMBRE: Kate Winslet [Mildred Pierce (TV), Contagio, Un dios salvaje]

DICIEMBRE: Ryan Gosling [Blue Valentine, Crazy, Stupid, Love, Drive, The Ides of March]

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