Michael Fassbender y Julianne Moore, actor y actriz del 2015

Hacen una bonita pareja ¿verdad? Pero nunca han coincidido en la gran pantalla, aunque ella ha confesado en una entrevista que él le encanta (y le pone) en todo lo que hace. Michael Fassbender y Julianne Moore han sido los ganadores de la votación del actor y la actriz del año. Él repite tras haber ganado en el 2012 (convirtiéndose en el primer intérprete en hacerlo) y ella lo consigue tras haber quedado en segunda posición la primera vez que empazamos esta tradición, en el 2009. Pero mejor vamos con los resultados finales:

Ben Whishaw ha sido quien ha liderado holgadamente la votación de actores desde que se abrió. Sin embargo, Fassbender le ha ganado terreno en los últimos días hasta llegar a un empate que se ha tenido que resolver vía Twitter. Finalmente, aunque ambos se quedaron con un 33% de los votos en la encuesta oficial, un 71% de twitteros ha decidido que sea Fassbender quien ocupe el primer puesto. El handicap del actor irlandés ha sido estrenar Slow West con nula repercusión, Macbeth a finales de año y Steve Jobs el 1 de enero, pero no ha sido problema para acabar imponiéndose ante Whishaw, que ha salido reforzado gracias a la serie London Spy y a que lo hemos visto prácticamente en todas las películas que se han estrenado este mes: Langosta, En el corazón del mar y Sufragistas, además de Spectre el mes pasado. El tercer puesto lo comparten Chris Hemsworth y Paul Rudd, con un 11% de los votos cada uno.

En cuanto a las actrices, Emma Stone comenzó la encuesta con buen pie, pero con el tiempo quedó relegada al segundo puesto ante el huracán Julianne Moore, que ha conseguido una aplastante victoria con el 52% de apoyos. Moore empezó el año ganando el Oscar que tanto se le había resistido gracias a Siempre Alice, además de ofrecer otra interpretación tan memorable como la que hizo en Maps to the Stars, así que su triunfo parece indiscutible. En cambio, a pesar de que Emma Stone consiguió su primera nominación al Oscar por su potente interpretación en Birdman, no ha tenido tanta suerte con el resto de sus estrenos. De haber funcionado mejor Aloha e Irrational Man, seguro que habría conseguido más del 26% de votos obtenido. Y por último y en tercer lugar, otro empate entre Kristen Stewart (que merecía mejor suerte) y Carey Mulligan, con un 10% cada una. Anna Kendrick y Reese Witherspoon son las que se van de vacío en esta edición.

A Fassbender y Moore los volveremos a ver muy pronto en el cine. Él estrena mañana mismo Steve Jobs, por la que se postula como uno de los favoritos para ganar el Oscar a mejor actor. En mayo lo volveremos a ver como Magneto en X-Men: Apocalipsis, y a finales de año en Assassin’s Creed, en cuyo rodaje se encuentra enfrascado actualmente para luego embarcarse en el de Alien: Covenant. En algún momento también tiene que estrenar el drama romántico The Light Between Oceans y el thriller criminal Trespass Against Us, así que lo volveremos a tener muy presente este año. En cuanto a la pelirroja, en enero llegará a los cines españoles Freeheld, el drama lésbico basado en una historia real que co-protagoniza junto a Ellen Page. También tiene pendiente de estreno la comedia dramática Maggie’s Plan y próximamente se pondrá a las órdenes de George Clooney para rodar Suburbicon, thriller escrito por los hermanos Coen en el que también participan Matt Damon y Josh Brolin.

Y esto es todo por ahora. Mañana empezaremos el año con una nueva actriz del mes, intentando reunir a un buen grupo de intérpretes que destaquen a lo largo del 2016 para volver a realizar la votación dentro de 12 meses por estas fechas. Gracias a todos por participar y feliz año nuevo.

Ganadores del 2014
Ganadores del 2013
Ganadores del 2012
Ganadores del 2011
Ganadores del 2010
Ganadores del 2009

Un paseo por las nubes

Dir.: Robert Zemeckis
Int.: Joseph Gordon-Levitt, Charlotte Le Bon, Ben Kingsley, Clément Sibony, James Badge Dale, Ben Schwartz, Steve Valentine
¿De qué va?: En 1974, el funambulista francés Philippe Petit reclutó a un grupo de personas para que lo ayudasen a llevar a cabo su sueño: caminar por el inmenso vacío entre las torres del World Trade Center.

Reseña: En el año 2008 se estrenó Man on Wire, documental de James Marsh sobre la por aquel entonces poco conocida proeza del funambulista Phlippe Petit, quien no paró hasta ver cumplido su sueño de tender su cable entre las Torres Gemelas y caminar sobre él. El documental consiguió un Oscar y suscitó el interés de Robert Zemeckis, quien vio en la historia de Petit la posibilidad de poner a prueba las maravillas del cine digital, exploradas en sus no especialmente celebradas cintas de animación (Polar Express, Beowulf, Cuento de Navidad), con el fin último de meter al espectador en la piel del artista y hacerle sentir el vértigo de caminar sobre un fino cable a 417 metros de altitud.

Pero para llegar a eso antes debemos conocer la historia de Petit: sus inicios como artista, el descubrimiento de su sueño y cómo elaboró el plan para llevarlo a cabo, entrenando y buscando cómplices que le ayudasen en la puesta en marcha. La película se beneficia de utilizar el esquema del subgénero de atracos (ya presente en el documental) y del tono ligero y cómico que le imprime el director, con un efecto 3D bien implementado que le permite dotar a cada escena de una gran profundidad de campo y animar la función con los típicos trucos, como lanzar objetos al público. Sin embargo, aquellos que buscasen más detalles de la relación de Petit con sus amigos y compinches, esbozada con cierto misterio en las entrevistas que componen el documental, se llevará un chasco, puesto que todos los personajes, incluyendo el mentor al que da vida Ben Kingsley, están ahí para ejercer de apoyo del protagonista.

Joseph Gordon-Levitt hace un gran trabajo dando vida a un personaje tan estrafalario y admirable como es Phillippe Petit. Aun con lentillas y peluca, no guarda con él un gran parecido físico, pero clava su dinamismo, su entusiasmo exacerbado y, sobre todo, su pasión, realizando un esfuerzo físico encomiable que nos hace creer que se dedica al equilibrismo de verdad. La película no intenta indagar en sus motivaciones porque no hay un gran misterio detrás; tan sólo se maravilló de aquellas dos torres y se marcó como objetivo caminar entre ellas con su cable. La esperada escena es un prodigio visual, mantenido con suspense y una conseguida sensación de vértigo, al tiempo que establece una conexión entre la hazaña de Petit y la lograda por Zemeckis al conjugar las técnicas cinematográficas para recrearla con gran verosimilitud y hacernos partícipes de ella de forma subjetiva.

Man on Wire y El desafío se complementan muy bien porque cada una ofrece algo diferente: el documental, asombro y añoranza por una época en la que aún creíamos en la magia, mientras que el film busca la espectacularidad de vivir esa experiencia no a través de fotografías y declaraciones, sino en primerísima persona. Por eso, el primero es rico en detalles y matices y el segundo simplifica la historia de Petit, potenciando y añadiendo efectos especiales y narrativos para generar tensión. Personalmente, el documental me llegó más, sobre todo por poder escuchar a los partícipes de la proeza, viendo cómo se les ilumina el rostro al recordarla, pero depende de lo que busque cada espectador. Lo que sí que comparten ambas producciones es el homenaje, elegante y sutil, a esas dos edificaciones, símbolo del espíritu americano, que hace catorce años que dejaron de rozar el cielo.

6’5/10

Soltero exigente busca

Dir.: Yorgos Lanthimos
Int.: Colin Farrell, Rachel Weisz, Ben Whishaw, Léa Seydoux, John C. Reilly, Olivia Colman, Jessica Barden, Ashley Jensen, Ariane Labed
¿De qué va?: En una sociedad indeterminada, las reglas establecidas marcan que los solteros sean arrestados y enviados a un hotel donde deben encontrar pareja en un plazo de 45 días. Si no lo consiguen, son transformados en un animal de su elección y soltados en el bosque.

Reseña: Había una vez, un lugar donde el “fueron felices y comieron perdices” era una obligación ciudadana. Las parejas eran un símbolo del progreso, los solteros una lacra a erradicar. Por ello, aquellos incapaces de encontrar a su media naranja por sus propios medios, eran llevados a un parador donde debían dar con ella entre aquellos que se encontrasen en su misma situación. En el caso de fallar, serían convertidos en un animal a su libre elección, y de esta forma ser, al fin, útiles para la sociedad. Esta es la premisa de Langosta, el film con el que el cineasta griego Yorgos Lanthimos toma retazos de cuentos tradiciones para constuir una fábula cuyo espíritu esperpéntico y extremo funciona como espejo diáfano de cómo funcionan las relaciones sentimentales del siglo XXI.

Lanthimos examina el amor, no como sentimiento, sino como construcción social.  Él no se cuestiona qué es el amor, sino cómo actuamos los humanos al respecto. Una sociedad distópica que adoctrina al individuo para encontrar pareja basándose en gustos o peculiaridades comunes no se diferencia demasiado al mundo en el que vivimos, en el que se nos educa marcando la vida en pareja como el objetivo al que todos deberíamos aspirar, y ante la proliferación de aplicaciones y redes sociales para encontrar pareja, sentimental o sexual, a golpe de dedo índice y en base a una foto y una breve descripción personal. También es fruto de nuestro tiempo la rebeldía que surge de aquellos que consideran que la autosuficiencia y la individualidad es el mejor modo para (sobre)vivir, rechazando tanjantemente cualquier atisbo de contacto emocional que pueda asemejarlos a los otros. De esta forma, Langosta se estructura en dos actos que exponen la realidad de cada lado de la trinchera, conectadas por un sentido del humor negrísimo que nace del ridículo que supone ver conductas y actitudes familiares llevadas al absurdo más extremo.

En ese contexto se mueven personajes construidos en torno a etiquetas (el tartamudo, el que cojea, la de las galletas…), síntoma de la celeridad con la que intentan (intentamos) conocer a las personas para diferenciar las que son afines de las que no. Colin Farrell, en su mejor interpretación desde Escondidos en Brujas (2008), encarna al protagonista, un hombre que, al ser abandonado por su esposa, se ve obligado a buscar pareja en el hotel de los solteros. A lo largo de su estancia conoce a una serie de personajes a cada cual más patético (atinadísimo elenco),  que le harán comprender que, si no quiere acabar muerto o convertido en un animal, debe ser práctico, hasta que conoce al personaje al que da vida Rachel Weisz, quien pone su mundo patas arriba con la dulzura y el atractivo que la caracterizan. Mención especial merecen Olivia Coman y Léa Seydoux, personificando dos fuerzas tan polarizadas como radicales en sus planteamientos.

Langosta es la disección de las relaciones sentimentales más corrosiva y lúcida que se ha hecho desde Closer (2003). Lanthimos ha firmado una película fiel a su estilo pero no tan crítptica como la que le dio la fama mundial, Canino (2009). Su último film es más accesible en su planteamiento, sin renunciar a su peculiar forma de contar historias, y está plagada de momentazos capaces de hacernos remover en el asiento por incomodidad, risa o perplejidad. Tan bella como perturbadora, y colmada de lecturas que brindan más interrogantes que respuestas, deja sobre la mesa una cuestión que cada espectador responderá bajo su propia percepción y experiencia: ¿Hasta qué punto somos capaces de sacrificarnos por amor?

9/10

Las películas más esperadas del 2016

Como es tradición por estas fechas en las que todo el mundo está elaborando sus listas de lo mejor del año que está punto de concluir, vamos a echar un vistazo a esas películas que, tal vez, figurarán en las listas que confeccionaremos dentro de 12 meses. He aquí el Top 10 de los estrenos más esperados para el que esto escribe, una lista que ha procurado evitar la masificación de superhéroes que experimentaremos durante el 2016, aunque alguno sí que está presente, al igual que en años anteriores. Como también es costumbre, alguna película ya se ha estrenado en Estados Unidos y otras acabarán llegando a nuestros cines al año siguiente, pero al menos que esto sirva como una pequeña guía de lo que está por venir. No olviden cojer su agenda cinéfila y apuntar lo siguientes títulos:

 

10. Passengers
Dir.: Morten Tyldum
Int.: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne
¿De qué va?: Una nave espacial que transporta millones de personas a un lejano planeta colonial sufre una avería en una de sus cámaras de criogenización, despertando a uno de sus tripulantes 90 años antes de lo previsto. Ante la desagradable idea de envecejer y morir solo en esa nave, el tripulante decide despertar a una atractiva mujer para que le haga compañía.
El reclamo: Ver cómo queda una película que ha pasado de ser un sci-fi modesto basado en un guión de John Spaiths (Prometheus) y protagonizado por Keanu Reeves y Rachel McAdams a ser un blockbuster invernal cuyo presupuesto se ha visto acrecentado debido al caché de su pareja estelar definitiva: Chris Pratt (en su primer rol dramático) cobrará 12 millones de dólares, mientras que Jennifer Lawrence percibirá 20 más el 30% de los beneficios de taquilla. Siendo una propuesta que no se basa en ningún material previo, ¿serán los dos actores de moda en Hollywood suficiente reclamo en taquilla?
Estreno en USA: 21/12/16
Estreno en España: ¿?

9. A Monster Calls
Dir.: Juan Antonio Bayona
Int.: Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Lewis MacDougall, Toby Kebell, Geraldine Chaplin
¿De qué va?: Un niño busca la ayuda de un monstruo con apariencia de árbol para enfrentarse a la enfermedad de su madre.
El reclamo: Final de la trilogía sobre la maternidad que Bayona inició con El internado y continuó con Lo imposible. Parte de una aclamada novela de Patrick Ness que a su vez se basó en una idea de la escritora Siobhan Dawd, que falleció a causa del cáncer antes de terminar el libro. Steven Spielberg le hará la competencia con The BFG, película de temática similar y, a riesgo de que nos hartemos de su presencia invasiva en la televisión (produce ‘Telecirco’), será probablemente la película española que más dará que hablar en el 2016 junto al nuevo trabajo de Pedro Almodóvar.
Estreno en USA: 14/10/16
Estreno en España: 07/10/16
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8. Doctor Strange
Dir.: Scott Derrickson
Int.: Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Tilda Swinton, Madds Mikkelsen, Michael Stuhlbarg
¿De qué va?: Tras arruinar su carrera, un brillante pero arrogante cirujano consigue una nueva oportunidad en la vida cuando un hechicero lo toma bajo su protección y le enseña las artes místicas para defender el mundo contra el.
El reclamo: Ser la película Marvel con mayor pedigrí, gracias al excelso reparto que han reunido para la ocasión. La insistente promesa de que será la propuesta más radical y singular que ha parido la casa de superhéroes, dando un golpe sobre la mesa el mismo año en el que la competencia directa pone en marcha su propio plan de universo superheróico. Si el 2016 no será el año del colpaso de este género, habrá cuerda para todo.
Estreno en USA: 04/11/16
Estreno en España: 28/10/16

 

7. Rogue One: A Star Wars Story
Dir.: Gareth Edwards
Int.: Felicity Jones, Mads Mikkelsen, Ben Mendelsohn, Alan Tudyk, Diego Luna, Forest Whitaker, Riz Ahmed, Donnie Yen
¿De qué va?: Un grupo de rebeldes planea una peligrosa misión para robar los planos de la Estrella de la Muerte al Imperio Galáctico.
El reclamo: En plena fiebre galáctica, será interesante descubrir si el primer spin-off de la saga consigue arrasar tanto como lo está haciendo ahora el Episodio VII, así como ver si se aprovecha la oportunidad de explorar nuevos caminos y derroteros lejos del encorsetamiento al que está sometida la saga original. Felicity Jones demostrando que es algo más que una actriz con potencial, liderando asimismo el reparto de A Monster Calls y co-protagonizando Inferno junto a Tom Hanks.
Estreno en USA y España: 16/12/16

 

6. Untitled Woody Allen Project
Dir.: Woody Allen
Int.: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll, Anna Camp, Judy Davis, Paul Schneider
¿De qué va?: No se sabe absolutamente nada de la película de Woody Allen para el 2016, salvoque se trata de una comedia ambientada en Los Ángeles y en su amada Nueva York, probablemente en una época pasada.
El reclamo: La cita anual con el cineasta neoyorkino nunca falta en este ranking, uno o dos puestos más arriba o más abajo. A pesar del sabor agridulce que nos dejó Irrational Man, siempre hay interés por descubrir cómo será su siguiente proyecto aunque, como es costumbre, nunca sepamos nada sobre su argumento por estas fechas. Hay expectación por ver cómo se desenvuelve Kristen Stewart como chica Allen, y aunque Bruce Willis dejó la producción a mitad del rodaje (al parecer, el director no estaba satisfecho con su trabajo) Steve Carell resulta un reemplazo mejor que la primera opción.
Estreno en USA y España: ¿?

5. Finding Dory
Dir.: Andrew Stanton, Angus MacLane
¿De qué va?: Seis meses después de encontrar a Nemo, Dory vive una apacible vida con sus amigos los peces payaso. Tras acompañar al pequeño pez en un viaje para ver  cómo las mantarrayas migran de vuelta a casa, su problema de memoria hará que se pierda y tenga que emprender una aventura para regresar a su hogar.
El reclamo: Pixar tiene demasiado talento como para vivir de las rentas que les brinda hacer secuelas de sus grandes éxitos, pero la idea de ver una continuación de Buscando a Nemo centrada en su personaje más querido e, irónicamente, memorable, es una idea muy, pero que muy apetecible. Confiamos en su buen hacer y en que Anabel Alonso repita poniendo la voz en castellano a su protagonista, uno de los mejores trabajos de doblaje hechos en España.
Estreno en USA: 17/06/16
Estreno en España: 24/06/16
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4. Bourne 5
Dir.: Paul Greengrass
Int.: Matt Damon, Julia Stiles, Vincent Cassel, Alicia Vikander, Tommy Lee Jones, Riz Ahmed
¿De qué va?: Nueve años después de ser dado por muerto, Jason Bourne vuelve a estar en el punto de mira de la CIA.
El reclamo: El regreso a la saga de Greengrass y Damon tras el descafeinado spin-off protagonizado por Jeremy Renner. Ellos decían que sólo volverían si lo hacían juntos y con algo nuevo que contar, y parece que ese algo tendrá ecos del caso Snowden, cuyo biopic dirigido por Oliver Stone también llegará este año. Con James Bond volviendo a sus raíces y Ethan Hunt consolidando cada vez más su Misión: Imposible, habrá que ver cómo Jason Bourne reivindica su estatus de adalid del thriller de acción contemporáneo. También hay mucha curiosidad por ver cómo luce Santa Cruz de Tenerife emulando a Grecia en pantalla, las cosas como son.
Estreno en USA y España: 29/07/16

 

3. Carol
Dir.: Todd Haynes
Int.: Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Sarah Paulson, Jake Lacy, Cory Michael Smith, Carrie Brownstein
¿De qué va?: En la Nueva York de los años 50, una joven escenógrafa se enamora de una elegante y sofitiscada mujer a la que conoce en los grandes almacenes donde trabaja como dependienta. A partir de ese encuentro casual, su vida ya no volverá a ser la misma.
El reclamo: Todd Haynes, que ya demostró su talento para el melodrama de época con Lejos del cielo y Mildred Pierce, adaptando un relato de Patricia Highsmith, y contemplar a Cate Blanchett y Rooney Mara viviendo un pasional romance a escondidas y ofreciendo dos de las mayores interpretaciones del año. Mara ya ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y se espera que tanto ellas dos como la película tengan una presencia destacada en los próximos Oscar. La película está llamada a consolidar el cine de temática lésbica, cada vez más prominente y visible.
Estreno en USA: 20/11/15
Estreno en España: 05/02/16
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2. Suicide Squad
Dir.: David Ayer
Int.: Margot Robbie, Jared Leto, Will Smith, Cara Delevingne, Joel Kinnaman, Jai Courtney, Viola Davis, Scott Eastwood, Jay Hernandez
¿De qué va?: Una agencia supersecreta del gobierno recluta a supervillanos encarcelados para ejecutar misiones muy peligrosas a cambio de una reducción de sus penas.
El reclamo: El muy esperando encuentro de Superman y Batman en la gran pantalla ha quedado un tanto ensombrecido ante esta reunión de supervillanos de DC Comics con un tono macarra y demencial que la aleja de la seriedad del film de Zack Snyder. No estamos seguros de si el Joker de Jared Leto convencerá a los fans y evitará que echemos de menos a Heath Ledger, pero todo apunta a que Margot Robbie como Harley Quinn será la auténtica estrella de la función, más que Will Smith, poco acostumbrado a participar en una producción que no gira en torno a él o en torno a algún miembro de su clan.
Estreno en USA: 05/08/16
Estreno en España: 19/08/16
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1. The Revenant
Dir.: Alejandro González Iñárritu
Int.: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Lukas Haas, Paul Anderson, Javier Botet
¿De qué va?: En la década de 1820, el trampero Hugh Glass resulta gravemente herido y abandonado a su suerte por un traicionero miembro de su equipo. Con su fuerza de voluntad como única arma, Glass deberá enfrentarse a un territorio hostil, un invierno brutal y los constantes enfrentamientos entre las tribus de nativos americanos, en una búsqueda implacable de venganza.
El reclamo: Tras ganar varios Oscar con Birdman, Iñárritu vuelve a demostrar que tiene un ego y una ambición a la altura de su indiscutible talento con una radical propuesta que augura asimismo un nuevo hito en la carrera del director de fotografía Emmanuel Lubezki. Siendo una película que ha recibido la calificación R en Estados Unidos (restringida a menores de edad) cabe hacerse tres preguntas, que nos podrían contestar aquellos impacientes que ya han tirado de internet para ver la película en dvdscreener. ¿Es verdad que al protagonsita lo viola un oso? ¿Será el 2016 el año en el que DiCaprio gane por fin la ansiada estatuilla dorada? ¿Qué pasará con esos memes a costa de su mala fortuna en los Oscar?
Estreno en USA: 25/12/15
Estreno en España: 05/02/16
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Tócala otra vez, Charlie Brown

Dir.: Steve Martino
¿De qué va?: Llega el invierno y con él, una nueva niña se instala con su familia frente a la casa donde reside Carlitos junto a su fiel perro Snoopy. Carlitos se queda tan prendado de su vecina que hará todo lo posible para detener su eterna mala fortuna, siendo ayudado por Snoopy, quien, además, se inspira en la situación para escribir su novela sobre la lucha de un piloto de guerra contra el malvado Barón Rojo.

Reseña: Tras la muerte de Charles M. Schultz en el año 2000, Snoopy, Charlie Brown y el resto de la pandilla que conforma tanto la tira cómica de Peanuts como El show de Charlie Brown y Snoopy, quedó relegada a objetos de merchandising y diseños de camisetas…. hasta ahora, pues coincidiendo con el 65º aniversario de su creación, se estrena su primera ventura cinematográfica. Soprende y alivia que, en estos tiempos en los que vivimos, se haya optado por una revitalización de la obra sin prostituir su esencia, como tantas otras adaptaciones de series animadas en las que creen que la clave de enganchar a las nuevas audiencias reside en pronunciar palabras “guays”, mezclar actores de carne y hueso con seres digitales y ponerlos a bailar el tema de moda. Lo peor es que la fórmula funciona, ahí está la infumable Alvin y las ardillas, que ya va por la cuarta entrega.

Pero que conste que Charlie Brown baila un machacón tema de Meghan Trainor en la película. Es, junto a la espectacularidad de las imaginarias aventuras en el aire de Snoopy, la única concesión moderna de un film que resulta un compendio de las historietas clásicas a las que homenajea, supeditando el 3D al proyecto y no al revés. Los personajes se mueven, actúan y gesticulan tal y como lo hacían en la serie, logrando una deliciosa combinación entre las dos y las tres dimensiones, y manteniendo intacto el espíritu de todos y cada uno de los personajes: la altivez de Lucy, la sabiduría de Linus, la pasión musical de Schoreder, el pasotismo de Peppermint Patty… y, por supuesto, la inseguridad crónica de Charlie Brown, siendo su lucha por reinventarse en un triunfador el motor de una película que recupera las mayores señas de identidad de su referente literario y televisivo, como esas voces inaudibles de unos adultos siempre fuera de campo o el reconocible tema musical de la cabecera de la serie.

Es quizás, ese respeto absoluto que mantiene el director Steve Martino sobre la obra de Schultz el que provoca que la cinta depare muy pocas sopresas, pues parece más un compendio de sus historias más populares que una película realmente original. Por ello, está especialmente indicada para aquellos fans nostálgicos que crecieron con las aventuras de Snoopy y Carlitos y para que nuevas generaciones de chavalines los descubran. A ellos es a quien va dirigido el mensaje de la película, una reivindicación de virtudes infravaloradas por la sociedad, que prefiere premiar la rivalidad y la excelencia por encima de la bondad, la honestidad o la solidaridad. Oajá que la pandilla de Peanuts pueda hacerse un hueco en los corazones de los más pequeños, copados por minions y princesas invernales, pues si algo se ha demostado con esta película, es que, sesenta y cinco años después, las melancólicas cavilaciones de Charlie Brown no pierden ni una pizca de su vigor.

8/10

La causa púrpura

Dir.: Sarah Gavron
Int.: Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson, Ben Whishaw, Meryl Streep, Romola Garai, Natalie Press
¿De qué va?: Maud Watts es una lavandera que, motivada en un principio por la curiosidad, se involucra con las sufragistas inglesas, aquellas mujeres que en los albores de la Primera Guerra Mundial lucharon por conseguir el voto femenino. Al ver que las manifestaciones pacíficas no servían de nada, estas mujeres volvieron su lucha más violenta, dispuestas a perderlo todo por su causa.

Reseña: Ojalá llegue el día en el que nos parezca mentira que derechos civiles como el matrimonio homosexual no existían en tiempos pasados. Justo como ocurre ahora cuando nos dicen que hubo una época en la que las mujeres no tenían derecho a votar. Sufragistas habla de una lucha no muy conocida pero cuya repercusión ha permitido que las mujeres españolas pudiesen acercarse a las urnas el pasado domingo, y nos recuerda que aún hay países en los que la batalla permanece activa. Ese valor histórico y social es el que convierte al film de Sarah Gavron en una película necesaria y didáctica, compensando sus carencias cinematográficas.

Una humilde lavandera, que se une a las sufragistas ante la posibilidad de un futuro mejor tanto para ella como para el resto de féminas, es el vehículo del que se vale la película para mostrarnos el calvario por el que tenían que pasar estas activistas, como el repudio social, la pérdida del empleo o una estancia en prisión. Por el camino, apunta a varias ideas interesantes, por ejemplo, cómo es el Estado quien tiene buena parte de culpa de que las manifestantes se radicalicen en sus actos, o que la lucha por los derechos sociales acarrea un gran sacrificio y años, e incluso décadas, para que se alcance el objetivo. Es una serie de reflexiones de fuerte carácter actual que surgen a partir de una película muy correcta y funcional, pero también previsible, construida sobre un esquema  narrativo muy sencillo e infalible,  pero carente de riesgo y sorpresas.

Como era de esperar, Carey Mulligan hace una gran interpretación, pero no será de las más memorables de su carrera. La dirección de Sarah Gavron es su peor enemigo, pues está más empeñada en agitar la cámara para patentar la agitación del conflicto que en regalarle unos primeros planos con los que la actriz pueda lucirse a gusto. Tiene algunas escenas dramáticas potentes, pero ninguna que entre en la consideración de "clip para los Oscar". Mulligan está respaldada de un estupendo elenco de actores británicos como Helena Bonham Carter, Ben Whishaw, Brendan Gleeson o Anne-Marie Duff, pero todos tienen escaso margen para el lucimiento al ser poco más que comparsas sin aristas de su protagonista. Lo de Meryl Streep no es más que un cameo/amadrinamiento, pero probablemente no haya una actriz más idónea para ejercer de guía espiritual de esta causa, siendo totalmente verosímil que movilice a todas esas mujeres en sus cinco minutos en pantalla.

Sufragistas es de esas películas que se hacen valiosas por lo que narran, pero no por cómo lo hacen. Sin duda alguna, la lucha de estas mujeres es algo que merecía ser inmortalizado en el cine, pero lamentablemente, la película no pasa de la corrección propia de una tv-movie de la BBC, con una ambientación de época y unas interpretaciones irreprochables, pero un guión que se limita a dar constancia de los hechos que narra, con un toque de panfleto político y  con la familiaridad a la que está acostumbrada el gran público. No estaría mal acordarse de las sufragistas cada vez que dudemos entre votar o no en cada período de elecciones.

6/10

Una vieja y renovada esperanza

Dir.: J.J. Abrams
Int.: Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Adam Driver, Harrison Ford, Carrie Fisher, Domhnall Gleeson, Lupita Nyong'o, Andy Serkis, Peter Mayhew, Anthony Daniels, Max von Sydow, Gwendoline Christie
¿De qué va?: Treinta años después de la victoria de la Alianza Rebelde sobre Darth Vader y su ejército, una siniestra organización, la Primera Orden, ha surgido para poner en jaque a la Nueva República Galáctica. En el desértico planeta Jakku, una joven chatarrera llamada Rey se verá envuelta casi sin querer en una aventura que la reunirá con nuevos aliados y héroes veteranos en una carrera por salvar a la galaxia.

Reseña: La saga Star Wars es un fenómeno cinematográfico y cultural de calado intergeneracional. Cuando su séptimo capítulo da comienzo, con ese letrero azul que nos remite a una galaxia muy, muy lejana del pasado, seguida del título acompañado de su estruendosa y tan reconocible banda sonora, se iluminan los ojos tanto de aquellos fans de la saga desde su nacimiento en el año 1977, como de aquellos que la descubrieron tiempo después en su reestreno restaurado (como es mi caso) y de los que se sumaron después, a través o no de sus infames precuelas. El director del nuevo comienzo, J.J. Abrams, ha dicho en varias ocasiones que la saga pertenece en los fans, y eso es precisamente su séptimo episodio: una película para ellos, pero también para atraer a nuevos y jóvenes espectadores a la Fuerza.

Al igual que hizo Jurassic World, Star Wars saca mucho provecho del 'factor nostalgia', pero lo gestiona de forma más sutil y dosificada, siendo lo más evidente su estructura narrativa, prácticamente idéntica a la de Una nueva esperanza, con los personajes originales pasando el testigo de sus funciones a las nuevas incorporaciones, y pasajes que también remiten a El imperio contraataca. Tras la mala fama cosechada por su trilogía de precuelas, Abrams ha decidido sabiamente tomar como referencia las películas precedentes, limitando la presencia de los escenarios y criaturas digitales para centrar la atención en la presentación de los nuevos personajes y en las relaciones que se forjan entre ellos. El único rastro de la obsesión de George Lucas por las maravillas de la era digital reside en dos personajes generados completamente por ordenador que, precisamente, resultan ser lo más artificial de un espectáculo que apuesta por recuperar lo viejo y darle una pulida en su justa medida.

Presentar una nueva generación de héroes y villanos que tome el revelo de unos personajes tan queridos como los de esta saga es un trámite muy complicado, pero el excelente trabajo de casting realizado en esta producción resulta incuestionable. Daisy Ridley, John Boyega y Oscar Isaac están a la altura de las circunstancias; sus personajes están tan bien introducidos y la interacción entre ellos tan conseguida que consiguen eclipsar las esperadas reapariciones de Han Solo, Leia y el resto de la tropa original, aunque Harrison Ford se mantenga en plena forma y se muestre totalmente entregado a su icónico personaje, mucho mejor recuperado que Indiana Jones. No obstante, es Daisy Ridley quien ha salido de la nada para convertirse en la dueña y señora de la galaxia, acompañada de un nuevo robot, BB8, que se convierte en el auténtico robaescenas de la película. También merece una mención especial el Kylo Ren de Adam Driver, pues han sabido aprovechar el hándicap de la alargada sombra de Darth Vader para otorgarle un cariz diferente y sumamente interesante al nuevo gran villano de la saga.

El despertar de la Fuerza es tan sumamente entretenida como cualquier entrega de la saga y es mejor que el trío de precuelas, pero sin alcanzar las cotas legendarias de los episodios IV y V. Está tan preocupada por contentar a los fans que procura no tomar ninguna decisión arriesgada que les pueda enfurecer, y eso le da poco margen de maniobra para ofrecer momentos tan genuinos como los vividos en aquellas películas. No obstante, se alza ante todo como un estupendo relanzamiento de la franquicia, con las dosis de aventura, acción, humor y tragedia familiar que los fans demandaban para mantener muy viva su pasión, y para que todos nos mantengamos en vilo y expectantes hasta el próximo episodio del culebrón intergaláctico más adictivo de la historia. Star Wars ha vuelto para quedarse… ¿pero acaso se había ido?

8/10

Nunca Jamás ya no es lo que era

Ya que Disney se está haciendo de oro sacando versiones en carne y hueso de sus clásicos animados, los demás estudios de Hollywood no quieren ser menos y se han sumado al carro de los cuentos que cobran vida. A la espera de que Universal muestre su versión de La Sirenita, Warner se ha atrevido con una nueva película de Peter Pan, y digo atreverse porque, salvo por la cinta animada de Disney, todas y cada una de las películas sobre el niño que no quería crecer han sido veneno para la taquilla, y Pan: Viaje a Nunca Jamás no ha sido menos: 126 millones de dólares recaudados a nivel mundial para un presupuesto de 150. Eso tuvo que doler.

Con estos datos, se esfuma la intención de sacar adelante una nueva franquicia cinematográfica. ¿Acaso se estrena hoy en día algún blockbuster sin tal intención? El fracaso de Pan ha sido fruto del hartazgo del público ante el enésimo intento de Hollywood por vender algo conocido de forma perezosa, bajo el barniz comercial de moda. Y eso que la película no está tan mal. Tanto su director, Joe Wright, que tiene talento para mejores cosas que para este tipo de encargos, como su reparto, insufla de energía y vitalidad a una función cuyo problema radica en su propia concepción, en un guión que imagina cómo llegó Peter Pan al país de Nunca Jamás tirando de manual y de conceptos manidos del género épico y fantástico. ¿Cuántas películas llevamos que giren en torno a la profecía de EL ELEGIDO que llegará para acabar con la tiranía y salvar el mundo de su opresión? Demasiadas.

La película se olvida convenientemente de la tesis de la obra original de J.M. Barrie, sobre el refugio en la eterna infancia como negación de la realidad, para centrarse en un incipiente héroe en busca de su madre desaparecida (otro tema sobadísimo) al tiempo que entabla amistad con Tigrilla y su futuro enemigo, Garfio. El mayor problema de Tigrilla no es que Rooney Mara sea demasiado blanca para dar vida a una india aborigen, sino una caracterización tan plana y simplona que la convierte en un personaje anodino, sin nada especial que la caracterice, al igual que ocurre con el Barbanegra de Hugh Jackman.

El debutante Levi Miller resulta ser un Peter Pan competente, mientras que Garrett Hedlund es quien le pone más ganas, pero por desgracia para él, continúa una inmerecida mala racha a la hora de buscar franquicia cinematográfica, tal y como le ocurrió con Tron: Legacy. El origen de la enemistad entre Peter Pan y Garfio, reservada para esa secuela que nunca llegará, habría sido una historia más atractiva que la que vemos aquí, en la que las virguerías visuales de Wright son encomiables pero acaban agotando por acumulación. Al menos, es razonablemente entretenida, y debería servir para que en los despachos de Hollywood se lo piensen dos veces antes de invertir millonadas en refritos tan descaradamente inanes.

5'5/10

La tragedia de hacer lo correcto

Creador: David Simon
Int.: Oscar Isaac, Carla Quevedo, Catherine Keener, Alfred Molina, Winona Ryder, Ilfenesh Hadera, Natalie Paul, Peter Riegert, LaTanya Richardson Jackson, Josh Salatin, Michael Stahl-David, Bruce Altman
Emisión: 2015, HBO
6 episodios

¿Existen los políticos honrados? ¿El político corrupto nace o se hace? ¿Se puede gobernar a favor de toda la ciudadanía? Son preguntas eternas que cobran más importancia que nunca en tiempos de elecciones, cuya respuesta toma un cariz pesimista cuando las promesas electorales se pierden como lágrimas en la lluvia en el momento en el que los partidos políticos alcanzar el ansiado poder. Nada es blanco y negro, aunque algunas veces lo olvidemos, pero por suerte hay historias, como las que nos trae David Simon con Show Me a Hero, que nos permite volver a recordarlo y reflexionar sobre ello.

El creador de The Wire, esa serie que unos veneran y que a otros nos avergüenza admitir que nunca hemos visto, sobre todo por pereza, es el artífice de esta miniserie de seis episodios basada en los hechos reales que acontecieron en Yonkers (Nueva York) entre 1987 y 1993. El político demócrata Nick Wasicsko es elegido alcalde en medio de una vorágine social, a raíz de una sentencia judicial que obliga a Yonkers a construir 200 viviendas protegidas en diferentes barrios de clase media y predominancia de blancos. Si bien Wasicsko se vale del descontento de buena parte de la población para prometer en campaña que apelará en contra de la sentencia, en el momento en el que debe jurar su cargo descubre que si no la acata la ciudad podría entrar en quiebra, así que decide cambiar de postura, colocándose en el centro de las críticas de la oposición y de la opinión pública.

La serie divide su atención en tres frentes: en primer lugar, la lucha de Wasicsko por convencer a sus compañeros y a los ciudadanos de que deben aceptar la decisión del juez, y de cómo afectó esa polémica a su carrera política; en segundo lugar, en aquellos que se manifestaron por activa y por pasiva en contra de la creación de viviendas, sobre todo en la figura de Mary Dorman (la siempre estupenda Catherine Keener), una mujer que aprovechó su exceso de tiempo libre para formar parte del movimiento "Save Yonkers", y por último, en las familias que se beneficiarían de la orden de desegregación. El montaje alterno de la serie es muy interesante porque vemos que, mientras que la comunidad blanca centra sus esfuerzos en conseguir que se revoque la sentencia, la gente que habita en los guetos vive al margen, puesto que los problemas a los que se tienen que enfrentar ocupan toda su atención: exclusión social, marginalidad, drogadicción, delincuencia, penuria económica y problemas con los que tiene que lidiar cualquier hijo de vecino, sin importar el saldo de su cuenta bancaria o el color de su piel.

La miniserie tiene un valor didáctico que no pesa debido a la franqueza y la cercanía con la que aborda a los personajes. Durante su visionado, podemos darnos cuenta de varias cosas, como por qué alguien tan impresentable como Donald Trump tiene tantos apoyos en su candidatura como Presidente de los Estados Unidos. El personaje de Alfred Molina es su análogo, un político de personalidad tosca y polemista que se alimenta del odio, la rabia y la ignorancia de las masas para sumar votos y apoyos. Por otra parte, la evolución de cierto personaje también da esperanzas de que abrir una mentalidad hermética es posible, aunque no sea fácil, pues con las palabras no basta; se necesita tiempo y experiencias de primera mano para que el cambio se produzca. Y en medio del bien y del mal, se encuentra Wasicsko, al que hace referencia el título de la miniserie, sacado de la cita "Enséñame un héroe y te escribiré una tragedia" de F. Scott Fitzgerald. El protagonista de esta historia es un entusiasta de la política que, durante su rápido ascenso a lo más alto y su posterior caída, descubre que hacer lo correcto no implica necesariamente reconocimiento o popularidad ni a corto ni a largo plazo.

Oscar Isaac encarna un personaje cuyo conflicto recuerda al que encarnó en la no menos sensacional El año más violento, el de cómo alcanzar el éxito profesional sin perder la integridad. Su interpretación, tan medida, rotunda y visceral como nos tiene acostumbrados el actor guatemalteco, es uno de los grandes placeres que ofrece Show Me a Hero, junto a muchos otros como la presencia de Winona Ryder, a quien siempre es un placer ver en productos de calidad como este, o la transformación que se produce en el propio espectador durante su visionado, pasando de la indiferencia y el distanciamiento inicial a la creciente conexión emocional con los personajes y sus circunstancias, culminando en un final que choca por cómo terminó este tinglado (eviten informarse sobre la historia real como puedan) al tiempo que consuela por albergar esperanzas sobre una sociedad mejor y más cívica. Tal vez aún falta mucho para que se resuelva la problemática de la tensión racial, pero la erradicación es posible. Show Me a Hero debería proyectarse en todos los colegios, institutos e universidades. Así de vigente y necesaria es.

O.C: El doctor Frankenstein (1931)

¿De qué va?: El doctor Henry von Frankenstein está enfrascado en un peligroso experimento: construir un ser humano a partir de trozos de cadáveres. Con la ayuda de su criado, se adentra en un cementerio de la localidad para reunir las partes que necesita, ignorando que el cerebro que va a utilizar en su experimento había pertenecido a un criminal.

Reputación: A comienzos de los años 30, Universal Pictures decidió hacer una película de terror basada en la novela de Mary Shelley Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), pero en vez de adaptar directamente el libro, lo que hicieron fue adquirir los derechos de una obra de teatro de Peggy Webling que a su vez se inspiraba en el relato de Shelley. James Whale dirigió el film, así como su primera secuela y la película sobre El hombre invisible (1933), otro de los monstruos clásicos del estudio. Una de las primeras opciones para encarnar al monstruo fue Bega Lugosi, que también dio vida al Drácula de la Universal. Sin embargo, el actor rechazó la oferta (algo de lo que admitió arrepentirse tiempo después) al no tener diálogos y tener que estar cubierto de maquillaje, y Boris Karloff fue finalmente el elegido, aunque su nombre no figura en los créditos iniciales de la cinta para mantener el suspense.

El aspecto del monstruo no es tal y como se describe en la obra original. Fue el responsable de maquillaje, Jack P. Pierce, quien aportó ideas como la cabeza plana, los electrodos del cuello, la vestimenta pobre y los párpados caídos. Esta caracterización se repetiría en las numerosas secuelas y nuevas versiones que llegaron a posteriori, como la celebrada La novia de Frankenstein (1935), El hijo de Frankenstein (1939), la paródica El jovencito Frankenstein (1974) o dos recientes versiones modernas a las que tanto la crítica como la taquilla les ha dado la espalda, Yo, Frankenstein (2014) y Victor Frankenstein (2015).

Comentario: ¿Qué decir de una de las películas que mayor repercusión ha generado tanto en la industria cinematográfica como en la cultura popular? Hoy en día pocos habrán visto la película, quizás por ello nos referimos muchas veces al monstruo por el nombre de su creador, pero todos nos conocemos la historia al dedillo y alguna vez hemos gritado el mítico "¡Está vivo!". Considerada en su momento como una auténtica película de terror capaz de sugestionar mentes como la de la pequeña protagonista de El espíritu de la colmena e inspirar a cineastas como Tim Burton, sus continuaciones se rindieron de forma progresiva ante su componente cómico y hoy en día es vista como una película de encanto sumamente naíf; mención especial merece el momento en el que utilizan a un muñeco de trapo para fingir la caída del doctor por el molino en llamas. El doctor Frankenstein será una película desfasada y ridícula para unos cuantos, pero también una joya y un referente del cine de terror y fantástico para los cinéfilos de pro.

Próximo visionado: Fresas salvajes (1957)

Gira de musculocas

Uno de los éxitos más sorprendentes y rotundos del año 2012 fue el de Magic Mike. La película de strippers masculinos de Steven Soderbergh amortizó con creces sus 7 millones de presupuesto con los 167 millones de dólares que recaudó a nivel mundial. Aunque una secuela no era necesaria, ya sabemos cómo funciona la industria, así que tres años después nos llega Magic Mike XXL, con el responsable de segunda unidad habitual de las películas de Soderbergh, Gregory Jacobs, ascendido a director, y sin uno de los grandes alicientes de la cinta original, Matthew McConaughey. Algo se tuvo que oler…

Tres años después de que Mike abandonara su vida como stripper, él y los Reyes de Tampa supervivientes se embarcan en un viaje hacia Myrtle Beach para realizar una última y espectacular actuación.  Y ya está, no hay más. Recuperando el espíritu de Spiceworld, Crossroads y otras road-movies infumables, la película sigue el viaje por carretera de estos chicos que, mientras discuten sobre si preparar números diferentes e innovadores (¡Hola A por todas!) y comparten traumas del tipo "no he tenido sexo en tres años", visitan una discoteca de ambiente, estampan su caravana contra un árbol, irrumpen en una reunión de señoras atiborradas de vino lideradas por Andie MacDowell y así hasta llegar a una convención de mujeres que creen que el feminismo consiste en cosificar a los hombres de la misma forma en la que estos lo hacen con ellas.

La Magic Mike original no era una gran película pero tenía sustancia, nos introducía en el mundillo del stripper masculino con una mezcla de admiración y patetismo, pero aquí no hay nada, sólo una excusa para volver a hacer dinero sin otra justificación que la de volver a mostrar a Channing Tatum, Matt Bomer, Joe Manganiello y compañía luciendo pectorales y movimientos de baile. Sí, se mueven muy bien, pero para eso mejor que hubiesen hecho un videoclip musical y no una película de ¡dos horas! basada en la nada absoluta. Incluso se rigen bajo la norma del mínimo esfuerzo al buscarle una nueva chica al protagonista (la siempre desaprovechada Amber Heard) prácticamente idéntica a la de la anterior película (Cody Horn), mientras que Jada Pinkett Smith no consigue estar a la altura de McConaughey como "madame del prostíbulo". Magic Mike XXL es un auténtico esperpento, y ni siquiera lo suficientemente divertida como para convertirla en una obra de culto a lo Showgirls.

2/10